ウーゴ・ロンディノーネ

ウーゴ・ロンディノーネ（1964年11月30日生まれ）は、スイス生まれの現代芸術家です。

ロンディノーネは、蛍光色に塗られた車ほどの大きさの石7個を高さ32フィート（9.8メートル）に積み上げた、一時的な大規模なランドアート彫刻「セブン・マジック・マウンテンズ」（2016年 - 2021年）で広く知られています。  ^[1]

ウーゴ・ロンディノーネは1964年、スイスのリゾート地ブルンネンでイタリア人の両親、ベニートとエウフェミア・ロンディノーネの元に生まれた。彼の父親はイタリアのマテーラ生まれ。マテーラは石灰岩の崖に築かれた古代都市で、メル・ギブソンの『パッション』やピエル・パオロ・パゾリーニの 『マタイによる福音書』の舞台となった場所であり、両作品によって宗教的な聖地としての地位を固めている。ベニート・ロンディノーネは石工で、手作業で石垣を築いていた。ベニートはマテーラの洞窟住居群で育った。マテーラの洞窟住居群は旧石器時代の洞窟住居群で、1993年にユネスコの世界遺産に登録されたが、ベニートが育った当時はまだコミュニティだった。環境は不衛生で危険であり、最終的にカルロ・レヴィが1945年にそこでの生活を記した「エボリに立ち寄ったキリスト」に対する抗議がきっかけとなり、政府はベニート・ロンディノーネの家族を含むマテーラのサッシの住民を近くの低所得者向け住宅に移転させた。ロンディノーネの父親の育ちはロンディノーネの仕事に大きく貢献し、彼の石を使った膨大な作品や南イタリアのオリーブの木への関心に影響を与えている。2013年のニューヨークタイムズの記事で、デビッド・コールマンは、ロンディノーネが革のストラップで首にかけ、家族に長年受け継がれてきた石灰岩について次のように書いている。「穴の開いた石、ウン・サッソは、一種の原始的なIDとして首にかけられていた。サッシで働くさまざまな労働者が、どの地主に縛られているかに応じて、24時間365日、さまざまな石を身につけていた。ベニートは幼い頃にその地域を離れていたため、一度もそれを身に着けたことはなかったが、彼の父フレデリコはそれを身に着け、息子に与えた。同様にフレデリコの父もそれを身に着け、彼に与え、その父もそれを身に着けていた。」^[2]ロンディノーネの7歳年下の弟ルカはブルンネンに住んでいる。ブルンネンでロンディノーネはフランス語、イタリア語、ドイツ語を話す3か国語で育った。

ロンディノーネは1983年にチューリッヒに移り、ヘルマン・ニッチュの助手となり、1986年から1990年までウィーン応用美術大学で学び、芸術家のブルーノ・ジロンコリに師事した。また、ウィーン応用美術アカデミーにも通い、エルンスト・カラメルに師事した。1985年、在学中に同級生のエヴァ・プレゼンフーバーと出会う。彼女は後にチューリッヒでロンディノーネの美術商となり、名目上の妻となる。

1997年、ロンディノーネはMoMA PS1の国際スタジオプログラムに受け入れられ、ニューヨーク市に移り住み、現在もそこで暮らし、仕事をしています。ニューヨークでは、アーティスト、作家、詩人のジョン・ジョルノと交際を始めました。2人は、ジョルノが参加していたセント・マーク教会での詩の朗読会で出会いました。ロンディノーネとジョルノは1999年の展覧会でコラボレーションし、それが2019年にジョルノが亡くなるまで続く恋愛関係に発展しました。

ロンディノーネは1990年代に芸術家として登場しました。^[3]彼の絵画は、明るい色彩の同心円状の標的の形のリングと、^[4]節くれだった木々の厳密に白黒の風景画で知られています。^[5]

1997年以来、ロンディノーネは多様な作品の中にサインを作るという手法を取り入れており、ポップソングや日常の叫びのフレーズを虹色に輝くネオンの彫刻に仕立てている。その中には「Hell, Yes」（2001年）がある。 ^{[6] [7]}別のインスタレーションシリーズである「Clockwork for Oracles」（2008-2010年）は、設置時に入手した地元紙のページを壁に張り付けたサロン風の鏡張りの作品である。^[8]

ロンディノーネは後に、青銅製の鳥（プリミティブ、2011年）、馬（プライマル、2013年）、魚（プリモーディアル、2018年）を含むシリーズを制作した。^[9]

ロンディノーネのトーテムのような像は、パリのチュイルリー公園（2009年）から横浜トリエンナーレ（2011年）まで、世界中で設置されている。 ^{[10] 2013年には}ロックフェラーセンターで「ヒューマンネイチャー」というインスタレーションを発表した。これは北ペンシルバニアの採石場から採れた荒削りのブルーストーンの板で作られた9体の記念碑的な像で、原始的な岩のトーテムに似ている。 ^{[11] [12]}同様に、「ソウル」（2013年）はニューヨーク州北部で採れたブルーストーンで作られた37体の像で、高さは3フィート弱から7フィート近くまで及ぶ。^[13]別の彫刻インスタレーション「孤独の語彙」（2016年）には、45体のピエロの彫刻が含まれ、それぞれに名前が付けられ、「起きる、座る、歩く、シャワーを浴びる」などの日常的な動作をしている姿で配置されている。^[8]

ウーゴ・ロンディノーネの公式作品索引を参照すると、彼の作品群は1988年に制作された石膏とワセリンで描いた花の彫刻シリーズに始まる。しかし、このアーティストが軌跡をたどるのは、一般的には、17世紀のオランダ美術とドイツのロマン主義の両方を彷彿とさせるスタイルで、インド墨で描かれた風景画からである。ウィーン郊外の田舎を散歩中に描いた下絵を基にしたこれらのノスタルジックな風景画は、彼の後の作品にも見られるいくつかの要素を導入した。手作りの「習作」に基づいて作品を制作するというプロトコル。独立した請負業者に委託された手順を含む可能性のある複数の「転送」または転送を経て、別のイメージを生み出す。単一のテーマのバリエーションへの魅力。特に、作品に付けられたタイトルの命名法によって伝えられる「サイクル」と「システム」の使用。そして最後に、自伝に関連する作品の制作。初期の風景画は、実は、アーティストのパートナーであるマンフレート・キルヒナーが1988年にエイズで亡くなったことへの反応として描かれたものだった。「エイズ危機の真っ只中、私は悲しみから目をそらし、自然の中に精神的なガードレール、慰め、再生、インスピレーションの場所を見つけました。自然の中では、神聖なものと俗なもの、神秘的なものと世俗的なものが互いに響き合う空間に入るのです。」^[14]最初の風景画は1989年2月23日に描かれた。ロンディノーネは、同年、スイスのルツェルン美術館で開催された展覧会で、3月、6月、10月にそれぞれ制作した他の3点を展示したが、この展覧会での彼のプレゼンテーション方法は、その後の展覧会の母体となったと言えるだろう。^[15]

ロンディノーネの展覧会は彼の作品と切り離すことはできません。その結果、作品はアーティストによって絶えず再発明されるプレゼンテーション形式へと進化します。作品が変化するのと同じように、彼は展覧会ごとにその「内容」と「容器」の展示方法を変更します。これらの変更はごくわずかな場合もあれば、逆に大きな変化を伴う場合もあります。新しい視点を開くことも、置き換えることもできます。また、各プレゼンテーションで、作品がこれまで一度も公開されたことがないかのように見えるように、「シナリオ」を練り上げることもあります。展覧会は、アーティストが相補的、あるいは矛盾するベクトルで遊ぶ方法でもあります。ロンディノーネが特定のコンテキストで公開する作品は、しばしば「反対の」提案と並置されます。これは彼の風景画に見ることができます。 1989年の展覧会では、彼の水墨画が「均質」な方法で配置され、1年後に同じ場所で開催され、1990年の風景画に捧げられた2回目の展覧会では、白く塗られた木の板で作られた一時的な壁の横にそれらの作品が展示されました。ギャラリーの入り口の延長であるこの壁は、展示システムをスペースのファサードから切り離し、「日常生活」から切り離して、精神的で内省的な瞑想につながる閉鎖的な性質を持つ一種の回廊を作り出し、風景画が暗示する世界と自然への開放性と強力なコントラストを提供しました。ロンディノーネが思い描いた最初の「壁」は、展示スペースが好ましい舞台と設定となる作品に新しい「主人公」または「人物」を招くことを可能にしました。

1991年にチューリッヒのヴァルヒェトゥルム画廊で最初の展覧会を開催し、ルツェルン美術館の「物語」を継承し、世界に開かれた風景と世界から切り離された空間によって形成される「二重性」を強調した後、1992年にロンディノーネは、断固として他者を描いた一連の作品、太陽の絵画を発表しました。独自の方法で精神的な引きこもりや「無分別な活動」に関連しているこれらの絵画は、もちろん、白黒の「具象的な」描画を、虹色で催眠的であると同時に「抽象的」な色彩スペクトルに置き換えているという事実を除けば、アーティストによって風景の延長と見なされています。遠い。夜のシーンの昼間の対応物のようなもので、ロンディノーネの作品で非常に顕著な対比の法則を再び反映しています。

1990年代は、目もくらむような作品の増加が特徴で、これはアーティストによってもたらされた「ドミノ効果」 ^{[16]と、彼の芸術に根茎的な視点を与える「形式としての展示」 [17]}によって促進された。太陽の絵画の周囲に明確に表れるさまざまな組み合わせを見るだけで、その幅広い可能性を評価できる。これらの絵画とは独立した他の「人物」も現れた。このことは、1995年にチューリッヒのヴァルヒトゥルムギャラリーで再び開催された展覧会「Cry me a river」とほぼ同じと思われる「heyday」の場合に顕著である。殺風景な環境に置かれたアーティストの彫刻的な自画像（ギャラリーでの以前の展示とは対照的に、もはや外部の都市景観から閉ざされた空間ではない）は、ヨリス=カール・ユイスマンスの1884年の小説「川の流れ」に登場する架空の人物、ジャン・デ・エサントにインスピレーションを得た作品であり、内向きになることや精神的撤退というアイデアのさらに別のバリエーションを提示している。

1990年代には、ロンディノーネの作品集に新たな「人物」が登場した。道化師だ。道化師は90年代初頭に彼の作品に登場し、その後、さまざまな媒体や表現方法で表現された。ドローイングや壁画、写真、ビデオ、パフォーマンス、インスタレーションや彫刻など、ここでもこのアーティストの驚くべき自由度が示された。例としては、2000年から2002年（砂漠以外にどこかがあったとしたら）と2014年から2016年（孤独の語彙）の間に考案された2つのハイパーリアリズム彫刻群があり、後者は展示スペース全体に散らばった45体の「受動的な」道化師で構成された壮大な作品である。「グループとして、45体の道化師は1人の人間を表し、その24時間の1日を45の在宅活動に分割し（...）、24時間のループのサイクルを作り出している」とロンディノーネは説明する。

時間は実際、このアーティストにとって繰り返し登場するテーマであり、孤独の語彙に見られるように、意外であると同時に意外な様相を呈することがある。ルドヴィコ・プラテージによれば、ロンディノーネは「自分の芸術を現実の時間の外に位置づけ、それを非時間的な次元に投影し、そこでは各観客が体験的な作品の中で自分自身の時間と空間を創造することができる。これは、誰もが人生や人間の状態について考えることができる総合芸術であり、アーティストが示唆するように、「外の世界から内なる世界への逃避」である」。そこから、彼の作品に遍在する時間性というテーマを通して、撤退や退却、そしてサイクルという概念の別の反復が見出される。

1990年代には、ロンディノーネは、すでに作品に登場していた、あるいは以前に作品に取り上げた2つのモチーフ、木と窓の探求も強化し、1997年にローマのガレリア・ボノモで開催された展覧会でこの2つがまとめられました。特定のモチーフに立ち返り、その視点を変え、新たな展開に導くことは、すべてこのアーティストの手法の一部であり、一連の作品が決して静止したものではなく、存続や変異、変容や変身、これまで想像もできなかった新たな対話を生み出す可能性があることを彼に示す方法です。1997年の木は粘着テープで「保護」されていますが、「保護」と「隔離」はロンディノーネの作品において繰り返し、非常に多様な適応を受けるプロセスでもあります。アーティストが考案した「物体」や「環境」に塗布されたさまざまな塗料の層が思い浮かびます。また、彼の作品に頻繁に登場する変装や茶番劇、マスクなどのテーマも思い浮かびます。

変装。それは敵対の原理に基づく分離、距離を生み出します。この概念は、アーティストの軌跡全体を横断し、定義します。一方には黒と白または灰色の色合い、もう一方には色。男性と女性。沈黙と音。昼と夜。開放と撤退。内側と外側。抽象と比喩。個人と非個人。プライベートとパブリック。そして、いずれの場合も、アーティストが選択または想像した「シナリオ」に応じて、これらの極性間の（不）接合と（非）浸透の点で微妙な変化があります。

21 世紀に入っても、展覧会やインスタレーションの数が増え続ける中で、作品群の増殖は続いており、アーティストはますます多様化する物語を育むことが可能になっています。ギャラリーやアート施設、都市空間や自然環境など、これらの展示は、キャリアの初めに確立された「ドミノ効果」を決して拡大し続けます。また、ロンディノーネは、芸術活動と並行して、キュレーターとして展覧会に携わり、敵対関係というテーマに触発されたビジョンを推進することで、業績リストに新たな業績を加えたことも特筆に値します。以前のアイデアの発展に合わせて、アーティストはこの時期に特定の「テーマ」や「モチーフ」を拡大し、それらを変化や変形、転移、生存現象にさらしながら、同時に新しいものも発明し、常に作品群間の対話を生み出すことに努めました。これらの多くはポストミニマリストの美学と関連しており、彫刻で表現され、時には音や言語の作品と関連し、状況に応じて閉じたり開いたりできる幾何学的形状を再考します。

この時期の形状や主題の中には、壁、窓、ドアなど、以前の作品の文脈にしっかりと位置付けられているものもありますが、まったく新しい方向性を示しているものもあります。壁、窓、ドアは、ロンディノーネにとって境界、通路を表すモチーフでもあります。境界。ある場所や雰囲気から別の場所や雰囲気に移動することを可能にする限界。それらは「隔離装置」となり、私たちを外界から切り離し、またあるときは外界に浸透させ、場合によってはこれらの「対立するもの」を相互に結び付けます。もう 1 つの繰り返しとして、いくつかの作品群は歴史的な芸術作品にリンクされており、たとえば金属製の窓 (最初に制作されたのは 2015 年から 2018 年にかけて) は、カスパー・ダーヴィト・フリードリヒの作品を参照しています。

ボブ・ニカスの言葉を借りれば、ロンディノーネの作品は「多くの中心を持つ拡張されたフィールド」だ。近年、このアーティストは、白黒の作品、グレーや「土っぽい」または鉱物的な色調の作品、そして多色の作品の対比によって、対照と反対の法則を主張し続けている。最初のカテゴリーには、2003年から2011年の間に制作された白い木々、2005年のインスタレーション「Thank you silent」、Poem（2006-2007年）と題された彫刻群、2008年から2012年に制作された星空の絵画、Moonriseマスクファミリー（2003-2005年）、または2015年の「幽霊のような」インスタレーション「Thanx 4 nothing 」が含まれる。より灰色がかった土っぽい鉱物的な色調では、2008年の雲とその日記、2010年から2011年のヌード、2011年の鳥などがある。 2013年から2014年の馬、2016年の魚、そして2013年以降に制作されたブルーストーンの「古風」で「非時間的」な彫刻の大規模なファミリー。色彩に関しては、アーティストの作品や展覧会のプレゼンテーションに浸透し続けており、当初「ニュートラル」な色調で制作された一連の作品に、より広い色彩スペクトルが定期的に適用されています。一例として、2021年にパリのギャラリー、カメル・メヌールで展示された蝋型裸婦彫刻が挙げられます。この作品では、裸婦の多色性が展示空間に反映され、作品とその背景の両方が輝きました。結論として、ロンディノーネの軌跡全般、特に多色作品の文脈では、山のファミリー（2015〜2018年）と尼僧+修道士（2020年）を挙げることができます。山々は、具象的なブルーストーン彫刻のカラフルで抽象的な代替物を構成し、一方で、ロンディノーネが作品で提起する精神的な問いを包含する修道女 + 修道士 (2020) は、その特徴である「矛盾した」ベクトルの多くを完璧に組み合わせています。塗装されたブロンズで作られたこれらの彫刻は、最初は石灰岩のモデルの形で考案され、アーティストは鉱物の世界からの起源と非常に人工的な色彩処理を同じ命題の中に組み合わせることができました。その中で、自然と文化が収束します。そして、ロンディノーネの美学の象徴となった形である円が再び現れます。

ロンディノーネはギャラリーで定期的に展示を行っているが、おそらく最も広く知られているのは、ヒューマン・ネイチャー（2014年）のような記念碑的なパブリックアート作品だろう。ヒューマン・ネイチャーは、ブルーストーンの巨石を積み重ねて作られた9つの巨大な塔で、2013年にニューヨークのロックフェラーセンターで行われた展覧会では、都市のストーンヘンジとして表現され、推定1500万人の観客を集めた。同数の観客が、セブン・マジック・マウンテンを体験している。これはロンディノーネがラスベガス郊外のネバダ砂漠に設置し、アート・プロダクション・ファンドとネバダ美術館が共同で発表した、豊かで鮮やかな色で塗装された石柱のインスタレーションである。屋上には「Hell NO! 」（ニューヨークのニューミュージアム）や「Breathe, Walk, Die」（上海のロックバンドミュージアム）などのスローガンが描かれた虹色のアーチのシリーズが進行中である。 2018年、テート・リバプールは建物の中庭に常設の屋外「山」彫刻「リバプール・マウンテン（2018）」を委託した。^[18]

アート・プロダクション・ファンド（ APF）とネバダ美術館の委託、制作、資金提供を受けた「セブン・マジック・マウンテンズ」は、マンハッタンのロックフェラー・センターという高度に人工的な環境に巨大な石の棒人間を配置したパブリック・アート・ファンドのプロジェクト、その逆、つまり自然環境の中に設置された高度に人工的なネオン・トーテムを表現している。 ^[1]

同様の彫刻である高さ35フィートのマイアミマウンテンは2015年に建造され、2021年12月現在、フロリダ州マイアミビーチのコリンズパークにあるバス美術館の外に設置されている。^[19]

ロンディノーネのニューヨークでの最初の住所は、2nd StreetとAvenue Bにあった元ローワーイーストサイドの舞踏室で、2003年にイーストビレッジのブロードウェイにロフトを購入するまでそこに住み、働いていた。2007年に、彼は39 Great Jones Streetの1階にあるスタジオロフトを購入した。今日、そこはPresenhuber Galleryのニューヨーク支部となっているが、ロンディノーネはそこの展示ウィンドウで他のアーティストの新作の展示プログラムを維持している。 ^{[20] 2011年に、彼は}ハーレムの2050 Fifth Avenueにある、20,000平方フィート（1,900 m ²）のかつての非聖化マウントモライアバプテスト教会を 280万ドルで購入した。^{[21] [20]}ロンディノーネの元妻Presenhuberは、ハーレムの自宅にある2つのアパートのうち、専用の階段とキッチンを完備した1つの家賃を支払っている。

2005年、アーティストとジョルノは、ニューヨーク州、ペンシルベニア州、ニュージャージー州の境界にあるデラウェア・ウォーター・ギャップ近くのペンシルベニア州バリービルに夏の家を購入した。その風景は、2つの新しい作品群に直接つながった。彼の最初の石の彫刻は、彼の父親がマテーラに建てたような壁から拾った石で作られた。近くの採石場は、2013年に ロックフェラー・センターのパブリックアート・インスタレーション「ヒューマン・ネイチャー」のために作った記念碑的なブルーストーンの彫刻につながった。

2014年以来、彼はロングアイランドのマティタックにある別荘に2つ目のスタジオを構え、流木を集めて船の彫刻を制作している。また、イタリアのマテーラにも不動産を所有している。^[20]

2014年、ロンディノーネはハウスNo.1の建設を完了した。これはアーティストが居住可能な総合芸術作品として構想したプロジェクトで、チューリッヒ近郊のヴュレンロスという小さな町の近くの森の空き地に建てられた。^[22]これは建築家アンドレアス・フーリマンとガブリエル・ヘヒラーと共同で建てられたもので、日本の影響とヨーロッパの工芸様式の要素を示す、さまざまな様式の影響の融合を表している。インテリアにはロンディノーネの芸術への直接的な言及があり、暖炉は鋳造青銅、鉛、塗料で作られた2008年の等身大のロンディノーネ作品STILL.LIFE. (JOHNS FIREPLACE)の「機能的なレプリカ」である。この家は、バレンシアガのクリエイティブ・ディレクターでヴェトモンの創設者でもあるジョージア人のファッションデザイナー、デムナ・ヴァザリアに売却された。

ロンディノーネは2007年にパリのパレ・ド・トーキョーで開催された展覧会「第三の心」でキュレーターとしてデビューした。この展覧会では、ジョン・ジョルノの70歳の誕生日を記念して開催されたこの展覧会の構想を自由に練ることができた。この展覧会では1960年代から2000年代初頭までの作品が展示され、ロンディノーネのキュレーションは批評家から好評を得た。^[23]

5年後の2012年、ロンディノーネはニューヨークのグラッドストーンギャラリーで「ザ・スピリット・レベル」を企画した。今回はジョルノの75歳の誕生日を祝うためだった。ニューヨークのグラッドストーンギャラリーの両支店で同時に開催されたこの展覧会には、「現代のニューヨーカーからあまり知られていないヨーロッパ人まで、世代的にも地理的にも幅広い」18人の「まったく異なる」アーティストの作品が含まれていた。 ^[24]ロンディノーネは、この展覧会のために、閉ざされた環境を作り出すという自身の手法を借用し、ギャラリーのドアをペイントして、外部からの光や邪魔という形での影響を排除した。カレン・ローゼンバーグはニューヨークタイムズ紙のレビューでこの展覧会を称賛し、「しかし全体として、「ザ・スピリット・レベル」は非常にこの世のものとは思えない喜びの庭園であり、アーティストが企画するグループ展の寿命を延ばすための優れた議論である」と書いている。^[25]

ロンディノーネは、2015年にウィーンのウィーン分離派展で、 3度目のキュレーターとしての取り組みとして、芸術家と詩人を集めました。ジョルノは、この展覧会に出展された唯一の詩人です。むしろ、このタイトルは、芸術と詩は相互に関連しているというロンディノーネの信念から来ています。同年、彼はパレ・ド・トーキョーに戻り、 「ウーゴ・ロンディノーネ：私はジョン・ジョルノを愛している」展をキュレーションしました。ロンディノーネは、ジョルノの作品やジョルノに関する作品を展示したこの展覧会のキュレーションに4年を費やしました。これには、アンディ・ウォーホルの1963年の映画『眠り』、詩人が眠っている映画、『皿を洗うジョン』が含まれていた。^[26]ロンディノーネは、2007年にジョン・ジョルノの暖炉の等身大のブロンズ像という自身の作品や、エリザベス・ペイトンが描いたジョルノの肖像画も展示した。ニューヨーク近代美術館の学芸員で、ロンディノーネとジョルノ双方の友人でもあるローラ・ホプトマンは、この展覧会について次のように語っている。「この展覧会は、ウーゴがジョンの並外れたキャリアに捧げた驚くべき献身を示すものであると同時に、ジョンがウーゴに生涯の仕事、つまり全作品を捧げてインスタレーションを作ろうと決心したことは、少なくとも近年の美術史では前例のない愛の行為だと私は信じています」とホプトマン氏は電子メールで述べている。「これは神話のようなものです。少なくとも、オー・ヘンリーの物語です。」^[26]

ウーゴ・ロンディノーネ「I ♥︎ John Giorno」は、ロンディノーネの2015年のパレ・ド・トーキョーでの展覧会の延長線上にあり、2017年にマンハッタン周辺の13会場で開催された18の「章」で構成されていました。「各章はロンディノーネによってデザインされた没入型インスタレーションの形をとっており、ジョルノの人生を特徴づけてきた一連の作品、関心、関係、またはコラボレーションに捧げられています。」^{[27]展覧会のために}ブルックリン・レールの特別版が制作され、展覧会カタログとして機能しました。

ロンディノーネは少なくとも200点の膨大な美術コレクションを所有している。その中にはサラ・ルーカスのペネトラリアシリーズ（2008年）の大きなピンクの男根像も含まれており、ロンディノーネの改装されたハーレム教会のリビングルームに展示されている。ロンディノーネは2012年にグラッドストーンギャラリーで開催された「ザ・スピリット・レベル」にルーカスのペネトラリアシリーズの作品を展示した。ハーレムの自宅にあるロンディノーネの浴室には、同じスイス人アーティストのウルス・フィッシャーが制作したステンドグラスの壁がある。^[28]

ロンディノーネの展覧会デビューは、1985年にチューリッヒのギャラリー・マルレーネ・フライで開催されたグループ展でした。ロンディノーネが本格的にデビューしたのは、1989年にルツェルンで開催された「クリスマス展」WEIHNACHTSAUSSTELLUNGでした。この複数のアーティストが参加した展覧会には、ロンディノーネの最も有名で精巧な作品群のひとつである風景画が3点含まれていました。ロンディノーネは、この年の2月に最初の大型風景画を描いており、このシリーズは最終的に103点の絵画を収録することになります。これらの風景画はインド墨で描かれており、ロンディノーネ自身の手で小さな中国製の筆で描かれています。ロンディノーネの風景画は実物から描かれたものではなく、「アーティストは、主に18世紀の作品から借りた個々のモチーフから森のファンタジーを編集していますが、イメージの出所を具体的に明らかにしていません。」^[29]ロンディノーネは自然の模倣的なビジョンを表現しようとはせず、特定の雰囲気に合ったイメージとモチーフをまとめています。デビュー以来数十年にわたり、ロンディノーネの風景画は、アーティストの作品の中でも永続的で賞賛される作品であることが証明されています。

1989年のこの活動開始以来、ロンディノーネは毎年、世界各地で少なくとも1回、多くの場合はそれ以上の展覧会を開催してきました。ロンディノーネがアートシーンに登場したのと同じ1989年、プレゼンフーバーはチューリッヒの非営利団体ギャラリー・ヴァルヒュトゥルムのディレクターに就任しましたが、その条件として、プロジェクトスペースで自身のプログラムを運営することも認められました。1991年、彼女は「I'm a Tree」と題したショーで、ロンディノーネがこれまでに描いた風景画を発表しました。このショーの後、プレゼンフーバーはヨーロッパとニューヨークでロンディノーネの作品を発表し続けました。1995年、プレゼンフーバーは再びギャラリー・ヴァルヒュトゥルムで「cry me a river 」というショーを開催し、ロンディノーネの彫刻的な自画像を発表する初の展覧会となりました。このインスタレーションはロンディノーネのより広い作品群を理解する上で欠かせないものである。なぜなら、それは彼の通常の芸術的操作方法の引き立て役として機能するからである。ロンディノーネは、窓を板で塞いだり、窓やドアを半透明のカラーフィルムで覆ったり、あるいは他の手段で外部を遮断するインスタレーションの中で「世界」を作り出すことで知られており、外部からの影響を排除した自己完結型のインスタレーションを作り出す。この作品はその逆で、内側にいる者と外側にいる者の両方が互いに関わらざるを得なくなり、両側にいる者を作品の参加者として枠組みに入れる。アーティストに似たぬいぐるみが展示スペースの壁にもたれかかって座り、大きな板ガラス窓を通して通行人の目に入る。この展覧会のタイトルは後に、彼の最初の象徴的なネオンサインである1997年の作品「CRY ME A RIVER」に借用され、ロンディノーネが展覧会、作品、詩で頻繁にタイトルを再利用している例である。

2007年、彼はウルス・フィッシャーとともに第52回ヴェネチア・ビエンナーレにスイス代表として参加しました。この機会に、ロンディノーネはアルミニウムと白のエナメルで作られた彼の代表的な鋳造オリーブの木のシリーズを制作しました。AIR GETS INTO EVERYTHING EVEN NOTHING (2006)、WISDOM? PEACE? BLANK? ALL OF THIS? (2007)、そしてGET UP GIRL A SUN IS RUNNING THE WORLD (2006)です。GET UP GIRL A SUN IS RUNNING THE WORLD (2006)は、以前、ロンディノーネが2006年11月にニューヨークのバッテリーパークにあるリッツカールトンプラザでクリエイティブタイムのアートオンザプラザと共同で行ったプロジェクトの一部として展示されました。イタリアの法律に従い、これらの型はロンディノーネの両親の故郷マテーラでゴムを使って現場で作られ、その後スタジオでワックスを通して最終的なアルミニウムの形にされます。「air gets into everything even nothing」（2006）は、このロックフェラーセンターのインスタレーションの一部であり、現在はデモインアートセンターのパーマネントコレクションの一部です。ニューヨーク市とデモインは、まったく異なる都市環境を表していますが、どちらの都市でも、「air gets into everything even nothing」は「時間、変位、そして自然環境と人工環境の関係」について疑問を投げかけています。^[30]

ロンディノーネのネオン彫刻「Hell, Yes!（2001）」は、2007年の開館から2010年までニューミュージアムのファサードに設置されていました。 ^[10]

有機的な世界を鋳造した彫刻はロンディノーネのキャリアを通じて登場し、特にstill.lifeシリーズでは、さまざまな一時的な物体をブロンズで鋳造して永久的なものにしています。2012年にニューオーリンズ美術館で開催された展覧会Lifelikeで、ロンディノーネはこのシリーズの最初の作品であるSTILL.LIFE. (FOLDED CARDBOARD) (2007)を展示しました。これは、折りたたんだ厚紙が地面に置かれ、壁に立てかけられているように見える作品です。2012年にルーヴェンのMミュージアムで開催されたThank you Silenceは、これらの保存された形に対するロンディノーネの関心を例示するものでした。そこでアーティストは、原始的な（2011-2012）59羽の鋳造ブロンズ鳥を展示しました。鳥はそれぞれアーティストの手彫りで、最終作品に彼の指紋が見えることからそれがわかります。 [ ^31]ロンディノーネは、1日に1羽の鳥しか作れないと制限していた。「この時間制限によって、芸術家は鳥の造形において素朴で子供らしい質を実現することができた。」^[31]

修道女＋修道士の作品は、2019年と2020年に制作された、石灰岩の鋳型から作られたツートンカラーのブロンズ彫刻のシリーズである。石灰岩で作られたこれらの像の構造は、アーティストの以前の作品と一致しているが、ロンディノーネのインスピレーションは20世紀初頭のイタリアの彫刻からも来ている。「これらの作品の創作は、ニューヨークのメトロポリタン美術館の中世彫刻​​部門へのロンディノーネの熱心な通いと、ジャコモ・マンズの枢機卿との強力な対決によって育まれたと説明する必要がある。その独特の現代性は、時間と分類に反する古典主義に浸透しており、必然的に彼の関心と一致していた。」^[32]

ロンディノーネは、これまで世界各国の主要施設で個展を開催しており、ルツェルン美術館（2024年） 、パリのパレ・ド・トーキョー（2018年）、オアハカのカーサ・ワビ財団（2018年）、カリフォルニア州バークレーのバークレー美術館およびパシフィック・フィルム・アーカイブ（2017年）、モスクワのガレージ（2017年）、マイアミのバス美術館（2016年）、パリのヴァンドーム広場（2016年）、ローマのトライアーノ市場（2016年） 、上海のロックバンド美術館（ 2014年）、シカゴ美術館（2013年）、ダラスのナッシャー彫刻センター（2013年）、ベルギーのルーヴェンMミュージアム（2013年）、アテネのキクラデス美術館（2012年）、ニューオーリンズ美術館（2012年）アールガウアー美術館、アーラウ、スイス (2010);ル・コンソーシアム、ディジョン (2004);オーストラリア現代美術センター、メルボルン (2004)。シドニー現代美術館 (2003);ジョルジュ・ポンピドゥー・センター、パリ（2003）。ウィーン美術館、ウィーン (2002)。およびジュネーブ現代美術センター (1996)。

エルフターマルッツヴァイタウゼンドゥンツヴォルフ（2015）は2015年にアート・バーゼル・マイアミで展示された。ビジネス・インサイダーは「アート・バーゼルで見た最もとんでもない芸術作品」のまとめにこの作品を含め、「自撮りに最適」だと評した。「鮮やかな色のレンガは実物よりも大きく描かれており、近すぎてリアリズムの錯覚が起こらない舞台セットのようだ。自立した特徴的な壁ほど現代的なものはないのに、原始的だ」^[33]

ロンディノーネのオークション最高価格は、2009年の「A DAY LIKE THIS.MADE OF NOTHING AND NOTHING ELSE」で、2018年11月にサザビーズで113万1000ドルで落札された。この作品は以前、パトロン、コレクター、美術館評議員のデイビッド・テイガーが所有していたもので、テイガーは高さ約17フィート、幅19フィートの鋳造アルミニウムと白エナメルの彫刻をニュージャージー州の自宅前庭に設置した。この作品は、「The History of Now: The Collection of David Teiger Sold to Benefit Teiger Foundation for the Support of Contemporary Art」の一環として販売された。 「A DAY LIKE THIS.MADE OF NOTHING AND NOTHING ELSE」の落札額は、ロンディノーネのこれまでのオークション作品の最高記録を上回った。その最高記録は、2011年6月にフィリップス・ド・ピュリ・アンド・カンパニーを通じて、同じくアルミニウムと白のエナメルで鋳造されたオリーブの木である2006年の「Get up girl a sun is running the world」で、864,340ドルで落札された。この作品は以前、ヴェネツィアのサン・スタエ教会で、第52回ヴェネツィア・ビエンナーレのスイス館の一部としてウルス・フィッシャーの作品とともに展示されていた。^[34]

ロンディノーネの代理人は、エスター・シッパー、ギャラリー・エヴァ・プレゼンフーバー（チューリッヒ、ニューヨーク）、^[35] サディ・コールズHQ（ロンドン）、^[36] ギャラリー・カメル・メヌール（パリ）、クッチェ・ギャラリー（ソウル）、クロバース（ウィーン）、グラッドストーン・ギャラリー（ニューヨーク、ブリュッセル）である。 ^{[37]彼の作品は、}ジョルジュ・ポンピドゥー・センター（パリ）、アルベルティーナ美術館（ウィーン）、イスラエル博物館（エルサレム）、ダラス美術館、カーネギー美術館（ピッツバーグ、ペンシルバニア州）、チューリッヒ美術館、ニューサウスウェールズ州立美術館（シドニー、オーストラリア）など、数多くの公的および私的コレクションに収蔵されている。

• パブリックアートファンド、理事（2014年より）^[38]
• ジョン・ジョルノ財団、会長^[39]

ロンディノーネの晩年の長年の恋人でありパートナーは、故詩人で活動家のジョン・ジョルノだった。2017年、ロンディノーネはマンハッタンの13か所で「I ♥ John Giorno」という展覧会を開催した。彼はこの展覧会をジョンへのラブレターの延長と呼んだ。^[40] 2人は1997年にロンディノーネが自分の展覧会の一つに参加するようジョンに依頼したことで知り合った。^[40]

2017年、ロンディノーネは高悪性度の膀胱がんと診断された。^[41] 2019年9月、アーティストはニューヨークのサザビーズで「STOP BLADDER CANCER」と題したオークションを開催した。ロンディノーネと他の14人のアーティストがオークションに作品を寄贈し、その収益はコーネル大学ウェイル医科大学の膀胱がん治療研究に寄付された。同大学ではロンディノーネ自身の腫瘍専門医がこの病気の治療法の開発に取り組んでいる。^[42]

• ローラ・ホップマン、エリック・ヴァーヘイゲン、ニコラス・ボーム、ウーゴ・ロンディノーネ、ファイドン、ロンドン、2022年。
• ライオネル・ボヴィエ、モーガン・ファルコナー、ウーゴ・ロンディノーネ：ピュア・サンシャイン、JRP |リンジャー、2018年。
• イヴォナ・ブラズウィック、アリソン・ジンゲラス、ウーゴ・ロンディノーネ：『ゼロは私のおへそに巣を作った』、JRP | リンギエ、2015 年。
• アグスティン ペレス ルビオ、マデリン シュプリ、ウーゴ ロンディノーネ: 鉛の夜、JRP |リンジャー、2010年。

• キャデラックランチ
• カーヘンジ
• プラダ マーファ
• アメリカ西部のランドアート
• サイト固有のアート

• ユタ州グローセニック。リームシュナイダー、ブルクハルト編。 (2005)。アート・ナウ（25周年記念版）。ケルン：タッシェン。 276–279ページ。ISBN 9783822840931. OCLC  191239335.

• パブリックアート基金主催、ロックフェラーセンターでのウーゴ・ロンディノーネ「ヒューマンネイチャー」
• アイオワ州グレーター デモイン パブリック アート財団、パパジョン彫刻公園にあるウーゴ ロンディノーネの 2005 ～ 2006 年の彫刻
• ウーゴ・ロンディノーネの詳細な経歴と展覧会情報
• パリのル・パレ・ド・トーキョーで行われたウーゴ・ロンディノーネの「THE THIRD MIND」のジョセフ・ネクヴァタルによるアートレビュー
• 「もし砂漠以外の場所があったら、水曜日」[1] カルダー家コレクション、ニューサウスウェールズ州立美術館
• ソマー現代アートギャラリーのウェブサイトの Ugo Rondinone アーティスト ページ