描画

描画は、道具を使って紙や他の2 次元の表面にマークする視覚芸術です。描画に使用する道具には、鉛筆、クレヨン、インク付きのペン、絵の具付きのブラシ、またはこれらの組み合わせがあり、最近では、グラフィック タブレット付きのコンピューター スタイラスやVR描画ソフトウェアのゲームパッドも使用されます。

描画用具は、少量の材料を表面に放出し、目に見える跡を残します。描画の最も一般的な支持体は紙ですが、厚紙、上質紙、木材、プラスチック、革、キャンバス、ボードなどの他の材料も使用されてきました。一時的な描画は、黒板またはホワイトボードに行うことができます。描画は、人類の歴史を通じて、公共の表現手段として人気があり、基本的な手段でした。アイデアを伝達する最もシンプルで効率的な手段の1つです。^[1]描画用具が広く利用できることから、描画は最も一般的な芸術活動の1つとなっています。

より芸術的な形式に加えて、描画は商業的なイラスト、アニメーション、建築、工学、技術描画で頻繁に使用されます。通常は完成作品を意図していない素早いフリーハンドの描画は、スケッチと呼ばれることもあります。技術描画を実践または作業するアーティストは、製図家、製図工、または製図者と呼ばれることがあります。^[2]

ドローイングは、視覚芸術における人間の表現方法の中でも最も古いものの一つです。一般的には、線や色調の領域を紙やその他の素材に描くことであり、視覚世界の正確な表現が平面上に表現されます。^[3]伝統的なドローイングはモノクローム、または少なくとも色彩がほとんどありませんでしたが、^[4]現代の色鉛筆画は、ドローイングとペインティングの境界に近づいたり、境界を越えたりすることがあります。西洋の用語では、ドローイングはペインティングとは区別されますが、両方の作業で同様の媒体が使用されることがよくあります。通常、ドローイングに関連付けられるチョークなどの乾いた媒体は、パステル画に使用されることがあります。ドローイングは、ブラシまたはペンで塗布された液体媒体で行われます。ドローイングにブラシを使用することは非常に一般的ですが、ここでは、線やハッチングを使用するプロセスが、何かをドローイングとして特徴付けます。同様の支持体は、同様に両方に使用できます。ペインティングでは、通常、準備されたキャンバスまたはパネルに液体塗料を塗布しますが、同じ支持体に最初に 下絵を描くこともあります。

デッサンには、観察、問題解決、構成を重視した探索的な要素が多く含まれています。また、デッサンは通常、絵画の準備にも使用されるため、両者の区別はさらに曖昧になっています。このような目的で作成されたデッサンをスケッチと呼びます。

描画には、人物画、漫画、落書き、フリーハンドなど、いくつかのカテゴリがあります。描画方法も、線画、点描、陰影付け、シュルレアリスムの手法であるエントピック・グラフォマニア（白紙の不純物の場所に点を付け、点の間に線を引く）、トレーシング（トレーシングペーパーなどの半透明の紙に、紙を通して見える既存の形状の輪郭に沿って描く）など、数多くあります。

素早く、未完成の絵はスケッチと呼ばれることもあります。

芸術以外の分野では、建物、機械、回路などの 技術図面や設計図は、印刷によって別の媒体に転写された場合でも、「図面」と呼ばれることがよくあります。

描画は人間の表現方法の中でも最も古いものの一つで、書き言葉よりも前から存在していたという証拠がある。^[5]描画は文字が発明される前から専門的なコミュニケーション手段として使われていたと考えられており、^{[5] [6]}約3万年前の洞窟壁画や岩絵（後期旧石器時代の芸術）によってそれが証明されている。 ^[7] 絵文字として知られるこれらの絵には物体や抽象的な概念が描かれていた。^{[8]新石器時代までに作られたスケッチや絵画はやがて様式化され、記号体系（}原文字）に簡略化され、最終的には初期の文字体系となった。

ヨーロッパで紙が広く普及する以前は、ヨーロッパの修道院の修道士たちは、上質紙や羊皮紙に描かれた装飾写本の下絵として、または最終的なイメージとして、絵を使用していました。絵は、発見、理解、説明の手段として、科学の分野でも広く使用されてきました。

観察結果を図に描くことは科学的研究の重要な部分です。

1609年、天文学者ガリレオ・ガリレイは望遠鏡で描いた図を通して、金星の位相の変化と太陽黒点について説明しました。 ^[9] 1924年、地球物理学者アルフレッド・ウェゲナーは、大陸の起源を視覚的に説明するために図を使用しました。^[9]

絵を描くことは、アイデアを視覚化し、創造性を表現する最も簡単な方法の 1 つであるため、芸術の世界で重要な役割を果たしてきました。歴史を通じて、絵を描くことは芸術実践の基礎と考えられてきました。^[10]当初、芸術家は絵を描くために木製の板を使用し、再利用していました。^[11] 14 世紀に紙が広く普及した後、芸術における絵の使用が増加しました。この時点で、絵は思考と調査のツールとして一般的に使用され、芸術家が最終的な作品を準備している間の研究媒体として機能しました。^{[12] [13]}ルネッサンスは、絵を描く技術の大幅な洗練をもたらし、芸術家が以前よりもリアルに物事を表現できるようにし、^[14]幾何学と哲学への関心を示しました。^[15]

初めて広く普及した写真の発明は、芸術の階層構造の変化をもたらした。^[16]写真は視覚現象を正確に表現する方法として描画の代替手段を提供し、伝統的な描画の実践は、特に西洋社会において、芸術家にとって不可欠なスキルとしてあまり重視されなくなった。^[9]

15世紀後半には、アルブレヒト・デューラーや、名前が知られている最初の北方彫刻家であるマルティン・ショーンガウアー（ 1448年頃- 1491年）などの芸術家や彫刻家の活躍により、デッサンが芸術形式として重要になった。ショーンガウアーはアルザス出身で、金細工師の家に生まれた。次の世代の巨匠であるアルブレヒト・デューラーも金細工師の息子だった。^{[17] [18]}

オールドマスターの素描は、制作された国の歴史や当時の国の基本的な特徴を反映していることが多い。17世紀のプロテスタント国家であったオランダには宗教的な芸術作品はほとんどなく、国王や宮廷もなかったため、ほとんどの芸術作品は個人的に購入されていた。風景画や風俗画は、スケッチではなく、完成度の高い芸術作品と見なされることが多かった。一方、イタリアの素描には、芸術の支援に大きな役割を果たしたカトリックと教会の影響が見られる。フランスの素描にも同じことが当てはまることが多いが、17世紀にはフランス古典主義^[19]の規律により、素描はバロック調ではなく、より自由なイタリアの素描の方が動きの感覚が豊かであった^{[20] 。}

20世紀にはモダニズムが「想像力豊かな独創性」を奨励し^[21]、一部のアーティストの描画へのアプローチは文字通りではなく、より抽象的になりました。パブロ・ピカソ、アンディ・ウォーホル、ジャン＝ミシェル・バスキアなどの世界的に有名なアーティストは、描画を彼らの実践の中心に据え、しばしば伝統的な技法を再解釈することで現状に挑戦しました^{[22] 。}

バスキアの絵は、インク、鉛筆、フェルトペンやマーカー、油性スティックなど、さまざまな媒体で制作され、ドア、衣服、冷蔵庫、壁、野球のヘルメットなど、手元にあるあらゆる表面に描かれました。^[23]

何世紀にもわたって、次のような著名な芸術家や製図家が輩出されてきました。それぞれが独自の描画言語を持っています。

• 14、15、16日:レオナルド・ダ・ヴィンチ^[24] •アルブレヒト・デューラー•ハンス・ホルバイン（子） •ミケランジェロ•ピサネロ•ラファエロ
• 17位：クロード・ジャック・ド・ゲイン2世・グエルチーノ・ニコラ・プッサン・レンブラント・ピーター・パウル・ルーベンス・ピーテル・センレダム
• 18位：フランソワ・ブーシェ、ジャン＝オノレ・フラゴナール、ジョバンニ・バティスタ・ティエポロ、アントワーヌ・ワトー
• 19位：オーブリー・ビアズリー•ポール・セザンヌ•ジャック＝ルイ・ダヴィッド•オノレ・ドーミエ•エドガー・ドガ•テオドール・ジェリコー•フランシスコ・ゴヤ•ジャン＝オーギュスト＝ドミニク・アングル•ピエール＝ポール・プルドン•オディロン・ルドン•ジョン・ラスキン•ジョルジュ・スーラ•アンリ・ドトゥールーズ ロートレック•フィンセント ファン ゴッホ
• 20位：マックス・ベックマン•ジャン・デュビュッフェ• MC エッシャー•アーシル・ゴーキー•ジョージ・グロス•パウル・クレー•オスカー・ココシュカ•ケーテ・コルヴィッツ•アルフレッド・クービン•アンドレ・マッソン•アルフォンス・ミュシャ•ジュール・パシン•パブロ・ピカソ•エゴン・シーレ•ジャン＝ミッシェル・バスキア•アンディウォーホル

媒体とは、インク、顔料、または色を描画面に届ける手段です。ほとんどの描画媒体は乾燥しているか（例：グラファイト、木炭、パステル、コンテ、シルバーポイント）、液体の溶剤またはキャリア（マーカー、ペン、インク）を使用します。水彩色鉛筆は、普通の鉛筆のように乾いた状態で使用し、濡れたブラシで湿らせてさまざまな絵画効果を得ることができます。非常にまれですが、芸術家は（通常は解読された）目に見えないインクで描画します。メタルポイント描画では通常、銀または鉛を使用します。^[25]よりまれに使用されるのは、金、プラチナ、銅、真鍮、青銅、ティンポイントです。

紙には様々なサイズや品質のものがあります。新聞紙のような品質のものから、一枚一枚売られている高品質で比較的高価な紙まであります。^[26]紙は質感、色合い、酸度、濡れたときの強度が異なります。滑らかな紙は細かいディテールを表現するのに適していますが、より「ざらざらした」紙の方が描画材料をよく保持します。したがって、より粗い材料はより深いコントラストを生み出すのに役立ちます。

新聞紙やタイプ用紙は、練習や下書きに便利です。トレーシングペーパーは、描きかけの絵を試したり、デザインをある紙から別の紙に移したりするために使用されます。カートリッジ紙は、パッド入りで販売されている基本的なタイプの描画用紙です。ブリストルボードやさらに厚手の無酸性ボードは、滑らかな仕上げになっていることが多く、細かい部分を描くのに使用され、湿った媒体（インク、ウォッシュ）を塗布しても歪みません。ベラム紙は非常に滑らかで、非常に細かい部分に適しています。コールドプレス水彩紙は、その質感から、インクによる描画に適しています。

酸性のないアーカイブ品質の紙は、新聞用紙などの木材パルプベースの紙よりも色と質感がはるかに長く保たれます。新聞用紙は、より早く黄ばんで脆くなります。

基本的な道具は、製図板またはテーブル、鉛筆削りと消しゴム、そしてインクで描く場合は吸い取り紙です。他に使われる道具は、コンパス、定規、三角定規です。定着剤は、鉛筆やクレヨンの跡がにじむのを防ぐのに使われます。製図用テープは、紙を描画面に固定するのに使われ、また、スプレーや飛び散った材料やウォッシュなどの偶発的な跡が付かないように領域をマスキングするのにも使われます。イーゼルまたは傾斜したテーブルは、描画面を適切な位置に保つのに使われます。この位置は、一般的に絵画を描くときよりも水平です。

ほとんどすべての製図家は手と指を使って媒体を塗布しますが、一部の障害者は口や足で描きます。^[27]

イメージに取り組む前に、アーティストは通常​​、さまざまなメディアがどのように機能するかを調べます。練習シートでさまざまな描画ツールを試して、値とテクスチャを判断し、さまざまな効果を生み出すためにツールをどのように適用するかを決定します。

画家の描くストロークの選択は、絵の見た目に影響します。ペンやインクの絵では、ハッチング（平行線の集まり）がよく使われます。^[28]クロスハッチングでは、2つ以上の異なる方向のハッチングを使用して暗い色調を作成します。破線ハッチング、つまり断続的に途切れる線は明るい色調を形成し、途切れの密度を制御することで色調のグラデーションを実現します。点描では、ドットを使用して色調、テクスチャ、陰影を作成します。色調を構築する方法に応じて、さまざまなテクスチャを実現できます。^[29]

乾いた媒体で描く絵でも、同様の技法がよく使われますが、鉛筆や描画スティックを使うと、連続的な色調の変化を実現できます。通常、絵はアーティストの利き手に基づいて塗りつぶされます。右利きのアーティストは、画像がにじまないように左から右に描きます。消しゴムを使うと、不要な線を消したり、色調を明るくしたり、はみ出したマークをきれいにしたりできます。スケッチやアウトラインの絵では、描かれた線は被写体の輪郭に沿っていることが多く、アーティストの位置にある光から投影された影のように見えることで奥行きが生まれます。

アーティストは、イメージの一部をそのまま残し、残りの部分を塗りつぶすことがあります。保存する領域の形状は、マスキング液でペイントするか、フリスケットから切り取って描画面に貼り付けることで、マスクが取り外されるまで表面を余分な跡から保護することができます。

画像の一部を保存する別の方法は、表面にスプレー式の定着剤を塗布することです。これにより、ゆるんだ素材がシートにしっかりと固定され、汚れが付くのを防ぎます。ただし、定着剤スプレーには通常、呼吸器系に害を及ぼす可能性のある化学物質が使用されているため、屋外などの換気の良い場所で使用する必要があります。

もう一つの技法は減法描画であり、描画面を黒鉛や木炭で覆い、その後消して画像を作成する。^[30]

シェーディングとは、紙の色調値を変化させて、素材の色合いや影の配置を表現する技法です。反射光、影、ハイライトに注意を払うことで、非常にリアルなイメージを表現できます。

ブレンディングでは、元の描画ストロークを柔らかくしたり広げたりする道具を使用します。ブレンディングは、グラファイト、チョーク、木炭など、すぐには定着しない媒体を使用すると最も簡単に行えますが、塗布したばかりのインクを湿っていても乾いていても、にじませて効果を出すことができます。シェーディングとブレンディングには、ブレンディング スタンプ、ティッシュ、練り消し、指先、またはこれらの組み合わせを使用できます。セーム革は、滑らかなテクスチャを作成したり、材料を取り除いてトーンを明るくしたりするのに役立ちます。グラファイトを使用すると、ブレンディングなしで滑らかな表面で連続的なトーンを実現できますが、この技法は手間がかかり、やや鈍い先端で小さな円形または楕円形のストロークを描く必要があります。

描画にテクスチャを加えるシェーディング技法には、ハッチングや点描などがあります。テクスチャは、他の多くの方法でも作成できます。紙の選択に加えて、描画材料と技法もテクスチャに影響します。テクスチャは、対照的なテクスチャの隣に描画すると、よりリアルに見せることができます。粗いテクスチャは、滑らかにブレンドされた領域の隣に配置すると、より目立ちます。同様の効果は、異なるトーンを近くに描画することによっても実現できます。明るいエッジを暗い背景の隣に描画すると、目立ち、表面から浮いているように見えます。

描画中に対象物の寸法を測定することは、対象物をリアルに表現する上で重要なステップです。コンパスなどのツールを使用すると、さまざまな側面の角度を測定できます。これらの角度を描画面に再現し、正確であることを確認するために再チェックできます。別の測定方法は、対象物のさまざまな部分の相対的なサイズを互いに比較することです。描画ツールに沿ったポイントに指を置くと、その寸法を画像の他の部分と比較できます。定規は、定規としても、比率を計算するデバイス としても使用できます。

人物のような複雑な形を描こうとするとき、まずは原始的な体積のセットでその形を表すと役に立つ。立方体、球、円柱、円錐の組み合わせで、ほとんどどんな形も表現できる。これらの基本的な体積を似姿に組み立てたら、その絵をより正確で洗練された形に仕上げることができる。原始的な体積の線は取り除かれ、最終的な似姿に置き換えられる。基礎となる構造を描くことは、具象芸術の基本的なスキルであり、多くの本や学校で教えられている。これを正しく適用すれば、細かい部分に関する不確実性のほとんどが解消され、最終的なイメージが一貫したものに見えるようになる。^[31]

人物画のより洗練された芸術は、解剖学と人体の比率に対する深い理解を持つ画家にかかっています。訓練を受けた画家は、骨格の構造、関節の位置、筋肉の配置、腱の動き、そして動作中にさまざまな部分が連動してどのように機能するかを熟知しています。これにより、画家は不自然に硬直した印象を与えない、より自然なポーズを描くことができます。画家は、特に肖像画を描くときに、被写体の年齢によって比率がどのように変化するかについても熟知しています。

線遠近法は、平面上の物体を距離とともに縮めるように描く方法です。建物やテーブルなど、あらゆる物体の平行な直線の各辺は、最終的に消失点に収束する線に沿っています。建物は平面と同じ高さに建てられているため、この収束点は通常、地平線上のどこかにあります。通り沿いの建物など、複数の建物が一列に並んでいる場合、建物の水平方向の上部と下部は通常、消失点に収束します。

建物の正面と側面の両方を描くと、側面を形成する平行線が地平線に沿った2番目の点（描画用紙の外にある場合もあります）に収束します。これが2点透視図法です。^[32]垂直線を地平線の上または下の3番目の点に収束させると、3点透視図法が作成されます。

奥行きは、上記の遠近法のアプローチに加えて、いくつかのテクニックで表現することもできます。同じ大きさの物体は、見る人から離れるほど小さく見えるはずです。したがって、カートの後輪は前輪よりもわずかに小さく見えます。奥行きは、テクスチャを使用して表現できます。物体のテクスチャは、離れるにつれて圧縮されて雑然とし、近くにある場合とはまったく異なる特徴を帯びます。奥行きは、遠くにある物体のコントラストを下げ、色の彩度を下げることによっても表現できます。これにより、大気のもやの効果を再現し、目の焦点が主に前景に描かれた物体に集中するようになります。

画像の構成は、芸術的価値のある興味深い作品を制作する上で重要な要素です。アーティストは、作品の要素の配置を計画して、視聴者にアイデアや感情を伝えます。構成によって作品の焦点が決まり、美的に魅力的で刺激的な調和のとれた作品が生まれます。

対象物の照明も芸術作品を作成する上で重要な要素であり、光と影の相互作用は芸術家の道具箱にある貴重な手法です。光源の配置によって、表現するメッセージの種類が大きく変わります。たとえば、光源が複数あると、人物の顔のしわが消えて、より若々しい印象を与えることができます。対照的に、強い日光などの単一の光源は、質感や興味深い特徴を強調するのに役立ちます。

物体や人物を描くとき、​​熟練した芸術家はシルエットの内側の領域と外側の両方に注意を払います。外側はネガティブ スペースと呼ばれ、人物と同じくらい重要な表現になることがあります。人物の背景に置かれた物体は、どこから見ても適切に配置されているように見える必要があります。

スタディとは、計画された最終イメージの準備として作成される下書きの図面です。スタディは、完成したイメージの特定の部分の外観を決定したり、最終目標を達成するための最善のアプローチを実験したりするために使用できます。ただし、よく練られたスタディはそれ自体が芸術作品になる可能性があり、スタディを完成させるには、何時間もの慎重な作業が必要になる場合があります。

視覚的に正確な絵を描く能力には個人差があります。^[33]視覚的に正確な絵とは、 ^{[誰が？ ]}「特定の時間と特定の空間における特定の物体として認識され、表現された物体では見えない視覚的詳細をほとんど追加せず、または視覚的詳細をほとんど削除せずに描画されたもの」と説明されています。^[34]

調査研究は、なぜある人が他の人よりも上手に絵を描くのかという理由を説明することを目的としてきました。ある研究では、描画プロセスにおける4つの重要な能力として、マーク作成に必要な運動能力、描画者自身の描画に対する認識、描画されるオブジェクトの認識、適切な表現決定を行う能力が想定されていました。^[34]この仮説に従って、いくつかの研究では、これらのプロセスのどれが描画の正確さに影響を与えるのに最も重要であるかを結論付けようとしました。

モーター制御

運動制御は描画プロセスの「制作段階」において重要な物理的要素である。^[35]運動制御は描画能力に役割を果たしていると示唆されているが、その影響は重要ではない。^[34]

感知

描く対象を知覚する能力は、描画プロセスにおいて最も重要な段階であると示唆されている。^[34]この示唆は、知覚と描画能力の間に強力な関係があることの発見によって裏付けられている。^[36]

この証拠は、ベティ・エドワーズの絵の描き方を解説した本『脳の右側で描く』の基礎となった。^[37]エドワーズは読者の知覚能力の発達に基づいて、絵の描き方を教える目的でこの本を書いた。

さらに、影響力のある芸術家であり美術評論家でもあるジョン・ラスキンは、著書『デッサンの基本』の中で、描画プロセスにおける知覚の重要性を強調しています。^[38]彼は、「十分に鋭敏に見れば、見たものを描くのはほとんど難しいことではないと私はほぼ確信している」と述べています。

視覚記憶

これは視覚的に正確な絵を描く能力にも影響を与えることが示されています。短期記憶は、描いている対象と絵自体の間を視線が移動するため、絵を描く上で重要な役割を果たします。^[39]

意思決定

芸術家と非芸術家を比較したいくつかの研究では、芸術家は絵を描くときに戦略的に考えることに多くの時間を費やしていることがわかっています。特に、芸術家は絵をどのように進めるかについてさまざまな仮説的な計画を検討するなどの「メタ認知」活動に多くの時間を費やしています。^[40]

注記

さらに読む

• エドワーズ、ベティ。『脳の右側で描く新しい絵』、ハーパーコリンズ出版社、第3版、2001年、ISBN 978-0-00-711645-4 
• ブロマー、ジェラルド F. 『Exploring Drawing』 マサチューセッツ州ウースター: Davis Publications 1988 年。
• ボドリーギャラリー、ニューヨーク、モダンマスタードローイング、1971年、OCLC  37498294。
• ホルコム、M. (2009)。『ペンと羊皮紙：中世の素描』ニューヨーク：メトロポリタン美術館。
• Hillberry, JD 『鉛筆でリアルなテクスチャを描く』 North Light Books、1999 年、ISBN 0-89134-868-9。 
• ランダ、ロビン。『散歩に一筋の線を引こう：創造性ジャーナル』ボストン：ワズワース、2011年。ISBN 978-1-111-83922-2 
• ローハン、フランク。ペン＆インクテクニック、コンテンポラリーブックス、1978年、ISBN 0-8092-7438-8。 
• ラスキン、J. (1857)。『描画の要素』。ニューヨーク州ミネオラ：ドーバー出版。ISBN 978-1-4538-4264-5 
• スピアーズ、ヘザー。『クリエイティブ・アイ』。ロンドン：アークトゥルス。2007年。ISBN 978-0-572-03315-6。 
• World Book, Inc. The World Book Encyclopedia Volume 5、1988年、ISBN 0-7166-0089-7。 
• ドローイング/シンキング：電子時代への挑戦、Marc Treib編、2008年、ISBN 0-415-77560-4 

ウィキメディア・コモンズには、描画に関連するメディアがあります。

無料辞書のウィクショナリーで「drawing」を調べてください。

Wikiversityには描画に関する学習リソースがあります

• 子どもの絵の発達のタイムライン
• 「On Drawing」は、アーティストのノーマン・ネイソンによる、描画の技術についてのエッセイです。2012 年 4 月 25 日時点のオリジナルからアーカイブ。
• プロジェクト・グーテンベルクのウォルター・クレイン作「線と形（1900年）」
• レオナルド ダ ヴィンチ: ウィンザー城王立図書館所蔵の解剖図、メトロポリタン美術館の展示カタログが PDF 形式で完全オンライン化 (優れた描画リソース)。
• レオナルド・ダ・ヴィンチ、マスター・ドラフトマン、展覧会カタログがメトロポリタン美術館から PDF 形式で完全にオンライン化されています (優れた描画リソース)。
• 中世の絵画 中世において、絵画が芸術的プロセスの一部としてどのように使用されていたかをまとめたものです。
• ガネーシャの描画はインドでよく使われる描画技法で、通常はガネーシャの全身イラストを描きます。ガネーシャの描画は、ガネーシャの像や信者がいる場所でよく行われます。