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| 北の魂 | ||||
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| スタジオアルバム | ||||
| リリース | 1995年7月3日 | |||
| 記録済み | 1994年10月[1] – 1995年2月 | |||
| スタジオ |
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| ジャンル | ||||
| 長さ | 64 : 01 | |||
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| プロデューサー |
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| ザ・ヴァーヴ年表 | ||||
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| ノーザンソウルからのシングル | ||||
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『ア・ノーザン・ソウル』（A Northern Soul）は、イギリスのロックバンド、ザ・ヴァーヴの2枚目のスタジオアルバムで、1995年7月3日にハット・レコードより発売された。デビューアルバム『ア・ストーム・イン・ヘヴン』（1993年）のプロモーションが大騒ぎになったことと、オアシスの友人たちが人気を集めたことで、ザ・ヴァーヴのメンバー間の関係は悪化した。オアシスのプロデューサー、オーウェン・モリスとつながった後、ザ・ヴァーヴはウィガンのリハーサルスペースに行き、次のアルバムの曲を書き、ウェールズのロコ・スタジオでレコーディングした。このセッションは、アシュクロフトが5日間行方不明になったことや、スタジオの芝生で車を大破させたとされることなど、当時浮上した数々の物語で悪名を馳せた。最初の3週間で、彼らは15曲を完成させた。この時点から、ギタリストのニック・マッケイブが、頻繁にパーティに出かけエクスタシーを摂取する他のメンバー、さらにボーカルのリチャード・アシュクロフトとモリスが叫んだり物を壊したりすることに疲れ果て結局、マッケイブは他のメンバーとは異なる勤務スケジュールとなり、バンドの他のメンバーが午後6時にスタートするのに対し、午前10時から11時にスタートすることになった。
オルタナティヴ・ロック、ブリットポップ、サイケデリック・ロック、サイケデリック・ソウルなど様々に表現される『A Northern Soul』は、一人の人間が様々な感情を経験することを中心に展開される、とアシュクロフトは語った。彼は6年間の交際関係に終止符を打った後、数週間かけて共同マネージャーのジョン・ベストの自宅の仮設スタジオでこのアルバムの曲を書いた。ザ・ヴァーヴは1995年4月にオアシスのサポート・アクトとしてイギリスでライヴを行い、その2日後にフランスでライヴを行った。しかし、マッケイブが用心棒との口論で負傷したため、1か月分のライヴがキャンセルになった。アルバムからのリード・シングルとして「 This Is Music」が1995年5月にリリースされ、1か月後に2枚目のシングル「 On Your Own」が続いた。ザ・ヴァーヴは1995年6月にイギリス・ツアーに乗り出し、その後グラストンベリー・フェスティバルとフェニックス・フェスティバルに出演した。彼らはアメリカツアーに出かけ、1995年8月までツアーを続け、その後イギリスに戻り、T in the Parkで演奏した。ツアー終了時にアシュクロフトはバンドからの脱退を発表し、マスコミはバンドが解散したかのように報じた。「ヒストリー」はアルバムからの3枚目で最後のシングルで、1995年9月にリリースされた。
『A Northern Soul』は音楽評論家から好意的なレビューを受け、その多くはアルバムの音楽的な深みを賞賛したが、歌詞の個人的な性質についてコメントする者もいた。ザ・ヴァーヴの回顧的なレビューや伝記も音楽に焦点を当てていた。アルバムは全英アルバムチャートで最高13位を記録し、 1998年には英国レコード産業協会（BPI）からゴールドディスクに認定された。アルバムからのシングル3枚はすべて全英シングルチャートのトップ40以内に入り、「History」が最高24位を記録した。Melody Maker、NME、Selectはアルバムをその年のベストリリースのリストに含めた。NMEはまた、オールタイムベストアルバム500のリストに含め、作家のコリン・ラーキンは著書『All Time Top 1000 Albums』（2000年）でアルバムを取り上げている。Musikexpress 、 Pitchfork 、 Spinによるブリットポップジャンルのベストリストに登場している。
背景
ザ・ヴァーヴは1993年6月、ヴァージン傘下のハット・レコードよりデビュー・スタジオ・アルバム『ア・ストーム・イン・ヘヴン』をリリースした。[2]全英アルバム・チャートで27位を獲得し[3]、グランジ全盛の音楽シーンに参入し、イギリスのバンド、ブラーやスウェードの台頭に対抗する存在となった。[4]その直後、フロントマンのリチャード・アシュクロフトは、続編をできるだけ早くレコーディングしたいと語った。[5] 1993年、バンドはアルバムのプロモーションとしてイギリス・ツアー、スマッシング・パンプキンズとのヨーロッパ・ツアー（この時点で彼らは次のアルバムの曲を書いていた） 、アセトンとのアメリカ・ツアー、そしてアセトンと新進気鋭のオアシスとのイギリス・ツアーで締めくくった。[6]オアシスと関係を持ったことで、ザ・ヴァーヴのトラブルメーカーとしての悪評はさらに高まった。[7] 1994年、ザ・ヴァーヴはヨーロッパツアーを行い、ロラパルーザの一環として米国中を旅し、レディング・フェスティバルを含む一連のヨーロッパのフェスティバルに出演した。[8]ロラパルーザに先立ち、コンピレーションアルバム『No Come Down』（1994年）が暫定リリースとしてリリースされた。ザ・ヴァーヴの米国レーベル、ヴァーノン・ヤード・レコーディングスのキース・ウッドは、バンドは当初この頃に2枚目のアルバムをレコーディングする予定だったが、代わりにロラパルーザに出演することを決めたと語った。[9]
この期間中、ドラマーのピーター・ソールズベリーが逮捕され、アシュクロフトが十分な水分を摂取していなかったために病院に運ばれるなど、メンバーを悩ませた問題があった。 [10]アメリカでのツアーの重圧は最終的にアシュクロフトとギタリストのニック・マッケイブに負担をかけ、2人の関係は悪化した。[11]その年を通して、ザ・ヴァーヴのメンバー間の人間関係は、友人であるオアシスの人気が急上昇したことに拍車をかけられて緩んでいった。オアシスのデビュー作である「Definitely Maybe」 （1994年）は、商業的には失敗した「A Storm in Heaven」よりもヒットチャートで好成績を収めた。 [12]作家のトレヴァー・ベイカーは、著書「Richard Ashcroft – The Verve, Burning Money & The Human Condition」 （2008年）の中で、 「Definitely Maybe」の人気を受けて、インディーズバンドの売上予測が大きく変化し、バンドがヴァージン・レコードの所属アーティストから外されずに済んだことを幸運だとする評論家もいると書いている。[注 1] オアシスとヴァーヴの両方のアートを制作したデザイン会社マイクロドットのブライアン・キャノンは、ハット・レコードのボスであるデイヴ・ボイドの頻繁なサポートが要因であると述べた。 [13]
執筆とモリスの関与
デビューアルバムのレコーディング以来、アシュクロフトは人生を変えるような経験をいくつかし、それが彼の作曲の原動力となった。1994年の終わり頃、アシュクロフトと恋人のサラ・カーペンターは、カーペンターがバンドのローディーのひとりで、アシュクロフトの親友でもあったアンディ・バークに夢中になったことで、6年間の関係に終止符を打った。[14] [注 2]アシュクロフトがこれに対処していたころ、ジョーンズも精神的な葛藤を抱えていた。[16]ジョーンズは、ロラパルーザやアメリカ全般の後、ウィガンの自宅に馴染むのに苦労していた。マッケイブも妊娠中の恋人モニカと別れ、周囲の人々に疲れ果てていた。[17]アシュクロフトは誰にも告げずにロンドンへ逃げ、その後田舎へ移った。[18]アシュクロフトは3ヶ月間ロンドンで彼女と和解しようとした。[19]その3ヶ月のうち2ヶ月間、彼は精神的にも肉体的にも疲れ切っていた。彼がバンドの他のメンバーと再会したとき、彼らは彼が感じていた感情を伝えてくれると感じた音楽を演奏しており、2つの側面を比較的簡単に融合させることができた。[20]アシュクロフトは、ラッシュのフロントウーマン、ミキ・ベレニと交際していたベストの家に6週間から8週間滞在した。ベストの居間にはベレニが曲作りに使っていた仮設スタジオがあり、アシュクロフトは彼女のアコースティックギターを借りて自分の曲を書くときに使っていた。[21]
バンドが2枚目のアルバムのプロデューサーを替えたいと思ったとき、オアシスのノエル・ギャラガーが『Definitely Maybe』の共同プロデューサーを務めたオーウェン・モリスを推薦した。[17] [注 3]モリス自身もロックンロールのライフスタイルについてザ・ヴァーヴと同様の見解を持っていた。[22]アシュクロフトは、モリスが自分たちと同年代で「ライフスタイル、音楽、あらゆること」においてバンドの他のメンバーと同じくらい熱心だったため、モリスを選んだと語った。 [23]メンバーは『A Storm in Heaven』で犯した過ちを繰り返さないようにしたかったため、スタジオに入る前に作曲に取りかかった。バンドはウィガンの以前のリハーサルスペースにこもり、アシュクロフトはそこを「ブラックホール、閉所恐怖症の穴」と呼んだ。[19]そのスペースは暗い工業用倉庫にあり、彼らはそれがインスピレーションの源であると感じ、アシュクロフトとマッケイブは個人的な問題を脇に置いた。[23]メンバーはさらなるインスピレーションを求めて夜中にドライブすることもあった。[19]アシュクロフトはキース・リチャーズから、ローリング・ストーンズがディーン・マーティンに馬鹿にされたという話を聞き、それを参考にして影響を受けた。「それが俺たちに起こったことだ...俺たちはただ『お前らなんかくそくらえ、俺たちはウィガンのブラックホールに潜り込んで、お前らが人生で聴いた中で最高の音楽を作るんだ』と思ったんだ」[24] 『Definitely Maybe』以降プロデューサーとしての知名度が高まったモリスは、バンドのリハーサル中にバンドを訪れ、聴いているものに熱狂した。[20]それは実り多い時期で、レコーディングに間に合うようにアルバム2枚分の曲ができていたのに対し、『A Storm in Heaven』の大部分はレコーディング中に作られた。[23]
録音
レコーディングセッションの当初の案は、レコーディング機材をリハーサルルームに持ち込むというものだった。そこが一番生産性が高く、雰囲気も良かったからだ。しかし、レコーディングにそこを使うのは現実的ではないと悟った彼らは、ウェールズのロコスタジオに決めた。[23] 『ザ・ヴァーヴ：ビター・スウィート』（1998年）の著者フィリップ・ワイルディングは、2枚目のアルバムのセッションは「ドラッグ漬けのジャムセッションが長引くレコーディングセッションと無謀な暴力行為に発展したという、ぞっとするような話と陰惨な噂話が組み合わさった」として神話化されたと書いている。 [25]ベイカーも同様の状況を伝え、共同マネージャーのジョン・ベストを特に取り上げて、精神病院を運営する狂人のような状況だと表現した。[26]作家のショーン・イーガンは、著書『ザ・ヴァーヴ：スター・セイル』（1998年）の中で、セッションについてさまざまな逸話がそれ以来出てきていると述べている。アシュクロフトがスタジオの芝生で借りた車を全損させたとされる話、バンドがしばしば1曲を何時間も演奏していたこと、アシュクロフトが5日間姿を消したこと、アルバムを締めくくる音を得るために10万ポンド相当のテープレコーダーを破壊すべきかどうかバンドが議論していたことなどである。[27]セッションを彼らと共同プロデュースしたモリスは、[28]バンドの演奏の音声を抑制し、味気ないものにしないことが自分の仕事だったと語った。[20]バンドとモリスは、スタジオでエンジニアのマーク・リーの支援を受けていた。[28]レコーディング・セッションを円滑にするため、バンドはスタジオにクラブのような雰囲気を醸し出すため、ずっと音楽を演奏し、エクスタシーを摂取し、インスピレーションを感じたときには素材に取り組んだ。[20]最初の3週間で、彼らは15曲を完成させた。対照的に『A Storm in Heaven』では、同じ時間で週に1曲しか作らなかった。[27]バンドがユニットとして完璧を目指したため、メンバー同士の関係は緊張していた。[29]この時点から、モニカとのトラブルで悩まされていたマッケイブが、他のメンバーが頻繁にパーティーに出かけることにうんざりし、状況は悪化した。[26]彼によると、アシュクロフトとモリスは怒鳴り散らし、物を壊していたという。ジョーンズは、モリスは「好きなだけ怒っていた」ので、彼らはモリスからの励ましなど必要なかったと言い、「すべてが...やりすぎだった」と付け加えた。[27]
ジョーンズはセッション中に何が起こったのか説明しなかったが、ボイドは、成長過程にある人々の集団とエクスタシーの摂取が組み合わさったものだと述べた。[27]バンドがスタジオに入るのをロックされたことがあった。ある従業員が、バンドがスタジオの設備に何か影響を与えるのではないかと心配したためである。[30]ボイドは、モリスもエクスタシーを摂取していたと述べた。モリスとバンドが毎日この薬物を摂取していた時期が3週間あった。[31]ある時、ベストがスタジオを訪れたところ、エクスタシーでハイになったモリスが、グラス一杯のアルコールを持ってレコーディングコンソールの上に立っていた。彼はすぐにその飲み物を部屋のガラスの壁に投げつけ、大きな弾丸ほどの大きさの穴を開けた。ベストはこの出来事を「狂気の沙汰」を伴う騒々しい祝賀会に参加することに例えた。[31]彼はメンバーが別々のスケジュールで活動していることに気づいた。マッケイブには子供がいたため、午前10時から11時に仕事を始めて、午後10時から11時に終わらせたかった。一方、バンドの他のメンバーは午後2時に起きて、午後6時にレコーディングし、翌朝の午前6時に終えた。マッケイブは感情的に取り乱し、音楽を作ることだけが彼らの唯一の共通点であるという段階に達したが、家庭での生活も同様に「悲惨で、どこにいても落ち着くことができなかった」と語った。 [21]リズムとリードギターの両方のパートを録音しなければならなかったため、セッション中は他のギタリストよりも多くの貢献を強いられた。イーガンは、これらのパートは「ザ・ヴァーヴの音楽の雰囲気の性質上、他のバンドよりもすでに複雑だった」と語った。マッケイブはパーティーを退屈で迷惑な気晴らしだと感じた。[31]
[スタジオに行って、]バンドが過剰の渦中にいることに気づきました。彼らは崩壊するか、自分自身を傷つける寸前でしたが、同時に「A New Decade」や「History」のような曲を聴くと、緊張感、ほとんど暗闇がそこにありました。本当にドラッグを摂取したセッションの典型的な高低があり、それが音楽に反映されていました。[32]
ヴァージン・レコードのマイルス・レナードがセッションを訪れた
アシュクロフトはロッキー・エリクソンやラブのアーサー・リーのようにドラッグの犠牲者になる寸前だった。カーペンターとの別れで精神的にダメージを受けていたが、それが助けにはならなかった。このことに気づいたアシュクロフトは取り乱していたが、同じくドラッグの犠牲者であるピンク・フロイドのシド・バレットの幻影を見てさらに取り乱すこととなった。この後、バンドはミュージシャンのヒーローたちの作品と同じくらい価値のある音楽を作ろうと、一度に何日もジャムセッションするという習慣に戻った。[33]曲作りを終えると、彼らはスタジオのラウンジでリラックスし、マイルス・デイビス、ファンカデリック、グラム・パーソンズなどを聴いた。[34]結局、全員が水曜日だけが仕事をする唯一の時間だという結論に達した。ベイカーによると、バンドは「3日間かけてピークに達し、次の3日間で落ち着く」という。 [ 21]これは、アシュクロフトがより自信を持ったソングライターになったことに起因している。カーペンターと別れた後は、スタイルの異なる楽曲を書いていたが、完成したバックトラックに自分の声を提供することに満足していた。 [21]ベイカーは、デビューアルバムは音楽マニアにアピールしたが、新しい楽曲はより直接的なものになったと述べ、[35]アシュクロフトは新しいアルバムで自分の歌詞がどのように発展していくかについて熱心だった。[36]ギャヴィン・ライトとロンドン・セッション・オーケストラが演奏した「ヒストリー」のストリングスは、ロンドンのアビーロード・スタジオのスタジオ2で録音された。[28]ここで、アシュクロフト、リアム・ギャラガー、そしてバンドのメンバー30人がこの曲に手拍子で参加した。[37]
モリスはバンドとしてのセッションに疲れ果てており、プロデューサーは「頭をぶち壊す」ので必要ないと言っていた。[26]ジョーンズによると、モリスは二度とザ・ヴァーヴと仕事をしないと叫び、セッションの終わりには辞める寸前だったという。[27]アシュクロフトは、モリスがバンドのメンバーのように関わってくれたことを称賛し、[26]自分たちが求めていたのは「極端な」プロデューサーだったと付け加えた。「オーウェンはレコードに個性をもたらしてくれた。[...] 彼は神経衰弱になりそうだったと認めていたが、それは称賛に値するパフォーマンスだったと思う」。[38]彼はこのプロセスを「狂気じみた、素晴らしい意味でもひどい意味でも。良い音楽と悪いドラッグと複雑な感情だけが作り出せる方法」だったと総括した。[23]アルバムのセッションからのアウトテイクには「The Rolling People」と「Come On」があり、どちらも1997年のレコーディングセッションで取り組まれた。[39]レコーディングのミキシングには2週間が費やされ、[40]ロコで行われた。[28]生のサウンドを保つため、トラックへのオーバーダブは最小限に抑えられた。最終ミックスは意図的に低音重視で、ベースとドラムはミックスの上位に配置され、イーガンは「CD時代の無味乾燥さとは相反するドキドキ感」と表現した。これもまた、ザ・ヴァーヴがインタビューで繰り返し言及した複雑な「ソウル」のコンセプトと結びついている。アシュクロフトは、リスナーが「長い間ベースとドラムを無視しすぎていた」と述べた。「私たちのアルバムでは、音量を下げなければならないが、それはクールだ。多くの優れたソウルレコード、スライ[ストーン]のレコードのように、ベースが重い...」[41]マッケイブは、適切に録音されると曲のエッジが失われると考えていたため、デモを好んでいた。デビュー作でレッキーと仕事をしていた時は譲歩せざるを得なかったが、モリスと仕事をしていた時は「サウンドをよりコントロールできた」と彼は語った。[41]その後アルバムはロンドンのタウンハウスでジャック・アダムスによってマスタリングされた。 [28]
作曲・作詞
タイトルと音楽
アルバムについて語るアシュクロフトは「作曲によって個人的に扉が開かれた。解放されたんだ。ツアー中はロックンロールの冒険に迷い込む。スターダストの旅に出るんだ。頭の中の邸宅で白いローブを着て『ウーマン』というロックオペラをやっている。でも家に帰ったらリーガル20枚とニプレスを手に取り、自分が何者かを見極める時だ。だから新しいアルバムにはもっと魂がこもっている。現代のノーザンブルースなんだ」と語った。[36]イーガンはアルバムタイトルの可能性があるのはヴァーヴが自分たちのサウンドを「根本的な誠実さの結果」と見なしていたからだと語った。 [42] musicOMHのベン・ホグウッドはタイトルがウィガンの血統に対する自信に満ちた宣言であると示唆し、それは「最終的には失敗する運命にある」とはいえ高貴な宣言だと語った。[43]彼は、この曲は1960年代のノーザン・ソウル・ムーブメントから取られており、「足だけではなく、体と心全体に衝撃を与え、芯から揺さぶる」と付け加えた。[43]アシュクロフトは、このアルバムはさまざまな感情を経験する一人の人物を中心に展開していると述べた。「美しく描かれ、次に高揚し、次に傲慢になる。その性格のすべての側面がノーザン・ソウルだ」。[42]イーガンは、このキャラクターはアシュクロフトの正体不明の人物であり、一部の批評家は「一人の『魂』が、このような荒涼とした歌詞を思いつくほどの苦悩を経験できるのか」と懐疑的だったと書いている。 [42]
Gigwiseのライター、AP Childsは『A Northern Soul』を「前作の夢想的な星空観察感と工業的な規模の苦悩に満ちた魅力を凌駕する」オルタナティヴ・ロック・アルバムだと考えた。 [44]彼は「Brainstorm Interlude」以外にはサイケデリックな音楽はほとんど見当たらないと述べた。 [44] Stylus MagazineのNick Southallは「モダンで都会的で苦悩に満ちたサイケデリック・ソウル」と呼び、 [45] SpinのAlex Pappademasはサイケデリック・ロックでありブリットポップだと考えた。 [46] Clarkeはブリットポップというタグを否定し、The Verveは音楽的にも視覚的にもそのジャンルとは何の関係もないと断言した。 [47] VanyalandのKayley Kravitzはブリットポップを再確認し、The Verveはブラーやラッシュが以前にやったようにシューゲイザーからブリットポップへと移行したと述べた。 [48]ベストは、このアルバムには相反する2つの側面があると述べた。「伝統的なヴァーヴのサイケデリックな曲もあれば、私が聞いた「ヒストリー」のような曲もあり、これはすごい！とても興味深い新しい展開だと思った」 。 [32]マッケイブは、2年間の『A Storm in Heaven』のプロモーション活動のおかげで、自分の演奏能力も向上したと感じていた。 [36]
ジョーンズは、これは文字通りのソウルミュージックではなく、彼らが「自分たちを表現し、心から演奏している」という点でのソウルミュージックであると説明した。「このアルバムの曲の多くはファーストテイクで、ただ感情に任せて演奏しているだけだ」。[42] PopMattersのライター、イアン・キングは、マッケイブのギター演奏がア・ノーザン・ソウルのサウンドに影響を与えていると書き、彼らの歴史において、アシュクロフトのソングライターとしてのスキルがバンドに浸透し始めた重要なポイントであると指摘し、「オン・ユア・オウン」と「ヒストリー」をその代表例として挙げた。彼は、どちらもスタイルが異なり、「オン・ユア・オウン」はスローテンポのアコースティックバラードで、「ヒストリー」はシンフォニックトラックであり、どちらもギターワークが少ないと述べた。キングは、マッケイブのギター演奏は、もともとアシュクロフトよりも、彼らが同世代のバンドから目立つようにするのに役立ったと語った。ア・ノーザン・ソウルは、アシュクロフトがヴァーヴのリーダーになったポイントを示した。[49]バンドでの通常の役割に加えて、メンバーは曲に追加の楽器を提供しました。アシュクロフトは「This Is Music」、「So It Goes」、「History」、「Life's an Ocean」でパーカッション、「On Your Own」、「So It Goes」、「History」、「Stormy Clouds」でアコースティックギター、 「No Knock on My Door」でエレクトリックピアノを担当しました。ジョーンズは「A New Decade」でパーカッション、「A Northern Soul」でキーボード、 「History」で12弦アコースティックギターを担当しました。マッケイブは「On Your Own」と「Stormy Clouds」でピアノ、「On Your Own」で12弦ギター、「So It Goes」と「Stormy Clouds」でアコースティックギター、 「So It Goes」でハモンドオルガン、「Stormy Clouds」でムーグシンセサイザーを担当しました。ソールズベリーは「A New Decade」「This Is Music」「So It Goes」「History」「Life's an Ocean」でパーカッションを担当した。[28]
テーマ
アルバムの歌詞で、アシュクロフトは、全体として「自分自身に問いかけている。『俺はいったい何者だ？』。俺は『This Is Music』で、ロックンロールの王様のように巨大なギターを身にまとって世界に堂々と立っている男なのか、それとも『A Northern Soul』で、酔っ払って絶望している男なのか、それとも『On Your Own』で、生と死の狭間にいる男なのか、それとも『Life's an Ocean』で、未来を想像して自動販売機で感情を買っている男なのか、この未来ショックの男なのか？でも、俺はそのすべてなんだ。自分の人格をあまりにも破壊するのは危険だが、それがまさにそれだった」と述べている。 [50]イーガンは、アシュクロフトの感情的混乱が1995年半ばまで公に知られていなかったため、このアルバムには「失恋」への言及があり、それが疑問を呼んだと指摘した。[18]メロディメーカー誌のジャーナリスト、デイブ・シンプソンとのインタビューの中で、アシュクロフトはジョーンズとこのテーマについて話し、メンバー間で激しい口論に発展しそうになった。[51]イーガンは、アシュクロフト、カーペンター、バークの三角関係が、アシュクロフトが以前に書いたどの曲よりも「はるかに文字通りで、はるかに感情的なインパクトがある」歌詞のアルバムになったと述べた。 [ 15 ]これは、政治的なトーンの歌詞を書いたり、ロマンスについて話したりすることを望んでいなかった『A Storm in Heaven』からの変化である。 [14] [注 4]彼は、これらの歌詞のおかげで『A Northern Soul』はコンセプトアルバムとして見られる可能性があると述べた。 [36]歌詞のトーンの変化について、イーガンは『A Storm in Heaven』は「スローガンと言葉遊び」を中心にしており、これは他のアルバムを聴いたり映画を見たりしたことによる産物であるのに対し、 『 A Northern Soul』では歌詞はアシュクロフトが直接体験した結果であると書いている。[36]アシュクロフトは、最初のアルバムの歌詞は非常に曖昧だったと述べ、歌詞の質を高めることを思いつくほどの出来事を人生で経験していないと思っていたが、デビューアルバムから2年の間に、さまざまな「物事」を目撃し、「音楽を聴くときは、そこにいた人の話を聞きたいし、彼らがそこにいなかったら興味がない、そして今はそこにいる」と気づいたと語った。[36]
アシュクロフトは、自分の発言を率直に表現すれば、他の人もそのわかりやすさに共感するだろうと考えた。[54]クラークは、1800年代後半から1900年代初頭にかけてのウィリアム・ブレイクの詩、特に詩集『無垢と経験の歌』に影響を受けたと述べた。ブレイクの著作は、ブレイクを尊敬していたオルダス・ハクスリーを発見することにつながった。[54]アシュクロフトは、カーペンターとの決別後に心を打つと考え、ブレイクの『ロンドン』からいくつかの詩節を借用したことがある。アシュクロフトは、母親のスペインギターで「ヒストリー」のデモを作る前に、ロンドンを何時間も方向を見失って歩き回った。意識の流れから自分の歌詞が生まれるまで、詩の詩節を意図的に引用したことを認めた。[55] NMEのライター、サイモン・ウィリアムズは、この借用を非常に批判し、「本当に！この善良な人に、あなたの最高級のビールを一杯持ってきてあげなさい」と述べた。[56]「A New Decade」では、アシュクロフトはバンドがこれまでに達成した成功を認め、「This Is Music」では音楽への関心を詳しく述べている。クラークは「On Your Own」は「感情の空虚さという概念を繰り返している」と述べ、「アルバムの大部分のカタルシス的な性質が彼に新たな希望を与えたようだ」と付け加えた。[57]ホグウッドは、 「A Storm in Heaven」ではアシュクロフトの声はアルバムの大きな音の中で埋もれ、ギターとベースと存在感を争っていたが、「A Northern Soul」ではこれが変わり、アシュクロフトの歌詞がかなり際立っていると述べた。[43]クラークは、バンドの「表面上はスピリチュアルで神秘的なイメージであるが、このアルバムの多くは実際には非常に日常的な問題に根ざしている」のは皮肉だと考えた。[54]
歌
トラック1～5
ベイカーは、オープニング曲「A New Decade」の最初の10秒間は、アシュクロフトの声がフェードインし、「どこか遠くで優しくウーウーと鳴る。そして突然、ギターが比喩的なドアを蹴破り、リチャードがまるで新しい時代の始まりを告げるかのようにタイトルを叫ぶ」という、映画「A Storm in Heaven」のサウンドに似ていると述べた。ベイカーは、過去の作品と比べて最も顕著な変化は、アシュクロフトのボーカルがミックスの中でより高く配置されている一方でギターが攻撃的に聞こえることだと指摘し、スペースロックのままだが、「 2001年宇宙の旅」ではなく「スターウォーズ」だと書いている。[58]キングは、少なくともリスナーが特定の心境に達するまでは、歌詞はポジティブに聞こえると述べた。彼は、曲全体で聞こえる緊急サイレンのような音を指摘し、バンドが「怒りと傷つき」を見せていることを示している。[49]この曲と次の曲で、アシュクロフトは不確かな方向性、将来の世代、孤立の恐怖、階級制度、無関心などに対する不安について語り、他のメンバーは「これまで以上に簡潔かつ断固とした態度で」歌い上げているとキングは書いている。[49]
ベイカーは、「This Is Music」には「すぐに明らかになった好戦的な精神」があると考えていた。「リチャードは、以前のように空や太陽について漠然とした決まり文句を歌うのではなく、突然現実の世界に語りかけていた」。[38]これはアシュクロフトの最初の政治的な歌であり、イートン校の卒業生と出会った後に生まれた。[注 5]アシュクロフトは、私立学校に通ったというだけで自分に開かれている機会の数に当惑した。彼は、それが他の人より90メートル先に人生の旅を始めるようなものだと考えていた。アシュクロフトは、この歌の語り手は、どんな状況でも欲しいものを手に入れるために戦わなければならない人だと述べた。彼は、上流階級の人々を軽蔑しているわけではないが、「彼らは馬鹿にしている」と付け加えた。[60] [nb 6]ベイカーは、階級について語るとともに、この曲はアシュクロフトが最後の交際を終えて以来独身であることについても語っており、アルバムの歌詞には彼の自信のなさが顕著に表れており、「しかし、録音された頃には、ドラッグで満たされた虚勢がミックスに加わっていた」と付け加えた。 [62]彼は、ボーカルはオアシスの影響が認められ、アシュクロフトがバンドリーダーの役割に就くにつれて「自信に満ち、傲慢に近い」サウンドになっていると述べた。 [38]アシュクロフトが初めてこの曲を聞いたとき、彼は曲が35分続き、ファンカデリックやジミ・ヘンドリックスのサウンドに似ていると言った。 マッケイブのギターの音は、1980年代初頭の3弦で調子が狂った鋳造アルミニウムギターを演奏した結果であり、ベイカーによると、このギターリフは「荒々しく金属的な音で、残忍な音楽にぴったり」だった。[58]
「オン・ユア・オウン」はバンド初のバラード曲で、[62]クラークは「人生の究極の孤独について不安な気持ちを残した」と書いている。[63]ベイカーは、この時期の彼らの音楽では珍しいが、後の音楽の方向性を示すものだったと述べている。 [62]一方クラークは、この曲は彼らの古い曲に近いと述べている。[64] この曲は、アシュクロフトが典型的なソングライターのようにギター、ペン、紙を持ってわざと座った初めての曲である。これは、ジャムセッション中にバンドの他のメンバーの前に立っていた以前のやり方とは対照的だった。[55]彼は他のバンドメンバーからほとんど意見を聞かずにこの曲を書いた。ベイカーは彼の声を「いつになく震えていた」と表現し、特にコーラス部分でファルセットを使うときにそれが顕著で、ソウルシンガー、特にアル・グリーンと比較される。[62]この曲では、アシュクロフトが自分の恋愛生活と、最終的には孤独に死ぬ可能性を嘆いている。[65]ベイカーは、この曲ではマッケイブの典型的なペダル強化ギター実験の余地があまりなく、バンドの残りのメンバーはアシュクロフトの声のバックグラウンドとしてのみ機能していると指摘した。彼によると、ボーカルは「突然ニックが占めていたすべてのスペースを要求し、最も特徴的な「効果」は曲の終わりに登場するチリンチリンというピアノだ」という。[62] 「So It Goes」はA Storm in Heavenのサウンドを思い起こさせる。[65]この曲では、アシュクロフトがギターの芝居がかった演奏で自己不信を露わにし、ヴァーヴの他のメンバーと自分との間に距離を置こうとしているとホグウッドは語った。[43]ベイカーは、この曲は標準に達していないと述べたが、これは曲の両側に配置されたトラックのせいだと述べた。[65]
Qのダニー・エクレストンは「A Northern Soul」がファンカデリックのサウンドを想起させると考えていた。[66]ベイカーは、この曲にはマッケイブがそれまでに作った中で最も独特なギターパートが含まれており、ジョーンズの参加により「ロックンロールらしいリフ、構造、メロディーが全くなく、完全にロックンロール」になったと考えた。[65]彼は、この曲がケミカル・ブラザーズの作品である可能性を示唆したが、「非常にゆっくりとしたペースで進んでいる。最後にギターがカモメの鳴き声に変化すると、最初のレコーディングセッションの多幸感が不穏な精神病に変わっていくのがほとんど聞こえるが、それでも信じられないほどのエネルギーを持っている」。[65]この曲は、前年オアシスがアメリカでツアーをしていたときにギャラガーが行方不明になったことをアシュクロフトが知ったことに影響を受けており、[42] [63]イーガンは、それが故郷に戻ろうとするノーザン・ソウルへの言及を説明していると述べた。[42]彼は、この曲のインスピレーションはギャラガーだけではないとも付け加えた。[42]この曲は多くの労働者階級のイギリス人、特に北イングランドの人々に言及しているとも述べた。[55]アシュクロフトは、この曲の語り手はパール・ジャムのエディ・ヴェダーよりもかなり傷つきやすいが、曲の終わりには「彼は周りを見回して『生き続けるのに忙しすぎる。生きるのに忙しすぎる』と言う。青い地平線があるはずだ」と語った。[55]
トラック6～12
ベイカーは「ブレインストーム・インタールード」はザ・ヴァーヴが「沸騰して狂ったように騒いでいる」曲だと考えていた。「素晴らしい瞬間もあるが、彼らは必死に音作りの海に浮かんでいる。曲を見つけようとジャムセッションをしているように聞こえるが、1曲も出てこなかったが、その結果生じたカオスは無視できないほど素晴らしかった」。[65]「ドライブ・ユー・ホーム」は、ア・ストーム・イン・ヘヴンの最後の曲「シー・ユー・イン・ザ・ネクスト・ワン（ハヴ・ア・グッド・タイム）」の流れを汲むカントリー・バラードで、[67]クリーブランド・シーンのジョナサン・コーエンは、クリス・アイザックの作品を彷彿とさせると感じた。[68]ベイカーは、この曲をスローテンポの曲で必要以上に長く続いていると感じ、「おそらく、一部の人たちにはアイデアが尽きているのではないかと思わせている」と感じた。[69]
ベイカーは「ヒストリー」がアルバムに合わないと考え、バンドの3枚目のスタジオアルバム「アーバン・ヒムス」（1997年）の方が良いと示唆した。[69]ベイカーは、この曲はバンドのキャリアにおいて重要な曲であり、ストリングスがレコーディングの特徴の一つとなった最初の曲だと語った。ストリングスのアレンジは、当時マッシヴ・アタックの「アンフィニッシュド・シンパシー」（1991年）に貢献したことで知られていたウィル・マローンが担当した。[70] [注 7]イーガンは、この曲を「バンドがこれまでにレコーディングした中で最も深い曲で、壮大なスケールの喪失と孤独の物語であり、痛々しいほど正直な歌詞が崇高なメロディーにのせられ、うっとりするようなストリングスがバックにしている」と見ていた。[55]アシュクロフトは、スタジオに入ったとき、後に「ヒストリー」となるメロディーの一部を持っていたと語った。午前3時にレコーディングしようとした時、「6分半が一気に溢れるように流れ出てきました」と彼は付け加え、何も変える必要はなかったと語った。午前6時までに、彼は建物の外で庭師がマッチ箱を振っているのに気づき、彼に演奏させた。[70]クラークは、歌詞は長年の関係の終焉についてであり、「おそらくリチャードがこれまで書いた中で最も直接的な歌詞でしょう」と語った。 [63]アシュクロフトは、この曲は「座って物事について考えた人。数週間酔っぱらって酒場に繰り出し、朝6時にビッグ・スターを聴くという典型的な段階を経た人。私は思う。[...] 私は愛を諦めていなかった」と説明した。[54]
「No Knock on My Door」では、アシュクロフトはリアム・ギャラガーのボーカルスタイルを真似している。ベイカーは、その比較が非常に強烈で、リスナーはアシュクロフトがギャラガーの典型的な姿勢である「マイクから少し離れ、マイクに寄りかかって両手を後ろに回し、自分の声を届けようと叫んでいる姿」を思い浮かべることができると語った。「ジョン・ベストが語った男らしさは完全に発揮されているが、彼が最後の力を振り絞っているのが聞こえる」[69]。一方、ウィリアムズは、アシュクロフトが「生々しいリフが周囲で揺れ動き破壊する中、コインランドリーにいるショーン・ライダーの真似」をうまくやっていると考えていた[71] 。
ベイカーは、アルバムの残りの部分では曲のエネルギーが落ちていると指摘した。[69]「Life's an Ocean」では、魂のない社会に生きる魂を持った男が描かれている。イーガンが書いたように、この人物の人間性は絶え間ない商業主義によって奪われている。その歌詞の1つは、バンドが全米をツアーしたことに影響されている。アシュクロフトは、アメリカで6週間過ごした後、広告が誰に売られているのかわからず、広告を見ることができなかったと語り、不安になったと述べた。[59]彼は、この曲は「感情の限界に達した」男のスタンリー・キューブリック風の未来像となっていると付け加えた。 [54]キングは、この曲を作っているとき、アシュクロフトは自動販売機で感情を買う必要があることに苦しめられる夢を見るほど疲れていたと語った。[49]コーエンは、この曲は「ファンキーな、ラシャス・ジャクソン風のリズム」で始まり、曲の途中でマッケイブのワウワウ効果のあるギターパートが続くと述べた。[68]
ベイカーは、「Stormy Clouds」が「Life's an Ocean」と同じテーマを継承しているが、より良い方法で伝えていると感じた。「リズムセクションが微妙に加速する前に夢のように漂い、泥だらけのフィールドからスポーツカーを引きずり出すトラクターのように曲を前進させる。」[69]キングは、アルバムが疲れた認識の瞬間に終わりに近づき、 「「Stormy Clouds」の背後にある「新しい地平」と、その終わりに近づくインストゥルメンタルのリプライズでマッケイブが6分間魂を探求するギターソロを繰り広げ、ヘンドリックスの「May This Be Love」（1967年）を彷彿とさせると書いている。[49]アルバムの最後の曲「(Reprise)」では、マッケイブのギター演奏が曲の残りを支配し、「その談話の言語をひっくり返した」のでワイルディングは驚いた。[72]ベイカーは、この曲は彼らが数分間ジャム演奏している部分で構成されており、それは疲れ果てたヴァーヴが「自分たちが始めた素晴らしい作品をどうやって終わらせればいいのか全く分かっていない」ことの証拠だと思ったと語った。[69]
アートワーク
キャノンはアルバムのジャケットのコンセプト、デザイン、アートディレクションを担当し、マイケル・スペンサー・ジョーンズが撮影を担当した。これに加えて、スカーレット・ペイジとメアリー・スキャンロンがそれぞれ「バスに乗ったヴァーヴ」と「カフェのヴァーヴ」と名付けられた写真を撮影した。[28]ベイカーは表紙の画像はヴァーヴの新しい方向性を示すもので、黒い背景の前に4人の顔が配置されているのはビートルズの『ウィズ・ザ・ビートルズ』（1963年）の表紙を参考にしていると考えていた。隅に小さな扉が見えるが、ベイカーは「おそらく彼らの心への扉を表しているのだろう」と語った。[69]キャノンはビートルズの大ファンであると述べたが、イーガンなど他の人々はこれをクイーンの『ボヘミアン・ラプソディ』（1975年）のビデオへのオマージュだと考えている。[73] [66]彼らはロンドンのタワーブリッジ近くにある倉庫の中で撮影を行い、バンドの写真を16メートルの高さに拡大して壁に投影した。彼らはソールズベリーを入り口から入らせた。 [74]
キャノンは、メンバーを黒いベルベットで包み、頭だけが見えるようにしたと説明した。[73]イーガンは、キャノンが音楽から聞き取れる広大さと「立体感」を表現したかったと語った。[66]メンバーの写真は前回のアメリカツアーで撮影されたもので、クラークは「全員が疲れ果て、狂った目をしていて、彼らがどれほど荒廃していたか」を示していると語った。[57]ジャーナリストのマーク・ボーモントは、 NMEのレビューで、バンドの写真が上にあるドアを通り抜ける人物のショットは「彼らがその中で作っていたより伝統的なロック音楽の巨大さを強調している」と書いた。[75]ワイルディングは、アルバムの裏表紙でジョーンズの顔が「フィーリング・マシーンのクロームのファサード」に映っていると述べた。 [72]これは「ライフズ・アン・オーシャン」にある自動販売機の歌詞への言及である。[66]ジョーンズは50セントを自動販売機に入れているところである。怒りから悲しみまでさまざまな感情を表す様々な白黒の顔画像の下に赤いレバーが見える。ワイルディングはこれがザ・フーのコンセプトアルバム制作時のアートワークを思い起こさせると考えた。この機械はザ・ヴァーヴの「ザ・ドラッグス・ドント・ワーク」（1997年）のミュージックビデオに再利用された。[72]
リリース
レコーディングが終わった後、マッケイブはうつ病に苦しみながらウィガンの母親の家にいた。母親は彼の精神状態を尋ね、彼女が家を出ると、彼は家中の物を投げたり壊したりした。同時に、アシュクロフトは薬物の後遺症に苦しみ、精神病を患っていた。スペンサー・ジョーンズは、この時期、誰も彼と連絡を取ることができなかったため、アシュクロフトは電話を恐れていたと述べた。[37]ベストは「問題があるのに、みんながそのことについて話していないのがわかった」とメンバーを心配し、もう一人の共同マネージャーであるジェーン・サヴェージは、音楽プレスのせいでバンドの他のメンバーから孤立し、アシュクロフトは「より孤立している」ように見えたと述べた。[76] 『A Storm in Heaven』の後の期間、1990年代の文化は、ニュー・ラッドやローデッド・マガジンの出現、そしてフットボール文化の継続的な進化とともに変化した。[38]さらに、ブリットポップが主流のムーブメントとなった。[77]アシュクロフトはテレビやラジオで音楽を見たり聞いたりすることを控えたと述べた。[78]
1995年4月17日、ザ・ヴァーヴはサウスエンド＝オン＝シーで8ヶ月ぶりの公演を行い、オアシスのサポートを務め、その2日後にはフランスのパリでオアシスと再び公演を行った。 [79]前者の公演では、評論家たちがザ・ヴァーヴが大人気になるだろうと予想し、期待が高まっていた。[80]これはイギリスツアーの出発点となるはずだったが、マッケイブの事故により中止となった。[79]マッケイブはパリのバタクランで警備員と口論になり、警備員は彼がセキュリティパスを持っていなかったためバックステージに入れなかった。[81]警備員はマッケイブを乱暴に扱い、足に押し付け、顔を殴り、階段から蹴り落とした。この事故で指を骨折し、6週間ギプスを巻かなければならなくなり、ギターを弾くことができなくなった。[82]このためバンドは1ヶ月分の公演をキャンセルしなければならなかったが、[13]その中には4つのヘッドライナー公演とシェフィールドでのオアシスのサポート公演が含まれていた。[83]この時点で、出版物ではオアシスとの比較が増えており、アシュクロフトは苛立ちを覚えていた。[84] [注 8]
1995年6月、ヴァーヴはプッシャーマンのサポートを得てマンチェスターでイギリスツアーを再開し、ハイネケン・ミュージック・フェスティバルでヘッドライナーを務めた。[86]その後の数か月で、マッケイブの機嫌の悪さもあって2人の友情はさらに悪化した。成功したショーだったにもかかわらず、彼はすべてのショーの欠点を見つけようとした。グラストンベリー・フェスティバルに出演した際、彼のアンプが爆発した。アシュクロフトは修理されるまでマラカスを演奏してそれを補った。[87] 『A Northern Soul 』は1995年7月3日にハット・レコード[88]から、米国ではヴァーノン・ヤード・レコーディングスからリリースされた。[89]ニューカッスルでの一回限りのショーの後、ヴァーヴはスコットランドでオアシスのサポートを務め、その後フェニックス・フェスティバルに出演した。[90]その後、彼らは1995年8月上旬まで、Conquering Americaと題したアメリカツアーに乗り出した。[91]ここで彼らは、ラリキン・マネージメントのテッド・ガードナーによって代理された。[92]マスコミに対しては、アシュクロフトは前回のツアーでの問題にもかかわらず、このツアーに対して前向きな姿勢を保っていた。[78]このツアーはハムによってサポートされ、シンシナティ・リバーフェストでのパフォーマンスも含まれていた。マッケイブはバンドのアメリカでの活躍に満足しておらず、彼らが勢いを増していたイギリスと比べて、レーベルがもっと彼らを支援する努力をしてくれることを望んでいた。[93]
メンバー間の不和は、1995年8月にT in the Parkで演奏した際に頂点に達した。アシュクロフトは体調が悪そうだったと伝えられ、ステージをよろよろと横切ったり、ソールズベリーを殴ったり、ドラムキットの部品を投げ回したりした。 [94]ベストによると、ツアーバスに乗り込んだ時、アシュクロフトはこれが最後の公演になると述べ、バンドからの脱退を発表した。[95]精神的な負担とは別に、アシュクロフトは腺ウイルスなどの身体的な問題も抱えており、「大きな決断を下せるような精神状態ではなかったのかもしれないが、それが現実であり、全員が同意していた」と認めている。[96]ベストは、これを聞いて沈黙が続いたと回想している。ジョーンズは、関係者全員が音楽に不満だったが、[95]この状況を別れではなく口論だと考えており、 [97]ザ・ハード・レポートなどの報道によって分裂に発展しただけだと語った。[98]マッケイブは1997年に、それは彼が「基本的に惨めな奴だった」ためだと認めた。[95] [注9]
ベストは、マッケイブはテクノを発見し、サンプラーやシンセサイザーを試していたため、彼らが作ってきた音楽に満足していなかったのではないかと推測した。 [99] PR会社サヴェージ・アンド・ベストが出した声明では、アシュクロフトは最近のツアーで熱烈な反響がなかったことに不満を抱いていた。伝えられるところによると、 『A Northern Soul』のレコーディング・セッションもアシュクロフトの決断に影響を与えた。ベストは、バンドの他のメンバーはこの状況に幻滅していたと言い、振り返ってみると、メンバーがお互いに別の町に住んでいるにもかかわらず、自分はそのことに気づかなかったと語った。[100]ベストはまた、アルバムのセッションの真っ最中、アシュクロフトがレコーディング・スタジオから出て行った混乱した時期に、バンドが解散しそうになったとも述べた。[101] 3か月分のショーがキャンセルされ、その中にはオアシスのサポート・ギグ[102]や日本とヨーロッパ本土でのヘッドライナー・ツアーも含まれていた。[103]イーガンは、ヴァーヴが活動を休止したため、音楽評論家や大衆は皆、バンドへの愛を告白したようだと語った。[104]この感情は、オアシスの2枚目のアルバム『(What's the Story) Morning Glory?』 (1995年)が発売され、ブックレットにアシュクロフトに捧げられた曲「Cast No Shadow 」が収録されたことでさらに高まった。 [105] [注 10]
『A Northern Soul』は2016年、 [107] 2019年、[108] 2023年にレコードで再プレスされた。 [109] 2016年には、B面、EPトラック、アウトテイク、BBCラジオ1セッション素材を含むアルバムの拡張バージョンが発行された。[110]「This Is Music」、「On Your Own」、「History」は、バンドの2枚目のコンピレーションアルバム「This Is Music: The Singles 92–98」（2004年）に収録され、[111]両方のミュージックビデオは、同名のビデオアルバムに収録された。[112]
シングル
「This Is Music」は1995年5月1日にシングルとして発売され、[83]「Let the Damage Begin」と「You and Me」がB面曲として収録されている。[113]キャノンはこの曲を説教者の怒鳴り声として解釈し、アートワークではアシュクロフトが歌詞が印刷されたサンドイッチボードを身に着けている姿が描かれている。 [82]ミュージックビデオはニコ・ベイヤーが監督した。[112]
「オン・ユア・オウン」は1995年6月12日にシングルとして発売され、[64]「アイ・シー・ザ・ドア」、「リトル・ジェム」、「ダンス・オン・ユア・ボーンズ」がB面曲となった。[113]「オン・ユア・オウン」は1995年6月初旬に米国のモダン・ロック・ラジオ局に発売された。 [114]アートワークには、バンドの友人であるBという男性が、廃墟となったメリーゴーランドに乗っている様子が描かれている。[115]イリッチによると、「オン・ユア・オウン」のビデオには「美しく撮影された濃い霧の人工的なシーンの中を跳ね回る奇妙なエキストラがたくさんいる」という。[83]監督はジェイク・スコット、助監督はバンドが1980年代に俳優として知っていたスペンサー・リーである。スコットは、映画『アマルコルド』（1973年）を題材にしたビデオを制作した。これは、彼が何年も前からやりたいと思っていたアイデアだったが、「オン・ユア・オウン」を聞くまで適切な曲が思いつかなかった。このビデオはハリウッド・センターで撮影され、ナポレオンのそっくりさんやトランスジェンダーの人物、そして犬、馬、孔雀といった動物が登場した。 [115]
「ヒストリー」はアルバムからの3枚目のシングルとして1995年9月18日に発売された。[116] CDでは2つのバージョンがリリースされ、それぞれ異なるB面が収録されていた。1つは「グレイ・スカイズ」と「ライフズ・ノット・ア・リハーサル」、もう1つは「バック・オン・マイ・フィート」、「オン・ユア・オウン」のアコースティックバージョン、「モンキー・マジック」のリミックス、「ヒストリー」のエディットバージョンだった。 [113]アシュクロフトは「ヒストリー」のミュージックビデオを監督した。[112]ラジオでこの曲を聴いて感極まったアシュクロフトは、このシングルを引っさげたツアーが彼らのキャリアに大きく貢献しただろうと気づいた。ジョーンズも同様に、シングルの恩恵を受けられなかったことに憤慨していた。[97]
現代のレビュー
『A Northern Soul』はイギリスとアメリカの両方で批評家の絶賛を浴びた。[102]イーガンは、一部の評論家はアルバムの音楽的な深みを認めたと述べたが、[66]ボーモントは、他の評論家は歌詞の非常に個人的な性質に焦点を当てたと述べた。[75]
数人の批評家は、このアルバムがオアシスを彷彿とさせると述べた。ミュージック・ウィーク誌のスタッフは、このアルバムを今週のアルバムに選び、「オアシスの影に再浮上したザ・ヴァーヴは、その耳障りでありながらも熟考されたロック曲で、オアシスの兄貴分のようなサウンドだ。見逃し厳禁だ」と書いた。[66]タイム・アウト誌のローラ・リー・デイヴィスは、このアルバムを「ウィガン出身のバンドのファーストアルバムの、ギターがたっぷり詰まった、しなやかで口の軽い音楽の傑作で、昨年オアシスが驚異的な商業的効果をあげた、ハッピー・マンデーズ/ストーン・ローゼズ以降の唸り声と現代精神を融合させた」と評した。[122]彼女は、オアシスが「次のアルバムで、天才的なロックの流れに近づく」のは難しいと考えた。[123]セレクト誌のアンドリュー・ペリーのレビューの約3分の1は、オアシスとザ・ヴァーヴの比較で構成されていた。彼は、ザ・ヴァーヴは音楽的に「全く別の惑星にいる」と語った。「初期のU2、バニーメン、ウォーターボーイズのように、彼らは地平線を知らないビッグミュージックを追い求めている。アシュクロフトが主役で、マイクを外して吠え、変な顔をして、気が狂ったように腕をバタバタさせている様子は、しばしば劇場のようだが、それは彼の後ろのバンドの純粋なダイナミックな野心によるものだ」[71] 。
少数の人は歌詞とアルバムのコンセプトに注目した。エクレストンはアシュクロフトの歌詞のテーマの変化を指摘し、「かつての妖精を連れ去る行為」が「死と放棄というテーマのワンツーによって現実に引き戻された」と述べた。[66]コーエンはアルバムが「人生経験の全範囲を網羅しており、ヴァーヴを米国でスーパースターの地位にさらに引き上げるはずだ」と述べた。[68]ペリーはコンセプトを称賛し、「一連の物語と対話を織り交ぜ、その過程で観客をドラマの虜に誘う」と述べた。[71]デイヴィスはアルバムのテーマ構成に難癖をつけ、「『コンセプト』アルバムの遠い響きに驚かされることはない[...] 昔ながらのモダンクラシックだ」とリスナーを安心させた。[123]ウィリアムズはアルバムのコンセプトを嘲笑し、バンドの「徹底的で、非常識で、真面目な完璧さへの執拗な追求が常に最も印象的だった。それは緊急性、推進力、大きく開いた口、ありふれた脚本のバリケードを襲撃するドロピー・ドッグのマリファナ常習者だ」と述べた。[56]
多くの評論家が音楽を賞賛した。エクレストンはアルバムを「ウィガンの野心的なスターセーラーによる、ジョン・レッキーがプロデュースし、FXだらけのデビュー作のきらびやかな表面を凌駕する濃密で温かみのあるサウンドを持つ、古びた渦巻くロック」と評した。[66] ガーディアン紙の評論家キャロライン・サリバンはこれをバンドのサウンドの「大幅な刷新」と評し、「これは悪い知らせのように聞こえるわけではない。ノーザン・ソウルがかなり繊細に縫い合わされ、帝国を築いたニック・マッケイブのギターと同じくらい静かな小さなオアシスを多く使っている」とリスナーを安心させた。[123]ポスト・アンド・クーリエ紙のスタッフは、ストーン・ローゼズの『セカンド・カミング』（1994年）が目指していたサウンドは『ノーザン・ソウル』だと示唆している。「マンチェスター・シーン以降の高級ブリティッシュ・ロック。その名の通り、バンドは活気に満ちており、ストーン・ローゼズとは違い、音楽的に言えば、華美さはほとんどなく、情緒たっぷりに作品を提供している。」[124] SFウィークリーのジェフ・スタークは、バンドにとって「自分たちの作品を『セカンド・カミング』とみなし、ストーン・ローゼズの衰退しつつある遺産の継承者と呼び、インタビューでその日のバンドが宣伝する唯一の現代人として君臨する宣伝工場にふさわしいパフォーマンスをするのは難しい」と認めている。しかし、「This Is Music」でリチャード・アシュクロフトの甘い歌声が最初のループで終わると、このアルバムがこれまでのどの作品と同じくらいダイナミックでサイケデリックなものになるだろうという兆しがはっきりと見える。」[124]
他の批評家たちは音楽について賛否両論だった。タイムズ紙のデイヴィッド・シンクレアは、いくつかのトラックは「スタジオジャムの途中で滑り込んでくる感じで始まり、ほとんどのトラックは5分を過ぎても開始位置から大きな乱れは見られない」と述べた。[123]ウィリアムズは「12曲のうち9曲が5分を過ぎても素晴らしい無頓着さで進んでいるのは事実だ。ザ・ヴァーヴは常に激しく、ロックで、はしゃいで馬鹿げているという事実だ」と述べた。 [56] CMJニューミュージックマンスリーのライター、ボブ・ガラは「大部分は無秩序な混乱だが、ヒッピーの狂気の精神と音楽的冒険がたっぷり詰まった美しい混乱だ」と述べた。[125]エンターテイメント・ウィークリーのピーター・ガルヴィンはさらに批判的で、「ギターのリフはフックを探してうなり声を上げ、歌詞は同じ陳腐なモチーフを何度も繰り返す。実質的な芸術的ビジョンを欠いたザ・ヴァーヴは、何の意味もない音楽的な音と激しさを生み出している」と書いている。[117]インディペンデントのアンディ・ギルはアルバムを酷評し、オーディオは「擦り切れたスリッパの上にたるんだ潰れたベルベットのフレアパンツに相当する」と述べ、アルバムを聴いたのは「間違いなくこれまでの人生で一番長い時間だった」と付け加えた。彼は、バンドは「彼らの最も明らかな歴史的前例であるプログレッシブ・ギター・ロックと、彼らの創設時に流行していただらしないシーンの両方の最悪の側面、つまり鈍重で途方もなく自己満足的なもの」を取り入れたと述べた。[126]
振り返りレビュー
過去のレビューでは『A Northern Soul』の音楽についてコメントしている。ジャーナリストのロブ・シェフィールドは『 The New Rolling Stone Album Guide』で「美しい別れのバラード『On Your Own』と壮大な『History』で心を揺さぶられた。[...] これは彼らの躍進であり、ザ・ヴァーヴはすぐに解散することでそれを祝った」と述べている。[135]ドラウンド・イン・サウンドのラディカ・タクルは、ザ・ヴァーヴのデビュー作と比べて感情の幅が広がったこのアルバムの成熟を否定できなかった。彼女は彼らの音楽の専門性と権威を指摘し、「A Northern Soul」は「若々しく騒々しく無謀な前作ほど個人的ではなく、はるかに慎重で思慮深い」と述べた。[128]ホグウッドは「バンドの過度の耽溺と途方もない薬物摂取のピーク時に作られた、心地よい音楽とは程遠い」と見なした。[43] ザ・ライン・オブ・ベスト・フィットのエド・ナッシュは、アシュクロフトが著名なソングライターとしての地位を確立しつつあると述べたが、ナッシュはアシュクロフトのバラードにはマッケイブの洞窟のようなギターサウンドのためのスペースがほとんど与えられていないとして異議を唱え、「何かを犠牲にしなければならず、それはギタリストだった」と述べた。 [130] レコードコレクターのライター、ティム・ピーコックは、このアルバムは伝統的で焦点を絞ったロックアルバムだが、「アシュクロフトの悲しげな実存的不安によって行き詰まった」と述べた。 [132]チャイルズは、このアルバムは「諦めてやり直したが、また諦めたくなることに気づいた証拠だ。[...] アルバムの内容は、バンドの疑念を反映した賛歌である可能性があり、[...] 暗い日々が来るかもしれないという冷たいコーラス」[44]ボーモントはクラシック・ロック誌のレビューで、制作に問題があったにもかかわらず、アルバムは驚くほどまとまりがあり、まれにサイケデリックな部分が長く続くことを除けば、『A Northern Soul』は「90年代を独占できるほど長くは続かなかったバンドによる」波乱に満ちた進歩だとコメントした。[136]ローリング・ストーン誌ドイツ版のジャーナリスト、サッサン・ニアセリは、このアルバムでバンドは「かなり激しいレッド・ツェッペリンへのオマージュ、戦車操縦ロック」を披露したと述べた。[133]
伝記作家たちは、制作に問題があったにもかかわらず、 『A Northern Soul』の音楽の質に感銘を受けた。ベイカーは、前作ほどまとまりがないと考えたが、「最高の瞬間は1995年の最高の瞬間の1つだろう。彼らは無名のスペースロックというルーツから遠く離れて、今や自分たちの青春時代の名曲と並んで誇らしげに並べられる曲を手に入れた」。[69]彼は、「On Your Own」のような感情的なバラードと『A Storm in Heaven 』風の「So It Goes」が混在していることから、「非常に不均一な感じ」が漂っていると感じた。「スムーズに流れるアルバムではない」。[65]イリッチは、アルバムは「暖かく、濃密で力強い倍音で流れている。マッケイブの派手なエレクトリックが全体に刻まれているが、特に「ブレインストーム・インタールード」と「ドライブ・ユー・ホーム」では至福の音が響いた。ファーストアルバムの自由な彫刻とは明らかに異なる変化を示し、ファンタジーをベースとした歌詞の曲もアシュクロフトの個人的な経験のより豊かな領域へと向かっていた」と述べた。[137]クラークは、このアルバムは「彼らのトレードマークである渦巻くギター、壮大なロックテーマ、曲がりくねった広大な曲でいっぱい」であり、彼にとってこのアルバムはバンドの以前の作品よりも大幅に優れており、「歌詞の考えや音楽の質感がより豊かで、これまでで最も完成度の高いプロジェクトであることは間違いない」と述べた。[138]彼は、スイープするストリングスセクションと「優美なギターワーク」が加わったことで、より上品なレコードにもなったと付け加えた。[63]さらに、アシュクロフトのボーカルパートと歌詞の両方の方向性を強調した。[54]ワイルディングは、このアルバムはデビューアルバムに比べてアプローチが悲しげで、「まさに英雄的。レッド・ツェッペリンのコンピレーションにあってもおかしくない、12曲の酔わせるソウルフルなトラック」だと書いている。[139]ワイルディングは、これにアシュクロフトが「歌詞で自分自身にスポットライトを当てたことと合わせれば、バンドが世界に向けて彼らのレコードがどんなに輝かしいものになるかを見せる前に崩壊したという事実により、このアルバムはネットから漏れ落ちてしまうだろう」と付け加えた。[72]
商業的業績と称賛
『ア・ノーザン・ソウル』は全英アルバムチャートで13位を記録し、発売初月の売り上げは『ア・ストーム・イン・ヘヴン』が発売後2年間で売り上げた金額を上回った。しかし、バンドの期待には届かなかった。[80] 2016年に再発されたアルバムは80位でチャートに再登場した。 [3]このアルバムは1997年に英国レコード産業協会（BPI）からシルバーとゴールドの認定を受けた。 [140]「ディス・イズ・ミュージック」は全英で35位を記録した。[3]「オン・ユア・オウン」は全英で28位を記録した。[3]「ヒストリー」は全英で24位を記録した。[3]
メロディーメーカー、NME、セレクトはいずれも、1995年の年間ベストリストにこのアルバムを含めた。[141]レッド・ツェッペリンのノエル・ギャラガーとロバート・プラントは『A Northern Soul』を賞賛し、ノエルは同年3番目に優れたアルバムと呼んだ。[142]作家のコリン・ラーキンは『オールタイム・トップ1000アルバム』（2000年）で289位にランク付けし、[143] NMEは2013年に史上最高のアルバム500選で390位にランク付けした。[144]ポップマターズは、 2016年のアルバムの拡張版を『 A Storm in Heaven』の同様の再発盤とともに、その年のベスト25再リリースのリストで10位にランク付けし、[145]ローリングストーン誌は、ランク付けされていないリストに2セットを含めた。[146]パパデマスは『A Northern Soul』を必須のブリットポップアルバム10枚のうちの1枚とみなし、 [46]ミュージックエクスプレスとピッチフォークは、このアルバムをベストブリットポップアルバムリストのトップ30に含めました。[147] [148]
遺産
ベイカーは、リスナーの大半にとって、このアルバムは「ヒストリー」という1曲で記憶されていると述べた。それは「ザ・ヴァーヴが人気を得るための大きな一歩を踏み出した瞬間だったが、同時に、さまざまな意味で、バンドが崩壊しつつあることを象徴するものでもあった。リチャードはソングライターとしての才能を発見し始めており、彼がこのアイデアの種を思いついたとき、バンドの他のメンバーは自分たちが不要になったと考えたのも無理はなかった」。[70]ベイカーは、このアルバムが音楽報道機関やBBCラジオ1で無視されたことに驚きを隠せなかったが、「『This Is Music』や『A New Decade』の力強さや激しさを理解していないリスナーは、『ヒストリー』に反応せずにはいられなかった。しかし残念なことに、ほとんどの主流派の音楽ファンは、このアルバムを聴くことも、このアルバムについて読むこともなかった」。[80] [注 11]アシュクロフトはまた、ラジオでのサポートの少なさや、雑誌による宣伝の嘆きについても指摘した。[149]マッケイブはバンドの他のメンバーとは異なりモリスとうまくやっていなかったが、最終的に完成した作品を賞賛した。彼は、これまで一緒に仕事をしたメンバーの中で、モリスがバンドのライブサウンドとスタジオサウンドのギャップを最も埋めるのに近かったと語った。[41]
ザ・ヴァーヴは『アーバン・ヒムス』収録の「ネオン・ウィルダネス」で『ア・ノーザン・ソウル』のサウンドに立ち戻り、「ブレインストーム・インタールード」のカウンターパートとなった。[150]レーベルメイトのザ・オートゥールズのルーク・ヘインズは、 『ア・ノーザン・ソウル』の成功を受けてヴァージンの上層部からヒットシングルを収録したコマーシャルなアルバムをリリースするよう圧力がかかり、その結果『ハウ・アイ・ラーンド・トゥ・ラヴ・ザ・ブートボーイズ』（1999年）が生まれたと語った。[151]ヒスのメンバーは『ア・ノーザン・ソウル』への称賛を表明し、このアルバムでのモリスの役割を評価され、彼らはアルバム『パニック・ムーブメント』（2003年）に彼を起用した。[152]
トラックリスト
全曲ともザ・ヴァーヴが作曲。全トラックはオーウェン・モリスとバンドがプロデュース。[28]
- 「新たな10年」 – 4:12
- 「これが音楽だ」 – 3:35
- 「オン・ユア・オウン」 – 3:34
- 「そう、そうなる」 – 6:11
- 「ノーザン・ソウル」 – 6:32
- 「ブレインストーム インタールード」 – 5:11
- 「ドライブ・ユー・ホーム」 – 6:41
- 「歴史」 – 5:26
- 「ドアをノックしないで」 – 5:11
- 「人生は海」 – 5:44
- 「嵐の雲」 – 5:34
- 「（リプライズ）」 – 6:11
人事
特に記載がない限り、人員は小冊子ごとに記載。[28]
チャートと認証
参照
- モダン・ライフ・イズ・ラビッシュ– シューゲイザーからブリットポップに転向したコンテンポラリー・バンド、ブラーの1993年のアルバム
- ラブライフ– シューゲイザーからブリットポップに転向したコンテンポラリーバンド、ラッシュの1996年のアルバム
注記
- ^ ベイカーは、1990年代半ばの重要な変化の1つは、 BBCラジオ1がギターベースの音楽をより多く放送するようになったことだと述べ、初期のブリットポップの曲の1つである「For Tomorrow 」をリリースしたブラーが1993年にリリースされたときには放送回数がほとんどなかったことを例に挙げた。[13]
- ^ カーペンターによると、ヴァーヴのキャリアが上昇するにつれて、彼らの関係は悪化し始めたという。ハット・レコードと契約し、アシュクロフトがツアーやレコーディングで忙しくなった頃から、彼女は無視されていると感じ、バークに慰めを求めた。2人が恋に落ち始めた頃、彼女はバークと親密な関係になったことは一度もないと主張した。彼女はアシュクロフトが電話をかけてきて、彼女とバークについて尋ねた時に、そのことを伝えた。口論に発展し、彼が受話器を叩きつけた時に口論は終わり、これが2人が最後に話した時となった。[15]
- ^ ヴァーヴのメンバーは『Definitely Maybe』に熱狂的だった。イーガンは、アルバムの商業的成功がモリスを起用する決断の要因になったのではないかと示唆した。アルバムはイギリスで1位を獲得し、イギリスで最も早く売れたデビューアルバムでもあった。イーガンは、オアシスは今やヴァーヴよりもかなり有名であり、ヴァーヴのメンバーは自分たちもその成功を切望していると語った。[17]
- ^ アシュクロフトは1995年にケイト・ラドリーと結婚した。彼女は以前、スピリチュアライズドのジェイソン・ピアースと交際していた。イーガンは、彼らのアルバム『Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space』 （1997年）には、アシュクロフトが『A Northern Soul』で語った「心の痛みを反映する」曲がいくつか含まれていると語った。[52]特に「Come Together」という曲には、アシュクロフトの歌声に似たフレーズが含まれている。[53]
- ^ アシュクロフトは以前、政治的な音楽について軽蔑的な発言をしており、「すべてがいかに陰鬱であるかを思い起こさせたくない」としている。また、ボブ・ディランの「風に吹かれて」（1963年）のような曲が社会に影響を与える時代はとうの昔に終わったとも付け加えた。パルプの「コモン・ピープル」のような、より微妙な政治的曲について議論の余地があると認めた。「もっと潜在意識に訴えかけなければならない。人々に考えさせるような歌詞をいくつか入れるべきだ」[59]
- ^アシュクロフトは、 パブリック・エネミーのチャック・Dがイギリスに来た際、イギリスの新聞がダイアナ妃の現在の髪型に注目しているのを見て恥ずかしくなったという例を挙げた。[61]イーガンは、アシュクロフトにとって、問題は1980年代、「自己顕示欲、金銭崇拝、そしてマーガレット・サッチャーの悪名高い『もはや社会など存在しない』発言の10年」に端を発していると語った。[59]
- ^ ベイカーは、マローンの「ストリングス、あるいは彼のスタイルのストリングスは、下品なインディーズバンドが高級感を求めて探し求めたため、ほとんど決まり文句になった時期があった。それらは『ヒストリー』で見事に機能した」と述べた[37]が、マッケイブは後にそのアレンジがあまりに上品すぎると不満を漏らした[37] 。
- ^ この間、マッケイブはオアシスのメンバーを個人的には知らないと述べ、知っているのはアシュクロフトだけだと付け加えた。同じ声明の中で、マッケイブはアシュクロフトを批判し、イーガンは「明らかに、ザ・ヴァーヴの以前の団結した前線に亀裂が生じており、マッケイブのコメントはそれを公に表明した稀な例だ」とコメントした。[85]アシュクロフトはオアシスが彼らを称賛するたびに感謝していた。それは、オアシスが当時国内最大のバンドだったことから連鎖反応が起こるからだ。しかし、彼はザ・ヴァーヴの音楽が他のバンドを通してではなく、それ自体の真価で大衆やマスコミに注目される方がよかっただろう。[85]
- ^ この事件から2週間以内に、アシュクロフトはジョーンズとソールズベリーと再びコラボレーションを始めた。ベイクは、このことで人々は、この解散はマッケイブをバンドから追い出すための手段に過ぎないと考えるようになったと語った。マッケイブ自身は、バンドが彼を完全に解雇したと語り、その理由は「いつも私の悲しそうな顔にうんざりした。私はあらゆることに偏執的になっていた」からだと語っている。[95]
- ^イーガンは、そのメロディーが「オン・ユア・オウン」 のB面「アイ・シー・ザ・ドア」に似ていると指摘した。アシュクロフトは後に、ノエル・ギャラガーに「キャスト・ノー・シャドウ」について尋ねたことは一度もないと述べた。イーガンは、 「(ホワッツ・ザ・ストーリー) モーニング・グローリー?」には「アシュクロフトと彼のバンドへのもう一つの暗黙の敬意 - アルバムに溢れる重厚なストリングスセクションは『ヒストリー』のオーケストラを思い起こさせる」ものが含まれていると語った。[105]ジョン・ハリスは著書『ザ・ラスト・パーティー：ブリットポップ、ブレア、そしてイングリッシュ・ロックの終焉』（2003年）の中で、オアシスとザ・ヴァーヴの関係を考えると、「ヒストリー」がオアシスの「ワンダーウォール」（1995年）に影響を与えたことは曖昧さがほとんどなく、リスナーは「それを聞き分けるには、2曲を続けて聴くだけで十分だ」と述べている。[106]
- ^ アシュクロフトは『A Northern Soul』を名盤とみなしており、なぜ世間やマスコミから無視されているのか理解できず、レディオヘッドの『The Bends』（1995年）など当時の他のアルバムと比較していた。ベイカーは『A Northern Soul』も発売当初は無視されたと言い、アシュクロフトは『A Northern Soul』にはかなわないと述べている。「[レディオヘッドは]素晴らしいバンドだし、素晴らしい曲もあるが、本物のロックンロール、ヒップホップ、サイケデリックな狂気、そういったものをすべて融合させたものを探しているなら…私にとって『A Northern Soul』は[ビートルズの] 『 Revolver 』のようなものだ」。 [80]レディオヘッドとヴァーヴはどちらも、ブラーの『 Country House』（1995年）やオアシスの『Roll with It 』（1995年）と競合していたため、サウンドが暗すぎて広く受け入れられないとされていた。[94]
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外部リンク
- YouTubeの A Northern Soul (ライセンスがある場合にはストリーミング コピー)