今日はその日だ...これはその時間だ...これはそれだ!

今日はその日だ...これはその時間だ...これはそれだ!
スタジオアルバム​ ポップは自らを食べる
リリース	1989年5月1日
記録済み	1988
ジャンル	電子[1] サウンドコラージュ[2] [3] ハードロック ラップロック
長さ	51 : 26
ラベル	RCA
プロデューサー	洪水
ポップ・ウィル・イート・イットセルフ年表
さあ、ごちそうを食べよう! (1988) 今日はその日だ...これはその時だ...これはこれだ! (1989) キュア・フォー・サニティ （1990）
「This Is the Day...This Is the Hour...This Is This!」からのシングル
「デフ・コン・ワン」 公開日: 1988年7月11日 「Can U Dig It?」 リリース: 1989 年 1 月 30 日 「ワイズアップ！サッカー」 リリース: 1989年4月10日

『This Is the Day...This Is the Hour...This Is This! 』は、イギリスのロックバンド、ポップ・ウィル・イート・イットセルフの2枚目のスタジオアルバムで、1989年5月1日にRCAレコードから発売された。1987年のデビューアルバム『Box Frenzy』を基に、サンプリングを多用し、パンク・ロック、、ヘビーメタル、ディスコミュージックからの影響を融合させ、サンプルや歌詞にはポップカルチャーやオタク文化など、多くの主題が引用されている。特にアルバムの音楽スタイルに影響を与えたのはヒップホップグループのパブリック・エネミーだが、アルバム独自の微妙なポストパンクのタッチも後に影響を与えたと評価されるようになった。批評家の中には、このアルバムをサウンドコラージュとみなす者もいる。The Designer's Republicがデザインしたアルバムアートワークは、核戦争のテーマ に触れている

このアルバムは全英アルバムチャートで2週間24位を記録し、^[4]米国ビルボード200では6週間169位を記録した。 ^[5]アルバムからの3枚のシングル、「Def. Con. One」、「Can U Dig It?」、「Wise Up! Sucker」は、バンドのこれまでで最も成功した曲の一つである。このアルバムは批評家から絶賛され、その独創性、ユーモア、自己完結的なスタイルが称賛された。チェリーレッドレコードは2011年に未発表のボーナストラックを含む2枚組のアルバムデラックス版をリリースした。

ストウアブリッジを拠点とするポップ・ウィル・イート・イットセルフは、1986年にバズコックスの影響を受けたインディーズロックバンドとして結成された。^[6]当初はC86シーンと関連付けられていたが、彼らの荒々しくロックなサウンドは、ミッドランドから台頭してきた数少ないグレボバンドの1つとして音楽プレスに支持されるに至り、「グレボ」という言葉自体もバンドによって復活した。バンドメンバーのグラハム・クラブは「私たちは70年代のオタクやオタクを意味するこのスラングを復活させ、プレスは長髪でいやらしいギターサウンドを持つ人全員を表現するためにこのムーブメントを作り上げなければならなかった」と語っている。^[3]バンドは、自分たちの音楽スタイルが「かなり行き詰まっている」と考えていたが、他の多くの「より興味深い」影響を発見した。クラブは「私たちはただたくさんの新しいもの、今まで聞いたことのないものを聴き始めただけだった。ラン・DMCやビースティ・ボーイズが来て演奏するのを見て、私たちは圧倒された」と振り返った。^[3]

エイジ・オブ・チャンスなどのグループに影響を受け、^[7]バンドはサンプリングに没頭し、イギー・ポップやジェームス・ブラウンなどさまざまなアーティストから素材を引き出しました。一方、クラブはすぐにバンドのドラマーを務めていたクリント・マンセルに代わり、ドラムマシンがそのポジションを引き継ぎました。バンドのデビューアルバム「ボックス・フレンジー」（1987年）の成功により、バンドのセカンドアルバムへの関心が高まりました。^[6]

『This Is the Day...This Is the Hour...This Is This!』はフラッドがプロデュースしたが、ある評論家はフラッドの卓越したプロデュースの才能がアルバムの前面に押し出され、アルバムを「独自の広がりを持ちながらも自己完結的な世界」に形作るのに貢献したと感じている。^[8]デイヴ・パインはカール・ブローディの助けを借りてアルバムのエンジニアを務めた。^[9]とはいえ、アルバムの多くの曲では異なるエンジニアやプロデューサーがフィーチャーされている。たとえば、「Can U Dig It? 」はファイン・ヤング・カニバルズおよび元ザ・ビートのデイヴィッド・スティールとアンディ・コックスがプロデュースし、^[10]「Def. Con. One 」ではロバート・ゴードンがプロデュースし、DJウィンストンがターンテーブル・スクラッチを行っている。この2人はシェフィールドのブリープ・テクノの誕生に影響を与えた人物である。^[9]「Wild guitar」はザ・バザードが2曲で提供し、「Stun guitar」はフランク・ブースが「Preaching to the Perverted」で演奏している。^[9]

「This Is the Day...This Is the Hour...This Is This!」は、アメリカ、特にイギリスのポップカルチャーをバンド独自の「融合とミックス」で表現したもので、メタルギターのリフ、ディスコのバックコーラス、そして目立つドラムの音を組み合わせています。^[11]ラップ、ヘビーメタル、バンド初期のパンクロックの影響が、モータウンの断片、広告スローガン、ジョン・エルウェイのタッチダウンパスの実況など、「ジャンクカルチャーのあらゆる場所から集められた」数多くの「発見された」自動車の工芸品と融合している。^[3]アルバム全体を通して、オールミュージックのネッド・ラゲットが「興味深い驚き」と表現した、複数の憂鬱なゴスとポストパンクの要素が含まれている。^[11]音楽プレスはバンドのサウンドを分類するのが難しいと感じた。バンドメンバーのグラハム・クラブは「誰も私たちが何をしているのか説明してくれないが、私たちはそれについてかなり満足している。それは私たちに絶対的な自由を与えてくれる」と説明した。^[3]

アルバムにはサンプリングが多用されており、トラウザー・プレス誌はアルバムをサウンド・コラージュと呼び、バンドがブレードランナーの「SF ニヒリズム」やアラン・ムーアの革新的なコミックブックに傾倒していることを指摘した。^[2] LAタイムズのジョー・ボームは、アルバムが「攻撃的な」サウンド・コラージュであることに同意し、この折衷的なアルバムは「ポップ・スタイルやメディアのメッセージが際限なくサンプリングされ、味見され、吐き出されたり味わったりする、面白いスモーガスボードだ（リック・アストリー、核戦争、ファーストフード、アルコール依存症は味覚テストに合格せず、騒々しく、強調され、トラブルメーカーと同一視されるSFファンタジーやポップ・スタイルは最高だ）」と書いている。^[3]スピン誌のロビン・ラインハルトはパブリック・エネミーの影響を指摘し、^[12]クラッブは後にパブリック・エネミーの2枚目のアルバム「It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back」（1988年）の影響が「 This Is the Day」に「刻み込まれ、踏みつけられ、埋め込まれた」と述べた。^[13]バンドメンバーのクリント・マンセルはこれについて詳しく述べている。

パブリック・エネミーのアルバムのフォーマットは、すべてが一体となって流れているという点で、とても気に入っています。止まるところがありません。いくつかのトラックは混ざり合っています。私たちの曲「16 Different Flavours of Hell」と「PWEI Is a Four Letter Word」は、短く切り刻んだような曲です。これは、私たちがパブリック・エネミーの曲をとても気に入っていたので、そこから取り入れました。サンプリングは、私たちが本当に好きなことです。私たちは、たくさんのものを吸収するので、吸い取り紙のようなものだと言われました。それが私たちのやっていることだと思います。私たちは多くの影響を受けており、音楽は常に変化しています。^[12]

ケンブルー・マクロードとピーター・ディコーラの著書『クリエイティブ・ライセンス：デジタル・サンプリングの法と文化』では、アルバムはサンプリングを極度に使用しており、楽曲（ソルト・ン・ペパの2曲、パブリック・エネミーの3曲、ピンク・フロイドの「バイク」 、フェイス・ノー・モアの「ウィ・ケア・ア・ロット」、マントロニックスの「ザッツ・ライト」、ティアーズ・フォー・フィアーズの「シャウト」、ラヴ・アンド・ロケッツの「ジャングル・ロウ」 、ジミ・ヘンドリックスの「フォクシー・レディ」 、ザ・ワンダー・スタッフの「アストリーズ・イン・ザ・ヌース」、エリック・Bとラキムの「ペイド・イン・フル」など）や、映画『ロボコップ』『ドクター・モローの島』『ディア・ハンター』 『死霊のはらわた2』『ダーティハリー』『カサブランカ』『ウォリアーズ』 、ライスクリスピーのテレビCMのサンプルなどが過剰に使用されていると述べている。コマーシャル、トワイライトゾーン、スーパーボウルXXII。^[14]

「Preaching to the Perverted」で、クラブは「だから俺たちは盗んだ、だから何だ? ここまではいい、俺たちはロビンフッドだ」と歌っている。^[3]「Wise Up! Sucker 」には、ワンダースタッフのマイルス・ハントによる「鋭く嘲笑的なバックボーカル」が含まれている。^[8]「PWEIのSFへの執着の核心を本当に突いている」曲の一つである^[15]「Inject Me」は、ブレイクビーツと「曖昧な」始まりを特徴としている。^{[8] 「怪しげ」で「不気味」な持続的な物語で始まり、「怠け者の}ジャンキーの一人称の空想」と思われるもので、曲の冒頭の歌詞はクラッブによってささやかれ、ヴァースが始まると彼の声はより偏執的で鋭くなる。曲の残りはSF風の歌詞であるが、ある批評家は「SFのシナリオ全体がナレーターの混乱した脳内でのみ起こっているのかどうかは不明である」と指摘した。^[15]ビートはジャングル・ブラザーズの「Jimbrowski」からサンプリングされており、この曲自体もファンカデリックの「Good Old Music 」からサンプリングしている。^{[15]勢いのある「} Can U Dig It? 」の歌詞は、主にバンドが愛するもののリストで、ダーティハリー、^[8] DJスピンデレラ、^[8]トワイライトゾーン^[15] Vフォー・ヴェンデッタ^[15]などが含まれています。Tor.comのジェイソン・ヘラーは、この曲にはアルバムのオタク文化の参照のほとんどが含まれていると述べ、^[15] Trouser Pressは、この曲をサイケデリック・ファーズの「We Love You」と比較しました。サイケデリック・ファーズは、それ自体が「クールなカタログ」です。^[2]

「Def. Con. One」はスージー・スー、ロッド・サーリング、ビースティ・ボーイズのサンプリングをしており、ストゥージズやリップス社の「ファンキータウン」にも敬意を表した「シームレスなダダイスト・シチュー」となっている。^{[2]この曲は「}ジャッジ・ドレッド風の終末の描写」となっている。 ^[8]ラゲットが「ひどく奇妙」と表現した「Not Now James, We're Busy…」^{[8] は、ヒップホップ・グループが}ジェームス・ブラウンのディスコグラフィーからビートやリフを盗用し続けることに対するジョークとして始まったが、1988年にカーチェイスの後に警察に逮捕されたブラウンを語る曲に変わった。^[3]このアルバムのリリースから数か月後、ビッグ・オーディオ・ダイナマイトは、サウンドコラージュ風のアルバム「 Megatop Phoenix」に同じ主題の曲「James Brown」を収録している。クラブは「本当に驚いたよ。 「歌詞が似すぎているから。歌詞を合わせるためにプレスクリップを使ったんだ。BADも同じことをしたかもしれない」^{[3] 「Wake Up! Time to Die…」には}フィードバックと「内側に崩れていくドローン」が特徴的だ。^[8]

『This Is the Day…This Is the Hour…This Is This!』のアートワークは、デザインエージェンシーThe Designers Republicによってデザインされた。これは、同社が「『Pop Will Eat Itself』の世界のような世界を創造する」という点で制作した2番目のプロジェクトだった。^{[16]アルバムには、}終末のイメージ、放射線、終末時計、そして破壊される地球といったテーマが組み込まれている。同エージェンシーのイアン・アンダーソンは「核兵器についてはまだ政治的な話題が多かったので、これはある種政治的ではあったが、具体的なものではなく、面白​​い予言だった」と振り返っている。^[16]スタジオが文化的アイコンを再利用する傾向は、アルバムのアートワークに容易に表れており、いくつかのおなじみの企業ロゴやアイコンをパロディ化して「新たなメッセージの層を生み出す」。^[17]アンダーソンは、このアートワークを「中世の情報技術 - デジタル ( MacやAmiga ) と機械 (貼り付け式印刷物やグラフ用紙) の融合」と呼んだ。^{[17]アルバムのパッケージには、バンドの人気の}ロボットヘッドロゴも初めて登場している。 [ ^17]オールミュージックのスティーブ・メイソンは、このパッケージはデザイナーズ・リパブリックの以前のアルバムジャケット、エイジ・オブ・チャンスの『ワン・サウザンド・イヤーズ・オブ・トラブル』 （1987年）からインスピレーションを受けたと感じた。^[18]

代理店はバンドのロゴを開発し、「それを国の紋章のように使った」。^[17]当時のバンドの象徴的なTシャツには、商標登録されたペプシのロゴを編集したバージョンが描かれており、「PWEI」に変更され、ロゴの周りには「Sample It, Loop It, Fuck It, Eat It」というフレーズが添えられていた。^[14]アルバムのビニール版のコピーはパッケージも完備しており、カセット版のケースとインレイもヴィクトリア&アルバート博物館のコレクションに収められている。^{[19] [20]また、博物館にはシングル「Wise Up! Sucker」のパッケージも常設展示されており、これは空の}VHSテープの異なる背表紙に基づいている。アンダーソンは次のように説明した。「実際、これはまた別の消費主義的なものであり、人々がそれに与えている意味はまったくありません。[…] それを思いついたのは、ただ家に座って棚を眺めていたときでした。しかし、理由はあります。私はテープの内容よりもケースの方が好きだったので、あるブランドを他のブランドよりも買う理由について考えたのです。」^[16]

ウォッチメンをテーマにした「Def. Con. One」は、バンドの初期のレーベルであるChapter 22から1988年7月1日にリリースされ、UKシングルチャートで63位に達した。^[21]その年の後半、バンドはメジャーレーベルのRCAレコードと契約し、 1989年5月1日にイギリスで、1989年7月18日にアメリカと日本でThis Is the Day...This is the Hour...This Is This!をリリースした。アルバムのサンプルのすべてがライセンスされたわけではなく、ミュージシャンやレーベルが彼らの素材をサンプリングするように頼むと「気まずい」とバンドは感じたが、「頼まなければ、彼らがそれらを使用したことにほとんど気づかない」。そのため、ライターのケンブルー・マクロードとピーター・ディコーラは、アルバムがメジャーレーベルからリリースされたのは異例であり、「レコード会社がその内容について何も知らなかったとは信じがたい」と述べた。^[14]

バンドが新しいレーベルに移籍し、アルバムからの最初の公式シングル「 Can U Dig It? 」が1989年2月9日にリリースされ、UKシングルチャートで38位にチャートインし、これまでの最高位のシングルとなった。 ^[21]「Wise Up! Sucker」は1989年4月1日にアルバムからの最後のシングルとなり、その後UKチャートで41位にチャートインした。^[21]その後アルバム自体がリリースされ、UKアルバムチャートで24位に達し、2週間チャートインし続けた。^{[4]一方、US} Billboard 200では169位にチャートインし、6週間チャートインした。^[5] 1989年を通して、Pop Will Eat Itselfはアルバムをサポートするために多くの国をツアーした。^[3] 2011年9月25日、Cherry Red Recordsは、レアな未発表曲のボーナスディスクを特徴とするアルバムの特別版をリリースした。^[22]

『This Is the Day…This is the Hour…This Is This!』は批評家の絶賛を受けた。^[25]オールミュージックのネッド・ラゲットは、このアルバムを「素晴らしい」と「過小評価されている」と評し、「バンドのサウンドはかつてないほど厚みとディテールに富んでいる。サンプリングやアレンジは常に明らかに80年代後半の産物だが、ビースティーズがその年の『Paul's Boutique』でやったように、PWEIは独自の鋭い合成を生み出している」と付け加えた。^[11]彼は、「素晴らしい、震えるシングル曲だけでも」アルバムの値段の価値があると述べ、フラッドのプロデュース技術を称賛し、「彼は並外れたプロデュース技術を前面に出し、広大でありながら自己完結的な宇宙であるアルバムを形作るのに貢献した」と述べた。^[11]彼は後にこのアルバムを「ポップ・ウィル・イート・イットセルフの最高傑作であり、ビースティ・ボーイズの文化を貪欲に吸収する行動に対する刺激的でエネルギッシュ、そして非常に現代的なイギリスの反応だ」と評した。^[26]

Trouser Press はこのアルバムを非常に好意的に評価し、「聴覚的に刺激的な音響コラージュ」と呼び、「明るく、活気にあふれ、痛烈に面白いこのレコードは、創意工夫に満ちている」と結論^{付けた。 [2]} AllMusic の Jason Ankeny は、このアルバムをバンドの最高傑作と呼んだ。 ^[6] The Rough Guide to Rockでは、このアルバムはバンドの画期的なアルバム 3 作連続のうちの最初の。 ^[27] BBCの「Keeping It Peel 」特集では、このアルバムをバンドの「最も効果的な作品」と表現し、 ^[28] The AV Clubの Jason Heller は、このアルバムを「エレクトロニックでサンプルを多用した名作」^{と呼んだ。 [1]} 1989 年末、 NME は、このアルバムを年間ベスト 50 アルバムのリストで 22 位にランク付けした。 ^[29] Graham Crabb は後に、このアルバムは「おそらく私たちの最高傑作」だと振り返った。 ^[13]

マイク・ホワイトは著書『Cinema Detours 』の中で、このアルバムは映画『ウォリアーズ』のセリフを使ったポップカルチャーの最も注目すべき例だと述べている。^[30] ブレインウォッシュド誌は、このアルバムを「サンプラーを比類のない複雑さを持つ楽器に変えた」1980年代後半のアルバムの1つとして挙げ、バンドが「このアルバムで漫画、コマーシャル、ファンクな 45回転レコードを掘り出している」と指摘している。^[31]ネッド・ラゲットも、このアルバムの「ムーディーなゴス/ポストパンクのタッチのかなりの量」が、無意識のうちにマッシヴ・アタックというグループが「部分的に行き着くところ」を予見していたとコメントしている。^[8]一方、オーランド・センチネル紙のパリー・ゲットルマンは、このアルバムでグループが「グランジなヒップホップを貪り食っている」と述べている。^[32] Tor.comのジェイソン・ヘラーは、このアルバムをバンドの「傑作」であり、「パンク、ラップ、サンプル、オタク文化の参照が渦巻く山」と呼んだ。特に「Inject Me」は称賛され、「アシモフへの言及と荒涼とした麻薬黙示録的な雰囲気が『Inject Me』をミニ傑作にしている」と評された。^[15]

Discogsより引用。^[33]