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『恋の骨折り損』は、ウィリアム・シェイクスピアの初期の喜劇の一つで、1590年代半ばにエリザベス1世女王の前で法曹院で上演するために書かれたと考えられています。物語は、ナバラ王とその3人の仲間が、学問と断食に専念するために3年間女性との交際を断とうとするところから始まります。しかし、彼らはフランス王女とその侍女たちに夢中になり、誓いを破ってしまいます。喜劇としては異例の結末として、王女の父の死で幕を閉じ、すべての結婚式が1年間延期されます。この劇は、男性の愛と欲望、清算と合理化、現実と幻想といったテーマを扱っています。
1598年に四つ折り判で初版が刊行されたものの、この戯曲の表紙からは、以前の版が改訂されたことがうかがえる。戯曲の筋書きに関する明確な出典は見当たらない。初期の版では、戯曲のタイトルにおけるアポストロフィの使い方が様々だが、最も一般的には『Love's Labour's Lost 』と表記されている。
シェイクスピアの観客は、劇中で描かれる歴史上の人物や、劇の舞台設定や展開に関連するヨーロッパの政治情勢に精通していた。学者たちは、ナバラの宮廷を描いたこれらの歴史的・政治的描写が時代遅れになり、後の世代の観客には理解しにくくなったため、この劇の人気が衰えたと指摘している。この劇の洗練された言葉遊び、<binary data, 3 bytes>理屈っぽいユーモア、時代遅れの文学的引用も、シェイクスピアのより人気のある作品と比べて、この劇があまり知られていない理由の一つかもしれない。『恋の骨折り損』は19世紀にはほとんど上演されなかったが、20世紀と21世紀にはロイヤル・シェイクスピア・カンパニー、ナショナル・シアター、カナダのストラトフォード・フェスティバルなどによる上演が増えた。また、ミュージカル、オペラ、ラジオやテレビ、ミュージカル映画にも翻案されている。
ナバラ王フェルディナンドと彼の3人の貴族の仲間、ベローン卿、デュメイン卿、ロンガヴィル卿は、女性と交わらないことを誓う。彼らは3年間勉強と断食に専念する。ベローン卿は他の者よりややためらいながら同意する。王は、いかなる女性も宮廷から1マイル以内に近づいてはならないと宣言する。宮廷を訪れていたスペイン人ドン・アドリアーノ・デ・アルマドは、コスタルドとジャケネッタの密会について王に知らせる手紙を書く。王がコスタルドに刑を宣告した後、ドン・アルマドは小姓のモスにジャケネッタへの自分の愛を告白する。ドン・アルマドはジャケネッタに手紙を書き、コスタルドにそれを届けるよう頼む。
フランス王女とその侍女たちは、アキテーヌの割譲について国王と話し合うために到着するが、勅令のため、最終的には宮廷の外に陣を張らざるを得なくなる。王は王女とその侍女たちの陣営を訪れ、王女に恋をする。貴族たちも同様に侍女たちに恋をする。ベローンはコスタルドにロザリン夫人に届ける手紙を渡すが、コスタルドはそれをジャケネッタ宛てのドン・アルマドの手紙とすり替える。ジャケネッタはホロフェルネスとサー・ナサニエルという二人の学者に相談し、二人は手紙はベローンが書いたものだと結論づけ、国王に伝えるように指示する。
王と家臣たちは身を隠し、互いに愛の気持ちを告白し合う様子をじっと見守る。王は誓いを破ったとして家臣たちを叱責するが、ベローンは王もまた王女に恋していることを明かす。ジャケネッタとコスタルドがベローンの手紙を持って現れ、彼を反逆罪で告発する。ベローンは誓いを破ったことを告白し、人類にとって唯一ふさわしい研究は愛であると説明し、彼と他の男たちは誓いを放棄することに決める。ホロフェルネスに後で貴婦人たちを楽しませる手配をし、男たちはモスクワ人の格好をして貴婦人たちに求婚する。王女の廷臣ボイエは彼らの計画を盗み聞きし、貴婦人たちが互いに変装して男たちを騙すのを手伝う。家臣たちが元の姿で戻ってくると、貴婦人たちは彼らを嘲り、彼らの策略を暴く。
女性たちの機知に感心した男性たちは謝罪し、全員の身元が正されると、ホロフェルネス、サー・ナサニエル、コスタード、モス、ドン・アルマードが九人の偉人を演じるのを見守る。四人の貴族とボイエットは劇に野次を飛ばし、コスタードだけを褒める。コスタードがパレードの最中にドン・アルマードがジャケネッタを妊娠させたことを明かすと、ドン・アルマードとコスタードは殴り合いになりそうになる。二人の口論は王女の父が亡くなったという知らせで中断される。王女はすぐに出発する計画を立て、喪に服す準備をしながら、彼女と侍女たちは男性たちに愛が永遠であることを証明するために一年と一日待たなければならないと宣言する。ドン・アルマードはジャケネッタに同じ誓いを立てると宣言し、貴族たちに歌を披露する。
『恋の骨折り損』にはさまざまな側面に関する多くの出典が見つかるかもしれないが、物語の一次資料は現存していない。これはシェイクスピアの他の2つの戯曲、『真夏の夜の夢』と『テンペスト』と共通している。[ 1 ]『恋の骨折り損』に影響を与えた可能性のある作品としては、ジョン・リリーの初期の戯曲、ロバート・ウィルソンの『靴屋の予言』（1590年頃）、ピエール・ド・ラ・プリモデーの『アカデミー・フランセーズ』（1577年）などが挙げられる。[ 2 ]マイケル・ドブソンとスタンリー・ウェルズは、この筋書きは「1578年にカトリーヌ・ド・メディシスと、ヘンリーの疎遠になった妻である娘のマルグリット・ド・ヴァロワがアキテーヌの将来について話し合うためにヘンリーを訪れた外交訪問の記録（現在は失われている）に由来すると推測されることが多いが、これは決して確実ではない」と述べている。[ 3 ]
主要な男性キャラクター4人はいずれも歴史上の人物をモデルにしており、ナヴァールはナヴァール王アンリ（後にフランス王アンリ4世となる）、ベローンはシャルル・ド・ゴントー、ビロン公、デュマンはシャルル・ド・マイエンヌ公、ロンガヴィルはアンリ1世・ドルレアン、ロンガヴィル公をモデルにしている。[ 4 ]特にビロンは、 1591年に第2代エセックス伯ロバート・デヴァルーがヘンリーを支援するためにビロンの軍に加わったため、イングランドではよく知られていた。 [ 3 ]アルベール・トリコミは、「この劇のユーモラスな理想化は、主要登場人物のフランス語名がシェイクスピアの観客に馴染みのある限り、持続可能であった。これは、ナバラの宮廷の機知に富んだ描写が、1610年のヘンリー4世の暗殺まで、それなりに効果的であり続けたことを意味する。…このような考察は、ナバラと内戦の将軍たちの描写が、エリザベス朝の観客にニュースで話題になっているフランス語名の単なる集まりではなく、いったん失われるとすぐに『恋の骨折り損』が衰退した理由を説明するのに役立つ、付加的な劇的次元を提供していたことを示唆している。」と述べている。[ 5 ]
批評家たちは、エリザベス朝時代の著名なイギリス人とドン・アルマド、モス、サー・ナサニエル、ホロフェルネスの登場人物との関連性を指摘しようと試みてきたが、ほとんど成功していない。 [ 5 ]
ほとんどの学者は、この劇は1594年から1595年の間に書かれたが、遅くとも1598年までには書かれたと考えている。 [ 6 ]『恋の骨折り損』は、1598年に書店主カスバート・バービーによって四つ折り判で初めて出版された。表紙には、この劇は「W・シェイクスピアによって新たに訂正および増補された」と記されており、一部の学者は、これが以前の版の改訂を示唆していると考えている。[ 7 ]
1598年に遡るエディンバラ大学の写本は、この作品の現存する最古の写本の1つであり、表紙によれば、1597年の前年のクリスマスにエリザベス1世に献上されたものと同じ版である。これは四つ折り判で、1626年から1636年の間に元学生のウィリアム・ドラモンド・オブ・ホーソーンデンによってエディンバラ大学に寄贈され、大学の最初の文学コレクションの一部となった。[ 8 ]
この戯曲は、1623年にファースト・フォリオに、その後1631年に四つ折り版が出版された。『恋の骨折り損』は、失われた続編だと考える人もいる。[ 9 ] [ 10 ]
ベローンが第4幕第3場284～361行で述べる演説は、編集者の選択によってはシェイクスピアの全戯曲の中で最も長いものとなる可能性がある。シェイクスピア評論家であり編集者でもあるエドワード・カペルは、この演説の中のいくつかの箇所が冗長であるように見えると指摘し、これらの箇所は印刷前に十分に修正されなかった最初の草稿を表していると主張している。[ 11 ]具体的には、291～313行目は演説の中で「実質的に繰り返されている」[ 11 ]ため、編集者によって省略されることがある。[ 12 ]省略がなければ、この演説は77行588語となる。
タイトルは通常Love's Labour's Lostと表記される。初期の版ではアポストロフィの使い方が異なっている。1598 年の最初の 4 折版ではLoues labors loſtと表記されている。1623 年のFirst FolioではLoues Labour's Lost、1631 年の 4 折版ではLoues Labours Lostとなっている。Third Folioでは初めて現代の句読法と綴りでLove's Labour's Lostと表記されている。[ 13 ]歴史家のジョン・ヘイルは、句読法によってはタイトルが「恋の労苦は失われた」または「恋の失われた労苦」と読めると指摘している（シェイクスピアの時代にはこのタイトルに句読点が全くないことが一般的だった）。ヘイルは、この成果と過程の並行性は意図されたものであり、既存のラテン語の慣用句から派生したものだと示唆している。ヘイルは、タイトルの機知に富んだ頭韻が劇の<binary data, 3 bytes>学的な性質に合致していると示唆している。[ 14 ] 1935年にフランシス・イェイツは、タイトルはジョン・フロリオの『His firste Fruites』（1578年）の一節「愛についてそれほど多く語る必要はない、すべての書物は愛で満ちており、著者も非常に多いので、愛について語ることは無駄な労力である」[ 15 ]から来ていると主張した。シェイクスピアはこの出典から、翻訳されていないヴェネツィアのことわざ「Venetia, Venetia/Chi non ti vede non ti pretia」（LLL 4.2.92–93）（「ヴェネツィアよ、ヴェネツィアよ、あなたを見ない者はあなたを称賛できない」）も引用している。[ 16 ]
『恋の骨折り損』は、洗練された言葉遊び、駄洒落、文学的引用に満ちており、当時の詩の形式を巧みに模倣した作品で溢れている。[ 17 ]批評家で歴史家のジョン・ペンダーガストは、「おそらく他のどのシェイクスピア劇よりも、この作品は言語の力と限界を探求しており、言語に対するこの露骨な関心から、初期の批評家の多くは、この作品は劇作家がまだ自分の技を学んでいる最中だと考えた」と述べている。[ 18 ]『西洋正典』（1994年）の中で、ハロルド・ブルームはこの作品を「驚くべき」と称賛し、シェイクスピアの「最初の絶対的な業績」と呼んでいる。[ 19 ]この劇は、そのスタイルを最も高く評価したであろう法曹院での上演のために書かれたとよく考えられている。シェイクスピアの最も人気のある劇の一つになったことは一度もないが、おそらくその<binary data, 3 bytes>理屈っぽいユーモアと難解な言葉遣いが、現代の観客には非常に負担が大きいからだろう。[ 17 ] [ 18 ]ナバラの宮廷の風刺的な言及も同様に理解しにくく、「主にすでに廃れた言語の流行に向けられていたため、創造性の大きな欠如というよりは、ほとんど理解されていない」[ 20 ]
男性の欲望が劇を構成し、その展開を形作っている。男性の性的欲求は名声と名誉への欲望として現れる。女性は男性らしさと知性にとって危険な存在であるという考えは早い段階で確立される。王と家臣たちの理想化された女性への欲望は、劇を通して延期され、混乱し、嘲笑される。劇が終盤に近づくと、彼らの欲望は再び延期され、結果として女性への称賛が高まる。[ 21 ]
批評家のマーク・ブライテンベルクは、ペトラルカによって普及した理想主義的な詩の使用は、男性の視線のテキスト化された形式を効果的に実現していると述べている。[ 21 ]王とその家臣たちは、女性たちを描写し理想化することで、愛する女性たちに対するある種の支配力を行使している。ドン・アルマードもまた、ジャケネッタを執拗に追い求めることで男性の欲望を体現している。欲望というテーマは、ルネサンス期を通じて高まる女性のセクシュアリティと、それに伴う姦通の脅威への懸念によって強調されている。愛、結婚、権力の政治は、筋書きを動かす男性の欲望の糸を形作る上で同様に強力である。[ 21 ]
「清算」という言葉は、シェイクスピア作品全体を通して複数の意味で用いられています。[ 22 ]特に『恋の骨折り損』では、道徳的な判断を意味することが多く、中でも死に関連する最終的な清算という概念が顕著です。劇中では幻想と現実が入り混じっていますが、王女の父の死を告げる使者の到着が、最終的にこの概念を頂点へと導きます。学者シンシア・ルイスは、最終的な清算の出現は、恋人たちに結婚の重大さを思い出させるために必要だと示唆しました。[ 22 ]ナバラとフランスの間の意見の相違を解決する必要性も同様に清算の一例を示唆していますが、この特定の清算は舞台裏で解決されます。これは、清算行為を避けることができない最終場面とは対照的です。ドン・アルマドは、自分の行動の結果を認めることで、清算に高潔な方法で対処する唯一の人物です。領主と王は、九人の偉人の演技中に役者たちを嘲笑することで、事実上自らを裁き、真の道徳的性格を明らかにしている。[ 22 ]
計算と同様に、合理化の概念があり、これが女性たちの男性に対する感情の急激な変化の根拠となっている。女性たちは、男性たちの欠点とされるものを合理化することで、男性たちに恋に落ちるように自分自身を説得することができる。ルイスは、「立場、好き嫌いを合理化する傾向は、『恋の骨折り損』において絶対値を計算することの難しさと結びついており、その難しさは劇全体を通して示されている」と結論づけた。[ 22 ]
批評家のジョセフ・ウェストランドは、『恋の骨折り損』は「 『真夏の夜の夢』における想像力についてのより広範な解説への序曲」として機能していると述べている。[ 23 ]この劇には、ファンタジーと想像力によって推進されるプロットポイントがいくつかある。貴族たちと王の禁欲の宣言は、達成には至らない空想である。この空想は、結果として得られる名声によって死と忘却を回避できるという男たちの考えに基づいているが、それ自体が空想的な考えである。誓いを立てた直後、世界の現実、禁欲という不自然な状態、そして王女と侍女たちの到着を考えると、彼らの空想的な目標は達成不可能であることが明らかになる。この対比が最終的に、この劇の皮肉とユーモアにつながる。[ 23 ]
平民たちは、九人の偉人に関する劇を通して、現実と達成と幻想というテーマを表現している。男たちの幻想的な名声の追求と同様に、劇中劇は平民たちの名声への関心を表している。ルネサンス期に人気のあったテーマである、愛の幻想と価値ある達成の現実との関係も、劇全体を通して用いられている。ドン・アルマードは、恋に落ちた偉人たちを模範として、これらの相反する願望を調和させようとする。[ 23 ]劇全体を通して時間は停止しており、筋書きにはほとんど関係がない。王女は、最初は「迅速な解決を望んでいた」が、すぐに恋の魔法にかかり、緊急の用事を放棄する。これは、劇の大部分の出来事が幻想の世界で起こっていることを示唆している。王女の父の死の知らせによってのみ、時間と現実が再び目覚める。[ 23 ]
シェイクスピアの多くの戯曲とは異なり、 『恋の骨折り損』では音楽は最後の場面でのみ重要な役割を果たします。春と冬の歌はそれぞれ「Ver and Hiems」と「The Cuckoo and the Owl」と題され、劇の終盤近くで登場します。『恋の骨折り損』の正確な上演時期に関する批評家の論争を考慮すると、「これらの歌は1597年の加筆部分に属する」という示唆があります。[ 24 ]
これらの歌の意味については、未来への楽観的なコメント、最近の死の告知に関する暗いコメント、あるいは国王とその家臣たちを愛と人生に対する新たな見方へと導くための皮肉な仕掛けなど、さまざまな解釈がある。[ 25 ]現実と幻想に関連する時間というテーマに沿って、これらは劇に時間の感覚を取り戻す季節の歌である。2つの歌の対照的な性質から、これらは劇全体を通して見られる愛に対する相反する態度についての議論と見なすことができる。[ 23 ]キャサリン・マクレイは、これらの歌は『恋の骨折り損』の中心的テーマの解釈において機能的であると述べている。[ 24 ]マクレイはまた、これらの歌は、多くの人が喜劇の「異端」の結末と考えるものを否定していると示唆している。伝統的な喜劇構造の産物であるこれらの歌は、劇を「通常の喜劇の定義の周辺に」持ち込む方法である。[ 24 ]
批評家のトーマス・バーガーは、これらの最後の歌の意味はともかく、劇の残りの部分で歌がほとんどないこととの対比において重要であると述べている。[ 25 ]王と貴族たちは女性や愛の可能性を断ち切ることで、事実上歌からも自らを切り離してしまった。歌が劇の世界に持ち込まれるのは、第3幕の冒頭、王女と侍女たちが紹介され、男たちが恋に落ち始めた後である。モスの歌「コンコリネル」は、誓いが破られることを示唆している。[ 25 ]第1幕第2場では、モスは詩を朗読するが、歌わない。ドン・アルマドはモスに2度歌うように主張するが、モスは歌わない。バーガーは、この時点で歌が挿入される予定だったが、結局書かれなかったと推測している。もしこの場面で歌が挿入されていたとしたら、当時の演劇の慣習に従っていたことになるだろう。当時の慣習では、場面の合間に音楽を挿入することがよく求められていた。[ 25 ]
この劇の最も古い記録に残る上演は、1597年のクリスマスにエリザベス女王の宮廷で行われた。2回目の上演は1605年に、サウサンプトン伯爵の邸宅か、クランボーン卿ロバート・セシルの邸宅で行われたと記録されている。シェイクスピアの時代以降に知られている最初の上演は、1839年にコヴェント・ガーデンのロイヤル・シアターで、ロザライン役をマダム・ヴェストリスが演じた時までなかった。 [ 26 ]タイムズ紙は感銘を受けず、「劇は非常に重苦しい展開だった。台詞全体は、見事な奇抜さの連続に過ぎず、うまく演じられなければ退屈で理解不能だ。昨夜の上演方法は、その輝きを完全に損ない、舞台装置や装飾によって軽減されるどころか、むしろ重荷となるような味気なさを残した」と述べている。[ 27 ] 19世紀にイングランドで記録されたこの劇の他の上演は、 1857年のサドラーズ・ウェルズ劇場と1886年のセント・ジェームズ劇場のみである。[ 28 ]
20世紀のイギリスの注目すべき上演作品としては、1936年にオールド・ヴィック劇場で上演され、マイケル・レッドグレイブがフェルディナンド役、アレック・クルーンズがベローン役を演じた作品がある。1949年には、ニュー・シアターでレッドグレイブがベローン役で上演された。[ 29 ] 1965年のロイヤル・シェイクスピア・カンパニーの公演には、グレンダ・ジャクソン、ジャネット・スズマン、ティモシー・ウェストが出演した。[ 30 ] 1968年には、ローレンス・オリヴィエがナショナル・シアターで上演し、デレク・ジャコビが公爵役、ジェレミー・ブレットがベローン役を演じた。[ 31 ]ロイヤル・シェイクスピア・カンパニーは1994年にこの劇を再び上演した。評論家のマイケル・ビリングトンは上演のレビューで次のように書いている。「『恋の骨折り損』を見れば見るほど、シェイクスピアの最も魅惑的な喜劇だと思う。この作品は言語の奔放さを称賛し、満足させ、若さから成熟へのしばしば苦痛を伴う移行を探求し、私たちに共通の死を思い出させてくれる。」[ 32 ]
2005年の晩夏、アフガニスタンのカブールでアフガニスタンの俳優グループによってこの劇のダリー語版が上演され、非常に好評だったと伝えられている。[ 33 ]
2009年にシェイクスピアズ・グローブ劇場がドミニク・ドロムグールの芸術監督のもと上演し、国際的にツアーを行った。ニューヨーク・タイムズ紙のベン・ブラントリーは、ペース大学で上演されたこの作品を「幼稚」と評した。彼は、この劇自体が「5世紀後に洗練されていない形で隆盛を極めることになるジャンル、すなわち大学喜劇の最初にして最高の例である可能性が高い」と推測した。[ 34 ]
2014年、ロイヤル・シェイクスピア・カンパニーは、第一次世界大戦前夜を舞台にした『恋の骨折り損』に続いて『空騒ぎ』（ 『恋の骨折り損』と改題）を上演する二本立て公演を完成させた。テレグラフ紙のドミニク・キャベンディッシュはこれを「私がここ数年で見た中で最も至福の娯楽性と感情的な没入感に満ちたRSCの作品」と評し、「2つの作品の類似点――機知に富んだやり取り、性的な争い、派手な言葉の回避から心からの真摯さへの転換――が説得力をもって明らかになる」と述べている。[ 35 ]
アルフレッド・テニスンの詩「王女」（そして、ひいてはギルバートとサリバンの喜劇オペラ「アイダ姫」）は、ゲルハルト・ヨーゼフによって「恋の骨折り損」に影響を受けたのではないかと推測されている。[ 36 ]
トーマス・マンは小説『ファウスト博士』（1943年）の中で、架空のドイツ人作曲家アドリアン・レヴァークーンに劇の物語を題材にしたオペラを作曲させようとしている。[ 37 ]
この戯曲と同名のオペラは、ニコラス・ナボコフが作曲し、 W・H・オーデンとチェスター・カルマンが台本を担当し、1973年に初演された。
2013年の夏、ニューヨーク市のパブリック・シアターは、シェイクスピア・イン・ザ・パーク・プログラムの一環として、この戯曲のミュージカル版を上演した。この公演は、ガルト・マクダーモット作曲の『ヴェローナの二紳士』が1971年に上演されて以来、セントラルパークのデラコート・シアターで上演された初のシェイクスピアを題材とした新作ミュージカルとなった。 『恋の骨折り損』のミュージカル版では、ブラッディ・ブラッディ・アンドリュー・ジャクソンのコラボレーターであるマイケル・フリードマンとアレックス・ティンバースが楽曲を担当した。ティンバースは演出も担当し、ダニエル・ブレーカー、コリン・ドネル、レイチェル・ドラッチ、パティ・ミューリンらが出演した。[ 38 ]
2004年のスカ・ミュージカル『ビッグ・ライフ』は『恋の骨折り損』を基に、ロンドンに到着したウィンドラッシュ世代を題材に翻案したものである。[ 39 ]
マーク・パルミエリの2015年の戯曲『ザ・グラウンドリング』[ 40 ]は、ニューヨーク・タイムズ紙が「半分喜劇で半分悲劇」と評したファースであり、「恋の骨折り損の最後の瞬間の意味についての瞑想」として宣伝された。[ 41 ]
ケネス・ブラナー監督の2000年の映画化作品は、舞台を1930年代に移し、ミュージカル化することで戯曲をより親しみやすいものにしようと試みた。しかし、この映画は興行的に失敗に終わった。[ 42 ]
この劇は、1985年に放送されたBBCテレビのシェイクスピアプロジェクトのために最後に録画された作品の1つです。この作品は18世紀を舞台とし、衣装と舞台装置はジャン＝アントワーヌ・ワトーの絵画をモデルにしています。これは、シェイクスピアの死後の時代を舞台にした作品としては、このプロジェクトで唯一の例です。[ 43 ]この劇は、イギリスのテレビ番組「ドクター・フー」のエピソードで取り上げられています。 「シェイクスピア・コード」と題されたこのエピソードは、シェイクスピア自身と、架空の続編劇「恋の骨折り損」に焦点を当てており、その最終シーンは、エイリアンの魔女が地球に侵略するためのポータルとして使用されます。この劇のすべてのコピーは、魔女とともに消えてしまいます。[ 44 ]
BBCラジオ3は1946年12月16日にラジオドラマを放送した。演出はノエル・イリフ、音楽はジェラルド・フィンジが小規模室内オーケストラのために作曲した。出演者にはポール・スコフィールドも含まれていた。この音楽は後にオーケストラ組曲に編曲された。[ 45 ] BBCラジオ3は1979年2月22日に別のラジオドラマを放送した。演出はデヴィッド・スペンサー、音楽はデレク・オールドフィールド。出演者にはフェルディナンド役にマイケル・キッチン、ベローン役にジョン・マクエネリー、フランス王女役にアンナ・マッセイ、ロザライン役にアイリーン・アトキンス、ドン・アドリアーノ役にポール・スコフィールドがいた。[ 46 ]
シカゴを拠点とするリトルブレイン・シアター社は、2020年7月に、この戯曲の現代語版『10人以上のグループ』をオンラインで公開した。[ 47 ] [ 48 ]この翻案は、 COVID-19パンデミックの初期を舞台とし、デジタル会議プログラムZoomで全編撮影された。[ 49 ]
Wikiquoteにある『恋の骨折り損』に関連する引用句
『恋の骨折り損』のパブリックドメインオーディオブックはLibriVoxで入手可能です。