アウトバーン (アルバム)

アウトバーン
スタジオアルバム​ クラフトヴェルク
リリース	1974年11月1日
スタジオ	クリング・クラン（デュッセルドルフ） コニーズスタジオ（ケルン）
ジャンル	エレクトロニックポップ 電気音響 コスミッシェ
長さ	42 : 27 [1]
言語	ドイツ語
ラベル	フィリップス
プロデューサー	フロリアン・シュナイダー ラルフ・ヒュッター
クラフトヴェルクの年表
ラルフとフロリアン （1973） アウトバーン （1974） エクセラー8 （1975）
代替カバー
2009年リマスター版
アウトバーンからのシングル
「アウトバーン」 公開：1975年2月[2] 「コメテンメロディ2」 発売：1975年7月[3]

『アウトバーン』は、ドイツのエレクトロニック音楽バンド、クラフトヴェルクの4枚目のスタジオアルバムで、1974年11月にフィリップスレコードから発売された。このアルバムは、当初はフローリアン・シュナイダーとラルフ・ヒュッターの2人組だったバンドに何度かメンバーチェンジがあったことを示すもので。後に、ギターとフルートにクラウス・レーダー、パーカッションにヴォルフガング・フリューアが加わった。このアルバムでは、バンドは実験的なクラウトロックのスタイルから、シンセサイザーとドラムマシンを主体としたエレクトロニックポップサウンドへと。レコーディングはバンド自身のスタジオ、クリング・クラングで始まったが、主にコニー・プランクのスタジオで行われた。『アウトバーン』には、シュナイダーとヒュッターの仲間である エミール・シュルトが提案した歌詞とバンドの新しいルックスも収録されている

アルバムの大部分は、シュナイダー、ヒュッター、シュルトによる作詞による22分間の「アウトバーン」で占められている。この曲は、ドイツのアウトバーンをドライブするグループの喜びに触発され、車の音を模倣した旅を反映した音楽を録音した。アルバムは西ドイツで発売されたが、マスコミの注目はほとんど集まらなかった。「アウトバーン」はシングルとして発売され、シカゴのラジオ局で放送され、米国中に広まった。1975年、この曲は世界的ヒットとなり、クラフトヴェルクの米国での最初の音楽リリースとなった。「アウトバーン」の成功により、バンドはローダーに代わって新メンバーのカール・バルトスを迎えて米国ツアーを行い、続いて英国ツアーを行った。

『アウトバーン』に対する当初の反応は賛否両論だった。ローリング・ストーン誌やヴィレッジ・ヴォイス誌は、このアルバムがウェンディ・カルロスやマイク・オールドフィールドの初期のエレクトロニック音楽より劣ると否定的な批評を寄せたが、肯定的な批評では、アウトバーンを運転しているイメージが催眠的で印象的だとタイトル曲を賞賛した。フォートワース・スター・テレグラム紙やニューズデイ紙の評論家たちは、このアルバムを年末のリストの「佳作」のセクションに含めた。振り返ってみると、このアルバムは満場一致で賞賛されており、サイモン・ウィッターはNME誌でこのアルバムは「非常に大きな歴史的意義がある」と書き、^[4]サイモン・レイノルズは、このアルバムでクラフトヴェルクの音楽が本当に重要になり始めたと語った。デヴィッド・ボウイを含む1970年代と1980年代のミュージシャンは、このアルバムが大きな影響を与えたと述べている。

『アウトバーン』のリリース前、クラフトヴェルクはフローリアン・シュナイダーとラルフ・ヒュッターの2人で構成されており、 1973年10月にアルバム『ラルフ・ウント・フローリアン』^{をリリースしていた。 [5]} 『アウトバーン』以前は、マイケル・オールドフィールドの『チューブラー・ベルズ』や同じくドイツのバンド、タンジェリン・ドリームの作品など、いくつかの例外を除いて、電子音楽は米国で人気が出なかった。^{[6] [7] 1975年の}シカゴ・トリビューンの評論家リン・ヴァン・マートレによると、「これまでに提供されてきたものの多くは、退屈で、痛々しいほど自己満足的で、あるいは単に痛々しいものであった」。^[6]それと比較して、ヴァン・マートレは「アウトバーン」を「中道の電子音楽と呼べるもの」と感じた。^[6]ロサンゼルス・タイムズのマイケル・フッカーは、アルバムのサウンドをグループの初期の作品と比較して、ラルフ・ウント・フローリアンの音楽はアウトバーンのそれに比べてより伝統的であり、アウトバーンの「単調な脈動」よりもむしろ作曲家モートン・スボトニックやエドガー・フローゼの作品に似ていると指摘した。^[8]クラフトヴェルクは視覚的なイメージをより意識するようになり、仲間のエミール・シュルトの指導の下、外観の再設計を始めた。^[5]ヨーゼフ・ボイスの下で学んだシュルトは、バンドのテーマとイメージについて相談した。これにより、クラフトヴェルクはその後のキャリアを通じて、小規模で慎重に演出されたプロモーション画像を使用することになった。^{[5] 1975年に}メロディーメーカー誌に掲載されたインタビューで、カール・ダラスはクラフトヴェルクの音楽と外見は「タンジェリン・ドリームのゴシック・ロマン主義からは程遠い」ものであり、「視覚的にも全く異なるイメージを呈している」と述べ、タンジェリン・ドリームのフローゼの「だらしない赤い髪」とバンドメイトのピーター・バウマンとクリストファー・フランケの「長くて痩せた髪」を比較した。^[9]

1974年初頭、ドイツの同世代バンドと同様、クラフトヴェルクはミニモーグ・シンセサイザーを購入し、^[10]アルバムではカスタマイズ版のFarfisa Rhythm Unit 10 と Vox Percussion King ドラムマシンと共に使用した。 ^[11] 『アウトバーン』は、グループのホームスタジオであるクリング・クランおよびケルン郊外の農家にあるコニー・プランクの新しいスタジオで録音された。 『アウトバーン』の大部分はプランクの機材で制作された。^[12]アルバムではシュナイダーとヒュッターの伴奏として、ヴァイオリンとギターのクラウス・ローダー、パーカッションのヴォルフガング・フリューアが参加している。 ^[13]デュッセルドルフの音楽シーンの一員だったローダーは、シュナイダーの興味をそそる電子ヴァイオリンを製作していた。フリューアはインテリアデザインを学ぶ学生で、デュッセルドルフのバンド The Beathovens でドラマーを務めていた。^[13]フリュールは、グループとの最初のジャムセッションはやや奇妙に感じたが、すぐにバンドメンバーと親密な関係を築いたと述べた。^[14]コニー・プランクはアルバムのエンジニアとしてクレジットされているが、サウンドに重要な貢献をした。^[15]ローダーは後に「プランクは決定的な役割を果たした。彼はすべてをミックスし、個々のサウンドを全体として組み立てた。それが、コニーがそれをした最後の時だったと思う。彼はその後、自分がいなくなった後もクラフトヴェルクのサウンドがどうなるか分かっていたと私に言った。」と述べた。^{[16] [17]}

カーステン・ブロッカーは著書『クラフトヴェルク：ミュージック・ノンストップ』の中で、アウトバーンでクラフトヴェルクは初期の実験的なクラウトロックからエレクトロニック・ポップ・ミュージックへの移行を完了したと述べている。^[16]アルバムは主にシンセサイザーとドラムマシンで録音され、時折フルートとギターが使用された。ブロッカーは、グループのシンプルなメロディーとハーモニーがポップ・ミュージックを連想させるとコメントした。^[16]バルトスによると、グループのスタイルの変化は、ヒュッターとシュナイダーがクラシック音楽のバックグラウンドを持っており、「どうやら歌詞のないポップ・ミュージックはない」という理由で歌詞を加えることでポップ・ミュージックに移行したためである。^[16]音楽の方向性の変化はシュルトの影響を受けた。シュルトは音楽家としての訓練を受けていなかったが、メロディーを聞く耳を持ち、即興セッションの効果的な部分を選び、ヒュッターとシュナイダーに自分たちの音楽セッションを単純化することで探求するよう導いた。^[15]アウトバーンにはボーカルがほとんどない。評論家のヴァン・マトレはこのアルバムを「単に道路の音と感覚の印象」と評した。^[6]

ヒュッターはクラフトヴェルクの音楽を何度もインダストリアル・フォルクスムジーク（Industrielle Volksmusik、直訳すると「インダストリアル・フォークミュージック」 ）と表現し、特にスロッビング・グリッスルのようなグループのインダストリアル・ミュージックのサウンドではなく、ドイツの地方音楽の伝統の現代版を指していた。 [ ^18]英国では、エレクトロニック・ミュージックはテレビシリーズの先駆的なエレクトロニック・サウンドトラックを指して「ドクター・フー^{・ミュージック」として広く知られていた。 [19]ヒュッターは1975年にクラフトヴェルクが}アウトバーンを運転中にアルバムのアイデアを思いついたと述べ、「それはさまざまな感情を駆け巡らせる刺激的な体験だった。私たちは音楽を通してそれがどんな感じだったかを伝えようとした」と述べた。^{[20]フリュールは後に「アウトバーン」をデュッセルドルフから}ハンブルクへの旅と表現し、そのルートにはルール渓谷の工業地帯の音、ボットロップやカシュトロップ＝ラウクセルなどの鉱山の町のベルトコンベア、そして歌の中でフルートで象徴されるミュンスター地方の田園地帯などの音楽が含まれていたと述べた。 ^[21]道路を旅する他の音も歌のいたるところで聞かれる。ヒュッターによると、その音群には「車の音、クラクション、基本的なメロディー、モーターのチューニング。サスペンションとタイヤの空気圧を調整し、アスファルトの上を転がり、車輪がペイントされたストライプの上を走るときの滑走音—phhhwwtphhhwwt—が含まれていた。それは音の詩であり、また非常にダイナミックでもある。」^[20] 

「アウトバーン」はシュルトとの共作で、ヒュッターはシュルトに歌詞の一部を依頼した。^[22]この曲の歌詞はドイツ語で、シュナイダーはこれについて「私たちの音楽の一部は、私たちの言語の感覚から生まれたものです...私たちの話し方は途切れ途切れで、望むなら鋭いもので、子音と雑音が多いのです」と述べている。^[23]ヒュッターによると、彼らの言語は楽器のように使われていた。彼は「私たちはロッド・スチュワートのような意味での歌手ではありません。私たちは声を別の楽器として使います。言語は単なる別のリズムパターンであり、私たちの統一されたサウンドの一部なのです」と述べている。^[23] 1991年のインタビューで、ヒュッターは『アウトバーン』のリリースに期待はしていなかったと述べ、「友人たちに聴かせたら、何人かが『アウトバーンを走る!?頭がおかしいじゃないか』と言った。とにかくレコードを出して、何が起こるか見てみたらいい。そうしないと、あれこれ計算しすぎてしまうから」と語った。 ^[24]アルバムの他の4曲は、より短いエレクトロアコースティック曲である。「コメテンメロディ」（「彗星のメロディ」）は、1973年に地球を通過したコホーテク彗星に触発された。 ^{[25] [26]}ヒュッターによると、「モーニングウォーク」（「朝の散歩」）は、深夜のセッションを終えてスタジオを出るときに、周囲の静寂を観察しながら早朝に散歩したことに影響を受けたという。^[25] 2部構成の「Kometenmelodie 」は、クリス・パワーによってDrowned in Soundで「ポストサイケデリック・コスミッシェ」と評された。^[27]

アウトバーンは1974年11月にドイツでフィリップス・レコードから発売され^[28]、同レーベルと契約した3枚のアルバムのうちの3枚目となった。^[29]このアルバムは1975年1月に米国で発売され、グループにとって米国で発売された最初のアルバムとなった。^[30]アウトバーンは米国のビルボードのトップLP・テープ・チャートに22週間ランクインし、1975年5月3日に最高5位に達した。^[31]英国では、アルバムはシュルトのペイントされたカバーではなく、青と白の高速道路のロゴでフォノグラムから発売された。 ^[25]英国版のカバーは、その後の再発行ではデフォルトのスリーブとなった。^[25]アウトバーンは1985年にデジタルリマスターされ、CD、LP、カセットで発売された。^{[29] 2009年、クラフトヴェルクは}アウトバーンを含む8枚のアルバムをリマスターし、コンピレーションアルバム『 The Catalogue』の一部として発売した。^[32]

シカゴのラジオ局が輸入盤として入手した「アウトバーン」のシングル盤を最初に流した。^{[33]ニュージャージー州の} ジェム・レコードがスタジオアルバムを大量に輸入したため、ヴァーティゴ・レコードはアメリカでシングルとアルバムの両方をリリースすることになった。「アウトバーン」のシングルカットは1975年初頭に国際的なヒット曲となった。^[34]トップ40ラジオでは曲のほんの一部が流された。^[6]「アウトバーン」のシングルバージョンは3分半である。ヒュッターは「緩く構成されているので、短いバージョンを作るのは簡単だった。境界や連続性についてあまり心配する必要がないので簡単だった」と述べた。^[35]アメリカでの アウトバーンの人気を受けて、ヴァーティゴはクラフトヴェルクの以前のアルバム「ラルフ・アンド・フローリアン」（1973年）もリリースした。^[36]フィリップスはアルバムの2枚目のシングルとして「コメテンメロディ2」をリリースした。^[29]

1974年末、クラフトヴェルクは西ドイツで短いツアーを行った。グループはカルテットのままで、ヴォルフガング・フリューアを残し、ローダーに代わってカール・バルトスを雇った。 ^{[13] [37]バルトスは}デュッセルドルフのロベルト・シューマン大学に通う22歳の音楽学生で、ベルリン交響楽団の打楽器奏者になることを希望していた。バルトスはドイツでカールハインツ・シュトックハウゼンやマウリシオ・カーゲルの作品のコンサートで打楽器を演奏したことがあった。^[38]クラフトヴェルクは1975年4月から3か月間アメリカをツアーした。^{[39] [20]}アメリカツアーに続いて9月には17日間のイギリスツアーを行った。バルトスはイギリス公演のチケットの売れ行きが悪かったと指摘し、ニューカッスル・アポン・タイン、ロンドン、ボーンマス、バース、カーディフ、バーミンガム、リバプールのホールではほとんど観客がいなかったことを思い出した。^[40]

ツアー中、収録曲は主にアウトバーンの曲と彼らの初期の曲で構成されていた。バンドは当初のツアークルーに問題を抱えており、アメリカツアー中にメンバーが解雇され、交代させられた。^[39]バンドの機材にも問題があった。シンセサイザーは夕方にチューニングするために午後に電源を入れなければならず、機材の照明が強すぎて楽器の音程が狂ってしまった。^{[41] [42]}また、国によって主電源の電圧が異なるという問題も経験した。 ^[41]

クラフトヴェルクの伝記作家ウーヴェ・シュッテによると、ドイツで最初にリリースされたとき、アウトバーンはドイツの主流音楽メディアからほとんど無視された。^[44]グループはドイツのロックメディアのメンバーをドライブに招待し、車のスピーカーから「アウトバーン」を流した。^[45]シュルトは、これらのジャーナリストの一般的な反応は「だから何だ！」と断言したものだったと回想している。^[45]このアルバムを取り上げていた唯一の主要な出版物は、ドイツの雑誌「サウンズ」の1974年11月号であり、その中でレビュアーのハンス・ヨアヒム・クルーガーはアルバムを「変化に富み、とりわけヘッドフォンを着けたリスナーに特に感銘を与える、楽しい小旅行」と評した。^{[44] [46]}クラフトヴェルクの後期アルバムのレビューで、「NN」とクレジットされているレビュアーはアウトバーンについて「そのようなものはリリースされる価値すらない」と述べた。^{[47] [46]}フリュールはアルバムの初期の批評家の反応について、「ドイツでは、アーティストは海外で大きな成果を上げない限り、あまり評価されないことが多い」と述べ、「アメリカでの成功は、ついにドイツの新聞に良い見出しをもたらした」と語った。^[25]

2013年、オブザーバー紙のジュード・ロジャースは、このアルバムに対する英語圏の反応の一部を外国人排斥的だと呼んだ。^[34] ロジャースは、バリー・マイルズによるバンドのライブレビュー「これが君たちの父親たちが君たちを救うために戦ったものだ」や、ヒュッターとレスター・バングスのインタビューでバングスがクラフトヴェルクは音楽にとって「最終解決」なのかと尋ねたことなどを例に挙げた。^[34] NMEがバングスのインタビューを掲載したとき、バンドの写真がニュルンベルク集会の画像に重ねて表示された。^[34]同時期のレビューでは、ローリングストーン誌のジョン・メンデルソンがアルバムに否定的なレビューを与え、「何ヶ月もトップ10入りしていない」ウェンディ・カルロスの音楽ほど良くないとした。^[48]ヴィレッジ・ヴォイスの評論家ロバート・クリストガウは、このアルバムをマイク・オールドフィールドの音楽と比較してC+の評価を与えたが、「ある意味、純粋な愚か者のために作られたが、それでも私は和らげたやり方で完全に反対しているわけではない」と述べた。^[43]

オタワ・シチズンのビル・プロヴィックは当初このグループにためらいがあり、最初はアウトバーンを馬鹿にしていたと述べたが、アウトバーンとラルフ・アンド・フローリアンを聴いて、最初の反応を「大きな間違い、重大な不正、そして私がいつも他人に嘆いているロックのスノッブさの悲しい例」と呼んだ。^[49]プロヴィックは、このアルバムは「心地よい背景の雰囲気として、そしてよく聴くと心の素敵な逃避路として、2つのレベルで機能する」と述べ、「クラフトヴェルクが派手な仕掛けよりも落ち着いた能力を選んだことは、エレクトロニック音楽の世界における良い変化だ」と感じた。^[49]リーダーポスト紙のゲイリー・ディーンは、アウトバーンはクラフトヴェルクの「これまでで最も野心的で一貫性のある[アルバム]」であり、「アウトバーン」という曲は演奏時間の都合上繰り返しが多いが、「その効果は意図的で、アウトバーンの風景の周期的な馴染み深さが作品全体をまとめている。実に魅力的で、私たちの音楽生活のほとんどに新しい次元を与えてくれる」と付け加えた。^[50]ヴァン・マートレはタイトル曲を「道路の音と感覚の印象で、時には神経をすり減らし、時には中央分離帯のように繰り返しが多いが、主に催眠術的」と表現し、この曲を「アルバムの中で断然最高で最も聴きやすい」と呼んだ。^[6]ヴァン・マートレはまた、アルバムの残りの曲は「より実験的で、キャッチーさに欠けるが、それが全体の価値を高めている」と述べた。^[6]フォートワース・スターテレグラムのジェリー・ベイカーやニューズデイのウェイン・ロビンズなどの批評家は、このアルバムを1975年のベストアルバムのリストに佳作として含めた。^{[51] [52]}

1985年、サイモン・ウィッターはNME で、アウトバーンはクラフトワークのその後の4枚のアルバムほど力強くはないが、「非常に大きな歴史的意義」があると書いている。^[4]ウィッターは「華やかさとギターの華やかな時代に、クラフトワークはスーツを着た4人の堅物たちがキーボードを弾くだけだった」と述べ、そのユニークなリズム、テクスチャ、メロディーを指摘し、このグループは「精神的にも音響的にも同世代の何十年も先を行っていた」と述べた。^[4] サイモン・レイノルズはスピン・オルタナティブ・レコード・ガイド（1995年）で「難解な人たちは最初の3枚のアルバムの方が好きだと主張するだろう。それらは素晴らしいが、正直なところ、アウトバーンはクラフトワークの宇宙のムザックが重要になり始めるときだ」と書いている。 ^[58]レイノルズはタイトル曲について「高速道路を走る爽快感を讃えながらも、牧歌的な交響曲のように聞こえる」と述べた。^[58]

デイヴィッド・キャヴァナは『Uncut』で2009年のリマスター版『アウトバーン』に5つ星の評価を与え、タイトル曲が最大の魅力だと述べ、トラックを「暖かさにあふれ、明るいボーカルハーモニー（「...mit Glitzerstrahl」）、気楽なフルートソロ（シュナイダー）、緊張をほぐす巧みな変調（ギアチェンジを示す）など」と呼んだ。キャヴァナはアルバムのリマスターを大失敗と呼び、EMIが以前リリースしたコンパクトディスクよりも悪いと述べた。^[57]マット・スノーは『Mojo』で、このアルバムは「ポップの金字塔」であり「彼らの事業全体の青写真」であると書いた。 ^[54]ピッチフォークのトム・ユーイングは『The Catalogue』のレビューでアルバムに好意的なコメントをし、アルバムのトラックはクラフトヴェルクの「シンプルで物憂げなメロディーの才能」を示すショーケースであると指摘したが、アルバムで探求されたテーマは『Trans-Europe Express』の方が優れていると述べた。^{[59]その後のアルバムレビューでは、}アイリッシュ・タイムズの4つ星評価やニュー・ローリング・ストーン・アルバム・ガイドの3.5つ星評価 など、全体的に肯定的な評価が下されたが、『アウトバーン』に関する具体的な内容は語られていない。 ^{[55]クリストガウは、当初のC+だった}『アウトバーン』の評価をB−に引き上げた。^[43] 2005年の著書『死ぬ前に聴くべき1001枚のアルバム』で、スティーヴン・ダルトンは『アウトバーン』を「前衛ポップ・ミニマリズムの金字塔」と評した。 ^[60]

クラフトヴェルクは後にEMIと契約し、クリング・クラン社を設立した。^[29]この世界的なライセンス契約により、クラフトヴェルクはドイツ、オーストリア、スイスではエレクトロラ、イギリスではEMI、アメリカではヴァーティゴ、フランスではパテ・マルコーニと契約を結ぶことになった。^{[29]クラフトヴェルクは}アウトバーンに続いて1975年にラジオ・アクティビティをリリースした。 ^{[61]クラフトヴェルクは1970年代のその後のアルバムで}アウトバーンほどの売り上げを再現することはなかったが、ヨーロッパ中で売れ行きがよく、彼らのスタイルで最も商業的に成功したグループの一つとなった。^[62]ヒュッターとシュナイダーは後にクラフトヴェルクの初期の音楽を否定した。ヒュッターによると、アウトバーンは「本当に最初のもの」であり、シュナイダーは初期の音楽を「歴史、考古学」と呼んだ。^[63] アウトバーンはコニー・プランクのクラフトヴェルクでの最後の作品となった。 [ ^{29]プランクは}『アウトバーン』の制作に携わった自宅スタジオで、後にキリング・ジョーク、クラナド、ブライアン・イーノ、ユーリズミックス、ディーヴォなどのグループやアーティスト、さらにはノイ！やDAFなどのドイツのグループとも仕事をした。^{[29] [64]}

シナジー誌のシークエンサー（1976年）のレビューで、評論家のマイケル・フッカーは、アウトバーンの発売以来、シンセサイザー作曲への関心が高まっていると指摘した。^[36]デヴィッド・ボウイなどの他のアーティストも、アウトバーンの影響に注目し始めた。ボウイは「電子楽器の優位性を見て、これはもう少し研究しなければならない分野だと確信した」と述べた。^[65]マイケル・ローターは、アウトバーンが彼のバンド、ハルモニアに影響を与え、トラックに声を加えることを考え始めたと述べた。彼は「ハルモニアのデラックス版では、その反響を聞くことができる」と述べた。^[66]プロデューサーのアーサー・ベイカーは、高校時代にレコード店で働いていたときにクラフトヴェルクの「アウトバーン」を初めて聞いた。後に彼は、アフリカ・バンバータの「プラネット・ロック」で、グループの曲のメドレーを使用した。^[67]

フロント242というバンドのパトリック・コデニスによると、1970年代初頭の「最もクリエイティブなグループは、洗練されたジャムセッションをベースにした音楽を持つキング・クリムゾンやイエスのような名手たちだった。 『アウトバーン』を買ったとき、変化を感じた。初めて、ロックの通常の要素で作られていない、触れることのできない音楽だった」という。^[68]コデニスは、この音楽はたった1人の人間によって作られたものであり、それが彼に自分自身で音楽を作る勇気を与えたと語った。^{[68] [37]}音楽評論家のサイモン・フリスは、ディスコが音​​楽の未来を告げるものであると述べ、「アウトバーン」はAMラジオの5分間の不変のリズムと、テリー・ライリーのような前衛ミュージシャンによる24時間コンサートとの架け橋であると述べた。^[69]作家のトーマス・ジェローム・シーブルックは、このアルバムを「最高のコスミッシェ・レコード」の1つに挙げた。^[70] 2014年には、数十年にわたる音楽の風潮の変化を反映した歴史的に重要な録音を代表する多様なコレクションであるグラミーの殿堂入りを果たした。^[71]

2009年10月から11月にかけて、 Autobahnのリマスター版がCD、デジタルダウンロード、重量盤ビニールでリリースされました。Kometenmelodie 2の冒頭は、Kometenmelodie 1の最後に移動されました。

クレジットはオリジナルアルバムのレーベルから引用。^[73]

• ラルフ・ヒュッター– ボーカル、エレクトロニクス、音楽、コンセプト、プロダクション
• フロリアン・シュナイダー– ボーカル、エレクトロニクス、音楽、コンセプト、プロデュース
• ヴォルフガング・フリュール– パーカッション
• クラウス・レーダー– ヴァイオリン、ギター

• コンラッド・プランク– エンジニア
• エミール・シュルト– 表紙絵
• バーバラ・ニーモラー – 写真

1985年の再リリースでは以下の内容が追加されました: ^[74]

• クラウス・レーダー - 「ミッターナハト」のエレクトリック・ヴァイオリン

2009年のリマスター版では、さらなる変更と追加が行われた。^[75]

• Ralf Hütter – ボーカル、エレクトロニクス、シンセサイザー、オルガン、ピアノ、ギター、電子ドラム、アートワークの再構築。
• フロリアン・シュナイダー – ボーカル、ボコーダー、エレクトロニクス、シンセサイザー、フルート、電子ドラム
• Wolfgang Flür – 「米天メロディー 1-2」の電子ドラム
• クラウス・レーダー - 「ミッターナハト」のエレクトリック・ヴァイオリン
• ヨハン・ザンブリスキ – アートワークの再構築

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• DiscogsのAutobahn (リリースリスト)