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ポップミュージック、または単にポップとは、1950年代半ばにアメリカ合衆国とイギリスで現代的な形で誕生したポピュラー音楽のジャンルである。 [ 5 ] 1950年代と1960年代には、ポップミュージックはロックンロールと、それが影響を与えた若者向けのスタイルを包含していた。ロックとポップミュージックは1960年代後半までほぼ同義語であったが、その後、ポップはより商業的で、一時的で、親しみやすい音楽と関連付けられるようになった。
ポップミュージックの特徴としては、繰り返し登場するコーラスやフック、基本的な構成（多くの場合、ヴァース・コーラス形式）で書かれた短めから中程度の長さの楽曲、そして踊りやすいリズムやテンポなどが挙げられます。また、ポップミュージックの多くは、ロック、ヒップホップ、アーバン、ダンス、ラテン、カントリーといった他のジャンルの要素も取り入れています。
ポピュラー音楽とポップ音楽という用語はしばしば同義語として使われる。前者は大衆の支持を目的とした音楽全般を指し（芸術音楽と比較せよ）、多様なスタイルを含むからである。
デイビッド・ハッチとスティーブン・ミルワードは、ポップミュージックを「ポピュラー音楽、ジャズ、フォーク音楽とは区別される音楽の集合体」と表現している。[ 6 ] 音楽研究者のデイビッド・ボイルは、ポップミュージックをマスメディアによって人が触れたあらゆる種類の音楽と定義している。[ 7 ]多くの人は、ポップミュージックはシングルチャートだけであり、チャート音楽の総和ではないと考えている。音楽チャートには、クラシック、ジャズ、ロック、ノベルティソングなど、さまざまなソースからの曲が含まれている。ジャンルとして、ポップミュージックは別個に存在し、発展していると見なされている。[ 8 ]したがって、「ポップミュージック」という用語は、すべての人にアピールするように設計された明確なジャンルを説明するために使用でき、ロックミュージックが「大人向けのアルバムベースの音楽」であるのとは対照的に、「ティーンエイジャーを対象とした即席のシングルベースの音楽」として特徴づけられることが多い。[ 5 ] [ 10 ]
ポップミュージックは、その用語の定義とともに進化してきた。音楽評論家のビル・ラムによれば、ポピュラー音楽は「1800年代の産業革命以降、都市の中産階級の趣味や関心に最も合致する音楽」と定義されている。[ 11 ]「ポップソング」という用語は、1926年に「大衆的な魅力を持つ」楽曲という意味で初めて使用された。[ 12 ]ハッチとミルワードは、1920年代の録音史における多くの出来事が、カントリー、ブルース、ヒルビリー音楽を含め、現代のポップミュージック産業の誕生と見なすことができると指摘している。[ 13 ]
ニューグローブ音楽事典のウェブサイトによると、「ポップミュージック」という用語は「1950年代半ばにイギリスで、ロックンロールと、それが影響を与えた新しい若者の音楽スタイルを説明するために生まれた」とのことです。[ 14 ]オックスフォード音楽事典では、ポップの「以前の意味は幅広い聴衆にアピールするコンサートを意味していたが、1950年代後半以降、ポップは、ビートルズ、ローリングストーンズ、ABBAなどのアーティストによって演奏される、通常は歌の形をとる非クラシック音楽という特別な意味を持つようになった」と述べています。[ 15 ]グローブ音楽オンラインも、「1960年代初頭には、イギリスでは『ポップミュージック』という用語はビートミュージックと用語的に競合していたが、アメリカでは（現在もそうであるように）『ロックンロール』と重なっていた」と述べています。[ 14 ]
1967年頃から、「ポップミュージック」という用語は「ロックミュージック」という用語と対立する形で使われることが増え、この区分によって両方の用語に一般的な意味が与えられた。[ 16 ]ロックが真正性とポピュラー音楽の可能性の拡大を目指したのに対し、 [ 16 ]ポップはより商業的で、一時的で、親しみやすいものだった。[ 17 ]イギリスの音楽学者サイモン・フリスによれば、ポップミュージックは「芸術ではなく企業として」制作され、「誰にでもアピールするように設計されている」が、「特定の場所から生まれたり、特定の趣味を特徴づけたりするものではない」。フリスは、ポップミュージックは「利益と商業的報酬以外に大きな野心によって動かされているわけではなく、音楽的には本質的に保守的である」と付け加えている。ポップミュージックは「下から作られるのではなく、上層部（レコード会社、ラジオ番組制作者、コンサートプロモーター）から提供される。 …ポップはDIY音楽ではなく、プロによって制作され、パッケージ化されている」。[ 5 ]
フリスによれば、ポップミュージックの特徴は、特定のサブカルチャーやイデオロギーではなく、一般大衆にアピールすることを目的としていること、そして形式的な「芸術的」な質よりも職人技を重視していることである。[ 5 ]さらに、フリスはポップミュージックの3つの特徴として、軽快な娯楽、商業的要請、そして個人的な同一化を挙げている。ポップミュージックは軽快な娯楽とイージーリスニングの伝統から生まれた。[ 20 ]ポップミュージックは、フォーク、ブルース、カントリー、伝統音楽などの他の音楽ジャンルよりも保守的である。多くのポップソングには、抵抗、反対、政治のテーマは含まれておらず、愛や人間関係に重点が置かれている。したがって、ポップミュージックは聴衆に社会的に挑戦したり、政治活動を引き起こしたりしない。フリスはまた、ポップミュージックの主な目的は収益を生み出すことだと述べている。それは人々の自由な表現の媒体ではない。その代わりに、ポップミュージックは、リスナーにアピールする決まり文句の人物、ステレオタイプ、メロドラマへの即座の共感を得ようとしている。[ 20 ]音楽学者のティモシー・ワーナーは、ポップミュージックは一般的にライブパフォーマンスよりも録音、制作、技術に重点を置いており、進歩的な発展よりも既存のトレンドを反映する傾向があり、ダンスを奨励したり、ダンス指向のリズムを使用したりしていると述べた。[ 17 ]
ポップミュージックの主な媒体は歌であり、長さは2分半から3分半であることが多く、一般的に一貫した目立つリズム要素、主流のスタイル、シンプルな伝統的な構造が特徴です。[ 23 ]多くの人気曲の構造は、ヴァースとコーラスであり、コーラスは音楽的にも歌詞的にも単純な繰り返しによって耳に残るように設計されたトラックの部分です。コーラスは音楽が盛り上がる部分であることが多く、ベースとドラムのパートが「ドロップアウト」する「ドロップ」が先行することがよくあります。[ 24 ]一般的なバリエーションには、ヴァース・コーラス形式と32小節形式があり、メロディーとキャッチーなフックに重点が置かれ、コーラスはメロディー、リズム、ハーモニーの点でヴァースと対照的です。[ 25 ]ビートとメロディーはシンプルで、ハーモニーの伴奏は限られています。[ 26 ]現代のポップソングの歌詞は、一般的に単純なテーマ （多くの場合、愛や恋愛関係 ）に焦点を当てているが、注目すべき例外もある。[ 5 ]
ポップミュージックのハーモニーとコード進行は、しばしば「古典的なヨーロッパの調性と同じだが、より単純化されている」[ 27 ]。決まり文句としては、バーバーショップカルテットスタイルのハーモニー（つまりii – V – I）やブルーススケールの影響を受けたハーモニーなどがある[ 28 ]。1950年代半ばから1970年代後半にかけて、五度圏の伝統的な見方の影響力が弱まり、属音機能の優位性も低下した[ 29 ]。
2023年10月、ビルボード誌は「最高のポップソング500曲」のリストを作成した。その際、彼らは「ポップソング」を定義することの難しさを指摘した。
ポップミュージックを要約するのが難しい理由の一つは、明確な音響的または音楽的な定義がないからです。多くの大ヒットポップソングには共通する要素がありますが、結局のところ、「ポップ」とはまず第一に「ポピュラー」を意味し、十分に人気になった曲はほぼすべてポップソングとみなすことができます。[ 30 ]
1940年代には、マイクの設計が改良されたことで、より親密な歌唱スタイルが可能になり、10年後か20年後には、安価で耐久性のあるシングル用の45回転レコードが登場し、「ポップミュージックの普及方法に革命」をもたらし、ポップミュージックを「レコード/ラジオ/映画スターシステム」へと移行させるのに役立った。[ 32 ]もう一つの技術的変化は、1950年代にテレビが広く普及し、テレビでパフォーマンスが放映されるようになったことで、「ポップスターは視覚的な存在感を持たなければならなくなった」ことである。[ 32 ] 1960年代には、安価で持ち運び可能なトランジスタラジオの登場により、先進国の10代の若者は家以外でも音楽を聴くことができるようになった。[ 32 ] 1980年代初頭には、 MTVなどの音楽テレビチャンネルの台頭によりポップミュージックのプロモーションが大きく影響を受け、「マイケル・ジャクソンやマドンナのような視覚的な魅力が強いアーティストが優遇された」。[ 32 ]
マルチトラック録音（1960年代から）とデジタルサンプリング（1980年代から）もポップミュージックの制作と発展の方法として使われてきた。[ 5 ] 1960年代半ば、ポップミュージックは新しいサウンド、スタイル、テクニックに繰り返し挑戦し、リスナーの間で議論を巻き起こした。「プログレッシブ」という言葉が頻繁に使われ、すべての曲やシングルは前の曲やシングルからの「進歩」であるべきだと考えられていた。[ 33 ]音楽評論家のサイモン・レイノルズは、1967年から「プログレッシブ」ポップと「マス/チャート」ポップの間に分断が生じ、それは「大まかに言えば、少年と少女、中流階級と労働者階級の間の分断でもあった」と書いている。[ 34 ]
20世紀後半には、アメリカ文化において芸術とポップミュージックの境界がますます曖昧になるという大きな潮流が見られた。[ 35 ] 1950年から1970年の間には、ポップと芸術のどちらが優れているかという議論があった。[ 36 ]それ以降、一部の音楽出版物はポップミュージックの正当性を認めるようになり、この傾向は「ポップティミズム」と呼ばれている。[ 36 ]
ポップミュージックは、その発展の過程で、他のジャンルのポピュラー音楽から影響を受けてきた。初期のポップミュージックは、ドイツのシュラガーやフランスのシャンソンに相当するアメリカの伝統的なポップミュージックから影響を受けていたが、ヨーロッパ諸国のポップミュージックと比較すると、伝統的なポップミュージックは当初、ティンパンアレーのソングライティング、ブロードウェイシアター、ショーチューンなどの影響を強調していた。ジャンルが進化するにつれて、クラシック、フォーク、ロック、カントリー、エレクトロニックミュージック、その他のポピュラージャンルからの影響がより顕著になった。 2016年に、 1955年から2010年の間に録音された464,000以上のポピュラー音楽の録音を調査したScientific Reportsの研究では、1960年代のポップミュージックと比較して、現代のポップミュージックはピッチ進行のバリエーションが少なく、平均音量が大きく、[ 37 ]楽器編成や録音技術の多様性が少なく、音色のバリエーションが少ないことがわかった。[ 38 ]サイエンティフィック・アメリカンのジョン・マツソンは、これは「昔のポップミュージックは今日のトップ40の音楽よりも『優れていた』、あるいは少なくとも多様性があったという一般的な逸話的な観察を裏付けるようだ」と報告した。しかし、彼はまた、この研究が各世代のポップミュージックを完全に代表しているわけではないかもしれないとも指摘した。[ 38 ]
1960年代、主流のポップミュージックの大部分は、ギター、ドラム、ベースのグループか、伝統的なオーケストラをバックにした歌手の2つのカテゴリーに分類されました。[ 39 ] 10年の初めから、ポッププロデューサー、ソングライター、エンジニアが音楽形式、オーケストレーション、不自然なリバーブ、その他のサウンドエフェクトを自由に実験することが一般的でした。最もよく知られている例としては、フィル・スペクターのウォール・オブ・サウンドや、ジョー・ミークがトルネードなどのグループのために自作の電子サウンドエフェクトを使用したことが挙げられます。[ 40 ]同時に、ラジオやアメリカとイギリスの映画におけるポップミュージックは、洗練されたティン・パン・アレーから、より風変わりなソングライティングへと移行し、適切にアレンジされリハーサルされたスタジオミュージシャンのグループによって演奏されるリバーブのかかったエレキギター、シンフォニックな弦楽器、ホーンを取り入れるようになりました。[ 41 ] 2019年にニューヨーク大学 が行った調査では、643人の参加者がポップソングの馴染み度をランク付けしたところ、1960年代の曲が最も記憶に残りやすく、2000年から2015年までの近年の曲よりも有意に記憶に残っていることが判明した。[ 42 ]
1960年代後半のプログレッシブ・ポップ以前は、演奏家は通常、音楽の芸術的内容を決定することができませんでした。[ 43 ] 1960年代半ばの経済ブームに後押しされ、レコード会社はアーティストに投資し始め、実験の自由を与え、コンテンツとマーケティングに対する限定的なコントロールを提供しました。[ 44 ]この状況は1970年代後半以降衰退し、インターネットスターの台頭まで再び現れることはありませんでした。[ 44 ] 1970年代後半に発展したインディー・ポップは、当時のポップミュージックの華やかさからのもう一つの脱却を示しており、大手レーベルからレコード契約を得ることなく、自分たちの音楽を録音してリリースできるという当時としては斬新な前提に基づいてギターバンドが結成されました。[ 45 ]
1980年代は、シンセサイザーの使用と関連したデジタル録音の使用の増加でよく記憶されており、シンセポップ音楽や非伝統的な楽器を特徴とするその他の電子音楽ジャンルの人気が高まった。 [ 46 ] 2014年までに、世界中のポップ音楽はエレクトロニックダンスミュージックに浸透した。[ 47 ] 2018年、カリフォルニア大学アーバイン校の研究者は、ポップ音楽は1980年代以降「より悲しくなった」と結論付けた。幸福感や明るさの要素は最終的に電子ビートに置き換えられ、ポップ音楽はより「悲しいが踊れる」ものになった。[ 48 ]
ポップミュージックはアメリカと（1960年代半ば以降は）イギリスの音楽業界に支配されてきたが、その影響でポップミュージックは国際的な単一文化のようなものになった。しかし、ほとんどの地域や国には独自のポップミュージックがあり、時にはより広範なトレンドのローカルバージョンを生み出し、ローカルな特徴を与えている。[ 50 ]これらのトレンドの中には（例えばユーロポップのように）このジャンルの発展に大きな影響を与えたものもある。[ 51 ]
Grove Music Onlineによると、「西洋由来のポップスタイルは、独特のローカルジャンルと共存するか、あるいはそれらを周縁化するかにかかわらず、世界中に広がり、グローバルな商業音楽文化におけるスタイルの共通項を構成するようになった」[ 52 ] 。日本などの一部の非西洋諸国では、繁栄するポップミュージック産業が発展しており、そのほとんどは西洋スタイルのポップミュージックに特化している。日本は、米国を除くあらゆる国よりも多くの音楽を長年にわたって生産してきた[ 53 ] 。西洋スタイルのポップミュージックの普及は、アメリカ化、均質化、近代化、創造的盗用、文化帝国主義、あるいはより一般的なグローバリゼーションのプロセスを表すものとして、様々に解釈されてきた[ 52 ]。
他の音楽スタイルと並行して発展したポップミュージックのスタイルの1つにラテンポップがあり、1950年代に初期のロックンロールの成功者であるリッチー・ヴァレンスによって米国で人気が高まりました。[ 54 ]その後、1970年代と1980年代にはロス・ロボスやチカーノロックの人気が高まり、 1980年代と1990年代にはミュージシャンのセレーナが、テハノミュージシャンのリディア・メンドーサやリトル・ジョーのファンとのクロスオーバー人気とともに、大規模な人気を獲得しました。その後、ヒスパニック系およびラテン系アメリカ人がポップミュージックチャートで成功を収めるようになり、1990年代のポップヒットは、元のジャンルとより広いポップミュージックの両方で人気を維持しました。[ 55 ]ロス・デル・リオの「マカレナ」やルイス・フォンシの「デスパシート」などのラテンポップのヒットシングルは、世界のポップミュージックチャートで記録的な成功を収めました。[ 56 ]
20世紀後半に世界的なスーパースターとなった著名なポップアーティストには、ホイットニー・ヒューストン、マイケル・ジャクソン、マドンナ、ジョージ・マイケル、プリンスなどがいる。
2000年代初頭には、1990年代後半に支配的だったトレンドがまだ続いていたが、人々がインターネットから音楽をダウンロードし始めたことで音楽業界は変化し始めた。人々は主流から外れたジャンルやアーティストを発見し、有名にすることができるようになったが、同時に、小規模なアーティストは音楽が海賊版として流出したため、生活していくのが難しくなった。[ 58 ]人気アーティストには、アヴリル・ラヴィーン、ジャスティン・ティンバーレイク、NSYNC、クリスティーナ・アギレラ、デスティニーズ・チャイルド、ブリトニー・スピアーズなどがいる。ポップミュージックはしばしばさまざまなジャンルから生まれ、それぞれのジャンルが次のジャンルに影響を与え、ジャンル間の境界線を曖昧にして区別を曖昧にしている。この変化は、プロデューサーのダンジャの影響を受けてEDM、アヴァンファンク、R&B、ダンスミュージック、ヒップホップのサウンドをミックスした、スピアーズの非常に影響力のある2007年のアルバム『ブラックアウト』に象徴されている。[ 59 ]
2010年までに、ダンスミュージックの影響を受けたポップミュージックがチャートを席巻するようになった。トレンドを作るのはラジオではなく、クラブだった。2010年代の初めに、Will.i.amは「新しいバブルは世界中のクラブの集まりだ。ラジオはそれに追いつこうと必死になっているだけだ」と述べている。[ 60 ]大不況中の経済的な苦境を忘れたいという衝動に影響され、パーティーを通して現実逃避を歌った曲が最も人気になった。このスタイルのポップミュージックは現在、不況ポップとして知られている。[ 61 ] 2010年代を通して、多くのポップミュージックがオルタナティブポップからもヒントを得るようになった。2010年代初頭にラナ・デル・レイ[ 62 ]、ジャスティン・ビーバー、アデル、アリアナ・グランデ、ロード[ 63 ]などのアーティストによって普及し、その後ビリー・アイリッシュやテイラー・スウィフト[ 64 ]などの非常に影響力のあるアーティストにも影響を与え、ポップミュージックの中に悲しく憂鬱なトーンの空間を生み出した。
2020年代には、カナダのポップシンガー、ザ・ウィークエンドの楽曲「Blinding Lights 」が同年代を代表するヒット曲となり、ビルボードの歴代ベストホット100でチャビー・チェッカーの「The Twist」を抜き、トップに躍り出た。また、 Spotifyストリーミングプラットフォームで50億回再生を達成した初の楽曲となり、同プラットフォーム史上最もストリーミングされた楽曲となった。この成功は、テイラー・スウィフト、ドレイク、アリアナ・グランデ、オリヴィア・ロドリゴといった他のアーティストと共に、 Spotify、 Apple Music、YouTube Musicなどの他のストリーミングプラットフォームでもポップミュージックが席巻するきっかけとなった。