タヴァル・ザワッキ

タヴァル・ザワッキ
ベルリンのスタジオにいるタヴァル・ザワッキ。
生まれる	タヴァル・ザワッキ 1981年（42～43歳） カリフォルニア州サンフランシスコ
教育	独学
知られている	抽象芸術 幾何学的抽象 オプアート ハードエッジペインティング ステンシル トロンプ・ルイユ 版画
動き	パブリックアート、ステンシル、ストリートアート
Webサイト	tavarzawacki.com

タバール・ザワッキ（1981年生まれ）は、ドイツのベルリンとポルトガルのリスボンを拠点に活動するアメリカの抽象芸術家です。 ^[1]タバール・ザワッキは20年間（1996年から2016年）、ストリートアーティストとしてのペンネーム「ABOVE」ですべての作品を制作し、署名してきました。^[2]タバールはカリフォルニアで生まれ育ち、19歳の時にカリフォルニアからフランスのパリまでの片道航空券を購入し、画材を詰めたバックパックと銀行口座にあるお金（1,500ドル）全額、そして「恐怖を克服する」というアプローチで芸術家としてのキャリアをスタートさせました。^[1] 2000年にパリでスタートしたタヴァールは、伝統的な文字スタイルのABOVEのグラフィティから、「恐怖、課題、目標達成を妨げるものを乗り越える」という楽観的な精神を表す「Above arrow」アイコンへと移行しました。 ^[1] 20年間で、ABOVEのアートワークは世界35か国の80以上の都市で見ることができます。^[3]

2017年1月、ザワッキは自ら課した匿名性の影から抜け出し、本名で作品の制作と署名を始めることを決意した。これにより、創作の探求の自由度が増し、自身がイメージしていた矢印アイコンからの解放も可能となった。タヴァル・ザワッキの大規模な壁画や室内美術の絵画スタイルは、ハードエッジペインティング、カラーフィールド、幾何学的抽象、オプアート、トロンプ・ルイユの絵画スタイルを採用していることが特徴である。^[2]ザワッキは2005年以来、世界中のギャラリーやクリエイティブな施設で作品を発表している。 ^[2]

タバー・ザワッキは1981年、北カリフォルニアの丘陵地帯で、彼の名前の由来となったクリエイティブなヒッピーの両親のもとに生まれた。 ^[1]タバーは幼い頃から両親からアートや音楽を通して自分を表現するよう奨励されていた。13歳の時、タバーはスケートボードとグラフィティに出会った。ザワッキは「10代の頃、放課後は鉄道操車場でスケートボードをしたり、電車にグラフィティを描いたりして過ごしていた。スケートボードとグラフィティに魅了されたのは、どちらもDIYで自分を表現する独立した方法だったからだ」と語っている。^[1] 1995年、14歳の時、タバーはカリフォルニアの貨物列車に、自分のニックネーム「ABOVE」を描いた伝統的な文字スタイルのグラフィティをスプレーで描き始めた。^[2] 5年後、彼は伝統的な文字のグラフィティを描くことから「Above」を指す矢印のシンボルに切り替えた。^[4]ザワッキは、自分が「上の文字」を描いた電車が駅を出発した時、出発する電車のスピードが速かったため自分の名前が全く判読できなかったという衝撃的で決定的な経験を挙げています。彼は、自分のアート作品が一瞬で人々に伝わり、認識される方法を見つける必要があることに気づきました。^[2]

2000年から2006年までの6年間、タバールのアーティストとしての焦点は、彼が考案した「ABOVE」矢印アイコンのみに当てられました。^[1] 20年間で、ABOVEのアートワークは世界50か国100以上の都市で見られました。^[3] 2000年、19歳のタバールはカリフォルニアからフランスのパリに移住しました。当時、パリはZevs、Invader、Stak、Andréなどのストリートアーティストの本拠地でした。^[5]タバールと他のパリのアーティストは、キャラクターとロゴをベースにしたストリートアートのムーブメントの一部でした。この時期に、タバールは上向きの「Above」矢印アイコンを描き始めました。^[2]パリの路上で2年間矢印のロゴを描いた後、ザワッキは2003年にカリフォルニアに戻り、木製の「矢印モビール」を頭上の電線から吊るす技術を発明しました。彼はその後何年もの間、この「矢印モビール」の吊り下げ方法を広めていきました。^[2]

2004 年の夏、ザワッキは「USA ツアー」と題したツアーに出かけた。彼はアメリカ全土を 5,000 マイル (8,000 km) 走り、14 の主要都市に300 台以上の矢印モビールを吊るした。 ^[6]ザワッキの「USA ツアー」中に、回転する矢印の両側に言葉を書いて会話を暗示するという言葉遊びの要素を取り入れた。 ^[7]ザワッキは、どのようにしてモビールをあんなに高く吊るすことができるのかという質問には答えず、「私は誰もが想像力を持っていることを高く評価し、尊重しています。私が皆さんの想像力に干渉するのは間違いです」と述べた。^[7]

ザワッキは2005年にヨーロッパに戻った。アメリカツアーの後、インタビューでなぜヨーロッパでアローモビールを吊るさなかったのかと聞かれると、彼はこう答えた。「アメリカには、頭上に無数の電話線や街路ケーブルが張られています。しかし、ヨーロッパの国々にもアメリカのように頭上にたくさんの電線があるかどうかはわかりませんでした。その代わりに、高いところにある建物の側面に貼り付けられる木製の矢を作ることにしました。ヨーロッパを旅しているときに、実際に訪れた国のほとんどに、将来アローモビールを吊るすための頭上に電線があるのを目にしました。」^[8]タヴァルは4ヶ月に及ぶヨーロッパツアー中に15カ国を訪れ、約500本の大きな木製の布製矢を設置した。^[9]

2006年、タヴァルは「手話ツアー」と名付けた新しいツアーの計画を始めた。彼自身の報告によると、彼は6か月間、ヨーロッパの26か国を巡るユーレイルのチケットを偽造した。 ^{[10] [11]}タヴァルの2006年の「手話ツアー」は、言葉遊びの手話矢印モビールにほぼ重点を置いていた。ザワッキは次のように語っている。「手話は、音ではなく動きを使ったコミュニケーションの形です。矢印モビールは設置したらずっと回転するので、とても魅力的だと思いました。対話を表現するために、矢印の両側に1つずつ単語を描きました。概念的に言えば、風が矢印モビールを回転させる時、それを見た人には小さな言葉遊びのセリフが流れるというものでした。」^[11]彼は矢印をフランス語（J'ai / faim、chez / vous）、スペイン語（Hace / sol、como / esta）、ドイツ語（uber / alle）、イタリア語（ciao/ciao）など、特定の国の言語に合わせてカスタマイズしました。」^[9]

2007年、タバールは前年のヨーロッパでの「手話」ツアーでの言葉遊びから活動範囲を広げた。2007年の南米および中米ツアーでは、建物のファサードの外側に、より大きな言葉遊びの壁画を描くことに焦点を当てた。インタビューで彼は「若い頃にやっていた伝統的なグラフィティのように、文字を描くことに戻りたかったが、グラフィティの名前を描くのではなく、場所が特定され、簡単に読めて理解できる言葉をベースにしたアートを描きたかった」と語っている。^{[12] [13]}彼は2007年春にアラスカのレストランで4か月間ウェイターとして働き、「南中央ツアー」の資金を調達した。^[14]彼の南中央ツアーは6か月続き、2007年10月にブラジルのリオデジャネイロで始まり、 2008年5月にメキシコのメキシコシティで終了した。タバールは6か月のツアーで13か国の18都市で絵を描いた。^[15]

2008年はタヴァル・ザワッキのキャリアにおける新たな章の始まりでした。ストリートネーム「ABOVE」を使い続けながら、タヴァルは前年の矢印アイコンへの集中を放棄し、社会的または政治的な意識を表明することが多い、場所に特化した具象的なステンシル作品を描き始めました。^[3]

2008年9月、ザワッキはポルトガルのリスボンを訪れ、ホームレスという社会問題についてコメントした「貧者への寄付」のステンシルを描いた。彼は「毎日銀行のATMのそばを歩いていると、このホームレスの女性が毎日同じ場所に座って物乞いをしていた。ここからわずか6フィート離れたところに、お金を引き出すために人々が列を作っているのは悲しい皮肉だと思った。この激しい社会的、経済的衝突がこの作品を作ろうというインスピレーションを与えた」と述べた。^[16] 2008年10月、ザワッキはカリフォルニアに戻ったが、そのときニューヨーク証券取引所（NTSE）が暴落し、 2008年の不況が悪化した。彼はワシントン・ミューチュアルのビル（この時期に破綻したいくつかの銀行のうちの1つ）の外壁に、数日前に発生した結果を模倣して、下向きの赤い線が道路の側溝までずっと下がっているニューヨーク証券取引所の棒グラフの画像をステンシルで描いた。

2009年4月、ザワッキ氏は、アメリカン・インターナショナル・グループをめぐるスキャンダルの速報と同社が2008年の救済措置からどれだけ利益を得たかに反応して、「イースターAIG」を探す4人の子供を描いたステンシル壁画を制作した。

2009年5月、ザワッキは4か月にわたるヨーロッパツアーを再開した。このツアーは、これまでのツアーのほとんどと同様に、タイトルがなかったようだ。7月、彼はベルリンの壁に直接「分断の橋渡し」と題した社会的、政治的なステンシル作品を描いた。この作品は、若い女の子が飛び上がり、腕を伸ばしてベルリンの反対側にいる人から花束を取ろうとしている様子を描いている。絵のシーンは、飛び上がる若い女の子を見つめる笑顔の警備員で完成している。「分断の橋渡し」はドイツ再統一20周年に描かれた^[17]。

2010年1月、ハイチ地震のわずか数日後、ザワッキはキューバのハバナに飛び、隣国ハイチの最近の惨状を描写した特定の場所をモチーフにしたステンシルを制作した。彼のステンシル作品は「隣人を助けよ」と題され、タイヤ付きのいかだ、救急医療キット、ハイチの国旗を手に持ち、ハイチと思われる場所へ出航する準備をするキューバの少年を描いたものだった。^[18]

ブレック・ル・ラットはパリで最初のグラフィティアーティストの一人で、「ステンシルグラフィティの父」と呼ばれています。^{[19] は、} 2010年5月1日にサンフランシスコのホワイトウォールズギャラリーで2人展を開催するために、タヴァル・ザワッキ（上の写真ではまだ彼の名前を使っています）を個人的に選びました。^[20]

ホワイトウォールズギャラリーのプレスリリースでは、「この2人のアーティストの出会いは、元祖ステンシルアーティストから、彼の遺産を受け継ぐ若い世代のアーバンアーティストへのバトンの受け渡しです。ブレックは、80年代初頭に、それまでに見られなかった大胆で注目を集めるストリートアートの形態として、ラットにステンシルの先駆者となってもらいました。上の写真は、都市環境に社会的メッセージを投影するためにブレックの手法を取り入れている、新世代の著名なステンシルアーティストです。」と述べられています。^[21]

10月、世界規模でウォール街を占拠せよという抗議運動が最高潮に達したとき、ザワッキはマイ​​アミに飛び、120フィート（37メートル）の長さの言葉遊びの壁画を描いた。その絵には「ウォール街の銀行家に十分なロープを与えれば首を吊るだろう」と書かれていた。ザワッキの壁画には、スーツを着た銀行家の吊り下げられた肖像が組み込まれていた。NBCニュースがタヴァルの「ウォール街」の作品を報道したとき、彼は記者にこう言った。「読む必要はありません。見ればすぐに理解できます。非常に攻撃的で、それが実は重要な点なのです」。彼の最後の返事は、「誰もが自分の意見を持つ権利があり、それを賞賛する人もいれば、それを否定して批判する人もいるでしょう。しかし、重要なのは、それが人々に運動について語らせることだということです」だった。^[22]

2012年2月、ザワッキは南アフリカのヨハネスブルグを訪れ、違法な血塗られたダイヤモンド取引についてコメントする壁画を描いた。彼は「ダイヤモンドは女の子の親友」という諺を借用し、「ダイヤモンドは女性の親友であり、男性の最悪の敵である」というメッセージを世界最大のダイヤモンド輸出業者の1つであるジュエルシティの外壁に描いた。^[23]この場所特有のメッセージは高さ4メートル（13フィート）、長さ80メートル（260フィート）で、街区全体に広がった。^[24]

ザワッキがジュエルシティのオーナーを騙して、建物の外壁にこれほど大きな物議を醸すメッセージを難なく描くことができた経緯は、アーティストの言葉を借りれば、彼自身の「宝石強盗」だった。^[25]彼は「このダイヤモンド壁強盗を逃れることができたのは、オーナーたちに、建物の外壁に『ダイヤモンドは女性の親友』と大きな文字で描くと言ったからです。オーナーたちはそのアイデアを気に入り、全員がすぐに同意しました」と語った。^[24]ザワッキによると、オーナーたちは外に出て検査したり、彼の行動を質問したりすることはなかったという。^[24] ABCニュースの記者とのインタビューで、彼は「この物議を醸すメッセージを世間に知らしめ、血塗られたダイヤモンドの話題をもっと話題にすることで、自分の行動が正当化されると感じたので、嘘を正当化することにしたのです。嘘をつくことで、社会的、政治的な力強い作品が生まれたと感じたので、嘘を正当化しました」と語った。^[25]

2012年9月、ユーロ圏の金融危機の最中、ザワッキはスペインのサラゴサに飛んだ。彼は、失業事務所に並んでいる人々のシルエットの列と「24% Desempleados」（英語で「24%が失業」）という文字を描いた長さ120フィート（37メートル）のステンシル壁画を描いた。この社会的、政治的、そして時勢に敏感な壁画は、世界最高の失業率を伴ったスペインが直面していた厳しい経済状況を取り上げていた。ザワッキがこの壁画を描いた当時、スペイン人の24.6%が失業しており、25歳以下の失業者は53%だった。^[26]

同年9月、ザワッキはデンマークのコペンハーゲンに行き、 #Socialmediaと題したタイムラプス映画を制作した。彼は壁にメッセージを描き、その壁を白く塗り直し、また新しいメッセージを描き直すという作業を2日間にわたって繰り返した。^[27]ザワッキのメッセージは皮肉な嘲笑であり、事実に基づいたものであり、社会やソーシャルメディアの使用法に対する対立的なものだった。彼はFacebook、Twitter、Instagramなどのソーシャルメディア・プラットフォームを取り上げている。^[28]インタビューでザワッキはFacebookやTwitterなどのソーシャルメディアは使用していないと述べ、そのおかげで社会がソーシャルメディア・プラットフォームをどのように使用しているかを観察する部外者として行動することができた。^[27]

2013 年 8 月、ザワッキはイギリスのロンドンで「タイミングがすべて」と題した時間相対的なステンシルを制作した。壁の側面に描かれたカラフルなステンシルには、逆さまに腕を下に伸ばしたブレイクダンサーが描かれていた。夜になると、ステンシルのコンテキストは街灯によって「活性化」され、近くの街路灯の影が壁に直接映し出される。ステンシルされたブレイクダンサーは、道路標識の影の上でバランスをとるという新しいコンテキストで見られるようになった。インタビューでザワッキは「私のステンシル作品はすべて、場所固有のコンテキストで存在します。過去 8 か月間、世界中を旅しながら、この固定された影を視認性の高い場所で探していました。ついにロンドンのショアディッチ地区で完璧な影を見つけました」と語っている。 ^[29]

タヴァルによれば、「完璧な影」を見つけるのが困難だった主な理由は、大都市の交通量の多いエリアに存在する必要があったためだという。^{[30]ニュースブログ}「ハフィントンポスト」の記者は、「バンクシーとジェームズ・タレルがコラボレーションすることになったら、タヴァル・ザワッキが彼らの発案によるものだと思う」と主張した。^[31]

ザワッキのストリート作品の大半は、作品に社会問題や政治問題を暗示している。インタビューの中で、彼は「ロンドンで描かれた『タイミングがすべて』のステンシルには、政治的または社会的なメッセージはなかったが、街との関わり、昼と夜で物事がどのように変化するかが描かれていた。このステンシルは、タイミングと照明が作品のプラットフォームであり、インスピレーションでもあることを示している」とコメントしている。 ^[32]彼はインタビューの最後に「この作品の主な意図は、人々に、文字通りタイミングがすべてであることを観察してもらい、周囲を再評価してもらうことだ」と締めくくった。 ^[32]

2014年6月、ザワッキはスウェーデンのマルメ市で開催されたアートスケープ壁画イベントに招待された国際的アーティストの一人となった。 ^[33]彼は8階建てのビルにCMYKのカラー印刷プロセスを再現したスタイルで「メタモルフォーシス」と題した壁画を描いた。彼は「私は長年形と色に興味を持っていました。矢印は独自の形をしており、このカラフルな形をCMYKカラーブレンドプロセスで重ね合わせると、新しい形と色が新しいものに変身します」と説明した。彼はさらに「楽しむことと実験することです。アーティストとして、作品で実験することは私にとって重要です。そうしないと停滞してしまいます。この壁画を作ることで、矢印は新しい文脈に置かれ、新しい命が広がる余地が生まれました」と語った。^[34]

2014年9月、ザワッキは「リミックス」と題した個展の準備として、ミシガン州デトロイトで3か月間アーティスト・イン・レジデンスを行った。 ^[35]彼のリミックス展では、様々な異なるレーザーカットの木製パネルが展示され、それらは「リミックス」され、アートワークの最終的な構成に交換された。「リミックス作品群の目的は、曲線と直線のバランスの取れた共生を見つけることです。矢印の特徴は、真っ直ぐで鋭く、角張っていて、曲線要素が一切ないことです。私の意図は、直線の矢印デザインの中に様々な曲線形状を混ぜて、まったく新しい視覚的外観を作り出すことです。」^[36]「この作品でどんな進歩を遂げたと思いますか？」という質問に対して、ザワッキは「リミックス展で得た様々な新しい曲線要素によって、矢印のデザインを新しくて刺激的なものに拡張することができました。重点は矢印そのものよりも、曲線と直線の混合にありました。矢印のアイコンはバラバラになり、新しい（そして刺激的な）抽象的な形に変化していきました。」と答えました。^[35]

2015年10月、ザワッキは当時のキャリアで最大となる高さ33メートル（108フィート）、幅17メートル（55フィート）の壁画「インコグニート」を南アフリカのヨハネスブルグでシティ・オブ・ゴールド・フェスティバルの一環として描いた。^[37]彼は10日間連続で壁画を描き、インタビューでプロセス、課題、色の選択について尋ねられると、「色の選択は、各色を重ねたときにどのように変化するかという関係によって事前に決定されていました。これは簡単でしたが、壁画のデザインでは、最終的な色の配置を得るために、色と形を絶えず動かさなければなりませんでした。インコグニートの壁画で私にとって最大の課題は、デザインの比率が正しいことを確認することでした。私は正確さ、しかもかなりの精度を必要としました。線は鋭く真っ直ぐである必要がありました。線を1本でも間違えたり歪んだりすると、デザイン全体に悪影響が及びます。これは、私が地図を描くのにも描くのにも乗り越えなければならなかった最大のハードルでした。インタビューの後半で、ザワッキは「インコグニートのデザインで一番気に入っているのは、二次的な形と、矢印が重なり合うことで生まれる色です。このスタイルのデザインを使うと、楽しい色彩の交差点や新しい形がたくさん生まれます。今後、屋内と屋外の作品でこのスタイルをさらに深く探求していきたいと思っています」と語っています。^[37]

2016年3月、ザワッキは「ABOVE」という芸名を使いながら、スイスのチューリッヒで「12 Months」と題した個展を開催した。^{[38]ザワッキの}アーティストステートメント の一部で、彼はこう書いている。「最近の作品群の意図は、各月に対して私が抱いてきた連想や経験を、鑑賞者に視覚的に表現することです。この作品群では、色彩スペクトル全体をパレットとして使いながら、矢印アイコンを様々なパターン、構成、抽象的なスタイルに組み込む新しい方法を模索しています。私の制作プロセスは、各年を振り返り、各月に対して抱いている色、感情、連想の詳細なリストを作ることから始まりました。書き留めたメモを使って、これらの言葉を各絵画にある形や色の視覚的なデザインに変換しました。作品群全体で一貫性を保ちながら、各作品を独特な感覚で制作することを目指しました。矢印アイコンが各月の構成の脇役となるようにしたかったのです。」私の目標は、矢印が相互作用し、変形し、可能な限りその形を再現し、各月の感情や気持ちを表現することです。私の創作過程において、色彩と各月の感情の一貫した変化は、私にインスピレーションと挑戦を与えてくれました。」^[39]

2016年の夏、ザワッキはニューヨーク市のクインホテルでクインアーツプログラムのアーティスト・イン・レジデンスを務め、色鮮やかな多層矢印構成を通して幾何学的抽象の探求をさらに進めた。 ^{[40] [41] DK}ジョンストンのキュレーションによるこの展覧会では、木にアクリルと樹脂を使った手作りの彫刻レリーフ作品36点が展示された。7月14日に開幕し、ザワッキのニューヨーク市での初の個展となった。^[42]

2017年1月、ザワッキは自ら課した匿名の影から抜け出し、本名で作品を作り、署名することを決意した。これにより、創作の探求の自由度が増し、これまで自分が使っていた矢印アイコンから解放された。彼は「この決断で突然自由になり、創作のアイデアが新しい機会の無限の拡大へと開かれた。私は、芸術的制約から解放された新しい基盤と、創作の限界を新たな高みへと押し上げる好奇心を見出している」と述べた。^[1]

ザワッキは2017年9月、ベルリンのアーバン・シュプレー・ギャラリーで美術館スタイルの個展「メタモルフォーシス」をデビューさせた。「メタモルフォーシス」の全作品は大判のキャンバスに描かれ、オプ・アート、トロンプ・ルイユ、CMYK、ハードエッジ・ペインティングという4つの異なる絵画スタイルを披露した。^[43]彼は展覧会について次のように説明している。「メタモルフォーシスとは、ある状態からより新しいダイナミックな状態への変容です。残酷なほど正直になり、成長への確信を持つことで、もはや自分に役立たないものを内なる目で確認することができました。自分の創造的進歩を妨げていた恐怖を手放すことができました。この変容の間に居心地の悪さを感じる覚悟はしていました。自分の個人的な検閲を解除し、これまで描くのをためらっていたスタイルの作品を描くことに勇敢になる方法を学んでいたのです。」^[44]ザワッキの「メタモルフォーシス」展は彼のキャリアの中で初めて開催され、すべての作品に本名で署名した。^[45]

9月にはザワッキの2冊目の本、同じく『Metamorphosis』が出版された。『Metamorphosis』は168ページのハードカバー本で、2014年にデトロイトで行われた彼の代表作『Remix』展から、2017年9月にアーバン・スプリー・ギャラリーで行われた最新かつ最も野心的な展覧会まで、彼の過去3年間の創作活動を網羅している。この本ではその期間に彼が描いた屋外壁画がすべて取り上げられており、屋内と屋外の作品の間をアーティストがどのように行き来し、その影響を受けたかが説明されている。^[46]

2018年11月、ザワッキはイタリアのミラノにあるヴンダーカンマーンギャラリーで個展「Shapeshifting」を開催した。この機会に、アーティストは個人的かつ芸術的な意味での変容の概念を考察し、さまざまな形や色を使って自分自身を試すことにした。^[47]

アーティストのシェパード・フェアリーは、 Shapeshifting 展の紹介文を次のように書いています。「私は 15 年以上もの間、タヴァル・ザワッキの作品を知っています。最初は彼のストリートネームである「ABOVE」で知っていました。タヴァルは、ストリート アートの最も重要な側面、つまり広範囲にわたるカバー、認識可能な図像、リスクと視覚的なインパクトの点で印象的なストリートの配置を習得することに全力を尽くしており、私に感銘を与えました。2 年前、タヴァル・ザワッキは匿名の ABOVE コンセプトを、ストリート アートの世界で可能かつ尊重されるものの頂点にまで押し上げ、自分のパラメーターを広げて進化する時が来たと決心し、本名を使用して陽の光を浴び、長年使用してきた矢印アイコンから脱却しました。しかし、タヴァルは、形と色彩における長年のグラフィックの熟練の成果を放棄したわけではなく、単にそれらをより幅広く、より野心的で、より洗練された方法で適用することを選んだのです。

シェイプシフティング展に先立って路上やスタジオで制作された最近の作品は、タヴァールのキャリアの中で最も視覚的にダイナミックでありながら魅惑的な作品である。基本的な要素は揃っていることもあるが、崇高な錬金術を生み出すには微妙な動きが必要である。タヴァールの最新作品は力と美を優雅に調和させているが、特にトロンプ・ルイユを使った作品は、デザインベースのアートの域を超え、挑発的でシュールな 2D/3D の対話を生み出し、他の作品とは一線を画している。タヴァールの 2D/3D の対話は、グラデーションを使って反射面の光の遊びや影を模倣した 3D 作品にまで及んでいる。タヴァールは進化し、その過程で真に独特で力強くも贅沢な視覚言語を開発した。」^[48]

2019年9月、タバーは米国最古の公立芸術機関の一つ^{[49] 、}ニューヨーク州バッファローのオルブライト・ノックス美術館から、最大かつ最も野心的なパブリックアートプロジェクトと、タバーのキャリア最大の壁画の制作を依頼された。[50] タバーの「メタモルフォーシス#5」壁画は、バッファロー市だけでなくニューヨーク州西部全体^で最大のパブリックアート壁画であるため、バッファロー市から多くのメディアの注目を集めた。地元テレビ局NBC WGRZチャンネル2で壁画についてインタビューを受けたとき、彼は「よく見ると、上向きの矢印のシンボルが見えます。これは『超越』の精神を表しています。私にとって今は、デザインを構成する抽象的な形状の方に実は興味があります。」と述べた。タヴァールは続けてこう言う。「壁画の素晴らしいところは、解釈が自由であることです。抽象芸術が好きなのはそのためです。各人が自分の好きなように見ることができます。矢印に気づかない人もいるかもしれませんが、それは素晴らしいことだと思います。」^[51]オルブライト・ノックス美術館のパブリックアート担当キュレーター、アーロン・オットはザワッキの壁画についてこう言った。「最近、彼は活動の幅を広げ始めました。メタモルフォーシス#5の壁画は、彼のスタジオでの実践の拡大であり、人々と共有したいものであり、希望に満ちているが、ストリートから得られるエネルギーを、美術館やギャラリー、そしてここパブリックアートを通じて世界中で共有できることも物語っている。」^[52]タヴァルは後にインタビューで、「アイデアと十分な粘り強さがあれば、何でも実現できるという考え方を支持します」と述べている。さらに、「誰が何を言おうと、外の世界が何を言おうと、自分の情熱を追い続け、常に自分を信じること。情熱があれば成功する」と付け加えた。^[52]

2020年2月、タヴァルはドイツのベルリンの自宅を離れ、インドネシアのバリ島に移住することを決意した。バリ島に到着して1か月後、新型コロナウイルス感染症の世界的大流行が広がり、海外旅行が停止され、ロックダウン制限も課された。2020年3月、バリ島でロックダウンが始まったとき、タヴァルは「ロックダウン」と題された新しい絵画コレクションを描き始めた。彼は次のように引用されている。「2020年の世界的パンデミックの間、私はバリ島のスタジオで1日平均9～10時間を1人で絵を描いて過ごしました。ロックダウン・コレクションは、毎日私の周りで展開される困難な不確実性に（健康的かつ前向きな方法で）対処するのに役立ちました。このコレクションのすべての絵画は、2020年3月から2021年4月までの期間に私が感じていたことを個人的に反映したものです。」^[53]タヴァルは続けて、「ロックダウン・コレクションの絵画は、これまでのキャリアで私が描いた中で最も個人的で本物の絵画です」と付け加えた。ロックダウンコレクションは、私がキャリアの中で目指してきた絵画の方向性とスタイルへの出発点となりました。^[53]

• 2023年：PAPEL、ローズ・コンテンポラリー・ギャラリー – ロンドン、イギリス^[54]
• 2021年：LOCKDOWN、バーチャルリアリティギャラリー – バリ島、インドネシア^[54]
• 2019: INCOGNITO STUDIES、Die Kunstagentin Gallery – ケルン、ドイツ^[54]
• 2018年：SHAPESHIFTING、Wunderkammern Gallery – ミラノ、イタリア^[54]
• 2017年：METAMORPHOSIS、アーバン・シュプレー・ギャラリー – ベルリン、ドイツ^[54]
• 2016年：UNTITLED、ザ・クイン – ニューヨーク、アメリカ^[54]
• 2016年：12ヶ月、スーンギャラリー – チューリッヒ、スイス^[54]
• 2014年：REMIX、インナーステートギャラリー – デトロイト、アメリカ^[54]
• 2013: PUSH & PULL、シェ・ジョー – パリ、フランス^[54]
• 2012: JETSET、メトロ ギャラリー – メルボルン、オーストラリア^[54]
• 2011年：RISE ABOVE、アート・バーゼル・マイアミ – マイアミ、アメリカ^[54]
• 2011年：HERE TODAY, GONE TOMORROW – ロフィギャラリー – シドニー、オーストラリア^[54]
• 2010年: TRANSITIONS、ホワイトウォールズギャラリー – サンフランシスコ、アメリカ

^[54]

タヴァールはドイツのベルリンとポルトガルのリスボンに住み、仕事をしている。タヴァールは熱心なサーファーであり、スケートボーダーでもある。彼は北カリフォルニアで生まれ育ち、13歳の頃からスケートボードを続けている。^[55]

• タヴァル・ザワッキ 『変身』

 978-3-9819026-0-0出版年月日：2010-01-25

168 ページ、フルカラー、ハードカバー。チェコ共和国で印刷。発行元: Urban Spree Books、2017 年。

『Metamorphosis』は、ベルリンを拠点とするアメリカ人抽象芸術家タヴァル・ザワッキが出版した2番目のモノグラフであり、本名で出版した最初のモノグラフです。

『メタモルフォーシス』はタヴァル・ザワッキの過去3年間の創作活動を網羅し、大規模な屋外壁画や屋内ギャラリーの作品を紹介しています。ザワッキの美術館スタイルの展覧会も『メタモルフォーシス』と題され、本の前半で広く取り上げられています。^[56]

• 上、上：パスポート

 978-1-937222-03-1出版年月日

パスポート: 2004年から2010年にかけて60か国以上で行われたタヴァル・ザワッキの芸術作品と旅を記録した156ページの本。カリフォルニア州: Zero+ Publishing、2011年。

アーティストのシェパード・フェアリーはパスポートの紹介文で、「私が初めてアバブの作品に出会ったのは、2003年の初め、パリの路上でした。彼のトレードマークである大きな矢印が、ロールダウンゲート、トラック、店先に描かれ、街中を印象的に覆っていました。アバブは並外れた意欲を持っています。レディオヘッドの言葉を借りれば、「野心は人をかなり醜く見せます」が、アバブの場合、彼の野心は街をとても魅力的に見せます。私はアバブの勤勉さにとても感銘を受けましたが、彼と彼の作品をもっと知るようになると、彼の作品は利己的なエゴではなく、人生への渇望、ユートピア的な生活の証拠であり、彼の寛大さ、好奇心、そして創造性と社会意識の追求によって、世界中を旅して敵よりも多くの友人を作ってきたことに気づき始めました。」と述べています。

アバブは、彼がよく知っているのに私たちが知らない街で、私と妻と二人の幼い娘のために時間を割いてツアーガイドをしてくれました。この行為によって、私はアバブとの友情をとても大切に思うようになり、与えたものが返ってくるという私の信念がさらに強まりました。たとえ警察の破壊工作部隊が来ても、カルマ警察はアバブを捕まえに来ません。」^[57]

英語で：

• ソーレン・ソルカー、「Surface」、銀杏出版、2015 年、ISBN 978-1-58423-579-8 
• ニコラス・ガンツ、『ストリート・メッセージ』、ドクメント・プレス、2015 年、ISBN 978-9185639731 
• アンナ・ワクラウェック『 グラフィティとストリートアート』テムズ・アンド・ハドソン、2011年、ISBN 978-0-500-20407-8 
• クリスチャン・フンデルトマルク、『The Art of Rebellion 1』、出版版、2003 年、ISBN 978-3-9807478-2-0 
• クリスチャン・フンデルトマルク、『The Art of Rebellion 2』、出版版、2006 年、ISBN 978-3-9809909-4-3 
• クリスチャン・フンデルトマルク、『The Art of Rebellion 3』、出版版、2010 年、ISBN 978-3-939566-29-8 
• 理由なき、Ilover、理由なき、2006年、ISBN 978-0-646-46066-6 
• Markus Mai、執筆: アーバン カリグラフィーとその先、Die Gestalten Verlag、2003 年、ISBN 978-3-89955-003-0 
• ゲイリー・ショヴ『無題、I』カーペット・ボミング・パブリッシング 2009 ISBN 0-9559121-0-5 
• ゲイリー・ショヴ『無題 II』カーペット・ボミング・パブリッシング 2010 ISBN 0-340-92059-9 
• ゲイリー・ショヴ『無題 III』、カーペット・ボミング・パブリッシング、2011年、ISBN 978-0-9559121-5-3 
• マキシム・クルタン『Colors Zoo』、Colorzoo 出版、2004 年、ISBN 978-84-609-0285-0 
• ニコラス・ガンツ、グラフィティ・ワールド、テムズ＆ハドソン、2004 ISBN 978-0-500-51170-1 
• トリスタン・マンコ『ストリート・ロゴス』テムズ・アンド・ハドソン、2004年、ISBN 978-0-500-28469-8 
• ルイ・ブー『ストリートアート：スプレーファイル』ハーパーコリンズ、2005年ISBN 978-0-06-083338-1 
• ルイ・ブー、NYC BCN: ストリートアート革命、コリンズデザイン、2006年、ISBN 978-0-06-121004-4 
• Izastickup、Bo130、Microbo、TheDon、Drago、2005、ISBN 978-88-88493-33-6 
• Claudia Walde、ステッカーシティ、テムズ＆ハドソン、2007、ISBN 978-0-500-28668-5 
• R. クランテン、M. ヒューブナー、Urban Interventions、Die Gestalten、2010 ISBN 978-3-89955-291-1 

フランス語:

• クリス・モンフォール『ヒップ・アート フレンチ・タッチ』、éditions Kitchen 93、2004年、（81ページ参照）ISBN 2-85980-002-6 
• Collectif、Une Nuit、éditions Kitchen 93、2007、(72 ページを参照) ISBN 2-85980-007-7 
• ファビエンヌ・グレヴィ、『Paris Graffiti』、マルティニエール版、2008 年、ISBN 978-2-7324-3731-6 

イタリア語:

• Duccio Dogheria、Street Art (Storia e Controstoria Techniche e Protagonisti)、Giunti、2015、ISBN 978-8-80981-142-3 

ウィキメディア・コモンズには、アバブ (アーティスト)に関連するメディアがあります。

• 公式サイト