日本の陶器と磁器

陶器と磁器（陶磁器、焼きもの、陶芸とも呼ばれる）は、新石器時代にまで遡る日本最古の工芸・芸術の一つである。 [ ^1]種類には、土器、陶器、炻器、磁器、青白磁などがある。日本は陶磁器生産において例外的に長く成功した歴史を持っている。土器は縄文時代（紀元前10,500-300年）にはすでに作られており、日本は世界最古の陶芸の伝統の一つとなっている。日本は、茶道の永続的な人気により、陶芸がその芸術的伝統の中で持つ異常な評価によってさらに際立っている。安土桃山時代（1573-1603）には、日本中の窯で型破りなデザインの陶磁器が生産された。江戸時代初期、朝鮮から伝わった技法を用いて九州の肥前有田地方で磁器の生産が始まりました。これらの磁器は、ヨーロッパを含むさまざまな市場に輸出された伊万里港にちなんで、 伊万里焼と呼ばれるようになりました。 

日本の陶芸史には数多くの著名な陶芸家の名前が記録されており、その中には本阿弥光悦、仁清、尾形乾山、青木木米など陶芸家もいた。^[2]日本の穴窯も長年にわたって栄え、陶​​芸家たちと並んでその影響は大きい。この芸術におけるもう一つの重要な日本の要素は、磁器が人気を博した後も、釉薬をかけず高温で焼く炻器が人気を博し続けたことである。^{[2]西暦4世紀以来、日本の陶芸は}中国や朝鮮風の陶器など、近隣の東アジア文明の芸術的感受性にしばしば影響を受けてきた。日本の陶芸家や陶工は、中国や朝鮮の原型を日本独自の創作物へと変容・翻訳することで東アジアの芸術家たちからインスピレーションを得て、その結果生まれた形は明らかに日本的な特徴を帯びている。日本が工業化を始めた17世紀半ば以降、^[3]工場で生産された高品質の標準陶磁器はヨーロッパへの輸出品として人気を博しました。20世紀には、国産の陶磁器産業が根付き、出現し始めました。日本の大手陶磁器メーカーには、ノリタケやTOTO株式会社などがあります。

日本の陶芸は、二極化した美的伝統によって特徴づけられる。一方では、非常にシンプルで粗い仕上げの陶器の伝統があり、ほとんどが土器で、落ち着いた土色のパレットを使用している。これは禅宗と関連しており、特に初期の偉大な陶芸家の多くは僧侶であった。多くの作品は日本の茶道にも関連しており、わびさびの美的原則を体現している。最終的な装飾が部分的にランダムである楽焼のほとんどは、この伝統に属している。 ^[4]もう一方の伝統は、高度に仕上げられた明るい色の工場で作られた陶器で、ほとんどが磁器で、複雑でバランスのとれた装飾が施されており、中国の磁器のスタイルを独特の方法で発展させている。^{[5] 3番目の伝統は、シンプルだが完璧な形で施釉された}石器で、これも中国と韓国の伝統の両方に密接に関連している。 16世紀には、当時生産されていた伝統的な実用的な素朴な陶器のいくつかのスタイルがそのシンプルさから賞賛されるようになり、その形状はコレクター市場向けに今日まで生産され続けています。^[6]

陶磁器の種類は5つのグループに分けられます。

• 素焼きの陶器

• 釉薬 陶器(施和的器生陶器または低火度前帝門湯): 鉛を媒体として 800 ～ 900 ℃ の比較的低温で焼成されるこの技術は、7 世紀に朝鮮半島から伝わりました。三彩（さんさい）も鉛釉を使用した技法の一種です。

• 焼き締め陶窓：釉薬をかけずに高温で焼き上げた陶器。中世には花瓶や壺などの生活用品として使われ、安土桃山時代にはその素朴な味わいから茶室用に改良された。

• 施和陶器（施和陶器seyūtōkiまたは高火度和kōkadoyū）：1250°C以上の温度で焼成されます。多くの場合、素地は純白ではなく、灰色または茶色です。磁器よりも柔らかい質感で、水を吸収します。

• 磁器（じき）：シリカ含有量が高く不純物が少ない白色。粘土を高温で焼いて作る硬質陶器。この技術は江戸時代初期に朝鮮半島から伝わり、九州肥前国有田で生産が始まった。 ^[7]

• 
  素焼きの陶器
• 
  釉薬をかけた陶器
• 
  素焼きの石器
• 
  釉薬をかけた石器
• 
  磁器

代表的な器の種類には以下のものがあります。

• 茶碗​​
• 壷鍔​​​
• 鉢八 (はち)
• 茶入れ​​

器の開口部、縁、首、壁、内側、高台、表面の模様など、器のさまざまな特徴には、すべて日本語で標準化された名前があります。

新石器時代（紀元前 11千年紀頃 ）に、最も古い軟質土器が作られました。

縄文時代初期、 紀元前6千年紀には、縄文土器の典型的な形が出現し、手で押された縄文模様で装飾されました。縄文土器は最盛期には華やかなスタイルを発達させ、後期縄文時代には簡素化されました。土器は粘土の縄を巻いて形成され、直火で焼かれました。

 紀元前4世紀から3世紀頃の弥生時代には、単純な模様や模様のない土器の別の様式である弥生土器が登場しました。縄文土器、弥生土器、そしてその後の土師器は、焼成工程は同じですが、デザインの様式が異なっていました。

3世紀から4世紀にかけて 、穴窯（丘の斜面に屋根付きのトンネル窯）とろくろが朝鮮半島から九州にもたらされた。^[8]

穴窯は、1,200～1,300℃（2,190～2,370℉）以上の高温で焼かれる陶器、須恵器を生産することができた。酸素が減少する焼成段階で植物材料を窯に入れる際に生じた事故で装飾されることもあった。須恵器の製造は5世紀に始まり、14世紀まで辺境地域で続けられた。いくつかの地域的な違いが確認されているものの、須恵器は日本全国で驚くほど均一であった。しかし、須恵器の機能は時代とともに変化した。古墳時代（西暦 300～710年）には主に葬祭用の陶器であったが、奈良時代（710～94年）と平安時代（794～1185年）には上流階級の食卓用食器となり、最終的には実用品や仏壇の儀式用の器として使用されるようになった。

現代の土師器や埴輪は弥生時代と同様の土器であった。

8世紀に中国の唐から三色の鉛釉の技法が日本に伝わりましたが、平安時代（ 800～1200年頃）の官窯では寺院向けに単純な緑色の鉛釉のみが生産されていました。

渥美焼や常滑焼と同じく、神威焼もこの時代に登場しました。

17世紀まで、主に農業を営む社会では、釉薬をかけない陶器が日常の重労働に使われていました。生産量の大部分は、葬祭用の壺、貯蔵用の壺、さまざまな台所用鍋でした。窯の中には技術を向上させたところもあり、「六古窯」と呼ばれています。信楽（信楽焼）、丹波、備前、常滑、越前、瀬戸です。^{[9] [10]}

その中で、尾張国（現在の愛知県）の瀬戸窯は釉薬の技法を持っていました。伝説によると、加藤四郎左衛門景政（藤四郎とも呼ばれる）は中国で陶芸の技法を学び、1223年に瀬戸に高温焼成の釉薬をもたらしたと言われています。瀬戸窯は主に中国産の陶磁器を模倣して代用し、灰褐色、鉄黒、長石白、銅緑などさまざまな釉薬を開発しました。その焼き物は広く使われ、瀬戸物（瀬戸産）は日本の焼き物の総称になりました。瀬戸窯では素焼きの石器も作られました。 16世紀後半、多くの瀬戸焼職人が戦国時代を逃れ岐阜県美濃国へ移住し、黄瀬戸、志野、黒瀬戸、織部などの釉薬をかけた陶器を生産しました。

1406年の史書によると、明の永楽帝（1360-1424）は室町時代の将軍足利義満（1358-1408）に宋の建焼茶碗10点を授けた。中国の寺院を訪れた多くの日本人僧侶も、茶碗を持ち帰った。^[11]茶道で重宝されるようになると、さらに多くの茶碗が中国から輸入され、珍重されるようになった。南宋時代のこの茶碗5点は、政府によって日本の国宝（工芸品：その他）のリストに含まれるほど高く評価されている。建焼はその後、天目としてさらに発展して生産され、この時代の茶道では高値で取引された。

11世紀中頃から16世紀にかけて、日本は中国から青磁、白磁、青花など多くの陶磁器を輸入した。また、中国陶磁器のほか、韓国やベトナムの陶磁器も輸入した。こうした中国陶磁器（天目）は高級品とされ、上流階級の人々が茶道で用いた。日本人は中国の窯に特注の陶磁器を発注することもした。

ルソン島からは高価な輸入品も来ており、ルスン焼または「ルソン焼」と呼ばれていた。また、ベトナム北部の安南からは安南焼も来てい^{た。 [12]}

16世紀後半に仏教が興隆すると、一流の茶人たちは作風を変え、洗練された中国の磁器よりも質素な朝鮮の茶碗や国産の陶器を好んだ。影響力のあった茶人、千利休（1522-1591）は、しばしば不完全な、素朴な日本風の陶器に目を向け、その「荒々しい自発性」を賞賛した。これは日本の陶器の発展にとって非常に重要な「決定的な転換」であった。^[13]樂家（陶器の名前にちなんで名付けられたのではなく、陶器が樂家の名前にちなんで名付けられた）は、茶碗を茶色の釉薬をかけた陶器を供給した。美濃、備前、信楽（信楽焼）、伊賀（信楽に似ている）などの国内の窯も茶道具を供給した。芸術家であり陶芸家の本阿弥光悦は、現在では傑作とみなされる茶碗を数個作った。

1592年の豊臣秀吉の朝鮮出兵の際、日本軍は朝鮮の陶工を奴隷として日本に連れてきた。伝説によると、拉致された陶工の一人である李参平は有田の近くで磁器土の産地を発見し、日本で最初の磁器を生産することができた。これらの陶工たちはまた、丘の中腹を駆け上がり、1,400℃（2,550℉）の温度に達することができる登り窯の改良技術ももたらした。^[14]すぐに薩摩、萩、唐津、高取、上野、有田の窯が始まった。

1640年代、中国での反乱や明朝と満州族との戦争により多くの窯が被害を受け、1656年から1684年にかけて清朝の新政府は港を閉鎖して貿易を停止した。中国から逃れてきた陶工たちは、洗練された磁器の技術とエナメル釉を有田窯に持ち込むことができた。1658年からは、オランダ東インド会社はヨーロッパで販売する青白磁を求めて日本に目を向けた（伊万里焼を参照）。当時、柿右衛門窯などの有田窯は、まだオランダ東インド会社に十分な品質の磁器を供給できなかったが、急速に生産能力を拡大した。1659年から1740年にかけて、有田窯はヨーロッパとアジアに膨大な量の磁器を輸出することができた。中国の窯は徐々に回復し、ファミーユ・ローズ、ファミーユ・ヴェールトなど、ヨーロッパ人がとても魅力的だと感じた色鮮やかなエナメル製品を独自に開発しました。1720年頃から、中国とヨーロッパの窯も市場の低価格帯で伊万里のエナメルスタイルを模倣し始め、1740年頃までに日本の輸出磁器の最初の時期はほぼ終了しました。^[15]有田窯は、いわゆる古九谷エナメル製品などの家庭用食器も供給しました。^[16]

磁器は中国にも輸出され、その多くは中国商人によって、日本国内での貿易が認められていない他のヨーロッパの「東インド会社」に転売された。こうした品物の選択は主に中国人の嗜好によるもので、中国人は「伊万里」焼よりも柿右衛門の焼を好んだとされ、オランダのコレクションとイギリス、フランス、ドイツなどの他の国のコレクションとの間には、復元可能な初期のヨーロッパのコレクションに顕著な相違が見られる。^[17]伊万里は積出港であったため、輸出用と国内用の磁器の一部は古伊万里（古い伊万里）と呼ばれた。ヨーロッパの習慣では、青と白の磁器を「有田」、青と赤と金の磁器を「伊万里」と呼ぶのが一般的だが、実際には両方とも有田の同じ窯で作られることが多かった。 1759年、ベンガラと呼ばれる濃い赤色のエナメル顔料が工業的に利用可能になり、オレンジ色の1720年古伊万里様式の赤みがかった色が復活しました。

1675年、有田を治めていた地元の鍋島家は、日本の上流階級向けに最高品質のホーロー磁器を作るため、個人の窯を築きました。この磁器は鍋島焼と呼ばれています。有田焼のほとんどの中国風のスタイルではなく、主に伝統的な日本様式の装飾を使用し、しばしば織物を参考にしています。^[18] 平戸焼は、もともとエリートの間で政治的な贈り物として献上するために取っておかれた別の種類の磁器で、非常に上質な白い素地に非常に繊細な青絵付けをすることに専念しており、絵付け師が雇われていました。これら2つの種類は、1740年代に輸出貿易が停滞した後に生産された最高級の磁器を表しています。鍋島焼とは異なり、平戸は19世紀に重要な輸出国になりました。

17世紀、当時の日本の首都であった京都の窯では、中国南部の陶器に似た透明な鉛釉の陶器しか生産されていませんでした。その中で、陶工の野々村仁清は不透明な上絵付けを発明し、寺院の保護を受けて多くの日本風のデザインを洗練させることができました。彼の弟子の尾形乾山は独特の工芸スタイルを発明し、京焼を新たな高みへと導きました。彼らの作品は、後の京焼のモデルとなりました。奥田頴川によって京焼に磁器の素地が導入されましたが、上絵付けの陶器も依然として盛んでした。青木木米、仁阿弥道八（ともに奥田頴川の弟子）、永楽芳全は京焼のレパートリーを広げました。

18世紀後半から19世紀初頭にかけて、日本各地で白磁土が発見され、国内で取引されるようになり、陶工の移動が自由になりました。地方の領主や商人らが経済的利益を狙って、亀山窯や砥部窯などの新しい窯を数多く築き、瀬戸窯などの古い窯も磁器窯として再出発しました。これら多くの窯は「新窯」と呼ばれ、有田焼風の磁器が庶民の間に広まっていきました。

明治時代の国際的な開放の中で、日本の美術工芸品は新たな観客と影響力を獲得した。大名階級などの伝統的なパトロンは離れ、多くの職人が収入源を失った。政府は美術品の輸出市場に積極的に関心を持ち、1873年のウィーン万国博覧会を皮切りに、次々と世界博覧会で日本の美術品を宣伝した。^{[19] [20]}皇室も美術工芸品に積極的な関心を持ち、宮内庁技芸員を任命し、外国の要人への贈り物として作品（「献上品」）を発注した。^[21]国際的に宣伝された作品のほとんどは、陶器を含む装飾芸術の作品であった。

薩摩焼はもともと薩摩地方の陶器に付けられた名前で、釉薬や金箔で精巧に装飾されています。これらの陶器は西洋で高く評価されていました。西洋では日本独特のものと見られていましたが、実際には輸入顔料や西洋の影響を大きく受けており、輸出を念頭に置いて作られていました。^[22]多くの都市の工房は、ヨーロッパやアメリカからの需要を満たすためにこのスタイルの生産に競い合い、多くの場合、迅速かつ安価に生産しました。そのため、「薩摩焼」という用語は、原産地ではなく、純粋に輸出用に作られた低品質の陶器に関連付けられるようになりました。^{[23]それにもかかわらず、}藪明山や真葛香山などの芸術家は、最高の芸術的基準を維持しながら輸出にも成功しました。これらの芸術家は国際展で複数の賞を受賞しました。^[24]明山は銅板を使用して詳細なデザインを作成し、それを繰り返し陶器に転写し、時には1つのオブジェクトに1000のモチーフで装飾しました。^[25]

日本の磁器産業は明治時代初期には確立していたが、大量生産された磁器は優雅さで知られていなかった。^[26]この時代、技術と芸術の革新により、磁器は国際的に最も成功した日本の装飾芸術の一つとなった。^[26]この大きな要因は、薩摩焼で知られる真葛香山によるもので、彼は1880年代以降、伝統的な芸術的価値の保持に努めながら、磁器の装飾に新たな技術的洗練を導入した。^[27] 1890年代には、各作品に複数の釉下彩を組み合わせた装飾様式を開発した。^[28]この10年間、彼は実験を続けたため、釉下彩の技術的洗練度は高まった。^[29] 1900年から1910年までの10年間で、西洋の影響を反映して、彼の作品の形と装飾に大きな変化が見られた。^[27]彼の作品は西洋における日本のデザインに対する認識に大きな影響を与えた。^[30]

日本の陶芸は、イギリスの陶芸家 バーナード・リーチ（1887-1979）に大きな影響を与え、「イギリス陶芸の父」と称されている。^[31]彼は大正時代の1909年から1920年まで日本に住み、日本の陶芸を西洋で解釈する第一人者となり、海外の多くの芸術家に影響を与えた。^[32]

昭和初期、 1920年代後半から1930年代にかけて民芸運動が発展した。その創始者は柳宗悦（1889–1961）である。彼は、急速に都市化する日本で江戸時代と明治時代に庶民が使っていた質素な壺を救い出した。濱田庄司（ 1894–1978）は民芸運動の主要人物であった陶芸家で、益子町を益子焼の有名な中心地として確立した。この運動に影響を与えたもう一人の陶芸家には、河井寛次郎（1890–1966）と嶋岡達三（1919–2007）がいる。彼らは伝統的な釉薬技法を学び、消滅の危機に瀕していた郷土の陶器を保存した。

最も危機的な瞬間のひとつは太平洋戦争のときで、すべての資源が戦争遂行に向けられ、生産と開発が著しく阻害され、市場が打撃を受けました。

多くの施設が文化財保護課の管轄下に入った。

神戸を見下ろす丹波の窯では、徳川時代に使われていた日用品を作り続けながら、現代的な形も加えていた。村焼のほとんどは、実用目的で地元の陶工が匿名で作っていた。地元のスタイルは、土着のものか輸入されたものかにかかわらず、現在まで変更されることなく継続される傾向があった。九州では、16世紀に韓国の陶工が築いた窯、例えば福岡の小石原やその分派である小鹿田焼などが、16世紀の韓国農民の焼き物を存続させた。沖縄では、村焼の生産は数人の優れた陶工の下で続けられ、金城次郎は人間国宝（正式には重要無形文化財保持者）の称号を得た。  

現代の陶工は、滋賀、伊賀、唐津、萩、備前で活動しています。備前の山本昌男（陶秀）と萩の三輪休雪が人間国宝に指定されました。1989年までに、有名な窯の陶芸の代表として、または釉薬や装飾の最高の技術の創作者として、わずか6人の陶工がこの栄誉を受けました。2つのグループは、著名な古代窯の陶芸品を保存するために指定されました。

古都京都では、樂家が秀吉を喜ばせた荒茶碗を作り続けた。美濃では、陶工たちが織部の銅緑釉や志野の貴重な乳白色の釉など、桃山時代の瀬戸型美濃茶陶の古典的な製法を再現し続けた。陶工たちは京都や東京の芸術大学で、人間国宝の藤本義道などの陶芸教師の下で伝統的な磁器とその装飾を再現する実験を行った。九州の有田周辺の古代の磁器窯は、鍋島藩の世襲磁器職人である十四代目酒井田柿右衛門と十三代目今泉今右衛門の系譜によって今も維持されており、両名は無形文化財（柿右衛門と伊万里焼を参照）に指定されたグループの長であった。

イギリス人芸術家ルーシー・リー（1902-1995）は日本の陶芸とバーナード・リーチの影響を受け、数々の展覧会で日本でも高く評価された。イギリス人芸術家エドモンド・ドゥ・ワール（1964年生まれ）はリーチを学び、日本で民藝様式を研究するために何年も過ごした。 ^{[32]カナダの} トーマス・ベザンソンも影響を受けた。^[33]

対照的に、1980年代の終わりまでには、多くの工房の陶芸家はもはや大手窯や古窯で働くことはなく、日本各地で古典的な陶芸を制作していました。東京では、滋賀から土を持ち込み、東京近郊で陶芸をした辻晴明が顕著な例です。多くの芸術家が、特に青緑色の青磁や水色の青白など、中国風の装飾や釉薬の再現に取り組んでいました。日本で最も愛されている中国の釉薬の1つは、禅僧が中国南宋（12世紀から13世紀）から持ち帰った農民の茶碗に塗られたチョコレートブラウンの天目釉です。日本のユーザーにとって、これらのチョコレートブラウンの陶器は、禅の美学である侘び（素朴なシンプルさ）を体現していました。米国では、日本生まれの芸術家、宮村英明によるろくろの壺が天目釉の使用例です。

原材料は主に地元で入手できるものに基づいて選ばれる。日本には多くの基本的な鉱物が豊富にある。天然のカオリンの鉱床があるため、九州には多くの粘土が見つかる。窯は伝統的に粘土鉱床の場所に建てられ、ほとんどの陶芸家は今でも地元の粘土を使用しており、その粘土に特に適したさまざまな釉薬や装飾技法を開発している。日本列島で見つかる原材料は、土器に適したものからより耐火性の高いカオリンまで多岐にわたる。縄文時代から弥生時代にかけて、日本の陶芸家は可塑性の高い鉄を含む頁岩や沖積粘土に依存していた。縄文初期の作品の多くには有機材料が登場するが、それ以降は砂や砕石が主流となっている。^[要出典]

8世紀から9世紀にかけて中国の影響を受けて、奈良三彩や平安の灰釉陶器の製作者が白く耐火性のある粘土を探し出し、水篩いにかけてその品質を高めたことで、さらなる改良が行われた。 ^[要出典]

最も古い作品は、粘土を押して形を作ることで作られました。この方法は、ろくろの発明後も、蓮月焼の製造などで引き続き使用されました。コイル法は縄文時代に開発されました。粘土を こねて板状に切る方法による製造は、埴輪などのように、後に開発されました。

小石原、恩田、丹波では、大きな椀や壷は、まずろくろで大まかに巻いてから、ろくろで形を整える「巻いて丸める技法」と呼ばれる技法で作られます。準備段階は巻く場合と同じですが、その後、大まかな形に粘土を塗り、ろくろを回しながら陶工の手の間で形を整えます。この技法は、秀吉の朝鮮侵略後に日本にもたらされた朝鮮の技法に遡る 360 年前のものです。

一般的に成長の早い竹や木で作られるこれらの陶器の成形用道具は、自然な感触が非常に魅力的です。ほとんどは西洋でよく知られている道具の日本版ですが、日本独自の発明品もあります。

• 牛べらは、椀の底を圧縮し、側面を形作るために使われる、長いソリ状の竹の骨です。九州有田の伝統的な道具です。
• 丸骨とは、丸くて浅い貝殻のような形の竹の骨で、曲面の椀の側面を形作るために使用されます。また、ろくろで作った型の底を圧縮するのにも使用されます。
• 団子は、木の骨に似ており、鍋の表面を形作り滑らかにするために使用される葉の形をした竹の骨です。
• タケベラは、竹のトリミングとモデリングのための「ナイフ」で、彫刻、濡れた鍋の掃除、切断、スグラッフィート効果の創出など、さまざまな形状で利用できます。
• トンボは西洋のノギスと同等の機能を持ち、さらに機能が追加されたものです。竹べらから吊るしたり、鍋の縁にバランスをとったりして、この繊細な竹の道具はろくろで作った形の直径と深さの両方を測定するために使用されます。
• 弓は、ワイヤーと竹でできたトリミング用のハープで、溝付けの道具としても使えます。不均一な縁や破れた縁をカットしたり、革のように硬い形状にファセットを彫ったりするのに使われます。
• 鶴の首は、瓶や特定の花瓶など、首の細い部品の内部を形作るために使用される、S 字に曲がった日本の木製の投げ棒です。
• カンナは鉄で作られた切断、彫刻、切り込み用の道具で、作品のトリミング、彫刻、スグラッフィート、余分な釉薬の削り取りに使用されます。
• 槌かきは、鉄でできた大きな輪状のリボン状の道具で、彫刻だけでなくトリミングにも使用できます。
• うまかきは、浅い皿やお皿の底など、平らで広い面を水平にするために使用する整え用のハープです。
• 櫛は厳密にはろくろの道具ではありません。これらの櫛は、鍋の表面に少なくとも 2 本の平行な装飾線を刻むために使用されます。最も大きな櫛には、約 20 本の歯があります。
• 竹ボンボンもろくろの道具ではなく、日本の釉薬を流し込む道具です。竹ボンボンは、注ぎ口が付いた大容量の竹瓶で、そこから釉薬と粘土を一定の流れで注ぎ出すことができ、陶工はそれを使って「描く」ことができます。

歴史を通じて何百もの異なる陶磁器や様式が存在してきました。最も歴史があり有名なものは政府から認定を受けています。詳細については、日本の陶磁器遺産の一覧をご覧ください。

日本には陶磁器だけを専門に扱う美術館が数多くあります。最も有名なものとしては、名古屋近郊の愛知県陶磁器美術館、有田ポーセリンパーク、福岡東洋陶磁美術館、九州陶磁文化館、ノリタケの森、大阪市立東洋陶磁美術館、岡山県立備前陶磁美術館、大塚国際美術館などがあります。九州国立博物館、京都国立博物館、奈良国立博物館、東京国立博物館、石川県立美術館などの公立美術館には重要な陶磁器コレクションがあります。MOA美術館、三井記念美術館、静嘉堂文庫美術館、藤田美術館、和泉市久保惣記念美術館など、多くの私立美術館にも重要なコレクションがあります。龍光院、光鳳庵、相国寺など日本各地の寺院にも数多くの重要な陶磁器が所蔵されていますが、一般公開されていません。

世界中のほとんどの陶芸博物館には日本の陶芸品のコレクションがあり、その多くは膨大なものです。日本の現代陶芸作品は、非常に人気があり、高価であることが多いです。伝統的なスタイルとは別に、現代アートスタイルのアートやスタジオ陶芸が国際市場向けに作られています。

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• 金継ぎ
• 国宝一覧（工芸品：その他）
• トカナベ
• 日本の伝統工芸品一覧

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• 日本陶芸情報センター