イタリアの近現代美術

イタリアの 現代美術とは、20 世紀初頭以降のイタリアの絵画と彫刻を指します。

未来派の創始者であり最も影響力のある人物は、1909年に未来派宣言でこの運動を開始したイタリアの作家フィリッポ・トンマーゾ・マリネッティでした。

未来派は、古いものすべて、特に政治と芸術の伝統を嫌悪していました。彼らはスピード、テクノロジー、若さと暴力、車、飛行機、工業都市など、自然に対する人類の技術的勝利を象徴するものすべてを賞賛し、熱烈な国家主義者でもありました。未来派は、絵画、彫刻、陶芸、グラフィックデザイン、工業デザイン、インテリアデザイン、演劇、映画、ファッション、テキスタイル、文学、音楽、建築、さらには美食など、あらゆる芸術媒体を実践しました。

この運動の主導的な画家は、ウンベルト・ボッチョーニ、カルロ・カラー、ジャコモ・バッラ、ジーノ・セヴェリーニです。彼らは「普遍的なダイナミズム」を主張し、それを絵画で直接表現しました。最初は分割主義の技法を使用し、光と色を点描のドットとストライプの領域に分解し、後にキュービズムの手法を採用しました。1912年、ボッチョーニは未来派の考えを3次元に表現するために彫刻に転向しました。

戦争を「世界最高の衛生」と唱えたマリネッティ、ボッチョーニ、サンテリアは、第一次世界大戦中に志願して戦った。未来派の第一波（英雄時代とも呼ばれる）の非公式な終焉は、1916年、つまりボッチョーニが戦争で亡くなった年であった。^[1]

戦後、マリネッティは未来派運動を復活させ、ファシスト政権下のイタリアの公式な国家芸術にしようとした。1930年代から1940年代初頭にかけての絵画における未来派の主な表現はエアロペインティング（エアロピトゥーラ）であり、1929年の宣言書『飛行の展望』で開始され、ベネデッタ・カッパ、フォルトゥナート・デペーロ、ジェラルド・ドットーリ、フィリア、マリネッティ、エンリコ・プランポリーニ、ソメンツィ、タトが署名した。ほとんどのエアロペインターが直接体験した飛行の技術と興奮は、^[2]飛行機と空中風景を新しい主題として提示した。

未来派はマリネッティの精力的な推進に大きく依存していたため、1944 年にマリネッティが死去すると、この運動は終焉を迎えました。イタリアのファシズムとの関連から、戦後、この運動のアーティストの大半は敬遠されましたが、ここ数十年で学術的な注目を集め、2009 年の 100 周年に合わせて大規模な展覧会が開催されました。2014 年には、ソロモン R. グッゲンハイム美術館で、未来派が使用したあらゆるメディアを網羅した 300 点以上の未来派作品を展示する大規模な回顧展が開催されました。

ノヴェチェント イタリアーノは、アンセルモ ブッチ(1887 ～ 1955 年)、レオナルド ドゥドレヴィル、アキレ フニ、ジャン エミリオ マレルバ、ピエロ マルシッグ、ウバルド オッピ、マリオ シローニによって 1922 年にミラノで設立されたイタリアの芸術運動です。戦後の「注文の呼びかけ」に動機づけられて、彼らは、現代美術に興味のあるギャラリーオーナーのリノ・ペーザロと、イタリアの独裁者ベニート・ムッソリーニの新聞「イル・ポポロ・ダ」に携わった作家兼美術評論家のマルゲリータ・サルファッティによって集められた。イタリア。サルファッティはムッソリーニの愛人でもあった。

この運動は1923年にミラノで開催された展覧会で正式に開始され、ムッソリーニも講演者の一人でした。 1924年のヴェネツィア・ビエンナーレに出展した後、グループは分裂し再編されました。新しいノヴェチェント・イタリアーノは1926年にミラノで最初のグループ展を開催しました。

芸術家たちの中には退役軍人も数人おり、サルファッティは戦争で息子を亡くしていた。このグループはイタリアの体制に対抗し、ファシズムのレトリックと関連した芸術を創りたいと考えていた。芸術家たちはファシスト政権を支持し、彼らの作品は国家宣伝部と関連づけられたが、ムッソリーニはサルファッティが自分の名前とファシズムの名前を使ってノヴェチェントを宣伝したことを叱責した。^[3]

この運動の名前（1900年代を意味する）は、15世紀と16世紀のイタリア美術を意図的に指していた。このグループはヨーロッパの前衛芸術を拒否し、古典的な方法で大判の歴史画の伝統を復活させたいと望んだ。明確な芸術プログラムはなく、カッラやマリーニなど、さまざまなスタイルと気質の芸術家が含まれていた。この運動は、刷新されながらも伝統的なイタリア美術を促進することを目指していた。シローニは、「19世紀後半の画家を見ると、革命家だけが偉大であり、最も偉大な画家が最も革命的であったことがわかる」と述べ、ノヴェチェント・イタリアーノの芸術家たちは「神によって創造された世界を模倣するのではなく、その世界からインスピレーションを得た」と語った。

形而上芸術（イタリア語：Pittura metafisica）は、ジョルジョ・デ・キリコとカルロ・カラーが創始したイタリアの芸術運動の名前です。理想化されたイタリアの都市に典型的な広場を描いた夢のような絵画や、一見何気ない物体の並置は、物理的現実を超えて無意識の心と最も直接的に関係する幻想的な世界を表現したため、この名前が付けられました。形而上運動は、ダダとシュルレアリスムの発展に大きな推進力を与えました。

20 世紀初頭、イタリアの彫刻家や画家たちは、西ヨーロッパの他の彫刻家や画家たちとともに、よりシンプルで力強く、感傷的でない古典の伝統を復活させ、礼拝だけでなく装飾や政治の場にも応用しました。主要な彫刻家には、リベロ・アンドレオッティ、アルトゥーロ・マルティーニ、ジャコモ・マンズー、ニコラ・ネオナート、ピエトロ・グイダ、マルチェロ・マスケリーニなどがいます。

アルテ・ポーヴェラという用語は、芸術家たちが急進的な姿勢をとっていた1960年代末の混乱期にイタリアで導入されました。芸術家たちは、政府、産業、文化といった既存の制度の価値観を攻撃し始め、個人の私的表現としての芸術にまだ倫理的存在理由があるのか​​どうかさえ疑問視し始めました。イタリアの美術評論家ジェルマーノ・チェラントは、1967年と1968年に2つの展覧会を企画し、続いて『アルテ・ポーヴェラ』という影響力のある本を出版し、慣習や構造の力、市場から自由な革命的な芸術という概念を広めました。チェラントは国際舞台全体の急進的な要素を包含しようとしましたが、この用語は、型破りな素材とスタイルの芸術で企業精神を攻撃したイタリアの芸術家グループに的を絞ったものでした。

アルテ・ポーヴェラ運動の作品の最も幅広い公共コレクションは、リヒテンシュタイン美術館にあります。

トランスアヴァンギャルドは、1970年代後半から1980年代にかけてイタリアおよび西ヨーロッパ全土を席巻した芸術運動である新表現主義のイタリア版である。トランスアヴァンギャルドという用語は、イタリアの美術評論家アキッレ・ボニート・オリヴァによって造られ、文字通り「前衛を超える」ことを意味する。この芸術運動はコンセプチュアル・アートを否定し、絵画や彫刻に感情、特に喜びを復活させた。芸術家たちは具象芸術と象徴主義を復活させた。トランスアヴァンギャルドの主要な芸術家は、サンドロ・キア、フランチェスコ・クレメンテ、エンツォ・クッキ、ニコラ・デ・マリア、ミンモ・パラディーノ、レモ・サルヴァドーリ である。

20世紀のイタリアのインテリアデザインは特に有名で、上品さと洗練さの極みに達しました。20世紀初頭、イタリアの家具デザイナーは、古典的な優雅さと現代的な創造性の間の均等なバランスを作り出すのに苦労し、1910年代と1920年代のイタリアのインテリアデザインは、最初はフランスのアールデコ様式に非常に似ており、エキゾチックな素材を使用し、豪華な家具を作っていました。しかし、イタリアのアールデコは、洗練された、優雅で、スタイリッシュで上品であると同時に、モダンでエキゾチックで創造的なデザインを生み出したジョ・ポンティのもとで頂点に達しました。1926年、イタリアで「ラツィオナリスモ」または「合理主義」として知られる新しい家具スタイルが登場しました。合理主義者の中で最も成功し、有名になったのは、ルイジ・フィジーニ、ジーノ・ポリーニ、ジュゼッペ・テラーニが率いるグルッポ7でした。彼らのスタイルは管状の鋼鉄を使用し、1934年頃以降はより簡素でシンプル、そしてほぼファシスト的なスタイルとして知られていました。しかし、第二次世界大戦後、イタリアはインテリアデザインにおいて真の前衛性を発揮しました。ファシズムの崩壊、社会主義の台頭、そして1946年のRIMA博覧会により、イタリアのインテリア装飾の才能が明らかになりました。また、イタリアの経済的奇跡により、イタリアでは工業生産と大量生産の家具の成長が見られました。しかし、1960年代と1970年代には、イタリアのインテリアデザインがスタイリッシュさの頂点に達し、その時点で、ポップでポストモダンなインテリアとともに、「ベル・デザイノ」や「リネア・イタリアーナ」というフレーズが家具デザインの語彙に加わりました。^[4]

ミケランジェロ・ピストレットは1962 年に鏡に絵を描き始め、作品が置かれている絶えず変化する現実と絵画を結び付けました。1960 年代後半には、イタリアのいたるところにある古典的な彫像の鋳型とぼろ布を組み合わせ、「芸術」と日常品の階層構造を崩し始めました。貧しい素材の芸術は、確かにアルテ・ポーヴェラの定義の 1 つの側面です。1967 年のMuretto di straci (ぼろ布の壁) では、ピストレットは、ありふれたレンガを廃棄された布切れで包んだエキゾチックで豪華なタペストリーを制作しています。

ヤニス・クネリスやマリオ・メルツなどの芸術家は、個人と自然をより密接に結び付けながら、芸術体験をより直接的に現実のものにしようと試みました。

1930 ～ 1940 年から 2000 年までの主要な彫刻家には、マリーノ マリーニ、エミリオ グレコ、ピノ パスカーリ、マリオ チェローリ、ジョバンニ エ アルナルド ポモドーロ、ウンベルト マストロヤンニ、エットーレ コッラ、カルメロ カペッロが含まれます。

1930～1940年から2000年までの主要な画家には、アルベルト・サビニオ、ジョルジョ・デ・キリコ、ジョルジョ・モランディ、アルベルト・マニエッリ、フェリーチェ・カソラティ、ロベルト・メッリ、コッラード・カリ、ジャンフィリッポ・ウセッリーニ、ピエトロ・アニゴーニ、レナート・グットゥーゾ、ルチョ・フォンターナ、ジョヴァンニ・カポグロッシ、エンリコ・アッカティーノ、アントニオ・ドンギ、オレステ・カルピ、ファウスト・ピランデッロ、アフロ・バサルデッラ、アルベルト・ブッリ、ミンモ・ロテッラ、フランコ・ノニス、ドメニコ・ニョーリ、ヴァレリオ・アダミ、ピエロ・マンゾーニ、エミリオ・タディーニ、サルヴァトーレ・プロヴィーノ、ミーノ・アルジェント。

ガスパレ・マノスのような新しいタイプの現代イタリア人アーティストは、数大陸にまたがり、何十年にもわたる旅を通じて得た、国際的で個人的な生活や文化の経験を生かした、よりグローバルな言語を生み出している。そのようなアーティストは、イタリア人彫刻家として初めてシルク・ドゥ・ソレイユとコラボレーションしたラバラマのように、ローカルに考えグローバルに行動する。^[5]例えばスペインでは、画家のミゲル・バルセロがこれに当たる。

• ミラー、ジュディス（2005年）。家具：古典から現代までの世界のスタイル。DK出版。ISBN 0-7566-1340-X。

• エストリック現代イタリア美術コレクション 2011-10-19ウェイバックマシンにアーカイブ
• ローマのスクデリ・デル・クイリナーレでの未来主義の展覧会、2009年
• [1]