現代アート

現代アートは、今日のアートを表すのに使われる用語で、一般的には 1970 年代以降に制作されたアートを指します。現代アーティストは、世界的に影響を受け、文化的に多様で、技術的に進歩している世界で活動しています。彼らのアートは、 20 世紀にすでに進行していた境界への挑戦を継続する、素材、方法、概念、主題のダイナミックな組み合わせです。多様で折衷的な現代アートは、全体として、統一された組織原理、イデオロギー、または「-イズム」がまったくないという点で際立っています。現代アートは、個人や文化的アイデンティティ、家族、コミュニティ、国籍などのより広い文脈的枠組みに関係する文化的対話の一部です。

英語では、modernとcontemporaryは同義語であり、専門家以外の人々によってmodern artとcontemporary artという用語が混同され、混乱することがある。 ^[1]

「現代美術」を一般的な形容詞句ではなく特別なタイプの美術として分類するようになったのは、英語圏におけるモダニズムの始まりに遡る。ロンドンでは、1910年に批評家のロジャー・フライらによって現代美術協会が設立された。これは公立美術館に展示する美術作品を購入する私的団体だった。^[2]この用語を使用する他の団体は、1938年にオーストラリアのアデレード現代美術協会が設立されるなど、1930年代に数多く設立され、^[3] 1945年以降は増加している。^[4]ボストン現代美術館など多くの団体が、この時期に「現代美術」を使用する団体から名称を変更した。これは、モダニズムが歴史的芸術運動として定義されるようになり、多くの「現代」美術が「現代的」ではなくなったためである。現代美術の定義は当然ながら常に変化しており、開始日が前進する現在に定着しており、現代美術協会が 1910 年に購入した作品はもはや現代美術とは言えません。^[要出典]

芸術様式の変化を示すとされる特定の時点としては、第二次世界大戦の終結と1960年代が挙げられる。1960年代以降は自然な転換点が欠如している可能性があり、2010年代の「現代美術」の定義はさまざまで、ほとんどが不正確である。過去20年間の芸術が含まれる可能性が高く、定義には1970年頃まで遡る芸術が含まれることが多い。^[5]「20世紀後半から21世紀初頭の芸術」^[6]「現代美術の派生であり拒絶でもある」^[7]「厳密に言えば、「現代美術」という用語は、今日生きている芸術家によって制作および制作された芸術を指す」^[8]「1960年代または[19]70年代からこの瞬間までの芸術」^[9]そして、特に美術館の文脈では、現代美術の常設コレクションを形成する美術館では必然的にこの老化が見られるため、さらに進むこともあります。多くの人は「近代および現代美術」という表現を使用して、この問題を回避しています。^[10]小規模な商業ギャラリー、雑誌、その他の情報源では、より厳密な定義を使用して、「現代」を2000年以降の作品に限定する場合があります。長いキャリアの後もまだ生産的なアーティストや進行中の芸術運動は、特別な問題を引き起こす可能性があります。ギャラリーや批評家は、作品を現代と非現代に分けることを躊躇することがよくあります。^[要出典]

社会学者ナタリー・ハイニヒは、近代美術と現代美術を区別し、歴史的に部分的に重複する2つの異なるパラダイムであると述べている。彼女は、「近代美術」が表現の慣習に挑戦するのに対し、「現代美術」は芸術作品の概念そのものに挑戦することを発見した。^[11]彼女は、デュシャンの「泉」（近代美術の勝利の真っ只中である1910年代に制作された）を現代美術の出発点と見なしており、現代美術は第二次世界大戦後に具体美術のパフォーマンス、イヴ・クラインのモノクローム作品、ラウシェンバーグの「消されたデ・クーニングの絵」によって勢いを増した。^[12]

現代アートの特徴は多様性です。素材、形式、主題、さらには時代も多様です。現代アートは「他の多くの時代や芸術運動に見られるような統一された組織原理、イデオロギー、主義がまったくないことが特徴です」^[13]。現代アートには単一の目的や視点がないため、矛盾や制限がない場合があります。それでも、アイデンティティ政治、身体、グローバリゼーションと移住、テクノロジー、現代社会と文化、時間と記憶、制度と政治の批判など、現代の作品に共通するテーマがいくつかあります。^[14]

芸術界の機能は、主要な美術館から私設ギャラリー、非営利スペース、美術学校、出版社に至るまでの芸術機関、そして個々の芸術家、キュレーター、作家、収集家、慈善家の活動に依存している。芸術界における主要な区分は営利セクターと非営利セクターであるが、近年では営利の私的機関と非営利の公的機関の境界はますます曖昧になってきている。^[要出典]最もよく知られている現代美術は、商業的な現代美術ギャラリー、個人の収集家、美術オークション、企業、公的資金による芸術団体、現代美術館でプロの芸術家によって展示されるか、または芸術家自身が芸術家運営のスペースで展示される。^[15]現代芸術家は、助成金、賞、賞金のほか、作品の直接販売によっても支えられている。職業芸術家は美術学校で訓練を受けるか、他の分野から出てくる。^[要出典]

公的資金で運営される現代美術団体と商業部門の間には密接な関係がある。例えば、2005年に出版された「国際美術市場と経営を理解する」という本には、英国では少数のディーラーが主要な公的資金で運営される現代美術館で展示されているアーティストの代理を務めていると報告されている。^[16]商業団体にはギャラリーやアートフェアが含まれる。^[17]

企業もまた現代アートの世界に溶け込み、自社の敷地内で現代アートを展示したり、現代アート賞を主催・後援したり、大規模な企業コレクションを構築したりしている。^{[18]企業の広告主は、現代アートや}クールハンティングに関連する名声を頻繁に利用して、消費者の注意を高級品に向けさせている。^[19]

芸術機関は、現代アートと称されるものを規制していると批判されてきた。例えば、アウトサイダーアートは、現代に制作されたという点で、文字通り現代アートである。しかし、ある批評家は、アーティストが独学で芸術史の文脈の外で活動しているとみなされるため、現代アートとはみなされないと主張した。^[20]テキスタイルデザインなどの工芸活動も、展覧会の観客が多いにもかかわらず、現代アートの領域から除外されている。^[21]美術評論家のピーター・ティムズは、工芸品が現代アートの領域に入るためには、特定の価値観に従わなければならないという点に注目が集まっていると述べた。「美の本質に対する破壊的なコメントとして意図された陶器の作品は、単に美しいものよりも、現代アートの定義に当てはまる可能性が高い。」^[22]

現代アートは、アートとその機関がその価値観を共有していないと感じている大衆と相容れないように見えることがある。^[23]イギリスでは、1990年代に現代アートが大衆文化の一部となり、アーティストがスターになったが、これは期待された「文化的ユートピア」にはつながらなかった。^[24]ジュリアン・スポルディングやドナルド・クスピットのような批評家は、懐疑主義、さらには拒絶さえも、現代アートの多くに対する正当かつ合理的な反応であると示唆している。^[25]ブライアン・アシュビーは「アート・ボロックス」というエッセイで、「一般的にポストモダンと呼ばれる多くのインスタレーション・アート、写真、コンセプチュアル・アート、ビデオ、その他の実践」が理論的言説の形で言葉による説明に依存しすぎていると批判している。 ^[26]しかし、アート作品を構成するものに対する見方が変化したため、美術館での非伝統的なアートの受け入れが増加している。^[27]

20世紀初頭以来、芸術とは何かという問題は共通の関心事となってきました。現代（1970年から現在）では、ギャラリー、美術館、コレクターが注目する芸術作品を決定する際に、アヴァンギャルドの概念^[28]が影響するかもしれません。

現代美術に対する懸念も批判の対象となっている。アンドレア・ローゼンは、現代画家の中には「現代美術家であることが何を意味するのか全く分かっていない」者もおり、「間違った理由でやっている」と述べている。^[29]

現代美術におけるコンテスト、賞、賞金には次のようなものがあります。

• アルドリッチ現代美術館が新進アーティスト賞を授与
• 南部芸術ファクター賞
• ソロモン・R・グッゲンハイム美術館がヒューゴ・ボス賞を授与
• ジョン・ムーアの絵画賞
• 30歳未満のロシア人アーティストのためのカンディンスキー賞
• ADIAFとポンピドゥー・センターがマルセル・デュシャン賞を授与
• 40歳未満のフランス人アーティストに贈られるリカール賞
• 英国芸術家のためのターナー賞
• ホイットニー・ビエンナーレへの参加
• ヴィンセント賞、ヨーロッパ現代美術のためのヴィンセント・ヴァン・ゴッホ・ビエンナーレ賞
• カナダ粘土ガラスギャラリーが授与する陶芸家のためのウィニフレッド・シャンツ賞
• アジア太平洋ビール財団シグネチャーアート賞^[30]
• 35 歳以下のチェコのアーティストに贈られるジンドジフ・チャルペツキー賞^[31]

この表は、芸術運動とスタイルを 10 年ごとにリストしたものです。決定的なものではありません。

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