指揮

指揮とは、オーケストラや合唱コンサートなどの音楽 演奏を指揮する芸術である。これは「身振りを使って複数の演奏者や歌手の同時演奏を指揮する芸術」と定義されている。^[1]指揮者の主な職務は、楽譜の特定の指示を反映するように楽譜を解釈し、テンポを設定し、アンサンブルのメンバーが正確に演奏できるようにし、適切な場所でフレージングを「形作る」ことである。^{[2]指揮者は主に手振り（通常は}指揮棒を使用）で演奏者とコミュニケーションを取り、表情やアイコンタクトなどの他の身振りや合図を使用することもある。^{[3]指揮者は通常、}リハーサル中に演奏者への指示を口頭で補足する。^[3]

指揮者は通常、すべての楽器や声部の楽譜が書かれたフルスコアを載せる大きな譜面台のある一段高い指揮台の上に立つ。19世紀半ば以降、ほとんどの指揮者は指揮中に楽器を演奏しないが、クラシック音楽の歴史の初期の時代には、楽器を演奏しながらアンサンブルを指揮することは一般的だった。バロック音楽では、グループは通常、チェンバロ奏者または第一バイオリニスト（コンサートマスター）によって指揮され、この手法は現代において、この時代からの音楽のために何人かの音楽監督によって復活させられている。ミュージカル劇場のピットオーケストラでは、ピアノやシンセサイザーを弾きながら指揮することもある。楽器奏者は、指揮しながら難しい作品を演奏することもある。例えば、ピアニストがオーケストラを指揮しながら協奏曲を演奏することも珍しくない。演奏中のコミュニケーションは通常、非言語的である。しかし、リハーサルでは、頻繁に中断することで、指揮者は音楽の演奏方法について口頭で指示を与えることができる。

指揮者は、指揮するオーケストラや合唱団のガイドとしての役割を果たします。演奏する作品を選び、楽譜を研究して、それに対して一定の調整（テンポ、アーティキュレーション、フレージング、セクションの繰り返しなど）を加えたり、解釈を練ったり、演奏者にビジョンを伝えたりします。また、リハーサルのスケジュール、^[4]、コンサートシーズンの計画、オーディションの聴講やメンバーの選抜、メディアでのアンサンブルの宣伝など、組織的な事柄にも携わることがあります。オーケストラ、合唱団、コンサートバンド、ビッグバンドなどの大規模な音楽アンサンブルは、通常、指揮者によって率いられます。

オーケストラやオペラ団の首席指揮者は、音楽監督、首席指揮者、あるいはドイツ語のカペルマイスター、あるいはディリゲント（女性形はディリゲンティン）と呼ばれる。合唱団やコーラスの指揮者は、特にオーケストラに所属する合唱団の場合、合唱指揮者、コーラスマスター、または聖歌隊長と呼ばれることがある。コンサートバンド、軍楽隊、マーチングバンド、その他のバンドの指揮者は、バンドディレクター、バンドマスター、ドラムメジャーの肩書きを持つことがある。尊敬される上級指揮者は、イタリア語のマエストロ（女性形はマエストラ）と呼ばれることがある。これは「マスター」または「教師」と訳される。^[5]

ビートキーピングの一形態としての指揮の始まりは、古代エジプト、ギリシャ、ローマ社会にまで遡ることができます。歴史的記録、特に象形文字を調べると、多くの初期の社会が視覚と聴覚の手がかりを利用してビート、リズム、形の感覚を維持していたことを示す証拠があります。記録に残る最も古い指揮の形態は、世界中のさまざまな地域でのさまざまな音楽的ニーズから生まれました。

ジェスチャーを使って演奏に影響を与える初期の例は、手品師による手振りです。11 世紀にはすでに記録に残っているこの習慣では、指名されたリーダーが指や手の微妙な動きを使って旋律の形や輪郭を指示していました。声楽のテーマとしてよく使われるこの習慣は、多くのリズムの記譜形式よりも古く、演奏者が一緒に動くタイミングを視覚的に理解する手段として機能していましたが、音楽を暗記するためにも使用されていました。

記譜されたリズムと拍子、そしてより複雑なリズムの図形がバロック初期に顕著になるにつれ、演奏者は自分のパートの背後にある意図を理解するために他の指示に頼るようになりました。16 世紀初頭、ドイツのカペルマイスターの役割は、五線譜、丸めた紙、またはその他の物体を使用して硬い表面を音が出るように叩く人を表し、ヨーロッパ全土でさまざまな形をとりました。音が出るビートの音源があることで、アンサンブルのメンバーは一貫性を保ち、何年も後にメトロノームが発明される前にリズムを正確に演奏することができました。

18世紀を通じて器楽では、アンサンブルのメンバーが指揮者を務めるのが普通だった。これは、弓を使うコンサートマスターや、手を使う鍵盤奏者（多くの場合はチェンバロ奏者）が担当することがあり、今日私たちがよく知っているパターンに似たパターンで音楽のテンポやリズムを指示した。小規模なアンサンブルでは効果的だったが、オペラや交響曲の演奏における器楽アンサンブルの規模が大きくなるにつれ、演奏者が音楽についていけなくなっていった。この問題の解決策として、一時的に指揮者を2人配置し、鍵盤奏者が歌手を担当し、首席バイオリニストまたはリーダーがオーケストラを担当するという方法がとられたが、長期的には持続可能な方法とはならなかった。18世紀を過ぎると、音楽は複雑になりすぎて演奏が洗練されすぎて、タイミングを保つために聴覚スキルだけに頼ることができなくなっていたことは明らかだった。

19世紀初頭（ 1820年頃）までに、演奏中に楽器を演奏しない専属の指揮者を置くことが標準となった。一部のオーケストラは、コンサートマスターや鍵盤楽器奏者がリーダーを務めることに慣れていたため、指揮者の導入に反対したが、最終的に指揮者の役割が確立された。通常のオーケストラの規模はこの時期に拡大し、素手や丸めた紙よりも見やすい指揮棒の使用がより一般的になった。最も著名な初期の指揮者には、ルイ・シュポーア、カール・マリア・フォン・ウェーバー、ルイ＝アントワーヌ・ジュリアン、フェリックス・メンデルスゾーンがおり、彼らは皆作曲家でもあった。メンデルスゾーンは、木製の指揮棒を使用して拍子をとった最初の指揮者であると言われており、この慣習は現在でも一般的に使用されている。指揮棒を使用していない著名な指揮者としては、ピエール・ブーレーズ、クルト・マズア、ジェームズ・コンロン、ユーリ・テミルカーノフ、^[6]レオポルド・ストコフスキー、ワシリー・サフォノフ、ユージン・オーマンディ（一時期）、ディミトリ・ミトロプーロスなどがいます。^[7]

作曲家のエクトル・ベルリオーズとリヒャルト・ワーグナーは指揮者として名声を博し、このテーマに捧げられた最も初期の論文のうち2つを執筆している。ベルリオーズは最初の名指揮者とみなされている。ワーグナーは、単にタイミングよく演奏に入り、拍子が統一されているかを確認するだけの指揮者ではなく、曲に対する自身の見解を演奏に反映させる指揮者の役割を確立した大きな要因となった。指揮に専念した先駆者にはフランソワ・アベネックがいるが、アベネックは1828年に音楽院演奏会管弦楽団を設立したが、ベルリオーズは後にアベネックのリハーサルの基準が緩いことに懸念を抱いた。ピアニストで作曲家のフランツ・リストも指揮者であった。かつてワーグナーの支持者であったハンス・フォン・ビューロー（1830年 - 1894年）は、指揮者として特に称賛されていましたが、ピアニストとしての初期のキャリアも維持しており、ピアニストは最も優れた演奏家の一人とみなされていました。

ビューローは、オーケストラの異なるセクションを個別に詳細にリハーサルする（「セクション別リハーサル」）などの革新を通じて、指揮の技術水準を前例のないレベルに引き上げた。バイエルン国立歌劇場、マイニンゲン宮廷管弦楽団、ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団の首席指揮者を歴任し、それまでソロ楽器演奏でしか聞かれなかったレベルのニュアンスと繊細さをオーケストラ演奏にもたらし、 20歳で彼の助手を務めたリヒャルト・シュトラウスや、彼の解釈を認めなかったものの彼のオーケストラ水準に深く感銘を受けたフェリックス・ワインガルトナーなど、若い芸術家に深い印象を与えた。作曲家のグスタフ・マーラーも著名な指揮者であった。

技術水準は、1895年にビューローの後を継いでベルリン・フィルハーモニー管弦楽団の音楽監督となったアルトゥール・ニキシュ（1855年 - 1922年）を含む次世代の指揮者によって新たなレベルに引き上げられた。ニキシュはアントン・ブルックナーとピョートル・イリイチ・チャイコフスキーの重要な作品を初演し、ニキシュは彼の作品を大いに賞賛した。ヨハネス・ブラームスは、ニキシュが指揮する第4交響曲を聞いた後、「非常に模範的で、これ以上に良いものは聞けない」と述べた。ニキシュは1912年4月にロンドン交響楽団を率いて米国ツアーを行ったが、これはヨーロッパのオーケストラによる初の米国ツアーであった。彼は1913年11月にベルリン・フィルハーモニー管弦楽団とベートーヴェンの交響曲第5番を録音しており、これは最も初期の完全な交響曲の1つである。ニキシュは、彼の芸術が映画に記録された最初の指揮者であったが、残念ながら無声であった。この映画は、彼がオーケストラとコミュニケーションをとる際に、特に魅惑的なアイコンタクトと表現を駆使していたという報告を裏付けている。フリッツ・ライナーのような後の指揮者たちは、彼のテクニックのこの側面が彼ら自身に大きな影響を与えたと述べている。

ニキシュ以降の世代の指揮者は、しばしば自らの芸術を裏付ける膨大な録音を残している。特に影響力があり、広く録音されている二人の指揮者は、いくぶん不正確ではあるが、しばしば解釈上の対極として扱われる。それはイタリアの指揮者アルトゥーロ・トスカニーニ（1867年 - 1957年）とドイツの指揮者ヴィルヘルム・フルトヴェングラー（1886年 - 1954年）である。トスカニーニはジュゼッペ・ヴェルディ指揮下のオーケストラで演奏し、1886年に体調不良の指揮者を土壇場で代役として『アイーダ』を指揮してデビューした。彼は今日に至るまで、ジェームズ・レヴァインなどの権威者からヴェルディ指揮者の中で最も偉大な指揮者とみなされている。しかしトスカニーニのレパートリーは幅広く、特に有名で影響力があったのはドイツの交響楽団員ベートーヴェンとブラームスの解釈であり、ビューローやワーグナーのような指揮者よりも厳格で速いテンポを好んだ。それでも、彼のスタイルは評判が示唆する以上に抑揚があり、特に細部を表現し、オーケストラを歌うように演奏させることに恵まれていた。ワーグナー（この作曲家ではトスカニーニも賞賛されていた）とブルックナーの最高の解釈者と多くの人にみなされているフルトヴェングラーは、ベートーヴェンとブラームスをかなりのテンポの抑揚をつけて指揮したが、概して音楽の構造と方向性が特に明確に現れるようなやり方だった。彼は熟達した作曲家であると同時に演奏家でもあり、曲の根底にある長距離の和声の緊張と解決への配慮を強調した理論家ハインリヒ・シェンカーの弟子で、それがフルトヴェングラーの指揮の長所であった。大規模なものへの関心とともに、フルトヴェングラーは曲の細部を特に説得力のある表現力豊かな方法で形作った。

二人の指揮法は非常に異なっていた。トスカニーニの指揮法はイタリア風で、長くて大きな指揮棒と明確な拍子（左手を使わないことが多かった）だった。一方フルトヴェングラーは、より丸みのある音を求めたため、それほど正確ではない拍子をとった（ただし、彼の指揮法が曖昧だったというのは俗説で、多くの音楽家が彼独自のやり方で簡単に真似できたと証言している）。いずれにせよ、彼らの例は、20世紀前半の指揮法に関するより大きな点を示している。それは、指揮法が標準化されていなかったということだ。レオポルド・ストコフスキー（1882年 - 1977年）、オットー・クレンペラー（1885年 - 1973年）、ヘルベルト・フォン・カラヤン（1908年 - 1989年）、そして偉大で国際的な名声を獲得した最初のアメリカ人指揮者であるレナード・バーンスタイン（1918年 - 1990年）など、20世紀中盤の偉大で影響力のある指揮者たちは、非常に多様な指揮法を持っていた。

カラヤンとバーンスタインは、1960年代から80年代にかけて、もう一つの対照的な存在となった。カラヤンはベルリン・フィルハーモニー管弦楽団の音楽監督（1955年～1989年）であり、バーンスタインはニューヨーク・フィルハーモニックの音楽監督（1957年～1969年）で、後にヨーロッパで頻繁に客員指揮者を務めた。カラヤンの指揮法は高度に制御されており、スコアを暗記することが多かったため、最終的には目を閉じて指揮することが多かった。バーンスタインの指揮法は表現豊かで、表情や手、体の動きが豊かだった。声楽を指揮する際、バーンスタインはしばしば声楽家と一緒に言葉を口ずさんだ。カラヤンは足を動かさずに何時間も指揮できたが、バーンスタインはクライマックスで空中に飛び上がることでも知られた。ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団の音楽監督として、カラヤンは暖かく調和のとれた音色の美しさを培ったが、それは均一に塗布されすぎる対照的に、バーンスタインが1979年にベルリン・フィルハーモニー管弦楽団と共演した唯一の機会（マーラーの交響曲第9番の演奏）では、バーンスタインは、音楽の表現上の意味に合っていると信じていた特定の部分で、オーケストラに「醜い」音色を出させようとした（第一ホルン奏者は拒否し、最終的には自分ではなく代役に演奏させることに同意した）。

カラヤンとバーンスタインはともに、芸術を伝えるためにメディアの進歩を大いに活用したが、その方法は明らかに異なっていた。バーンスタインは、クラシック音楽について子供や一般大衆に啓蒙し、訴えかけるため、ゴールデンタイムの全国テレビシリーズの司会を務めた。カラヤンは晩年に一連の映画を制作したが、その中では語らなかった。両者とも多数のレコーディングを行ったが、レコーディングに対する姿勢は異なっていた。カラヤンは、録音技術の進歩に魅了され、その進歩を活用するために頻繁に新しいスタジオレコーディングを行い、コンパクトディスクの仕様設定にも関わった。一方、バーンスタインは、ニューヨークに移った後は、（ほとんどの場合）ライブコンサートのレコーディングにこだわるようになり、観客のいないスタジオでは音楽制作は成り立たないと信じていた。

20 世紀の最後の 3 分の 1 では、指揮テクニック、特に右手と指揮棒のテクニックがますます標準化されました。第二次世界大戦の終わりまでアムステルダムのウィレム メンゲルベルクのような指揮者は、オーケストラを非常に正確に形作るために長いリハーサル時間があったため、独特のテクニックを持つことができました。一方、特定のオーケストラと過ごす時間が短い現代の指揮者は、はるかに短いリハーサル時間で結果を出さなければなりません。より標準化されたテクニックにより、コミュニケーションははるかに迅速になります。それでも、指揮者のテクニックは、特に左手の使い方、顔と目の表情、ボディ ランゲージにおいて、依然として非常に多様です。

19世紀から20世紀の大半を通じて、一流オーケストラ指揮者の階級に女性指揮者がいるという話はほとんど聞いたことがありませんでしたが、今日ではホルテンス・フォン・ジェルミニ [de]、^{[8] 、} マリン・オールソップ、シモーヌ・ヤングなどのアーティストがオーケストラを率いています。オールソップは2007年にボルチモア交響楽団の音楽監督に任命され、米国の主要オーケストラの指揮者に任命された初の女性となりました。また、 2012年にはサンパウロ州立交響楽団の音楽監督にも任命され、プロムスの最終日の指揮を行った初の女性となりました。ヤングは2005年にハンブルク州立歌劇場とハンブルク・フィルハーモニー管弦楽団の首席指揮者に就任した際に同様の初の快挙を成し遂げました。また、リヒャルト・ワーグナーの「ニーベルングの指環」を録音した初の女性指揮者でもあります。ガーディアン紙は指揮を「音楽業界における最後のガラスの天井の一つ」と呼びました。 ^[9] 2013年の記事によると、フランスでは574回のコンサートのうち、女性が指揮したのはわずか17回で、パリ国立オペラ座では女性が指揮した人はいなかった。^[10]「バッハトラックは、その年の世界​​のトップ150指揮者のリストで、女性はわずか5人だったと報告した。」^[11]メキシコは数人の国際的な指揮者を輩出しているが、アロンドラ・デ・ラ・パーラは、この職業で名声を得た最初のメキシコ生まれの女性となった。

同様に、東アジア系の指揮者も現代のオーケストラ界で目立つようになってきている。サンフランシスコとトロントでも同様の役職を歴任した後、1973年から2002年までボストン交響楽団の主題指揮者を務めた小澤征爾がその代表例である。ドイツとフランスで要職を歴任したチョン・ミョンフンは、ソウル・フィルハーモニー管弦楽団を国際的に注目される存在にしている。著名な黒人指揮者には、ヘンリー・ルイス、ディーン・ディクソン、ジェームズ・デプリースト、ポール・フリーマン、マイケル・モーガンがいる。 2004年にガーディアン紙に寄稿されたシャーロット・ヒギンズの記事によると、「クラシック音楽界では黒人指揮者は珍しく、交響楽団でも黒人ミュージシャンが1人か2人しかいないのは珍しい」とのことである。^[12]

指揮は、演奏中に演奏者に芸術的な指示を伝える手段です。正しい指揮の仕方については多くの正式なルールがありますが、主観的なルールもあり、指揮者の訓練と洗練度に応じて多種多様な指揮スタイルが存在します。指揮者の主な責任は、演奏者を統一し、テンポを設定し、明確な準備と拍子を実行し、アンサンブルの音を批判的に聴いて形作り、音楽の解釈とペースをコントロールすることです。演奏中のコミュニケーションは非言語的ですが、リハーサルでは頻繁に中断することで音楽の演奏方法を指示することができます。リハーサル中、指揮者は曲の演奏を止めてフレージングの変更を要求したり、特定のセクションの音色の変更を要求したりすることがあります。アマチュアオーケストラでは、演奏ミスや移調ミスにミュージシャンの注意を引くためにリハーサルを頻繁に止めます。

指揮には、音楽表現の要素 (テンポ、強弱、アーティキュレーション) を理解し、それらをアンサンブルに効果的に伝える能力が必要です。また、ジェスチャーを通じてフレージングや表現のニュアンスを伝える能力も役立ちます。指揮のジェスチャーは、楽譜を研究しながら指揮者が事前に準備しておくのが望ましいですが、時には即興で行うこともあります。オーケストラの指揮と合唱の指揮は区別されることがあります。通常、オーケストラの指揮者は合唱の指揮者よりも指揮棒を使用することが多いです。指揮棒の持ち方は指揮者によって異なります。

楽曲の冒頭で、指揮者は手（片手のみの場合は 手）を挙げて、楽曲の開始を知らせます。これは、オーケストラのメンバーに楽器の演奏準備をさせる合図、または聖歌隊に準備と監視をさせる合図です。次に、指揮者はオーケストラのさまざまなセクション（管楽器、弦楽器など）または合唱団に目を向けて、オーケストラのメンバー全員と合唱団のメンバーの演奏準備が整っていることを確認します。合唱作品によっては、指揮者がピアニストまたはオルガン奏者に音符または和音を演奏するよう合図し、合唱団のメンバーが開始音を決定できるようにする場合があります。次に、指揮者は音楽を開始するために 1 つ以上の準備拍子を鳴らします。オーケストラまたは合唱団が始まる​​前の準備拍子は、アップビートです。音楽の拍子は通常、指揮棒の有無にかかわらず、指揮者の右手で示されます。手は拍子に応じて小節ごとに空中に形を描き、下向きの動きから上向きの動きへの変化で各拍を示します。^[13]画像は指揮者の視点から見た最も一般的な拍パターンを示しています。^[14]

ダウンビートは小節の最初の拍を示し、アップビートは曲の最初の音符の前の拍と小節の最後の拍を示します。拍が発生する瞬間はイクトゥス(複数形: ictūsまたはictuses ) と呼ばれ、通常は突然の (必ずしも大きくはないが) 手首のクリック音または指揮棒の方向転換によって示されます。場合によっては、「イクトゥス」は、各イクトゥスで指揮棒が叩かれる譜面台の上部など、すべてのイクトゥスが物理的に配置されている水平面を指すためにも使用されます。イクトゥスに至るまでのジェスチャーは「準備」と呼ばれ、一定の拍の連続的な流れは「タクト」(ドイツ語で小節、小節、拍) と呼ばれます。

テンポが遅い、または遅くなっている場合、または拍子が複合拍子である場合、指揮者は拍の「細分化」を指示することがあります。指揮者は、それが属する拍の動きと同じ方向に小さな動きを追加することでこれを行うことができます。

テンポの変更は、ビートの速度を変えることで示されます。ラレンタンド(音楽のペースを遅くすること) を実行し、制御するために、指揮者はビートの細分化を導入する場合があります。一部の指揮者は両手を使ってビートを示し、左手は右手を反映させますが、正式な教育ではそのようなアプローチは推奨されていません。2 番目の手は、個々の演奏者またはセクションの入場を合図したり、強弱、フレージング、表現、その他の要素を示すために使用できます。

楽器のソロセクション中（またはオペラオーケストラでボーカリストの無伴奏ソロ中）、休符の小節を数えている演奏者を助けるために、指揮者の中には、すべての小節を数えるのをやめて、単に小節ごとに指揮棒を1回叩く人もいます。

ダウンビートのイクトゥスが発生する場所に関する「教科書的な」定義と、プロのオーケストラの実際の演奏方法には違いがあります。突然の大きなスフォルツァンド和音の場合、プロのオーケストラは、指揮棒のストロークのイクトゥス点を打った 直後に演奏することがよくあります。

強弱はさまざまな方法で示されます。強弱は指揮の動きの大きさで伝えられ、形が大きいほど大きな音を表します。強弱の変化は、拍子を示すために秒針で合図される場合があります。上向きの動き (通常は手のひらを上にする) はクレッシェンドを示し、下向きの動き (通常は手のひらを下にする) はディミヌエンド を示します。指揮の動きの大きさを変えると、状況に応じて音楽の特徴が変化することがよくあります。強弱は、さまざまなジェスチャーを使用して微調整できます。演奏者に手のひらを見せたり、演奏者から身を乗り出したりすると、音量が下がることがあります。さまざまな楽器や声の全体的なバランスを調整するには、これらの信号を組み合わせたり、特定のセクションまたは演奏者に向けたりすることができます。

演奏者またはセクションが演奏を開始するタイミング (長い休憩のあとなど) を示すことを「キューイング」と呼びます。キューは、次のイクタスの正確な瞬間を確実に予測する必要があります。そうすることで、キューの影響を受けるすべての演奏者または歌手が同時に演奏を開始できます。キューイングは、演奏者またはセクションが長時間演奏していない場合に最適です。また、弦楽器奏者がペダル ポイントを演奏している場合、セクションがペダル ポイントを長時間演奏しているときにもキューイングは役立ちます。キューは、いつ新しい音に変更すべきかを示すために重要です。キューイングは、演奏者が演奏を開始する前に (演奏者を見て) 演奏者を「引き込み」、多くの場合特定の演奏者に向けた明確な準備のジェスチャーを実行することで実現されます。指揮者からの聞こえる「鼻をすする」音である場合もあればそうでない場合もある吸入は、一部の指揮者のキューイング テクニックの一般的な要素です。多くの場合、アンサンブルの複数のセクションが同時に登場する場合など、単にアイコンタクトをとったり、演奏者の大まかな方向を見たりするだけで十分です。大規模な音楽イベントでは、感情やエネルギーを刺激するように設計された、より大きく、より強調された合図を使用する必要がある場合があります。

アーティキュレーションは、イクトスの特徴によって示され、スタッカートでは短く鋭く、レガートでは長く滑らかに変化します。多くの指揮者は手の緊張を変えます。緊張した筋肉と硬直した動きはマルカートに対応し、リラックスした手と柔らかい動きはレガートまたはエスプレッシーヴォに対応します。フレージングは​​、頭上の広い弧、または前方または左右への滑らかな手の動きによって示されます。持続音は、手のひらを上にして平らに持つことで示されることがよくあります。音の終わりは「カットオフ」または「リリース」と呼ばれ、円を描くように動かすか、手のひらを閉じるか、指と親指をつまむことで示されます。リリースの前には通常、準備があり、完全に静止して終わります。

指揮者は、アンサンブルとできるだけアイコンタクトを保ち、アイコンタクトを促し、演奏者/歌手と指揮者との対話を増やすことを目指します。表情も、音楽の特徴を示したり、演奏者を励ましたりするために重要です。曲の準備にほとんどリハーサル時間がなかった場合など、指揮者は楽章の開始直前に胸の前で指を立てて（演奏者だけが見えるように）、音楽の小節の打ち方をさりげなく示すことがあります。たとえば、⁴
₄指揮者が「2つで」演奏する曲（1小節あたり2つのイクトゥスポイントまたは拍子、²
₂）の場合、指揮者は胸の前で2本の指を立てます。

ほとんどの場合、交響曲、協奏曲、舞踏組曲の楽章の間には短い休止があります。この短い休止の間に、オーケストラや合唱団のメンバーは自分のパートのページをめくり、次の楽章の開始に備えることができます。弦楽器奏者は松脂を塗ったり、ハンカチで手の汗を拭いたりします。リード奏者はこの時間を利用して新しいリードに交換します。木管楽器奏者や金管楽器奏者は、この休止を利用して別の楽器に切り替える場合があります (例: トランペットからコルネットへ、クラリネットから E ♭クラリネットへ)。指揮者が音楽上の理由で 1 つの楽章を次の楽章に続けてすぐに始めたい場合は、これをアタッカと呼びます。指揮者はオーケストラのメンバーと合唱団員に、次の楽章にすぐに進む準備ができるように、各自のパート譜にこの用語を書くように指示します。

マーチング バンドがフィールド ショーを演奏する場合、通常はドラム メジャーがバンドを指揮します。これはフィールド指揮と呼ばれます。

ドラムメジャーはそれぞれ指揮スタイルが異なります。よりスムーズな指揮者もいれば、より硬直した指揮者もいます。最も一般的に使用されるパターンは、「ダウンインアウトアップ」パターンと呼ばれます。このパターンは、最初の拍がまっすぐ下向きで通常​​であることで示されます。2 番目の拍は下向きになり、焦点の後で内側に 45 度の角度で移動します。3 番目の拍は、腕が角度から焦点まで戻ってきて、焦点に当たって同じ 45 度の角度で外側に移動します。最後の 4 番目の拍は、外側の角度から焦点に戻ります。その後、このプロセスが繰り返されます。^[15]ドラムメジャーは、持続性と明瞭性のためにテンポを速くするために、より小さく単純なパターンを使用するのが一般的で、1 拍目と 3 拍目を強調し、2 拍目と 4 拍目を最小限に抑えます。

「適切な」指揮法は、何十年にもわたって進化してきました。1970 年代以前は、定位置のドラム メジャーが指揮台の上で高く持ち上げてテンポを知らせ、音と視覚でテンポを知らせることは珍しくありませんでした。しかし、ドラム メジャーのステージがどんどん高くなり、視認性も高くなったため、これは危険で不必要なことになりました。現在のドラム メジャーは、それぞれのマーチング バンドやドラム隊のニーズに合わせて、さまざまな指揮パターンとスタイルを使用しています。

音楽を暗記することに加えて (高校のマーチング バンドでは 6 分から 9 分の音楽が一般的ですが、大学のバンドやドラム隊ではそれより長く、11 分を超えることもあります)、ドラム メジャーは、特にリタルダンドやフェルマータなど、ドラム メジャーに裁量権がある部分では、適切な指示や合図を出すために、強弱とテンポを暗記する必要があります。

指揮者の役割は、指揮のポジションやアンサンブルによって大きく異なります。場合によっては、指揮者は交響楽団の音楽監督も兼任し、客員指揮者によるコンサート、協奏曲のソリスト、ポップコンサートなどを含むシーズン全体のプログラムを選択します。上級指揮者は、候補者が指揮者の好みの演奏スタイルと音色を持ち、パフォーマンス基準を満たしていることを確認するために、オーケストラの新メンバーのオーディションの一部またはすべてに参加することがあります。合唱指揮者の中には、その後別の指揮者が指揮することになる合唱団を数週間準備するために雇われる人もいます。合唱指揮者は通常、コンサートプログラムで準備作業に対して評価されます。

指揮者の中には、地元のニュース チャンネルにインタビューしたり、テレビのトーク ショーに出演して次のシーズンや特定のコンサートを宣伝するなど、重要な広報の役割を担う人もいます。一方、1 回のコンサートのゲスト指揮者として雇われた指揮者は、オーケストラで数曲のリハーサルをしたり、1 回か 2 回のコンサートを指揮するだけの責任しか負いません。レナード バーンスタインのように有名人になった指揮者は少数ですが、大半はクラシック音楽界でしか知られていません。

クラシックの合唱や器楽の指揮には、包括的な指導と訓練のシステムが確立されています。指揮者を目指す人は、カレッジ、音楽院、大学で学ぶことができます。音楽学校や大学では、学士号の一部としての指揮のコース、少数ですが指揮の音楽修士号、さらに少数ですが指揮の音楽芸術博士号など、さまざまな指揮プログラムを提供しています。さらに、クラシックのサマーキャンプやトレーニングフェスティバルなど、さまざまなトレーニングプログラムがあり、学生は幅広い音楽を指揮する機会を得ることができます。指揮者を目指す人は、クラシック音楽の主要な時代や音楽理論など、音楽の歴史について幅広い教育を受ける必要があります。多くの指揮者は、ピアノやパイプオルガンなどの鍵盤楽器の演奏を学びます。このスキルは、オーケストラを指揮する前に交響曲を分析し、解釈を試すのに役立ちます。多くの指揮者はオーケストラで演奏したり、合唱団で歌ったりする経験があり、その経験からオーケストラや合唱団がどのように指揮され、リハーサルが行われるかについて深い洞察を得ています。

オーケストラの指揮者は一般的に音楽の修士号を持ち、米国の合唱団の指揮者は一般的に音楽の学士号を持っています。^[16]学士号（B.Mus.またはBMと呼ばれる）は、指揮のレッスン、アマチュアオーケストラの経験、音楽史、音楽理論、教養科目（例：英語文学）の一連のコースを含む4年間のプログラムであり、学生に幅広い教育を提供します。学生は通常、B.Mus.の段階で指揮を専門にすることはなく、代わりに、歌唱、オーケストラ楽器の演奏、合唱団での演奏、オーケストラでの演奏、ピアノやオルガンなどの鍵盤楽器の演奏など、一般的な音楽スキルを身に付けます。

指揮の学生が学ぶもう一つのトピックは、クラシック音楽のオペラで使用される言語です。オーケストラの指揮者は、オーケストラと合唱のための作品で合唱団をリハーサルし、指揮できることが求められます。そのため、オーケストラの指揮者は、合唱の作詞で使用される主要言語 (フランス語、イタリア語、ラテン語など) を知っておく必要があり、合唱の文脈でこれらの言語の正しい発音を理解していなければなりません。その逆もまた真なりで、合唱指揮者は、合唱とオーケストラのための作品を演奏する際に、弦楽オーケストラまたはフルオーケストラをリハーサルし、指揮することが求められます。そのため、合唱指揮者は、楽器セクションのリハーサルと指揮の方法を知っておく必要があります。

指揮における音楽修士号 (M.mus. または MM) は、個人の指揮レッスン、アンサンブル経験、コーチング、音楽史と音楽理論の大学院課程、および 1 回または 2 回の指揮コンサートから構成されます。指揮の教授になりたい人にとって、M.mus. は多くの場合、最低限必要な資格です。指揮における音楽芸術博士号 (DMA、DMA、D.Mus.A.、または A.Mus.D と呼ばれる) は、最高レベルの芸術的および教育的研究の機会を提供し、通常は修士号に加えてさらに 54 単位以上 (学士号に加えて約 30 単位以上) が必要です。このため、入学は非常に厳しい選抜制です。音楽史、音楽理論、聴音/ディクテーションの試験、入学試験、指揮オーディションが必要です。学生は、講義と指揮を組み合わせたコンサートとそれに伴う博士論文、および上級コースワークを含む指揮コンサートを行います。学生は通常、最低でも B の平均を維持する必要があります。指揮の DMA は最終学位であり、取得者は大学や音楽院で教える資格を得られます。多くの指揮者にとって、学術研究に加えて、ユース オーケストラ、学校オーケストラ、コミュニティ オーケストラなどのアマチュア オーケストラを指揮することもトレーニングの一部です。

指揮の正式な訓練を受けずにプロになる指揮者も少数います。これらの指揮者は、楽器演奏者や声楽家として名声を得ていることが多く、専門分野（楽器演奏または歌唱）で多くの訓練を受けています。アマチュア オーケストラ、学校オーケストラ、コミュニティ オーケストラ（または同等の合唱団）を指揮して、現場で学ぶ指揮者もいます。^[要出典]

2021年の米国の指揮者の平均給与は49,130​​ドルでした。指揮職は2021年から2031年にかけて5％の成長が見込まれており、これは平均成長率です。^[16]

アレクサンダーテクニックは、悪い姿勢が健康上の問題を促進するという考えに基づいた、人気のある代替療法です。 ^{[17] [18]}アレクサンダーテクニックは、演奏家や音楽家が体の緊張を特定し、解放するのを助けることを目的としています。^[19]指揮者は、動きを強制すると神経、筋肉、関節を痛める可能性があるため、上半身のリラックスとバランスの維持に焦点を当てた同様のテクニックで訓練されることがよくあります。多くの指揮者は、ビートを指揮するときに右腕を強く投げますが、これは背中の痛みや首の緊張につながる可能性があり、特に反復運動による 回旋筋腱板損傷のリスクに指揮者をさらします。

英国国民保健サービスが提供した証拠の検討によると、アレクサンダー・テクニークは痛みの緩和に役立つことが示唆されている。「長期の腰痛：このテクニックのレッスンにより、腰痛に関連する障害が軽減され、最大1年以上痛みを感じる頻度が減る可能性がある。長期の首の痛み：このテクニックのレッスンにより、最大1年以上首の痛みと関連する障害が軽減される可能性がある。」^[20]全体的な身体意識を養うことで、指揮者は痛みや怪我を最小限に抑えながら、キャリアを長く維持することができる。

• 指揮者なしのオーケストラ
• オーケストラ別首席指揮者一覧

• マイケル・ボウルズ：指揮の芸術（ガーデンシティ、ニューヨーク：ダブルデイ、1959年）、英語版は『指揮者：その芸術性と技巧』（ロンドン：G.ベル＆サンズ、1961年）。
• ラリー・G・カーティス、デイヴィッド・L・キューン著『成功する器楽指揮ガイド』 （ニューヨーク：マグロウヒル、1992年）ISBN 978-0697126948。 
• ミシェル・フォール：ルイ・ジュリアン：19世紀の音楽、スペクタクルとフォリー（ビアリッツ：アトランティカ、2006年）。ISBN 9782351650387。 
• エリオット・W・ガルキン：オーケストラ指揮の理論と実践の歴史（ニューヨーク：ペンドラゴン・プレス、1988年）；ISBN 978-0918728470。 
• ノーマン・レブレヒト：マエストロ神話：権力を追求する偉大な指揮者たち（第2改訂・最新版、ニューヨーク：シタデル・プレス、2001年）。
• ブロック・マケルヘラン：初心者とプロのための指揮テクニック（ニューヨーク：オックスフォード大学出版局、1989年）；ISBN 978-0193858305。 
• イリヤ・ムシン:指揮の技術( Техника дирижирования ) (モスクワ: Muzyka Publishing House、1967)。
• エンニオ・ニコトラ：イリヤ・ムーシンのオーケストラ指揮学校に準拠したオーケストラ指揮テクニック入門、英語、ドイツ語、イタリア語、スペイン語の書籍と DVD（ミラノ：Edizioni Curci、2007 年）。
• パーマー、フィオナ・M（2017年3月17日）。『1870年から1914年までのイギリスの指揮者：帝国の最盛期に指揮棒を振るう人々』ウッドブリッジ：ボイデル・プレス。320ページ。ISBN 9781783271450. 2017年3月29日時点のオリジナルよりアーカイブ。2017年3月28日閲覧。
• フレデリック・プラウスニッツ：スコアとポディウム（ニューヨーク：WWノートン、1983年）; ISBN 978-0393951547。 
• マックス・ルドルフ：指揮の文法（ニューヨーク：マクミラン、第2版、1981年）; ISBN 978-0028722207。 

Wikiquoteに指揮者に関する引用句があります。

ウィキメディア・コモンズには、指揮に関連するメディアがあります。

• ニューヨーク・タイムズのビデオには、ストラヴィンスキーの「兵士の物語」のリハーサル中に指揮者の役割を実演し、説明するアラン・ギルバートのモーションキャプチャーが含まれています。