マーガレット・バー（振付師）

マーガレット・バー
マーガレット・バールの演劇『グレゴリーの母』（1924年）
生まれる	( 1904-11-29 )1904年11月29日 ボンベイ、インド
死亡	1991年5月29日(1991-05-29)（享年86歳） シドニー、オーストラリア
知られている	ダンスと振り付け
動き	モダンダンス
配偶者	ダグラス・ハート ​ （ 1936年 - 1950年）

マーガレット・バー（1904年11月29日 - 1991年5月29日）は、アメリカ、イギリス、ニュージーランド、オーストラリアで活躍したオーストラリアの振付師、舞踊演劇教師である。60年以上のキャリアの中で、彼女は80以上の作品を制作した。^[1]

インド生まれの彼女は、成人期の一部をイギリスとアメリカで過ごした。成人後、ニューヨークでマーサ・グラハムにダンスを学び、その後イギリスに移住。そこで彼女はロンドンでダンスグループを結成し、デヴォン州のダーティントン・ホール・スクールでダンス・マイムを教え、現代的なテーマでダンスドラマの振り付けとプロデュースを行った。1939年、良心的兵役拒否者と結婚した後、彼女は夫とともにニュージーランドに移り、そこでダンス、動作、即興を教え、さらなる作品を開発した。1950年頃、彼女はニュージーランドを離れ、オーストラリアに渡り、そこで余生を過ごした。約40年間、彼女はマーサ・グラハムとコンスタンチン・スタニスラフスキーのアイデアから生まれたダンスドラマのクラスを教えた。彼女はマーガレット・バー・ダンス・ドラマ・グループを率いて、毎年主要な作品を上演した。彼女はまた、 17年間、国立演劇研究所で動作と即興を教えた。彼女の作品は、環境、人々の関係、強い女性、平和主義、芸術作品や文学作品のアイデアなど、多くの社会問題を探求しました。

バーは1904年にインドのボンベイで、アメリカ生まれの歯科医マンゴ・バーと看護師のイギリス人妻マーガレット（旧姓オーケット）の子として生まれた。 ^{[2] [ 3 ]}バーにはベティという妹が一人いた。アメリカとイギリスで他の家族と過ごした後、マーガレットと妹は両親とともにカリフォルニア州サンタバーバラに定住し、^[4]バーは1922年にサンタバーバラ高校を卒業した。 ^[6]二人はリトルシアタームーブメントの創始者モーリス・ブラウンとエレン・ヴァン・フォルケンバーグに演劇を学び、^{[4] [ 6] [7]}マーサ・グラハムの妹ジョーディーにデニショーンスタイル^{[4] [5]}のダンスを学び、その後短期間自分たちのダンススクールを経営した。^{[4] [ 6] 1927}年に二人はニューヨークに移り、マーガレット・バーはマーサ・グラハムにダンスを学んだ。^{[4] [5] [7]}バーの最初の作品である『アース・マザー』と『ヘブリディアン・スイート』は彼女が在籍中に振り付けられました。^{[4] [5] [6] [ 7]}彼女は1970年代まで『ヘブリディアン・スイート』の制作を続け、 ^{[4] [5]} 2004年にはバー生誕100周年を祝うフェスティバルで上演された作品の一つでした。^[8]

1929年、バーはニューヨークを離れてロンドンに向かい、^[4]そこでザ・ワークショップ・オブ・モダンダンスというグループを結成した。^[6]ドロシー・エルムハーストが1930年にグループのデビュー公演を観劇した後、[ 6 ^]バーはデヴォンのダーティントン・ホール・スクールに招かれて教師となった。^{[4 ] [5] [6] [7] [9]また1930年、バーは}ポール・ロブソンとペギー・アシュクロフトが主演したウエストエンドの『オセロ』のダンスの動きを振り付けた。^{[5] [7] [10]}

ダーティントン ホールで、バーはダンス マイムを教えた。ダンス史家のギャリー レスターは、「この作品が『ダンス マイム』と呼ばれたのには、非常に明確な理由がある。振り付けは明らかに動きを基礎としており、モダン ダンスの特性 (形式、構成要素の構造、動きのスタイル) を重視して使用し、それぞれの作品の主人公の性格を即興で見つけて維持することにも等しく依存していた」と説明している。^[6]バーはプロのダンサーの中核グループを結成し、^{[6] [11]}学校の生徒と、労働者教育協会を通じて周辺地域の人々のグループの両方を指導した。^[6]彼女のクラスには、「グラハム エクササイズ: 床の上で筋肉を 1 つずつ伸ばす、曲げる、跳ぶ、転がる」や「ダンサーが利用できる動きの衝動、その様式化、およびダイナミクスの範囲 (リリカルからスタッカートまで) を探求する」が含まれていた。^[6]演劇プロデューサーのモーリス・ブラウンは、ダーティントン・ホールでの公演を批評し、これまでダンスも舞台にも立ったことのない出演者たちが披露した高度なテクニックについてコメントし、^[12]個々のスキルを可能な限り最高レベルにまで高めるバーの才能を証明した。^[11]

バーは大勢のグループのために作品を振り付けた。ブラウンは、40～50人ほどの人々が出演するパフォーマンスを見たと述べている。その職業は、学童や教師、事務員や農夫、家政婦や石工などである。^[12]何人かの評論家は、いくつかの作品が「30人の大人のグループを非常に目的意識を持って団結させ、観客の誰一人として感動させなかった」ことに感銘を受けた。 ^[13]特に、ダンス評論家のジョン・マーティンは「彼らが一緒に取り組んだ精神の団結は、アンサンブル演奏のモデルとなった」と書いている。^[14]レスターは、「マーガレットは、参加者が作品自体と「グループ」という概念にコミットするという単純な前提条件のもと、包摂の政治を実践した」と述べている。^[6]

ダーティントン在籍中にバーが創作した作品には、1931年の『葬儀と結婚式』（シリル・スコット作曲）^{[4] [5] [11]} 『工場』（事故も含め、機械や労働者のリズミカルな動きを表現した作品）^{[11] [9]} 『平易な歌』^{[11] 『} 子供』^[11] 『中世の踊り』（後に『中世組曲』 ）エドマンド・ルッブラ作曲^[5] [ ^11]『海のスケッチ』（「声の音」を収録）^[11] 1932年の『人々』（ドナルド・ポンド作曲）^{[4] [5]} 『シベリウス』 （シベリウスの交響曲第1番ホ短調）[ ^{11] 『} 若き女たちの歌』 [ ^11] 1934年の『家族』（ルッブラ作曲）^[5] 『三人のメアリー』『三人姉妹』^[4]では3人の女性（売春婦、独身女性、少女）が戦争に対する反応を示しています。^[5] 『エピタラミウム』（ドロシー・エルムハーストの16歳の息子マイケル・ストレートとの情事に触発された）^[11]『炭鉱』 （バーはこの作品でノーサンバーランドの炭鉱コミュニティを訪問しました）^{[11] 。}

1934年、ドイツから亡命したクルト・ヨースとそのダンスグループがダーティントンに到着し、バーはヨースの指揮下で仕事をするのを避けて辞職した。^{[4] [5] [11]}彼女はロンドンの新しい実験劇場に付属する常設のバレエ団の監督になった。^[15]その最初の作品はポリネシアのダンスを取り入れた『パシフィック』だった。 ^[15]バーが「ダンスドラマ」という言葉を使い始めたのはこの頃だった。^[6]この時期の彼女の作品は平和主義と共産主義に由来する政治的メッセージを持ち、^[4]エドマンド・ルッブラやマイケル・ティペットなどの同時代の作曲家によって音楽が付けられた。^{[4]彼女は、}アンドレ・ファン・ギセゲムが指揮した1938年のウェンブリー・スタジアムでの協同組合フェスティバルに、「嘆き悲しむ女性のバレエと未来の歓喜する男性のバレエ」を指導して貢献した。^[16]

イギリスの批評家たちはバーの作品に対して強い、そして非常に対照的な反応を示した。ロンドンのアーツシアターでの公演を批評したW・A・ダーリントンは、この作品を「ポーズとパターン織り以外には何も良くない...特に『三人姉妹』やヘブリディーズ諸島の小さな場面『嵐』など、純粋な美しさの瞬間があったにもかかわらず ...多大な苦労と技術が無駄になっていた」と評した。^[17]

舞踊評論家のフェルノー・ホールは、1950年の著書『モダン・イングリッシュ・バレエ：ある解釈』の中で、ダーティントンとロンドン時代のバーの多くの作品について述べている。^{[11] [18]}ホールは、いくつかの個々の作品は失敗作だと考えていたが（『ミーンズ・テスト』（1937年）は「動きがあまりにも曖昧で、結果にほとんど意味がなかった」プロパガンダ作品だと評した）、^[18]全体として、「マーガレット・バーは、イギリスのバレエの歴史においてかなりの重要性を持っている。彼女は、現代的な主題に集中した唯一のイギリス人振付師であり、実験的な作品や現代の作曲家を一貫して奨励した最初のイギリス人芸術監督である。彼女の芸術的水準は非常に高く、ゴフィンのようなデザイナーや、ルブラ、ローソーン、ティペットのような作曲家は、彼女と仕事をすることを誇りに思っていた。」と考えていた。 ^[19]

バーは1936年にロンドンで大工で共産主義者のダグラス・ブルース・ハートと結婚した。 ^{[4] [20]}ハートは平和主義者で良心的兵役拒否者だったため、夫婦は第二次世界大戦中の徴兵を避けるために1939年にニュージーランドに移住した。^[4]

ニュージーランドでは、オークランドの労働者教育協会で動きと即興を教えた。^{[4] [7]彼女は詩人の}RAKメイソンと共同で、China (1943)とRefugee (1945)という2つの作品を制作した。^[4] Processions (1943)は、バーがニュージーランドに滞在していたときに作られた別の作品である。^[8]その最後のセクション「May Day」は、1944年にオークランドで行われたメーデーのお祝いで上演された。^{[21]ニュージーランドで上演された他の作品には、} Hebridean、Three Women、Funeral and Wedding、Breadline、Factoryがある。^[22]

1949年^[4]または1952年^{[5] [20]}に、バーはパートナー^[a]と共に、自分たちで建造したヨットでオーストラリアのシドニーへ航海した。 ^{[20] [23]}彼女はダンススタジオを始め、シドニーダンスドラマグループ（1968年からはマーガレットバーダンスドラマグループと呼ばれる）を設立した。^{[4] [7]}初期の頃は、清掃員として働きながら、週に2晩ダンスドラマグループのトレーニングとリハーサルを行っていた。^{[3] [20]} 1955年から1990年まで、彼女のダンスドラマの作品は毎年上演され、^{[2] [4] [7]}通常は毎年新作を発表し、以前の作品を再演したり、時には改訂したりした。^{[5] [8]}彼女はまた、アマチュア演劇グループであるマリタイムインダストリーズシアターのメンバーでもあった。^[24]

バーは1959年に新設された国立演劇学校（NIDA）の初代動作講師となり、^{[4] [23] [25]} 17年間その職を務めた。^[4]また、1年生に即興演技を教え、^[25]ニューサウスウェールズ州の地方、メルボルン、ブリスベンの大学でワークショップを開催した。^{[7] [25]}

1961 年の NIDA 演劇夏期学校の参加者は、バーを「黒いレオタードを着たダイナミックな女性で、その仕草はニケ・ニケのようで、その命令は軍曹のようでした。プレイスーツを着て磨かれた床に座り、体をくねらせ、腕を振り払い、頭を垂れて従おうとする一方で、バー先生は豹のような足取りで、1 時間ずっと休みなくエクササイズからエクササイズへと導いて、励まし、命令します。マーガレット・バーと 1 時間過ごしたら、その日の課題は終了するはずだという考えを捨て、次のクラスに向かいます」と評しました。^[26]

NIDAとダンス・ドラマ・グループでの活動に加えて、バーは1966年のアデレード芸術祭の『太陽の王室狩り』^{など他の作品の振付も手掛けた。 [5] [27]彼女は劇作家}モナ・ブランドといくつかの作品でコラボレーションし、1965年にはオーストリア系オーストラリア人の作曲家エリック・グロスの『シンフォニエッタ』の振付を担当した。 ^[28]

バーは最後の作品『伯爵夫人』（1990年）を制作した翌年、シドニーのロイヤル・ノースショア病院で亡くなった。 ^{[ 4]}

マーガレット・バー・ダンス・ドラマ・グループ（1968年まではシドニー・ダンス・ドラマ・グループと呼ばれていた）は、メンバーが他の方法で生計を立て、自由時間にトレーニングを行うアマチュアグループだった。^{[23] [3]}メンバーはバーのダンス・ドラマ夜間クラスの生徒だった。^[29] 1950年代にはグループのメンバーは13人だったが、^{[20] [30]} 1959年までに30人のダンサーに成長し、^{[23] [31]} 1967年までに40人にまで増えた。^[32]

このグループにはプリンシパルダンサーやスターはいなかった。 ^{[33] [34]}プログラムには出演者の名前が記載されていたが、どの役を踊ったかは示されていなかった。^[33]マーガレット・バー・ダンス・ドラマ・グループのメンバーは「脚がきれいである必要はなく、理想的な年齢や体型である必要もなかった」^[23]ため、バーは「グループの中で、人間の経験を照らす世界の小さな断面を実現した」^[35] 1959年の記事では、「技術は表現に役立つように作られており、古典バレエのようにその逆ではない」と説明されている。^[23]

バーは生徒たちに、動きが生じるきっかけとなるリラクゼーションと収縮のテクニック^{[7 ]}や、強さ、柔軟性、ストレッチ、バランスと協調の動き、パントマイム、そして内面と外面の経験に対する意識といった身体的な訓練を教えた^{[7] 。}

彼女は、彼女のダンスの新しい「語彙」である「人間の感情のあらゆる範囲を表現するために設計された、注意深く練られた一連のスタッカート姿勢とリラックスしたジェスチャー」をマーサ・グラハムに帰した。^[3]彼女は言った。

マーサは語彙を練り、私は特にスタニスラフスキーのスタイルに沿ってドラマのアイデアを加えました。いわば、ジェスチャーは言葉です。私たちは言葉を文章にし、それを使って物語を語り、音楽を加えて作品を作り上げます。^[3]

しかし、ダンス史家のレスターは、「彼女がグラハムに師事した当時（1927年～1928年）には『テクニック』は存在せず、グラハムは自身の創造的な旅に乗り出したばかりだった」と指摘している。^[6]

バーは、クラシックバレエのポーズや脚の動き^[36]やフォークダンス^[1]など、さまざまなダンスの伝統を振り付けに取り入れました。また、日常的な動き^[37]や体操も取り入れました。^[33]伝えたいコンセプトに応じて、ダンサーは体の全部または一部を一箇所で動かしたり、^[36]姿勢を保ったり、^{[36] [33]}歩いたり、走ったり、ジャンプしたり、足を引きずったり、這ったりしながら舞台を移動したりしました。^[36]頭、腕、上半身のジェスチャーは、コミュニケーションや感情を意味しました。^[36]持ち上げたり、バランスをとったり、高さを出すための小道具を使ったりすることは、対立、^[36]支配、^{[38] [39]}または祝賀を意味しました。^[36]評論家が指摘したように、バーにとって「モダンダンスは常に何かについてである」^[37]、そして彼女の振り付けは「動きが自由でありながら、すべての動きに意味を与えている」^{[40]ものでした。}

いくつかの作品にはデュエットやデュエットが含まれているが、^{[41] [42]}バーの振付のほとんどはグループで行われた。^{[1] [36]}時には2つ以上のグループがセットの異なる部分で異なる活動を行っていた。^[43]バーの舞台装置と小道具は最小限で^{[44] [45]}、プラットフォーム^[36]、ベンチ^{[46] [47]}、椅子^{[38] [48]}、はしご^[35]などがあり、すべて高さを生み出している。プラスチックは雪^[36]、緑の布は水[46] を表している。^ロープ[ 36 ^{] [49]} 、体操用のフープ^{[33] [50]}などの管状のもの^{[51] 、}金属の棒やワイヤー^[49]、金属、木材、その他の材料でできたフレームは建物や山を表している。^{[48] [36] [52]}

衣装は、ユニタード^[36]やシンプルなラインのゆったりとしたガウン^{[43]から、}着物^[36]や中米の衣装^[53]などの伝統衣装、コート、ベスト、ネクタイ、ヘルメット、水着、1950年代のブラウスとフルスカート^[1]などの適切な時代や職業上の服装まで多岐にわたりました。それらはグループのメンバーによって発見されたり作られたりしました。^{[33] [44]}日傘、扇子、マスク^[36]、旗^[36] 、楽器^[8]、[35]銃やヘルメット^{[8] [35]}などのアクセサリーも使用されました。

1950年代後半から、バーは作品に音楽や動きだけでなく、話し言葉も取り入れるという「大胆なステップ」^{[37]を踏み出した。ある批評家はこれを「声と視覚のパートナーシップ」と表現し、 [54} ] 「動きが先だったが、詩人や哲学者の作品や概念に取り組むにつれて、バーが伝えたいことがどんどん増えていくにつれて、言葉を加えざるを得なくなった」と説明した。^[54]

バーは、人としても教師としても、「威圧的で妥協を許さない...個人的なスタイルは率直で非常に実直であり、バーのクラスは最も厳しく、持久力の厳しい達成であり続けています。」と評された。 ^[33]彼女は、他の振付師と協力するには「あまりにも利己的」であると表現した。^{[54] [55]}

バーの作品の範囲は「一見無限」と評されている。^[5]シドニー・モーニング・ヘラルド紙の死亡記事には「マハトマ・ガンジーやマーガレット・ミードの作品、干ばつ、メルボルン・カップなど、多様なテーマ」が取り上げられている。^[2]彼女のダンス・ドラマには「彼女の社会意識を表現した」幅広いテーマがいくつか見受けられる。^{[4]オーストラリアの環境、人々、歴史、 [4] [5]}あるいは「オーストラリア人の生活態度の文化的表現」^[56]強い女性^[4]政治問題[ ^5]反戦作品[ ^{4]などである。彼女はまた、絵画[20]}や詩、その他の文学作品から作品のインスピレーションを得ることもあった。 ^{[5] [57] [54]}多くの作品は複数のテーマを探求し、複数のインスピレーションを得ていた。

1950年代の評論家は、バーが「オーストラリア人の登場人物の創造と、オーストラリア人の生活のさまざまな側面を劇的な形で表現することに真剣に、そしてかなりの能力で取り組んでいる」と評した。^[58]これらのテーマには、オーストラリアの環境と天候、歴史的出来事、オーストラリアとさまざまな民族との関係などが含まれていた。^[5]

• オーストラリア組曲[ ^4]は主に自然現象に焦点を当てており、以下のものから構成されています。

1955年の映画「洪水」ではロイ・アグニューの音楽が使われ^{[4] [7] [59]}、「劇的なグループ分け、照明、動きが緊張感とシンプルさで強烈な印象を与えた」[ ^40]。

ブッシュファイア（1955年）は、ダグ・ウィレンの音楽付きで、^{[4] [7]}「厳しい…[最後のシーン]では、焼け落ちた家が隣人たちの友情に満ちた生きる喜びの中で再建される」^[37]。

1958年の映画「干ばつの打破」では、オーストラリアの作曲家アーノルド・ブッチャーの音楽が使われ、^{[4] [7] [45]}、環境とアボリジニと白人オーストラリア人の関係というテーマが組み合わされ、^[7]「砂漠の水場をめぐる白人と黒人の闘争の物語」が描かれている。 ^[58]「燃える平原を旋風が渦巻く。カンガルー、鳥、トカゲが通り過ぎ、アウトバックの容赦ない干ばつを最も効果的に想起させる。」^[60]

• クイーンズランドからの追伸（1958年）^[56]「面白くて楽しい」^{[61] は、}セルゲイ・プロコフィエフの曲に付けられ、カランビン鳥類保護区への訪問を描写している。^[62]その中で、ダンサーたちは「ハチドリ、インコ、青ネギ、兵隊鳥、キバタン、セキセイインコ、カワセミに扮し、急降下したり、叫んだり、急降下して訪問者が差し出した餌を取ったりして、見る者の興味を惹きつけ、夢中にさせる。」^[47]
• 『スノーウィー!』 （1961年）はスノーウィー山脈の風景を描き、^[43]スノーウィー山脈水力発電計画で働く労働者たちが仕事や遊びをする様子を描いた。^{[46] [63] [64]}音楽はジョン・アンティルが作曲し、^{[65] [46] [63]}当初はピアノのみであった。^{[65] [46] [66] 『} スノーウィー!』は2度映画化されている。最初は1961年、舞台版がオーストラリア放送協会によって撮影された（このバージョンは1961年10月4日水曜日にABCで放送された） [ ^{67] 。 [68]}そして再び1962年のイースターに、1962年のイタリア賞への出品作として、^[5]このコンクールのルール（プロのダンサーが必要で、制限時間は30分）に準拠したバージョンが制作された。^[1] 2番目のバージョンは1963年5月8日にABCテレビで放映されました。^{[67] [69]}アンティルはスコアをオーケストラ化し^[65]、主に金管楽器と打楽器の11の楽器に編曲し^{[66] 、}シドニー交響楽団によって録音され、^{[66] [1]}アンティル自身が指揮しました。^[67] 1962年のテレビバージョンには、モナ・ブランドの詩が含まれ、レナード・ティールが朗読しました。^{[63] [1]}
• 1963年までに上演された『雨の到来』 ^{[35] [70]}には、オーストラリアの作曲家ローリー・ハガティの音楽が添えられており、^[71]「ダンサーの身体に染み付いた大地の血の祝福」^[71]と「生き生きとした感情とシンプルで独創的な動きを示す叙情的なパ・ド・ドゥ」^{[35]が含まれていた。}
• 1963年までにジョン・アンティルの音楽による「オーストラリアン・シーン」が発表された。 ^[45]「ダンサーたちは、装飾や舞台装置を一切使わずに、浸食され干ばつに見舞われた風景を思い起こさせた。裸の平原に枝を広げた一本の木のシンボルを形成する大勢のダンサーの集団は、独創的な作品だった。木のてっぺん、つまりダンサーが支えられていたが、それが打ち落とされる。木は枯れ、縮み、変形した悲劇的な彫刻のシンボルに成り下がる。」^[45]
• 探検家たち（1963年）^[3]は「オーストラリアに初期の探検家たちが到着し、未知の世界を探索する一方、シドニーのゲイの入植者たちは内陸部で起きている悲劇に全く気づかずに暮らしていた様子を描いている。ミス・バーは再び、この2つのテーマを舞台上や講堂で同時に踊ることで、強いコントラストを生み出した。」^{[43]パトリック・ホワイトの小説『}ヴォス』からインスピレーションを受け、ローリー・ハガティが音楽を手がけた。^{[48] [45]}
• 11月の第1火曜日、午後2時43分、メルボルン（1967年）^[32] 、音楽はローリー・ハガティ、^{[48] 「}メルボルン・カップが大衆に及ぼすユーモアとばかげた影響力を、情熱と鋭い観察眼で詳細に捉えている。」 ^[48]
• ワイルド・コロニアル・ボーイ（1987年）^{[53] [72]}「セシル・グリヴァスが歌う音楽によるブラック風刺劇」^[72]「心のこもった冗談の裏に、何か真剣なことを伝えているドタバタ劇のラフカット」^[53]

オーストラリアの元々の住民、非アボリジニの人々^[4]と第二次世界大戦後の移民^[58]との間の紛争と和解に焦点を当てた他の研究には以下が含まれる。

• 『フェンス』（1953年）^{[7] [73] [40]}「かなり成功した作品」^[73]「移民に対してオーストラリア人の心の中に存在する障壁を描いた作品」^[58]あるいは「自信に満ちた傲慢なオーストラリア人と、黒いショールをかぶったためらいがちな新生オーストラリア人との間の障壁を描いた作品」^[37]
• 『Thr​​ee Households』（1959年）^[4]はオーストラリアの作曲家ブルース・ヘムブロウの音楽で、「人種差別とオーストラリアの田舎町『リトルロックス』」を描いている。^[23]
• 『我らの息子、我らの娘』（1960年）^[4] 、ブルース・ヘムブロー作曲・詩^[74] 、 「モンタギュー家とキャピュレット家の古典的悲劇を想起させる。[その悲劇の]テーマは『新しい世代には必ず反抗的な世代がいる』である。…この想像力豊かな作品の中で最も満足感を与えたのは、2つのラブダンスである。1つ目は恋人を見つけるための試行錯誤的なダンスで、2つ目は恋人を肯定する優しく情熱的なダンスである。2人のダンサーはこれらをよく理解し、美しく表現した。」^[31]
• オーストラリアの作曲家クライヴ・ダグラスの交響曲第11番「ナマジラ」に合わせて作曲された「人物のいる風景」（1967年）は、白人のオーストラリア侵略がアボリジニに与えた影響について探求した。^{[48] [38]集落の建設は、}ローレンス・ドーズの絵画に触発された赤い屋根の木材の家によって象徴された。^[48]この作品はさまざまな反応を引き起こしたが、ある評論家は「ミス・バーがこの主題に対して鋭い切り口で突き刺した衝撃は壊滅的だった。土地と人々を徐々に略奪していくという挑発的な真実が緊張感をもって描かれていた。… 一人のダンサーが、二人の女性が掲げた槍の下で後ろに倒れ込むという、感動的な瞬間がアボリジニ三人組によって美しく表現された。白人の生き物たちは彼らと向かい合って一列に立ち、彼らを支配し、褐色の体は制御された心理的圧力に屈して傾き、倒れた。この点は、駅のセクションの終わりに、原住民の女性が足元灯を横切って膝をつき、両腕にゴミ箱を抱えて後退したときに強調された。駅の女主人は、ビクトリア朝の椅子に座り、彼女の上空に立って、完全な崩壊の象徴である酒瓶を、あざけりながら優雅に決定的にゴミ箱に捨てた」と評した。^[38]しかし、別の評論家は、そのシーンがあまりにも明白であり、^[48]「不穏な微妙さ」は感動的というよりは喜劇的であると感じた。^[48]
• 『カトゥーンバの三人姉妹』（1975年）^{[4] 「}カトゥーンバの回転レストラン（不快な！）を舞台にした観光客に対する面白いパロディ」^[75]「古代の自然の素晴らしさとアボリジニの民間伝承を背景に、この山間の町のプラスチック観光を風刺している」^{[76] 。}
• 『エイド・メモワール1788 1888 1988』（1988年）は、イギリスによるオーストラリア植民地化後の200年間にわたるアボリジニの福祉に関する法律を描写している。^[77]

バーの作品に繰り返し登場するもう一つのテーマは、強い女性の描写である。^[4]

• 植民地時代の肖像画（1957年）^[37]は、エルガーの音楽^{[47] [62]}に合わせて、 19世紀オーストラリアの3人の女性の生涯を描いたものである。^[58] デイジー・ベイツは「悲劇的で孤独」で、^[47]長年アボリジニの人々と共に働いた^{[47] [78]}ベントレー夫人^[70]は、ユーレカ反乱のホテル経営者の妻であり、^[78]メアリー・マクロード・シャナハン^{[62] [70]は、}バララット金鉱の鉱夫の妻で、（この作品で）ユーレカ旗を作った。^[78]この作品は、ダンスと音楽を言葉と組み合わせ、^[70]「説得力があり想像力豊かに、これら3人の女性の異なる性質を呼び起こす」。
• 1964年の『ドローヴァーの妻のバラード』^{[47] [62]}は、オーストラリアの作曲家ジョン・ゴードンの音楽付きで、^[78]ヘンリー・ローソンの短編小説とラッセル・ドライスデールの同名の絵画にインスピレーションを得たものである。^[78]ある評論家はこれを「独創的でダイナミック、そして最も面白い」と評した。^[62]その評論家にとって、これは「[1964年]の方が、1965年に上演された若干改変されたバージョンよりも説得力があり鮮明だった」^[79]が、1965年の別の評論では「観客が最も楽しんだ作品だった。毛刈り、酩酊、愛、仲間の喪失、そして孤独の物語を、シンプルかつしばしば優しい方法で語った」と評された。^[80]
• フルール・ド・リス（1970年まで）^{[81]では、}アリエノール・ド・アキテーヌ、ジョルジュ・サンド、マリー・キュリーの生涯を紹介しています。^[81]
• CBEを受勲した貴婦人の肖像（1971年）^[5]「デイジー・ベイツの日記の抜粋とアボリジニ音楽の伴奏による、やや風変わりなデイジー・ベイツの姿。」^[82]
• ジュディス・ライト ― オーストラリアの詩人（1974年）は、ジュディス・ライトの26の詩に曲をつけたもの。 ^{[57] [54]}ライトの祖先、アボリジニ文化、戦争、汚染などのテーマを描いている。^[83] 1981年、バーが生徒たちとこの作品のリハーサルをしている様子を映した40分の映画が、元生徒のロイス・エリスによって制作された。^{[5] [52]}
• 1975年の『ポルトガル人の新しいソネット』 ^{[4] [76] [57] [84]}はギターとカスタネットを取り入れた音楽で、^{[75] はマリア・}イザベル・バレノ、マリア・テレサ・オルタ、マリア・ヴェーリョ・ダ・コスタの三人のマリアが書いた『ポルトガルの新しい手紙』に基づいている。^{[76] [57]}この舞踊劇は「女性の性的魅力の否定、女性の家庭への拘束、出産と夫の扶養、ポルトガル刑法の二重の道徳基準を扱っている」。^[76]ある評論家は「がっかりした…動きは、それが設定された言葉ほど力強くなかった。確かに、このバレエの基盤は…女性差別の内容を考えると、他のどんな表現方法も圧倒してしまうだろう。しかし、私はマーガレット・バーが不可能を可能にすることに慣れている」と評した。^[84]
• クライマーズ（1976年）^{[36] 「} 1975年の日本人女性によるエベレスト登頂から引き出された、女性解放のための国際的な闘争に関する寓話」^[85]は、アラン・ホヴァネスによって音楽が付けられました。^[36]同時代の評論家は、この作品を「驚くほど効果的で、独創的なセットが使われています。テーマの興味深い象徴性がグラフィックで表現されています」と評しました。^[86]このダンスの29分間の映画は、監督のロザリンド・ギレスピー^[85]（以前はバーにダンスを習っていました）によって制作され、^{[36]撮影は}マーサ・アンサラが担当しました。^{[36] 1980年、}クライマーズの映画は第16回シカゴ国際ダンス映画祭で銀賞を獲得しました。^[36]
• キャサリン・マンスフィールド 1888–1923 (1978) ^{[5] [87]}ジョーン・スコットによる脚本で、ダンサーと俳優、女優がパフォーマンス中にその台詞を朗読した。^[87] 2人のダンサーが同時にマンスフィールドを演じた。「キャサリン・マンスフィールドは、自分自身について複数の人物として語っていたことがある」^[87]
• マーガレット・ミード（1979年）は、ミードの著作に基づいてレスマ・スターマーが脚本を書いた。^[54]
• 『山を登る女たち』（1981年）は、元生徒のロイス・エリスとの共同制作で、特に映画化のために制作された。^{[52] [88]}エリスは、登山のテーマがバーの作品における努力の称賛を象徴していると感じた。^[52]このダンスドラマで登る山の物理的な形は、ビクトリア国立美術館にあるヘンリー・ムーアの彫刻『座る女性』の形に基づいている。^[52]
• プエブロ・デ・マイズ（1987年）は、リゴベルタ・メンチュウの生涯に基づいて、グアテマラの文化と抑圧を描いた。^[53]脚本はジョーン・スコットが共同執筆し、音楽はエルサルバドルのリカルド・アンディーノが作曲した。^{[53] [72]}シドニー・モーニング・ヘラルドの評論家は、コンセプト、オリジナルの歌と音楽、本格的な衣装にもかかわらず、中心役のダンサーに迫力が欠けており、「村の生活の場面は喜びと悲劇が交互に現れ、それらをまとめる単一の強力なパフォーマンスの核がないまま進む」と感じた。^[53]

• 『三人の女』（1941年、1930年代の『三人姉妹』から改訂）^{[89] [90]}ルッブラの音楽付き。「戦争の状況に対する辛辣な批評」^{[61] 「『三人の女』のグループ分けと照明は、}ドーミエの作品のグラフィックな告発から、レンブラントの作品の豊かな暗黒と輝くハイライトまで多岐にわたりました。」^[91]
• 1943年の『プロセッションズ』 ^[8]は、1960年のある評論家によって「おそらく振付師の最も力強い作品」と評された。^[74]この作品は3つの部分から成っていた。「『カーニバル』は、社会的、政治的態度の変化を反映するために何年もかけて作り直された。『夜に』[夜の間に]は、ヴァイオリンを弾く女性がヘルメットをかぶった兵士に襲われるという反戦のメッセージ[…]であり、そして『メーデー』[…]は調和のとれた動きで若者を祝うもの[…]」^[8] 。 1960年の上演では、最後の部分が「ディラン・トーマスの詩『明日を踏みしめる』と『星を身振りで示す子供たち』を解釈した交響的振付の例」に変更された。^[74]
• 『マザーズ』（1956年）^[59]は「5つの美しく演出された楽章で構成されており、その刺激的なグループは、人生の過程の5つの段階における母と子のテーマを表現している。すべての段階が戦争の鼓動に脅かされている。」^[92]
• ヴィラ＝ロボスの音楽による『小さな人々』（1966年）^{[4] [35] [93]は}、 「アメリカの介入に抵抗するベトナム国民への支持を最も効果的かつ芸術的に表現した^作品である。ミス・バーとダンサーたちは、ベトナム人の慣習と国家の尊厳に対する攻撃を、生々しく感動的に表現した。バレエの最後のシークエンス（「我々はあなたたち、大きな人々と対峙し、警戒している」）では、ベトナム人が有刺鉄線に絡まりながらも反抗的な抵抗を続けている様子が描かれている。」^[93]ある場面では、「音楽」が兵士と戦うデュエットが取り上げられており、^[41]ある評論家は「[この]デュエットのパターンは...非常に独創的で...感動的だった。「音楽」の死は、銃を持った男が死体を舞台の広い幅いっぱいに何度も蹴り、転がさなければならなくなるまで、心を打つものだった。」と評した。^[41] 1973年の公演を見た別の評論家は、「バイオリンの弓とショットガンの決闘は、ドラマチックで、持続性、デザイン、照明が優れていた」と書いている。 ^[35]「『メコンデルタ』は、ベトナムの農民の平和と壊滅的な戦争を巧みに対比させているが、過剰な繰り返しと余裕で拡大している。」^[70]「調和がとれており、ヴィラ・ロボスの音楽によく合っており、愛の二重唱には記憶に残る美しさがある。」^[42]

1967年、『小さな人々』がデビューした翌年、バーはモナ・ブランドとパット・バーネットと共演し、『オン・ステージ・ベトナム』を制作した。これは「事実の演劇」で、「映画、スライド、ドラマ、フォークソング、レビュー風スケッチ、ダンスドラマ」で構成されていた。 ^[94]ブレティン誌の評論家は「マーガレット・バーの振付が際立っている」と書いている。^[95]別の評論家は「ハイライトの1つは、ダンス形式でのディエンビエンフーの戦いの[バーの]想像力豊かな解釈だ」と書いている。^[94]

• ハードラーズ（1969年）^{[4] [50] [96]}は「戦争と徴兵、そして従わない者への嫌がらせを象徴的に描いた作品」^[75]。この作品は1969年のオーストラリア・バレエ団の振付コンクールで初演された。^[50] シドニー・モーニング・ヘラルド紙のダンス評論家ベス・ディーンは「またしても[バーの]劇場のインパクトに対するタイミング感覚は間違っていた。冒頭の映像はそれ自体は素晴らしいのだが、あまりにも長すぎて、従順なダンサーたちがどれだけ長くジムのリングにしがみついていられるのかと疑問に思うようになった…盲人の白い棒で無防備なカップルを殴る群衆の奇妙で醜悪なシーンが続く…バーの作品に常に繰り返されるテーマは、虐げられた者の正当性が証明されるということだ」と評した。^[50]ザ・ブレティンの評論家は、この作品におけるバーの作品を他の地域のモダンダンスの発展と比較した。「ニューヨークでは、振付は年々熱狂的になっている。『ザ・ハードラーズ』でバーは、ダンサーが宙に浮いたままステージ上に留まる長いパッセージという静止状態の可能性を探求している。」^[33]
• マハトマ・ガンジーの一日（1982年）^[39]は「ガンジーの生涯にインドを危機に陥れた対照的な感情を伝えている。すなわち、インド人の埃、貧困、絶望と、（比較的）イギリス領時代の独裁的で余裕のある贅沢さ」^[39]である。シドニー・モーニング・ヘラルドの評論家は「彼女の最も印象的なタブローの一つは、イギリス人女性が高所から群衆を観察する様子を描いたもので、文字通り、護衛の肩の上で彫像のようなポーズをとっている」と評した^[39] 。しかし、その評論家は、作品では言葉が動きを支配し、全体として「かなり大ざっぱなドキュメンタリー」であると感じた^{[39] 。}
• O Padre（1984）^{[4] [97]}では、司祭と修道女の解放神学への取り組みに対するカトリック教会の反応を調査しました。^[97]
• 『ザ・ドクター』（1989年）は、スペインと中国の戦場に血液銀行を派遣したカナダ人医師にインスピレーションを得た作品である。^[98]

• ブレッドライン（1929年頃）^{[5] [7] [11]}は、 「人間の苦しみと苦悩の極致」^[61]を「劇的な激しさ」^{[73]で描き、}ケーテ・コルヴィッツの19世紀ドイツの織工ストライキの絵^[61]に基づいており、ロード・バーナーズによって音楽が付けられました。^[5]最初はロンドンで開発され、1955年以降オーストラリアで復活、上演されました。^[7]
• 奇妙な子供たち（1955年）^[20]は、 「現代の子供たちの倒錯した行動の鋭い分析」と評され、^[91]「鮮やかで色彩豊かなシーケンス」^[40]で「大人が子供たちに行動と服従を強制する方法を見て」^[75]、「本物のように私たちを子供の世界に連れて行った」^[34]、エレイン・ハクストンの同名の絵画^{[7] [20] [99] [44]}に基づいており、アーノルド・ブッチャーの音楽が付けられました。^[99]
• ポリアジアン・ナーサリー・ライム（1960年）は、ポール・ゴーギャンのタヒチの絵画「タ・マテテ」 [ ^{78] [74]}に基づいているが、「日本の民謡に乗せられており、目を楽しませてくれる」作品である。 ^[31] 10人の子供たちがさまざまな運命をたどり、「凶暴なワニに食べられたり、カヌーから流されたり、ウィリーウィリーに吹き飛ばされたり、コミカルで耳障りな叫び声とともに蜂に刺されたり」する。^[47]

• ディラン・トーマスの詩に基づいたプロコフィエフの交響曲第1番の「星を身振りで示す子供たち」（1966年） ^[74]は、「美しく構想され、実行された純粋な叙情詩で、ミス・バー、そしてすべての男性が人生とはこうあるべきだと考えることを歌っているようだった。」^[93]
• 『ガルシア・ロルカへのオマージュ スペインの男と女』（1971年）は、リチャード・ミールの1964年の作曲『ガルシア・ロルカへのオマージュ』^{[100] [54]}とマヌエル・デ・ファリャの『スペインの庭の夜』 ^[29]に曲が付けられた。これはドロレス・イバルリへのオマージュでもあり、スペイン社会の様相やロルカとイバルリの人生と闘争を描いた。^[29]
• パブロ・ネルーダ（1972年）は、カール・オルフとデ・ソウザの音楽が散りばめられたネルーダの詩に合わせて演じられ、 ^[51]「興味深く、時には刺激的な演出。ユーモアと恐怖、陽気さと叙情性の瞬間がある...しかし...ダンスドラマというよりは、一連の衣装を着たタブローとして出てくる。完全に達成された瞬間もあるが、その間はがっかりするほどに価値が下がっている。」^[51]

• 好色な執行吏たち（1953年）^[43]「遊び心のある」、「楽しくて愉快な」 [ ^{73] [61]}
• ハンターズ（1955年まで）^[101]
• 1955年の初演以来の新作^{[40] [30]} 、ドホナーニ作曲^[59]
• 『航海者』 （1956年）はムソルグスキーの『展覧会の絵』に曲が付けられ、^{[30] [59] [92]}嵐や冒険への探求など、船上の生活を日常生活の象徴として描いた。^[92]
• メキシコ！（1961年）「スペインによるアステカ征服の象徴的な表現。一貫性があり、描写が繊細で、視覚的に非常に興奮した。」^[64]
• ストラヴィンスキーの音楽による『春の祭典』（1962年、初演は1946年）^{[96]は、 [34] [102]}一部の評論家を失望させた。ある評論家は「振付師のダイナミックな経歴からすると意外にも、この作品は穏やかで叙情的で田園的な雰囲気を醸し出している」とコメントし、「ストラヴィンスキーの音楽の荒々しい厳しさと途方もない活力」には及ばないと感じた。^[34]別の評論家は「振付師が興味を持ち続けるには作品が長すぎる」と感じた。^[79]その一部は別の評論家を喜ばせた。「『序論』では、効果的で刺激的な白と黒の模様の緑の衣装を着た横たわったダンサーたちが、大地の原始的な目覚めを創り出す。彼らは集団で動き、エキゾチックな植物、突き出た芽、痙攣する毛虫、そして美しく羽化する蝶になる。」^[91]
• 中世仮面劇（1965年）（音楽：エリック・グロス）^[79]とダンス・フォー・ツー・ウィズ・パーティシパンツ・アンド・オブザーバー（音楽：バルトーク）は「楽しく独創的だった。」^[79]
• 1969年までに制作された「時間の描画」 ^[96]は、フィッシャーとカスティリオーニの音楽に合わせて、進化^[35]をテーマとしている^。「緋色の梯子が空に向かって伸び、もう1つの梯子は不均等なシーソーのように下の段でバランスをとっており、類人猿と獣人戦士ホモ・エレクトスにとっては水平方向の行き止まりであることが証明された。考える人間は内省的な情熱で動き、次の一歩を踏み出すために片足を上げていた。類人猿は愚か者の楽しいゲームで人生をはしゃぎ回り、獣人人間は謎めいたゆっくりとした沼に足を踏み入れた。女性は交互に陽気に話しかけ、梯子の下で家ごっこをさせたが、ホモ・サピエンスだけがようやくメッセージを理解し、彼女を2階に連れて行った。」^[35]
• 古代の太陽の中の古代の形態（1972年）^[51]「四角、円、三角形をベースにしており、中国の子供たちは、四角は信頼でき、円は狡猾で、三角形は予測できないという観点から人を観察するように教えられているという説明文が付いています。『古代の形態』は、適切な形の3つの管状の支柱を巧みに使用して、人間の性格や関係性を巧みに表現しており、魅力的です。」^[51]
• テント（1973年）は、「家、展示場所、遠征の基地、娯楽の場、非常時の避難所、そして大使館（前年にキャンベラに設立されたアボリジニ大使館を指す）として探求され、ダンサーは「美しさ、緊張感、ドラマ性、力強さ、無力感、そして陽気さの雰囲気を醸し出す。基本的なセットは、ワイヤーの集まりから吊るされたロープで、それが変形して、セグメントの主題であるあらゆる種類のテントの輪郭を形成する」。^[49]
• 『ザ・プラティ・イーターズ』（1983年）、「アイルランドを典型的に独特な視点で描いた作品」^[55]

マーガレット・バーがオーストラリアでダンスドラマの振付とプロデュースを手掛けた約40年間、彼女は「話題になったが、必ずしも理解が深まったわけではなく、友好的でさえなかった」。^[33] 1983年のあるレビューでは、このグループは「かなり一貫して批評家の支持を得ているカンパニー」と評された。^[55]批評家の中には、天才的だと^[91] 、 「想像力豊かな振付」^[70]、「妥協のない独創的な思考」^[82]と評した者もいた。ある批評家は「クラシックバレエの振付師たちが、彼女のような衝撃的な想像力のほんの少しでも持っていたら」と願った。^[45]ダンスではなく、体操だと考えた者もいた。^[29]バー のテーマに触発された者もいた。メキシコ系アメリカ人のモダンダンサーで振付師のホセ・リモンは、1963年にオーストラリアを訪れた際にバーの作品を見た後、「あなたの作品の生命力は、広大で、残酷で、孤独な土地の特質を呼び起こします」と述べた。^[78]翌年書いた別の評論家は、「主題は陳腐で、かつては斬新だった振り付けや模倣効果に満ちており、今ではマーガレット・バーの決まり文句となっている」と考えた。^[47]ある男性評論家は、「善悪についての彼女の単純で感情的な見解や、ヒロインだけが住む世界に同意することが時々難しい」と書いた。^[82]

彼女のグループのダンサーはプロではなく、彼女のクラスの生徒だった。評論家の中には、これがパフォーマンスに悪影響を及ぼしていると考えた者もいた。「技術的熟練度も様式的発展も見込めない」^[29]ため、バーは「パートタイムのダンサーたちの技術の不十分さに悩まされ、力強さに欠けている」^[80] 。また、「非常に洗練され、統合されたアンサンブルで、運動能力の妙技が刺激的」^[70]で、「グループが精神、規律、知性を持って踊っている」^[51]と評した者もいた。ある評論家は、ダンスの技術と語彙は限られているが、「驚くほど深い感情的インパクトを与えた」^[103]と評し、別の評論家は「比較的訓練を受けていないダンサーたちと主に仕事をするマーガレット・バーは、現在オーストラリアで活動しているほとんどの振付師が実現できない方法で、動きを通してコミュニケーションを図っている」と評した。^[84]何人かの評論家は彼女の「美しく彫刻されたグループ」^[80] 、 「多様で独創的なパターン」^[42]、「空間関係のコントロール」^[33]についてコメントしましたが、「拡散的で無意味な動き」^[80]や「ミス・バーが人間の体からデザインのあらゆる可能な組み合わせを捉えようとするたゆまぬ努力に内在する危険性」に対する批判もありました。動きは流動性を失うことがあり、ダンサーが作る形は芸術的な目的に向けた動きというよりは解剖学的な実験のように見えることがあります。」^[42]

パスクは著書『オーストラリアのバレエ：第2幕、1940-1980』の中で、イサドラ・ダンカン、デニショーン・スクール、クルト・ヨースといったニューダンスの先駆者たちへの関心が高まる中、ゲルトルート・ボーデンヴィーザーやマーガレット・バーも同様の関心を集めるだろうと期待し、オーストラリア全土で彼女たちの作品が上演されることで「彼女たちの多大な個々の貢献は、このような注目に値する」と記している。^[5]

2004年、シドニーのニューサウスウェールズ大学でバー生誕100周年を記念するフェスティバルが開催され、^[8] 『クライマーズ』やバーに関するドキュメンタリーの上映、マーガレット・バー・ダンス・ドラマ・グループの元メンバーによるライブパフォーマンスが行われた。 ^[8]ある評論家は「彼女のグループのパフォーマンスを見に行くことは、生きたダンスの歴史を観察するようなものだった。テーマは現在のものだったが、動き方は別の時代のものだった」とコメントした。^{[8]この評論家は、} 『カトゥーンバの三人姉妹』や『雨の到来』などの一部の作品は「現代の観客にとってはより問題が多い」と感じたが、^{[8] 『}プロセッションズ』 、『ヘブリディアン・スイート』、『オーストラリアの詩人ジュディス・ライト』などの他の作品は依然として効果的で感動的だった。ダンサーのダイアン・ワイルダーが演じる「マーガレット・バー：ヘブリディアン・スイート」というドキュメンタリーが、2007年にABCテレビのサンデー・アーツ番組で放送され、2008年に再放送された。^{[104] [105]}

バーのダンス・ドラマ・グループの影響や、1959年から1975年までの17年間に渡って国立演劇学校で動きと即興を教えたことについては、さまざまな意見が述べられてきた。彼女のグループのメンバーの中には、さらにダンスを学んだ者もいる。ニュージーランド人のジュリエット・フィッシャーは^[23]、ニューヨークでマーサ・グラハムに師事する奨学金を獲得し^[25]、後にロンドン・コンテンポラリー・ダンス・スクールに入学した。^{[106] [107]}そして、マレーシア生まれのダンサーで1976年にシドニーでワン・エクストラ・ダンス・シアターを設立したカイ・タイ・チャンは^{[2] [108]。} 1968年に国立演劇大学を卒業した演出家で評論家のレックス・クランプホーン^[109]は、 「[バーの]作品や手法がシドニーの演劇に影響を与えたという証拠はほとんどない」と見ている。^[29]演劇評論家のケヴォン・ケンプは、「NIDAの学生は皆、素晴らしいミス・バーのもとで動きの意味を探求しており、彼女の世界クラスの指導のおかげで、コース修了後、若い俳優や女優は芸術の身体的側面を熟知して成長しています。…才能豊かで熱心な動きの講師によるトレーニングにより、ダンサー兼俳優として際立った意味のある表現を数多く達成することができます。」と書いています。 ^[34]芸術評議会の演劇講師で、ザ・ブレティンの寄稿者であるリード・ダグラスは、バーによる実験と革新が数年後に他の振付師によって採用されたと述べています。^[5]

• 1961年 -スノーウィー! : 舞台版、オーストラリア放送協会により撮影、1961年10月4日水曜日にABCで放送。^{[67] [68]}
• 1962年 -スノーウィー! :イタリア賞出品作、30分、1963年5月8日にABCテレビで放映。^{[5] [1] [67] [69]}
• 1972年 —デイジー・ベイツ: ABC向けに制作された30分エピソード4話のシリーズ。1972年4月から6月にかけて4回の日曜夜に放映された。^[110]脚本はジェームズ・チューリップ、プロデューサーはロバート・オルナット、美術はガイ・グレイ・スミス、歌はローリス・エルムズ、振付と語りはマーガレット・バー、ダンスはクリスティン・カレン、作曲はダイアナ・ブロム。^{[110] [111] [112]}
• 1977年 —対話：監督ロザリンド・ギレスピー、ダンサーディードレ・スコルフィールドとリンゼイ・アンダーソン。^[113]
• 1980年クライマーズ：第16回シカゴ国際ダンス映画祭で銀賞受賞。29分。監督：ロザリンド・ギレスピー、撮影：マーサ・アンサラ。^{[85] [36]}
• 1981年 —ジュディス・ライト — オーストラリアの詩人：バーがダンス・ドラマグループのリハーサルをしている様子。40分。元生徒のロイス・エリスがビクトリア州教育省のために制作^。 [ ^5]
• 1981年 -女性登山家たち：ロイス・エリスとの共同制作で、映画化のために特別に制作された。^{[52] [88]}
• 1982年 -マハトマ・ガンジーの一日：ロイス・エリスが企画し、この舞踊劇のためにインドで行ったバールの調査、その上演、そしてバールの振付に与えた影響を記録する。^[88]