日本の木版画

日本の木版画（もくはんが）は、一枚ものの浮世絵^[1]の芸術ジャンルで使用される技法として最もよく知られていますが、同時期には書籍の印刷にも使用されていました。木版画は中国の唐の時代に発明され、江戸時代（1603–1868）に日本で広く採用されました。西洋の版画における木版画に似ている点もありますが、画像だけでなくテキストにも広く使用されていました。日本の木版画技法は、一般的に油性インクを使用する西洋の木版画とは対照的に、水性インクを使用するという点で異なります。日本の水性インクは、鮮やかな色、光沢、透明感を幅広く提供します。

木版印刷は唐の時代に中国で発明され、700年代後半に日本に伝わり、外国の文献を複製するために初めて使用されました。^[2] 764年、孝謙天皇は100万基の小さな木造塔を建立し、それぞれの塔には仏教の経文（百万塔陀羅尼）が印刷された小さな木版画の巻物が収められました。これらは764年の恵美の乱鎮圧への感謝として全国の寺院に配られました。これらは日本で知られている、または文書化されている木版印刷の最古の例です。^[3]

11世紀までに、日本の仏教寺院は経典、曼荼羅、その他の仏教のテキストや画像などの印刷本を制作しました。何世紀にもわたって、印刷は主に仏教の領域に限定されていました。大量生産するには費用がかかりすぎ、市場として受容的で教養のある大衆がいなかったためです。しかし、平安時代後期（12世紀）の重要な扇子には絵画や仏典が含まれており、絵の具が失われていることから、絵画の下絵が木版で印刷されていたことがわかります。^{[4] 12世紀から13世紀の}鎌倉時代には、京都と鎌倉の仏教寺院で木版印刷による書籍が多数印刷・出版されました。^[3]

西洋式の活版 印刷機は1590年に天正遣欧少年使節によって日本にもたらされ、1591年に長崎の上総で初めて印刷に使用された。しかし、 1614年の禁教令により西洋式の活版印刷機の使用は中止された。 ^{[3] [5] 1593年に}豊臣秀吉の軍によって朝鮮から押収された活版印刷機も、ヨーロッパからの印刷機と同時期に使用されていた。 1598年には後陽成天皇の命により、朝鮮の活版印刷機を使用して儒教の『論語』が印刷された。^{[3] [6]}

徳川家康は京都の圓光寺に印刷所を設け、1599年から金属活字に代えて国産の木製活字印刷機で本の出版を始めた。家康は10万本の活字の製作を監督し、多くの政治書や歴史書の印刷に使用された。1605年には国産の銅活字印刷機による本の出版が始まったが、1616年に家康が死去した後は銅活字は主流とはならなかった。^[3]

活版印刷機を美術書の制作に応用し、一般消費者向けに大量生産を始めた先駆者は、本阿弥光悦と角倉素庵である。京都嵯峨の工房で、この二人は日本の古典のテキストと画像の木版画を数多く制作し、基本的には絵巻物を印刷本に変換し、より広く消費されるよう複製した。現在では光悦本、角倉本、嵯峨本（嵯峨本）として知られるこれらの本は、これらの古典物語の多くを印刷した最初の、そして最も優れた複製であると考えられており、1608年に印刷された『伊勢物語』は特に有名である。^[7]嵯峨本の書体は、美的理由から、伝統的な手書きの本と同様に、滑らかな筆致でいくつかの文字が連続して書かれた連面体（ja）が採用された。その結果、2～4個の行書体と草書体の漢字やひらがなを組み合わせて1つの書体が作られることもあった。ある書物では2,100個の文字が作られたが、そのうち16%は一度しか使われなかった。^{[8] [9] [10]}

しかし活版印刷の魅力にもかかわらず、職人たちはすぐに、日本語の行書体や草書体は木版を使って再現する方がよいと判断した。1640年までに木版はほぼすべての目的で再び使用されるようになった。^{[11] 1640年代以降、活版印刷は衰退し、}江戸時代のほとんどの間、書籍は従来の木版印刷によって大量生産された。^{[3] [12]}

江戸時代に木版画が大量生産されたのは、当時の日本人の識字率が高かったためである。江戸時代の日本人の識字率は、武士階級ではほぼ100％、町人・農民階級では寺子屋の普及により50％から60％であった。江戸には600軒以上の貸本屋があり、様々なジャンルの木版画本を貸し出していた。嵯峨本は高価な紙に印刷され、様々な装飾が施され、特に少数の文学愛好家向けに印刷されていたが、江戸の他の印刷業者は、従来の木版画をすぐに取り入れ、より一般的な消費向けに、より安価な大量生産の本を生産するようになった。その内容は、旅行ガイド、園芸書、料理本、黄表紙、洒落本、国経本、人情本、読本、草双紙、美術書、歌舞伎・浄瑠璃の台本など多岐にわたりました。この時代のベストセラーは『好色』でした。井原西鶴の『一代男』、滝沢馬琴の『南総里見八犬伝』、十返舎一九の『東海道中膝栗毛』があり、これらの本は何度も重版されました。^{[3] [13] [14] [15] [16]}

17世紀から19世紀にかけて、世俗的な題材を描いた浮世絵が庶民の間で大流行し、大量生産された。浮世絵は歌舞伎役者や力士、美人画、観光地の風景、歴史物語などを題材としており、葛飾北斎や広重などが代表的な絵師である。18世紀には鈴木春信が錦絵と呼ばれる多色刷りの木版画の技法を確立し、浮世絵などの日本の木版画文化を大きく発展させた。浮世絵はヨーロッパのジャポニスムや印象派に影響を与えた。^{[3] [13]} 芳年は最後の浮世絵師と呼ばれ、その残酷描写や幻想的な表現は後の日本文学やアニメにも影響を与えた。^{[17] [18]}当時の浮世絵の値段は1枚20文程度、蕎麦一杯の値段は16文であったため、現在の貨幣価値に換算すると数百円から1000円程度であった。^[19]

多くの出版社が生まれ、成長し、書籍と一枚刷りの版画の両方を出版した。最も有名で成功した出版社の 1 つが蔦屋書店である。特定のテキストや画像を印刷するために使用された物理的な木版を出版社が所有することは、当時存在していた「著作権」の概念に最も近いものであった。出版社や個人は木版を互いに購入して、特定のテキストの制作を引き継ぐことはできたが、特定の木版セット (つまり特定の主題の非常に特殊な表現) の所有権以外には、アイデアの所有権という法的概念はなかった。演劇は競合する劇場によって採用され、大量に複製されるか、個々のプロット要素やキャラクターが翻案されることがあった。この活動は当時合法かつ日常的なものと考えられていた。^[20]

浮世絵が衰退し、近代的な印刷技術が導入された後も、木版画は、浮世絵のような伝統的な様式と、現代美術と解釈される可能性のあるより急進的または西洋的な様々な形態の両方において、テキストを印刷する手段として、また芸術を制作する手段として存続した。20世紀初頭には、浮世絵の伝統と西洋絵画の技法を融合させた新版画が人気を博し、川瀬巴水や吉田博の作品が国際的に人気を博した。^{[21] [22]}「アダチ版画研究所」や「竹笹堂」などの研究所は、過去と同じ材料と方法で浮世絵版画を制作し続けている。^{[23] [24]}

近代化の時代に入ると、日本では木版画、すなわち版画が復活した。1858年に広重が死去すると、浮世絵は事実上消滅した。浮世絵の最後の代表作は橋口五葉の作品で、その写実性と造形的な描写には西洋の影響がはっきりと見て取れる。20世紀に入ると、版画の芸術家たちは、より近代日本の趣味に即したスタイルへと進化した。その最初の代表者の一人は、 19世紀イギリスの水彩画に影響を受けた風景画の作者、吉田博である。1918年には、伝統的な日本画と新しい西洋の美学を融合させた芸術家の集団である日本創作版画協会が設立された。会員の中で著名なのは、恩地孝四郎、平塚運一、棟方志功である。平塚はワシリー・カンディンスキーの影響を受け、抽象彫刻を初めて制作した。そのスタイルは、柔らかな色調の色彩と叙情性、想像力において明らかに東洋的であった。平塚は技法と題材の選択においてより伝統的で、白黒のモノクロームを好み、仏教から風景、民衆の情景まで幅広いテーマを描き、伝統的な手法と現代的な効果を融合させた。棟方は、紛れもない個性を持った独創的で個人的な表現力豊かな作品で知られた。彼もまた仏教のテーマに焦点を当て、概してモノクロームであったが、自由で気楽なスタイルで、無造作な外見でありながら非常に生命力にあふれていた。^[25]

テキストと画像の印刷技術は、一般的には似ていました。明らかな違いは、テキストを扱う場合の印刷量 (1 つの作品に多数のページ) と、一部の画像における複数の色の複雑さです。書籍の画像はほぼ常にモノクロ (黒インクのみ) で、アート プリントもモノクロか、2 色または 3 色のみで印刷されていた時期もありました。

文字や絵は、まず雁皮と呼ばれる薄い和紙に描かれ、次に表面を下にして、通常は滑らかな桜の木の板に接着されます。絵の線を目立たせるために油が使用されることもあります。線や領域の両側に切り込みが入れられます。次に、描画の輪郭に基づいて木が削り取られます。版木に筆でインクを塗り、次にバレンと呼ばれる平らな手持ちの道具で紙を木版に押し当ててインクを紙に塗ります。伝統的なバレンには 3 つの部分があります。竹の葉を様々な太さのロープに撚り合わせた芯の部分で、こうしてできた結節が最終的に印刷物に圧力をかけます。このコイルは「当て紙」と呼ばれる円盤の中に収められています。当て紙は、非常に薄い紙を何層にも重ねて接着し、湿らせた竹の葉で包んだもので、その両端を結んで持ち手を作ります。現代の版画家はこの道具を採用しており、今日では圧力をかけるためのボールベアリングを備えたアルミニウム製のバレンや、より安価なプラスチック製のバレンが使用されています。

最初の版画は、単純な 1 色 (墨摺絵) で、追加の色は手で塗られました (かっぱ摺絵)。版木に刻まれた「見当」と呼ばれる 2 つの位置合わせマークの開発は、前のインク層の上に正確に塗らなければならない複数の色の導入に特に役立ちました。印刷する紙を見当に置き、木版の上に下ろします。

テキストは、本の画像と同様に、ほぼ常にモノクロでしたが、浮世絵の人気の高まりとともに、ますます多くの色数と複雑な技法が求められるようになりました。この発展の段階は次のとおりです。

• 墨摺絵（墨摺り絵） - 黒のインクのみを使用したモノクロ印刷
• 紅絵（べにえ）—通常ピンク色で印刷されたモノクロームの版画^[26]
• 紅摺絵（紅摺り絵、「深紅の印刷された写真」） - 印刷プロセスの後に手作業で追加された赤いインクの詳細またはハイライト。緑色も使われることもありました
• 丹絵（たんえ） —タンと呼ばれる赤い顔料を使ったオレンジ色のハイライト
• 藍摺り絵、紫絵、および黒インクに加えて、または黒インクの代わりに単色を使用したその他のスタイル
• 漆絵—糊を使ってインクを濃くし、画像を際立たせる手法。印刷者は、画像をさらに強調するために、金、雲母、その他の物質を使用することが多かった。漆絵は、塗料の代わりにラッカーを使用した絵画を指すこともある。印刷物にラッカーが使用されることはほとんどありませんでした。
• 錦絵(にしきえ) — 複雑で精緻な画像を実現するために、複数の色を使って画像の別々の部分に複数の版木を使用する手法。単一の色に指定された画像の部分のみに適用するために、別の版木が彫られました。各版木の適用間の対応を保証するために、見当(けんと) と呼ばれる登録マークが使用されました。

日本の版画は、他の多くの日本美術の特徴と同様に、流派や運動に組織化される傾向がありました。木版画の最も有名な流派 (浮世絵師の流派も参照) と、その後の運動は次のとおりです。

• 鳥居流 1700年頃
• 懐月堂派1700年から1714年
• 勝川派（ 1720年代頃）、春章や春亭などの画家を含む^[27]
• 川俣派、1725年頃、鈴木春信や湖龍斎らを含む^[27]
• 北斎派は1786年頃から存在し、北斎、北栄、岳亭などの芸術家が含まれる^[27]
• 喜多川派、1794年頃、初代歌麿、初代菊麿、二代目歌麿らを含む^[27]
• 歌川派（1842年以降、国貞や広重らを含む） ^[27]
• 1904 年の創作版画運動
• 1915年の新版画運動、川瀬巴水、吉田博ら^[28]

写楽、歌舞伎堂円鏡、崇楽堂、柴田絶心などの他の絵師は、流派に属さない独立した絵師とみなされており、おそらくは、流派に属さない絵師の版画を制作する出版社からの利益もないため、出版社は流派に属さない絵師の版画をあまり制作したがらないだろう。しかし、現存する多くの作品は、その逆を示している。これらの絵師による初期の作品は、浮世絵の中でも最も望ましく、価値があり、希少な作品である。さらに、高価な雲母（きらずり）、高級インク、最高品質の紙を使用した非常に精巧な印刷が施された作品も多い。^[27]

以下は徳川時代の一般的な版画のサイズです。サイズは時代によって異なり、記載されているサイズはおおよそのものです。これらは印刷前の用紙サイズに基づいており、印刷後に用紙を切り取ることもよくありました。^[29]

画像の垂直 (ポートレート) フォーマットと水平 (ランドスケープ) フォーマットを表す日本語の用語は、それぞれ立絵(立て絵) と横絵(横絵) です。

• 浮世絵用語一覧
• 芸術技法一覧

• デヴィッド・ベル（2020）。 「新しいビジョン：ヘリオットコレクションのモダンな日本の版画」。トゥヒンガ: ニュージーランド博物館テ・パパ・トンガレワの記録。３１．テパパ：91–112。ISSN  1173-4337。ウィキデータ Q106839641。

ウィキメディア・コモンズには、日本の木版画に関連するメディアがあります。

• デイビッド・ブル著『木版画百科事典』
• 木版画の制作過程を最初から最後まで解説したビデオ（42 分）
• Ukiyo-e.org 日本の木版画検索エンジン