アメリカのクラシック音楽

アメリカのクラシック音楽は、ヨーロッパに起源を持つクラシック音楽の伝統に基づいてアメリカで作曲された音楽です。多くの場合、18 世紀以降、アメリカのフォーク ミュージックのスタイルの影響を受けており、20 世紀から現在に至るまで、アメリカのフォーク ミュージックや、時にはジャズの影響を受けています。

最も古いアメリカのクラシック音楽は、植民地時代の宗教儀式で使われたパートソングである。アメリカにおけるこの種の最初の音楽は、マサチューセッツ湾植民地の入植者がヨーロッパから持ち込んだエインズワース詩篇集などの詩篇集であった。^[1]北米英語圏で最初の音楽出版物、つまりあらゆる種類の最初の出版物は、1640年のベイ詩篇集であった。 ^[2]

この時期のアメリカの作曲家^の多くは（絵画のベンジャミン・ウェストや若きサミュエル・モースのように）もっぱらヨーロッパ人をモデルに作曲してい^ましたが、ウィリアム・ビリングス、サプライ・ベルチャー、ダニエル・リード、オリバー・ホールデン、ジャスティン・モーガン、アンドリュー・ロー、ティモシー・スワン、ジェイコブ・キンボール・ジュニア、ジェレマイア・インガルス、ジョン・ワイエスなど、第一ニューイングランド派またはヤンキーの曲師としても知られる作曲家は、ウィリアム・タンサーやアーロン・ウィリアムズなどウェスト・ギャラリーの音楽作曲家の手法を参考にしながらも、最も権威のあるヨーロッパ人のモデルからはほとんど独立した独自のスタイルを発展させました。これらの作曲家の多くはアマチュアであり、歌手も多かった。彼らはフーガ曲などアマチュアによる演奏に適した宗教音楽の新しい形式を編み出し、当時のヨーロッパの基準では奇異とみなされたであろう和声法をしばしば使用しました。最も異例な革新者の中には、アンソニー・フィリップ・ハインリヒのような作曲家がいた。彼らは、正式な楽器演奏の訓練を受けたものの、作曲は完全に独学だった。ハインリヒは、19世紀初頭に新興国のアメリカ内陸部を広く旅し、ヨーロッパで作曲されていた音楽とはほとんど共通点のない多彩な管弦楽曲や室内楽の経験を録音した。ハインリヒは、交響楽団のために曲を書いた最初のアメリカ人作曲家であり、アメリカで初めてベートーヴェンの交響曲を指揮した人物でもある（1817年 、ケンタッキー州レキシントン）。

アメリカ合衆国は多くの州から成り、その一部は他の帝国の一部であったため、この国のクラシック音楽はそれぞれの帝国から派生しています。現在のカリフォルニアやその他の旧スペイン植民地における最古のクラシック音楽は、スペインのルネサンス期のポリフォニーでした。この神聖なクラシック音楽は、カトリック教会の典礼をサポートするために提供されました。

その他の初期アメリカの作曲家: ^[3] ウィリアム・セルビー、ヴィクター・ペリシエ、ジョン・クリストファー・モラー、アレクサンダー・ライナグル、ベンジャミン・カー、ウィリアム・ブラウン、ジェームズ・ヒューイット、ニューマン氏 (ピアノまたはチェンバロのための3つのソナタ、ニューヨーク 1807年)。

19世紀中期から後半にかけて、特にニューイングランドで、自国で育まれたクラシック音楽の伝統が活発に発展した。学者たちは、この発展がアメリカのクラシック音楽の歴史において極めて重要だとみなしている。なぜなら、この発展によって、ヨーロッパの先祖とは異なる特徴が確立されたからだ。この取り組みは、アメリカ固有の音楽を制作したいと考えた音楽家たちによって推進された。^[4] ジョン・ノウルズ・ペインはこのグループのリーダーとして知られている。

第二次ニューイングランド楽派の作曲家には、ジョージ・ホワイトフィールド・チャドウィック、エイミー・ビーチ、エドワード・マクドウェル、アーサー・フット、チャールズ・アイヴズの師であるホレイショ・パーカーなど、ペインの同僚や弟子が含まれていた。ペインとともに、このグループはボストン・シックスとしても知られていた。これらの作曲家の多くはヨーロッパ、特にドイツに留学したが、アメリカに戻って作曲、演奏、弟子の獲得に取り組んだ。彼らのスタイルの後継者には、ハワード・ハンソン、ウォルター・ピストン、ロジャー・セッションズなど、20世紀の作曲家がいる。アイヴズは第二次ニューイングランド楽派の最後の作曲家と考えられているが、彼の音楽はヨーロッパの伝統とモダニズムが混ざり合った影響を依然として受けていると考える人もいる。^[5]

20 世紀初頭、ジョージ・ガーシュインはアフリカ系アメリカ人の音楽に多大な影響を受け、いくつかの伝統から音楽を巧みに融合させました。レナード・バーンスタインも同様の傾向にあり、クラシック音楽の作曲では、時折、無調音楽とジャズを融合させていました。リロイ・アンダーソン、ファーデ・グローフェ、モートン・グールド、ウィリアム・グラント・スティルも「シンフォニック・ジャズ」の流れを汲む曲を作曲しました。フローレンス・プライスは、ヨーロッパのクラシック音楽の伝統に沿った曲を作曲するために、アフリカ系アメリカ人のスピリチュアル音楽の要素を頻繁に使用しました。

20 世紀の主要なクラシック音楽作曲家の多くは民俗伝統の影響を受けていますが、チャールズ・アイヴズやアーロン・コープランドはその典型でしょう。ロイ・ハリス、エルマー・バーンスタイン、デイヴィッド・ダイアモンド、エリー・ジークマイスターなど、アパラチア山脈や平原など他の地域の民俗音楽の特徴を取り入れた作曲家もいます。しかし、チャールズ・アイヴズ、ジョージ・アンタイル、ヘンリー・カウエルなど、20 世紀前半から中頃の作曲家は、より実験的な伝統を継承しました。サミュエル・バーバーなど、他の作曲家は、『ノックスビル: 1915 年の夏』などの作品でアメリカーナの時代を捉えました。

20 世紀には、政治的迫害、美的自由、経済的機会などさまざまな理由でアメリカに渡ったイーゴリ・ストラヴィンスキーやアルノルド・シェーンベルクなどの著名な移民作曲家による重要な作品も出版されました。アメリカおよび世界におけるモダニズムの台頭の詳細については、 「モダニズム (音楽)」を参照してください。

ミニマリズムは、1960年代初頭にニューヨークで始まった音楽運動です。フィリップ・グラス、スティーブ・ライヒ、ジョン・アダムス（作曲家）などの作曲家は、ドローン、フェイジング、モチーフの繰り返し、混合拍子間の鮮明なコントラスト、同じルートを持つマイナーコードとメジャーコード間の単純だがしばしば急激な動き、調性と無調性のコントラスト、シンセサイザーの多用などの実験的な作曲技法を使用して、音楽の基本的な構成要素であるすべてのアコースティックサウンドと合成サウンドを構成する波長のキャンセルと増幅の相互作用を表現しました。アートではよくあることですが、音楽におけるアメリカのミニマリズムの台頭は、黒と白のコントラスト、グラデーションによる陰影の緩やかな動き、そして概念やテーマの繰り返しが多かった芸術スタイルとしてのミニマリズムの台頭と並行していました。

1970年代から1980年代にかけて、ポストモダン音楽運動では、無調構造を採用し、音楽作曲に実験的なアプローチを取ったジョン・ケージなどのアメリカの作曲家が台頭しました。最も有名で物議を醸したのが、1952年の作品「4'33"」です。この作品では、ページに音符は書かれておらず、音楽は聴衆のすぐ近くの環境の音で構成されていると説明されており、これにより、音楽の定義が、作曲家が作成した構造がなくても、あらゆる音で構成されるように拡張されました。ポストモダン音楽のより最近の例としては、アメリカの作曲家ミゲル・デル・アギラの作品があります。彼は、アメリカのイディオムと、ヒスパニック、ラテンアメリカのルーツのイディオムを融合させています。

20世紀には、映画音楽はフルオーケストラの音楽の発達により新たな高みを迎えた。オペラの作曲スタイルやリヒャルト・ワーグナーのルール（特に総合芸術の考え方）を参考に、初期のサウンドトラックの多くには序曲、幕間の音楽、メドレー、コンサート用組曲が含まれており、映画のオープニングクレジットとエンディングクレジットのどちらが表示されるかによって、エンドクレジットで序曲を繰り返したり使用したりしていた。映画の進化とともに、映画産業、ひいては作曲産業がよりグローバル化するにつれ、音楽は高度な楽器技術、作品ごとの音楽ジャンルの多様性、多文化的な構造や楽器の使用を取り入れ、ますます洗練されていった。 1990年代にアメリカで大ヒット映画が多数公開され、フルオーケストラのサウンドトラックの需要が高まったことで、オーケストラ音楽は爆発的に普及したが、現在では、完全に合成されたサウンドトラックや有名なポピュラーソングのカバー曲を使用したり、さらには人気アーティストが作曲したサウンドトラックに取って代わられることが多く、1997年の映画「タイタニック」 ( 『タイタニック 映画版の音楽』) のサウンドトラックや、映画「フォレスト・ガンプ」 ( 『フォレスト・ガンプ』 (サウンドトラック) ) の特定の歴史的参照に多くのポピュラーソングが使用されたことがその一例である。ポピュラーソングとよりクラシカルなサウンドトラックを組み合わせて使用​​する慣行が一般的になったため、2つのサウンドトラックをリリースするのが標準となり、1つはポピュラージャンルの選曲された曲で構成され、もう1つは前述のようにオリジナルのスコアまたは映画スコアである。映画音楽の著名なアメリカ人作曲家には、ダニー・エルフマン、マイケル・ジアッキーノ、ジェリー・ゴールドスミス、バーナード・ハーマン、ジェームズ・ホーナー、ジェームズ・ニュートン・ハワード、エーリヒ・ヴォルフガング・コルンゴルト、ランディ・ニューマン、アラン・シルヴェストリ、ジョン・ウィリアムズなどがいます。

クラシックとポピュラー（非クラシック）のジャンル融合作品も、1950年代頃から米国で発展し、リベラーチェなどの芸能人やウォルター・マーフィーなどの作曲家が、ウォルター・マーフィーのディスコ・クラシック融合作品「ベートーヴェンの5番」のように、アレンジによってクラシック音楽を異なるジャンルに持ち込みました。1970年代には、ベートーヴェン、モーツァルト、シューベルト、ワーグナー、ムソルグスキー、J.S.バッハ、ジョージ・ガーシュウィンなどの有名なクラシック作品のディスコバージョンが数多く編曲されました。

人気のあるクラシック作品は、1940年代から50年代頃からアメリカでも頻繁に漫画で引用され、取り上げられており、有名なのは『ラプソディ・ラビット』と『猫の協奏曲』で、どちらもフランツ・リストの有名なピアノ独奏協奏曲「ハンガリー狂詩曲第2番」が使われています。

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