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作曲家とは、音楽を書く人のことです。[ 1 ]この用語は特に西洋古典音楽の作曲家[ 2 ]、または職業として作曲家である人を指すのに使われます。 [ 3 ]多くの作曲家は、熟練した音楽演奏家でもあります。
この用語はラテン語のcompōnōに由来し、文字通り「まとめる者」を意味します。[ 4 ]オックスフォード英語辞典によると、音楽の文脈でこの用語が最初に使われたのは、トーマス・モーリーの 1597 年のA Plain and Easy Introduction to Practical Musicで、彼は「優れたデスカンターもいるだろうが、作曲家としては劣るだろう」と述べています。[ 1 ]
「作曲家」は、一般的に音楽を書く人を指す曖昧な用語です。[ 1 ]より具体的には、職業として作曲家である人[ 3 ] 、または西洋クラシック音楽の伝統の中で活動する人を指す場合によく使われます。[ 2 ]専らまたは主に歌を書く人は作曲家と呼ばれることもありますが、20世紀以降は、特にポピュラー音楽のジャンルでは、「ソングライター」または「シンガーソングライター」という用語がより頻繁に使われています。[ 5 ]他の文脈では、「作曲家」という用語は文学作家[ 6 ]、またはより稀で一般的には、複数の要素を組み合わせて全体を構成する人を指す場合があります。 [ 7 ]
文化や伝統を超えて、作曲家はさまざまな方法で音楽を作曲し、伝承することがあります。多くのポピュラー音楽では、作曲家が楽曲を書き、それが口承によって伝承されます。逆に、西洋の古典音楽の伝統の中には、音楽が聴覚的に、つまり「音楽家の心の中で」作曲され、その後、文書に書き起こされて伝承されるものもあります。[ 8 ]
ヨーロッパのクラシック音楽の発展において、作曲という機能は当初、演奏という機能ほど重要視されていなかった。個々の楽曲の保存はさほど重視されず、音楽家たちは演奏のために楽曲を改変することに概して抵抗を感じていなかった。
西洋世界では、 19世紀のロマン主義時代以前は、作曲はほぼ常に歌唱、指導、理論のいずれかの組み合わせと並行して行われていた。[ 9 ]
西洋の伝統的な器楽曲では、旋律、和音、ベースラインがすべて楽譜に記されているが、演奏者は、アーティキュレーションやフレージングを変えたり、フェルマータ（音符を伸ばす）や休止の長さを決めたり、弓で演奏する弦楽器、木管楽器、金管楽器の場合はビブラートやポルタメントなどの表現技法を使うかどうかを決めたりすることで、作品に芸術的な解釈を加える自由度を持っている。歌手や器楽奏者にとって、すでに作曲され記譜された音楽をどのように演奏するかを決める過程は「解釈」と呼ばれる。同じ楽曲でも、演奏者によって解釈は大きく異なり、テンポの選択や演奏・歌唱スタイル、旋律のフレージングなどが大きく異なる。作曲家や作詞家が自分の音楽を発表する場合も、他人の音楽を演奏する場合と同様に、解釈を行っていると言える。特定の時代や場所において存在する標準的な選択肢や技法の集合体は「演奏実践」と呼ばれ、一方「解釈」は一般的に演奏者の個人的な選択を意味する。
楽曲は多くの場合、単一の作曲家によって作られますが、必ずしもそうとは限りません。楽曲には複数の作曲家が関わることもあり、これはポピュラー音楽においてバンドが共同で楽曲を制作する場合や、ミュージカルにおいて楽曲は一人の作曲家が書き、伴奏パートの編曲や序曲の作曲は編曲家が行い、歌詞は別の人物が書くといったケースによく見られます。
楽曲は、言葉、画像、あるいは20世紀や21世紀においては、歌手や演奏家がどのように音楽的な音を作り出すべきかを説明したり記譜したりするコンピュータ プログラムによって作曲されることもあります。その例としては、そよ風に揺れる風鈴の音から、図式記譜法を用いた20世紀の前衛音楽、 Aus den Sieben Tagenのようなテキスト作品、楽曲の音を選択するコンピュータ プログラムまで多岐にわたります。ランダム性や偶然性を多用する音楽は偶然音楽と呼ばれ、ジョン・ケージ、モートン・フェルドマン、ヴィトルト・ルトスワフスキなど、20世紀に活躍した現代作曲家と関連付けられています。
楽曲の個々のバリエーションの性質と方法は、その国の音楽文化や作曲された時代によって様々である。例えば、バロック時代に作曲された音楽、特にゆったりとしたテンポの音楽は、演奏者が演奏中にメロディーラインに即興的な装飾を加えることを期待して、しばしば簡素なアウトラインのみで書かれていた。このような自由度は、後の時代になると一般的に減少し、作曲家が強弱記号やアーティキュレーションなどのより詳細な記譜法を用いるようになったことと相関している。作曲家は、自分の音楽がどのように解釈されることを望むかについて、一様に明確にするようになったが、その指示の厳密さや細かさは作曲家によって異なる。作曲家が演奏者への指示をますます具体的かつ詳細にする傾向があったため、最終的には、作曲家の書かれた意図に忠実であることが非常に高く評価される文化が発展した（例えば、原典版を参照）。この音楽文化は、著名なクラシック作曲家たちが演奏家たちからしばしば高い評価（崇拝に近いもの）を受けていることと、ほぼ間違いなく関連している。
歴史的演奏法のムーブメントは、特にバロック音楽や初期古典派音楽において、演奏者が楽譜に示された音楽を真剣に発展させる可能性をある程度復活させた。このムーブメントは、演奏者が即興演奏を期待されていた時代に作曲された作品において、原曲への忠実性を高める方法と考えることができる。クラシック音楽以外のジャンルでは、演奏者は一般的に自由度が高い。例えば、西洋ポピュラー音楽の演奏者が以前の曲を「カバー」する場合、原曲の正確な演奏はほとんど期待されない。また、正確な忠実性が必ずしも高く評価されるわけでもない（有名なギターソロの「音符通りの」採譜は例外かもしれない）。
西洋芸術音楽では、作曲家が通常、楽曲のオーケストレーションを行いますが、ミュージカルやポップミュージックでは、作詞家が編曲家を雇ってオーケストレーションを行わせることがあります。場合によっては、ポップソングライターは楽譜を全く使用せず、頭の中で曲を作り、それを記憶に基づいて演奏または録音することもあります。ジャズやポピュラー音楽では、影響力のある演奏家による著名な録音は、クラシック音楽における楽譜が果たす役割と同等の重みを持っています。作曲の研究は伝統的に西洋クラシック音楽の方法と実践の調査が中心でしたが、作曲の定義は、ポピュラー音楽や伝統音楽の歌や器楽曲の創作、フリージャズの演奏家やエウェ族のドラマーなどのアフリカの打楽器奏者による即興作品など、幅広いものを含みます。
中世には、ほとんどの作曲家がカトリック教会に仕え、グレゴリオ聖歌などの宗教儀式のための音楽を作曲していました。ルネサンス音楽の時代には、作曲家は主に貴族の雇い主のもとで働いていました。貴族は作曲家にミサ曲などの宗教音楽を大量に作曲することを求めていましたが、作曲家は宮廷恋愛、つまり遠く離れた高貴な女性への敬意と畏敬の念を込めた愛をテーマにした非宗教的な歌も数多く作曲しました。宮廷恋愛の歌はルネサンス時代に非常に人気がありました。バロック音楽の時代には、多くの作曲家が貴族や教会の職員として雇われていました。古典派時代には、作曲家は営利目的でより多くの公開コンサートを企画するようになり、貴族や教会の仕事への依存度を下げました。この傾向は19世紀のロマン派音楽の時代にも続きました。20世紀には、作曲家は大学や音楽院の教授として職を求めるようになりました。 20世紀には、作曲家は楽曲の楽譜出版や録音物など、作品の販売からも収入を得ていた。
1993年、アメリカの音楽学者マーシャ・シトロンは、「なぜ女性作曲家による音楽は、標準的な『クラシック』レパートリーからこれほどまでに周縁化されているのか？」と問いかけた。[ 10 ]シトロンは、「女性作曲家が演奏される音楽作品の『正典』から排除されるに至った慣習や態度を検証している」。彼女は、1800年代には、女性作曲家は、大ホールでオーケストラと共に演奏されることを目的とした交響曲ではなく、小規模なリサイタルで演奏される歌曲を作曲するのが一般的であり、後者の作品は作曲家にとって最も重要なジャンルと見なされていたため、女性作曲家は交響曲をあまり作曲しなかったことから、作曲家として注目に値しないと見なされていたと主張している。[ 10 ]
アビー・フィリップスによれば、「女性音楽家は、ブレイクスルーを果たし、正当な評価を得るのに非常に苦労してきた」とのことである。[ 11 ]中世においては、芸術音楽のほとんどは典礼（宗教）目的で作曲されており、宗教指導者が抱いていた女性の役割に関する見解のため、この種の音楽を作曲した女性は少なく、修道女ヒルデガルト・フォン・ビンゲンはその例外の一人である。音楽史に関するほとんどの大学の教科書は、ほぼ男性作曲家の役割のみを扱っている。また、女性作曲家による作品は、クラシック音楽の標準的なレパートリーにはほとんど含まれていない。『コンサイス・オックスフォード音楽史』では、「クララ・シューマン[ sic ]は言及されている数少ない女性作曲家の一人である」[ 11 ]が、コモンプラクティス時代の他の著名な女性作曲家にはファニー・ヘンゼルやセシル・シャミナードがおり、20世紀半ばに作曲家にとって最も影響力のある教師はナディア・ブーランジェであったと言えるだろう。フィリップスは「20世紀には、作曲や演奏をする女性は、男性の同業者に比べてはるかに注目されなかった」と述べている。[ 11 ]
今日では、コンサート音楽の分野では女性がより真剣に受け止められるようになっているが、認知度、賞、雇用、全体的な機会の統計は依然として男性に偏っている。[ 12 ]
プロのクラシック作曲家は、幼少期から青年期にかけて、合唱団の歌手、青少年オーケストラの奏者、あるいはピアノ、パイプオルガン、ヴァイオリンなどのソロ楽器奏者として、クラシック音楽の演奏経験を持つことが多い。作曲家を目指す若者は、大学、音楽院、総合大学など、さまざまな正式な教育機関で高等教育を受けることができる。フランスやカナダなどの国々で標準的な音楽教育システムとなっている音楽院では、作曲を学ぶ学生にレッスンやアマチュアオーケストラ、合唱団での歌唱経験を提供している。総合大学では、学士号、修士号、博士号など、さまざまな作曲プログラムが用意されている。また、クラシック音楽のサマーキャンプや音楽祭など、作曲家から指導を受ける機会を提供するさまざまな研修プログラムもある。
作曲の学士号（ B.Mus.またはBMと略される）は4年制のプログラムで、個人作曲レッスン、アマチュアオーケストラ／合唱団での経験、音楽史、音楽理論、および一般教養科目（例：英文学）の一連のコースが含まれており、学生に幅広い教養を身につけさせます。通常、作曲専攻の学生は卒業前に重要な作品または歌曲を完成させる必要があります。すべての作曲家が作曲のB.Mus.を取得しているわけではなく、音楽演奏や音楽理論のB.Mus.を取得している作曲家もいます。
作曲の修士号（M.mus.）は、作曲教授との個人レッスン、アンサンブル経験、音楽史と音楽理論の大学院課程、そして作曲専攻の学生の作品を演奏するコンサート1回または2回で構成されます。音楽の修士号（M.Mus.またはMMと呼ばれる）は、大学や音楽院で作曲を教えたい人にとって、多くの場合必須の資格です。M.Mus.を持つ作曲家は、大学の非常勤教授や講師になることはできますが、2010年代にはこの学位で終身在職権のある教授の職を得ることは困難でした。
終身雇用制の教授になるには、多くの大学で博士号が必須条件となっている。作曲の分野では、 PhDではなく音楽芸術博士号が重要な博士号となる。PhDは音楽分野で授与されるが、通常は音楽学や音楽理論といった分野である。
作曲の音楽芸術博士号（DMA、DMA、D.Mus.A.、A.Mus.Dとも呼ばれる）は、最高レベルの芸術的・教育的研究を行う機会を提供するもので、通常、修士号（学士号取得後約30単位以上）に加えて54単位以上が必要となります。そのため、入学選考は非常に厳しく、学生は自身の作曲作品を提出する必要があります。学校によっては、学生の作品の演奏を録画または録音したものを提出できる場合もあります。音楽史、音楽理論、聴音／聴音、および入学試験が必須です。
学生は、作曲科の教授陣の指導のもと、重要な楽曲を制作しなければなりません。一部の学校では、作曲科の博士課程（DMA）の学生に、自身の作品のコンサートを開催することを義務付けており、通常は学校の歌手や音楽家が演奏します。高度なコースワークの修了と最低B平均の成績も、DMAプログラムの一般的な要件です。DMAプログラム在籍中、作曲科の学生は学部生への指導経験を積むことができます。
作曲家の中には、作曲の専門課程を修了せず、声楽や楽器の演奏、あるいは音楽理論の研究に重点を置き、別の音楽関連の職業に就きながら作曲のスキルを磨いていった者もいる。
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