ティン・マシーン（アルバム）

ブリキマシン
CD版
スタジオアルバム​ ブリキマシン
リリース	1989年5月22日 ( 1989-05-22 )
記録済み	1988年8月 – 1989年半ば
スタジオ	山（モントルー、スイス） コンパス ポイント(ナッソー、バハマ)
ジャンル	ロック ハードロック アートロック ノイズロック
長さ	56 : 49
ラベル	EMIアメリカ
プロデューサー	ブリキマシン ティム・パーマー
ティン・マシーン年表
ティン・マシーン （1989） ティン・マシーンII （1991）
デヴィッド・ボウイの年表
ネバー・レット・ミー・ダウン （1987） ティン・マシーン （1989） サウンド+ビジョン （1989）
ティン・マシーンのシングル
「アンダー・ザ・ゴッド」 公開: 1989年6月 「ティン・マシーン」 リリース: 1989年9月 「愛の虜囚」 公開: 1989年10月
代替カバー
LP版

ティン・マシーン（Tin Machine）は、1989年5月22日にEMIアメリカ・レコードより発売された、英米ハードロックバンドのデビュースタジオアルバムである。バンドのメンバーは、イギリスのシンガーソングライター、デヴィッド・ボウイ、アメリカ人ギタリスト、リーヴス・ガブレルス、トニー・フォックス（ベース） 、ハント・セールス（ドラム）兄弟、イギリス人のケヴィン・アームストロング（ギター）であった。このプロジェクトは、1987年までにキャリアに断絶を感じ、再出発を図っていたボウイが先頭に立っていた。グラス・スパイダー・ツアーでガブレルスと出会った後、2人は一緒に仕事をすることになり、その後10年間頻繁にコラボレーションすることになる。ボウイは、ロサンゼルスで会った後、1970年代以来一緒に仕事をしていなかったセールス兄弟を雇い、イギリス人プロデューサーのティム・パーマーが共同プロデューサーとして雇われた。  

アルバムは1988年8月にスイスのモントルーにあるマウンテン・スタジオで録音され、その後1989年春にバハマのナッソーにあるコンパスポイント・スタジオで録音された。セッションはメンバー間の性格の不一致にもかかわらず実り多いものだった。トラックのほとんどは数テイクでライブ録音され、ボウイはマイクの前に立って歌詞を即興で作ったため、主にハードロックのサウンドと世界の問題や愛について語る歌詞になった。ティン・マシーンは、そのトラックの1つにちなんで自分たちとアルバムに名前を付けた。ボウイの以前のバックバンドとは異なり、ティン・マシーンは民主的なユニットとして活動しており、それは宣伝インタビューにも反映されていた。

発売されると、アルバムは全英アルバムチャートで最高3位を記録したが、売り上げは急速に落ち込んだ。3枚のシングルと、収録曲のパフォーマンスを収めた13分間のミュージックビデオが付属していた。サポートコンサートツアーと同様に、『ティン・マシーン』は賛否両論の評価を受け、主に歌詞とメロディーの欠如を批判するボウイの伝記作家からも同様の評価を受け続けている。しかし、一部の評論家は、グランジやオルタナティブロックが人気になる前からバンドはそうしたスタイルを模索していたと指摘した。ティン・マシーンは、ボウイがソロSound+Vision Tourに乗り出す前の1989年後半に、次のアルバムのレコーディングを開始した。ボウイは後に1997年のアルバム『アースリング』のセッション中に「アイ・キャント・リード」を再レコーディングした。

1987年末までに、デヴィッド・ボウイは芸術的に最低の状態に陥っていた。^[1]彼はレッツ・ダンス（1983年）から始まり、1980年代を通じて商業的に大成功を収めていたが、後に彼は、このアルバムの成功がその後数年間続くキャリアにおける創作上の最低点を引き起こしたと述べている。^{[2] [3]}続くアルバムトゥナイト（1984年）とネヴァー・レット・ミー・ダウン（1987年）が批評家から酷評された後、^[4]ボウイは自分のキャリアにおける位置を再評価し始めた。^{[1]彼は後にこの時期を「}フィル・コリンズ時代」と切り捨てている。^[5]グラス・スパイダー・ツアーは彼を苦しめ始め、スタジアム・ロックスターのライフスタイルを維持するのが困難になった。^[6]音楽界からの引退も考えたが、ボウイは10年前と同じように、自分自身を完全に若返らせることが最善の策であると決断した。^[1]

彼が最初にしたことの一つは、長年のコラボレーターでボウイのバンドリーダーを務めていたカルロス・アロマーと袂を分かったことだった。伝記作家のデイヴィッド・バックリーは、彼の脱退を「ポップスター」としてのボウイの在任期間の終わりと呼んでいる。 ^[6] 1987年の終わり頃、ボウイはブライアン・アダムスのバックバンドのメンバーでプロデューサーのブルース・フェアベアンとカリフォルニア州ロサンゼルスでいくつかのセッションを行った。セッションから生まれた唯一のトラックは「プリティ・ピン・ローズ」のデモ、「ルーシーは踊れない」の初期バージョン、ボブ・ディランの1965年のヒット曲「ライク・ア・ローリング・ストーン」のカバーであり、^[7]最後のカバーはボウイの元スパイダース・フロム・マーズのギタリスト、ミック・ロンソンに渡され、彼のバージョンはボウイの死後アルバム『ヘヴン・アンド・ハル』（1994年）に収録された。伝記作家ニコラス・ペッグによると、セッション中のボウイのスタイルは彼が次の大きなプロジェクトで追求するものに近いものだったという。^{[8] [9]}

1987年11月のグラス・スパイダー・ツアーの終盤、ツアーのアメリカ人広報担当サラ・ガブレルスは、アメリカ公演中に舞台裏で知らず知らずのうちに知り合って親しくなっていた夫のリーヴスの音源が入ったデモテープをボウイに渡した。ボウイはガブレルスが画家だと信じていた。 ^{[11] [8]}デモではガブレルスの独特なギターサウンドが披露され、伝記作家のマーク・スピッツは「即興的で多音だが、同時にハードでブルージー」と評した。^[12]彼は回想している。「それは本当にあっという間に起こったんだ。デヴィッドが僕に電話してきて、僕はスイスに行き、週末にこの曲をやらなければならなかったんだ」 。 ^[11]ボウイとガブレルスのコラボレーションの始まりは、ボウイのキャリアの新たな旅のきっかけとなった。ツアーやメディアのインタビューは引き続きあったが、彼は音楽に関して聴衆の期待を下げようとした。ガブレルズは「彼は岐路に立たされていた。ロッド・スチュワートになってラスベガスで演奏するか、自分の心に従うかだ」と述べた。彼はボウイに「自分のやりたいことと、自分がすべきだと思うことの間にある唯一の障壁は、自分自身だ」と語った。^[13]

ボウイとガブレルスが共同で取り組んだ最初のプロジェクトのひとつは、1988年7月のロンドン劇場公演のために作られた、ボウイの1979年のアルバム『ロジャー』収録曲「Look Back in Anger 」の新バージョンだった。 ^{[8] [14]}その後、ふたりはスイスに戻り、そこでボウイはガブレルスに当時聴いていた音楽を紹介した。その中にはレッド・ツェッペリン、ジミ・ヘンドリックス、バディ・ガイなどのハードロック、ソニック・ユースなどの前衛音楽、そしてボウイの新たなお気に入りであるピクシーズなどが含まれていた。^[15]そこからボウイとガブレルスは新プロジェクトのためのデモを作曲し、「バス・ストップ」、「ベイビー・ユニバーサル」、「プリティ・ピンクローズ」、そして「アンダー・ザ・ゴッド」の初期バージョンが作られた。^[8]

ロサンゼルスで行われたグラス・スパイダー・ツアーのビデオの発売記念パーティーで、ボウイはベーシストのトニー・フォックス・セールスに偶然出会った。^[15]彼とは、 1977年にイギー・ポップの『ラスト・フォー・ライフ』をレコーディングして以来一緒に仕事をしていなかった。 ^{[16] 2人は再び連絡を取り合い、トニーはドラマーの弟}ハント・セールスをボウイとのジャムセッションに誘った。 ^[8]ガブレルズによると、セールス兄弟がリズムセクションに選ばれたのは、バンドの元メンバーを特に望んでいた「小切手帳ミュージシャン」がいないようにするためだった。^[14]ボウイは4人でバンドを組み、各メンバーが平等に意見を出し合うことを主張した。^[17]一方、「ルック・バック・イン・アンガー」のリミックスが好評だったため、ボウイはカルトのビリー・ダフィーの推薦で、次のプロジェクトのためにプロデューサーのティム・パーマーを雇うことにした。パーマーは、自分がボウイの大ファンだったことを回想し、「特にクラシックアルバムは好きだったが、後年の作品はあまり好きではなかった」と語った。^[14]彼はまた、関係者全員のアイデアを奨励するなど、ボウイの仕事のやり方を楽しんだ。しかし、パーマーはバックリーに、このプロジェクトにサインしたとき、それは「ティン・マシーンのレコードではなく、デヴィッド・ボウイのレコード」になるだろうと思っていたと語った。^{[14]スピッツも同様に、ガブレルスとセールス兄弟は、バンドを結成するのではなく、ボウイの『}ネヴァー・レット・ミー・ダウン』の続編を作るのを手伝うものだと思っていたと述べている。^[12]

新しいプロジェクトのレコーディングは、1988年8月にスイスのモントルーにあるマウンテン・スタジオで始まった^。[16]ボウイとガブレルスはそこで1週間過ごし、「ベイビー・キャン・ダンス」、「プリティ・シング」、「ショッピング・フォー・ガールズ」などの曲を書いた後、セールス兄弟が到着した。^[8]パーマーは、彼らが到着すると「大騒ぎになった」と回想している。^[18]兄弟は攻撃的な性格で、伝記作家のクリス・オリアリーによると、「サイドマンにはならないと明言した」という。^{[8]ガブレルスは、到着後最初の1週間は「新入生}いじめ」に等しいものだったと回想している。「デヴィッドは私に一定の信頼を寄せていたし、私は国際的にリリースされたレコードを作ったことがなかったので、彼らはただ私を叱りつけようとしただけだった。[彼らの]態度は、「まあ、私たちはみんな自分たちが誰であるかを知っている。この男は誰だ?」という感じだった。」^[18]ガブレルスとパーマーは当初、このプロジェクトに疑念を表明した。パーマーは当初「ボウイ史上最高のサウンドのアルバム」を作るつもりだったが、方向性が違っていたことに失望した。一方、ガブレルスはバンドを嫌悪し、バンドを「悪夢」と呼び、さらにバンドは民主的なユニットとして機能しないと信じていた。^{[8] [18]}ガブレルスは最初の1週間でセールスの態度にうんざりし、彼らの意見を聞かずに自分のやり方でやることに決めた。ボウイも同様に最初の1週間は「お互いを探り合う奇妙な時期」だったと回想している。^[16]

An addition in the sessions was guitarist Kevin Armstrong, who had played with Bowie at Live Aid in 1985.^[16] In the studio, Hunt Sales arranged his drum set on a riser, which overpowered the room, leaving the guitarists unable to hear themselves play.^[8] Armstrong recalled, "He is the loudest drummer I have ever worked with ... I almost went deaf within the first couple of days." Meanwhile, Palmer set up various microphones around the studio in order to capture a live sound.^[19] The tracks on the album were recorded raw and live with few overdubs to capture the energy of the band.^[4][20] The other Tin Machine members urged Bowie to avoid re-writing his lyrics: "They were there all the time saying, 'Don't wimp out,' sing like you wrote it ... I have done and frequently do censor myself in terms of lyrics. I say one thing and then I think, 'Ah maybe I'll just take the edge off that a bit."^[21] He elaborated, "We wanted to come out of the box with energy, the energy we felt when we were writing and playing. There's very, very little over-dubbing on [the album]. For us [it] is our live sound."^[22] Bowie was also keen on improvising lyrics while standing at the microphone, which he previously did recording "Heroes" (1977). He primarily sang about the first topics that came to him.^[16] Gabrels told Buckley that Tin Machine was recorded digitally, which most people at the time figured could not have been done for the sound they were playing.^[18]

ティン・マシーンが最初に録音した曲は「Heaven's in Here」で、彼らはこの曲をゼロから書き下ろし、最初の30時間で録音した。^[23]続いてロキシー・ミュージックの1972年の曲「If There Is Something」のカバーを録音した。ボウイは「僕たちはとても疲れていて、次の曲を書く気力も残っていなかった。だから、バンドとして他の人の曲にどうアプローチするかを示すために、昔の曲を使ったんだ」と述べている。この曲はアルバムには収録されず、バンドの次のアルバムに収録されることになった。^[8]レコーディングは急速に進み、ティン・マシーンは時には1日に1曲を録音することもあった。ガブレルズは「曲を録音し、オーバーダビングし、時には同じ日にミックスすることもあった」と詳しく述べている。^[17]レコーディングの中断の後、1989年の春にセッションはバハマのナッソーにあるコンパス・ポイント・スタジオに移った。^{[8] [16] [24]}パーマーはそこがスイスとは全く異なる環境だったと回想している。^[18]そこでボウイはロバート・パーマーのビーチ沿いの家に住んでいた。ジョン・レノンの息子ショーンがこの時期にバンドを訪ね、この出会いがバンドに彼の父の1970年の曲「ワーキング・クラス・ヒーロー」のカバーを思い起こさせた。また、バハマにはボウイの新しい恋人メリッサ・ハーレーも同席していた。彼女はグラス・スパイダー・ツアーのバックダンサーの一人だった。^[25]バンドはナッソー中に蔓延する薬物使用に衝撃を受け、それが「クラック・シティ」のインスピレーションの一部となった。^[26]ボウイはまた、1970年代半ばの自身のコカイン中毒の過去がこの曲のインスピレーションになったと主張した。^{[27]ティン・マシーンはこの曲と「}アイ・キャント・リード」を同じ夜に録音した。 ^[8]

バンドは合計でわずか6週間で35曲をレコーディングし、すべての曲がグループの努力によるものだった。^{[22] [26] [28]} 2017年にガブレルズは、この時期にレコーディングされたがリリースされなかった素材の量を考えると、アルバムは「ダブルアルバムになる可能性があった」と述べた。^[29]アームストロングは伝記作家のポール・トリンカに次のように語っている。「最高の作品のいくつかは最初のレコードには入らなかったと思います。デヴィッドは意図的にめちゃくちゃなサウンドを狙っていたと思います。安全すぎる、または丁寧すぎる場合は、彼はそれを捨てました。」^[30]ガブレルズによると、バンド名の候補はいくつかあった。バンドは最終的に、トラックの1つにちなんで、アルバムとバンド名の両方にティン・マシーンを選んだ。ボウイは無関心な気持ちを回想している。「私たちはバンド名がどんなものかに本当に興味がなかったので、ほとんど恣意的でした。ああ、曲のタイトルを選ぼう」。セールス兄弟は『ティン・マシーン』がモンキーズを彷彿とさせ、「自分のテーマソングを持っている！」と感じて気に入った。ガブレルズの提案したタイトルは『皇帝の新しい服』だったが、後に「それは少し自分を売り込みすぎで、批評家に攻撃の材料を与えているようなものだった」と認めた。^{[16] [18]}

ボウイはティン・マシーンの制作を楽しんでおり、「とても気に入っているから、明日から次のアルバムのレコーディングを始めたい」と語った。バンドがアルバムを終えると、ボウイは彼らが続けることを確信した。彼は「少なくともあと2枚のアルバムがあるだろう。ああ、そうだ、これはしばらく続くだろう。みんなで一緒に演奏するのがこんなに楽しいのだから、やらない手はないだろう」と語った。^[21]

評論家はティン・マシーンをロック、^[10]ハードロック、^[32] アートロック、ノイズロックに分類している。^{[33] [28]}伝記作家はまた、「Heaven's in Here」にブルースロックの要素、 ^[34] 「Bus Stop」にポストパンクとニューウェイヴ、 「Run」にオルタナティブロックの要素があるとしている。 ^[10]ボウイ自身は「Heaven's in Here」を「脱構築主義R&B」と表現している。^{[8]スタイル的には、ボウイは}ティン・マシーンがスケアリー・モンスターズ（1980）の延長であると感じており、「これは私がこれまでに作った最後の3枚のアルバムをほとんど否定している。本来の軌道に戻ったと言えるだろう」と述べている。^[21] オールミュージックのマーク・アレンダーは、その音楽を「ハードエッジなギターロック」と表現し、当時のこのジャンルの他のアルバムには欠けていた「知性」が含まれていると述べた。^[35]アルティメット・クラシック・ロックのテッド・アスレガドゥーも同様に、当時の他のロックバンドよりも「荒々しい」と評価した。^[36]作家のジェームズ・ペローネは、この音楽を「音響的なエッジのあるラウドなギターロック」と呼び、悪意のある歌詞が含まれている。^[10]トニー・フォックス・セールスは、バンドの音楽に対するアプローチを次のように表現した。

ラジオをつけてディスコやダンスミュージック、ドラムマシンを聞くのにうんざりしていた。そういうものは業界では「くだらない」と呼んでいると思う。私たちはロックンロールに終止符を打つプロジェクトをやろうと思っていたんだ。^[28]

ニューヨーク・タイムズのジョン・パレレスは、ティン・マシーンの歌詞は「ラブソングと現在の危機についての暴言を並べている」と述べた。^[37]彼は、「プリティ・シング」と「サクリファイス・ユアセルフ」を除いて、ラブソングの大半は「ロマンチックな決まり文句に近づいている」と指摘した。^[37]さらに、ペローネは、タイトル曲の「終末的なイメージ」が「世界の終わり」というアルバム全体に広がるテーマを作り上げていると述べている。^[10]ペッグは、バンドがボウイに歌詞の書き直しを許可しなかったため、歌詞がほとんど「中途半端」になっていると感じている。^[38]いくつかの曲は、「アンダー・ザ・ゴッド」と「クラック・シティ」でそれぞれネオナチズムやドラッグなど敏感な主題を扱っている。 ^{[38] [10] 「アイ・キャント・リード」と「ビデオ・クライム」を含む他の曲では、それぞれテレビが識字率と}タブロイド紙に与える影響について論じている。^[37]一方、オリアリーは、ボウイが「ベイビー・キャン・ダンス」で未発表曲「シャドウ・マン」を思い出したと述べている。 ^[8]ガブレルズは後に、ティン・マシーンの曲を「世界に向かって叫んでいる」と表現した。^[39]

ティン・マシーンのジャケットには、4人のバンドメンバーが黒いスーツを着ている姿が描かれており、スピッツはそれを「清潔感のある銀行員の一団」のように見えると表現している。ボウイはこの時期にあごひげを生やしたが、これは彼のキャリアで初めてのことであり、スピッツはそれが観客の賛否を二分したと述べている。 ^[40]アルバムの宣伝の際、ボウイはインタビュアーに対してバンドが民主的なユニットであることを明確にし、ペッグはそれを「デヴィッドにインタビューしたい人はバンドの他のメンバーもインタビューする」という考え方だと呼んだ。この動きは、次に何をしたいのかよくわからないアーティストによる宣伝活動として批評家から一蹴された。ボウイは1999年に次のようにコメントしている。「この文脈は苛立ちや怒りを招き、批評家たちに誰かを辱める口実を与えてしまったと思う。彼らが何よりも求めているのは、それだ」。^{[41] [42] [43]}

ティン・マシーンとアルバムのことを聞き、ボウイのレーベルであるEMIアメリカ・レコードは困惑した。ティム・パーマーはバックリーに、レーベルは『レッツ・ダンス』のベストセラーを熱望しており、ボウイの新しい方向性については困惑していると語った。^[43]レーベルはアルバムの売り出し方がわからず、カバーにステッカーを貼り、購入希望者にボウイの新プロジェクトであることを知らせた。^{[8] [44]}それでも、EMIアメリカは1989年5月22日にティン・マシーンを リリースし、^{[8] [36]} LPとCDの異なるフォーマットで、それぞれカタログ番号MTLS 1044とCDP 7919902を発行した。^{[17] [45]}リリース当時、アルバムは当初売れ行きが好調で、全英アルバムチャートで最高3位、^{[46] 『ネヴァー・レット}・ミー・ダウン』の3つ上、米国ビルボードのトップ・ポップ・アルバム・チャートで28位となった。^[47]ノルウェーとスウェーデンでもトップ10入りを果たしたが、^[48]売上は急速に減少した。^[41]デイブ・トンプソンによると、この曲はイギリスのチャートで合計9週間ランクインした。^[31]ティン・マシーンの短期的な売上は、数年以内に20万枚から100万枚と推定されている。^{[49] [50]}

ティン・マシーンは3枚のシングルをリリースした。最初のシングル「アンダー・ザ・ゴッド」は「サクリファイス・ユアセルフ」をバックに1989年6月にリリースされ、イギリスで最高51位を記録した。^[51]また、MTVやアメリカのラジオ局で頻繁に放送された。^{[50] [40]} 2枚目はタイトル曲で、ディランの「マギーズ・ファーム」のライブカバーをバックにしており、1989年9月にリリースされ、イギリスで最高48位を記録した。3枚目で最後のシングルは「プリズナー・オブ・ラヴ」のエディットで「ベイビー・キャン・ダンス」のライブバージョンをバックにしており、翌月にリリースされたが、チャートインはならなかった。^[51]

アルバムの発売と同時に、ティン・マシーンは13分間のミュージック・ビデオをリリースした。このビデオはパフォーマンス風のクリップで構成されており、各クリップは「プリティ・シング」で始まり「アンダー・ザ・ゴッド」で終わる。ビデオはニューヨークのザ・リッツで撮影され、以前にも『ジャズイン・フォー・ブルー・ジーン』（1984年）、『アブソリュート・ビギナーズ』（1986年）、『デイ・イン・デイ・アウト』（1987年）などのビデオやリリースでボウイと仕事をしたことがあるジュリアン・テンプルが監督した。この映画は当時テレビで放映されることはほとんどなかったが、ペッグによると、一部のイギリスの映画館ではサポート作品として配給されたという。1999年、ボウイはこのビデオをこれまでのミュージック・ビデオの中で一番のお気に入りだと称した。EMIは2007年にこのビデオの公式商業リリースを計画したが、ビデオの長さを10分に制限するというiTunesのポリシーにより中止された。レーベルは代わりにタイトル曲と「Under the God」の部分的なクリップと、「Heaven's in Here」と「Prisoner of Love」のフルレングスのクリップをリリースした。^[52] 13分間の完全なビデオは、2019年に30周年を記念してリリースされた。^[53]

バンドは『ティン・マシーン』のレコーディング中にナッソーで予告なしのライブを行い、その後1989年5月31日にインターナショナル・ロック・アワード・ショーに出演した。 ^{[21] [54]} 2週間後、彼らは12公演の『ティン・マシーン・ツアー』に乗り出し、7月初旬に終了した。セットリストは『ティン・マシーン』の曲、新曲、1960年代のカバー曲のみで構成されていた。^[55]ショーは賛否両論の評価を受けた。^[55]評論家のアラステア・マッケイはヘラルド・スコットランド紙に「経験豊富であるにもかかわらず、バンドは時間厳守が下手で、ボウイの声は大音量で攻撃的になるという概念そのものが理解できない。... ニヤリと笑うボウイは、新年にバンドに戻って同じ経験をすると約束した。ここで疑問が1つ浮かんだ。なぜか？」^[56]ガブレルズは後に、セールス兄弟のせいでバンドは「公演の3分の1は即興」だったと主張した。^[31] 6月25日のパリでのパフォーマンスは、ティン・マシーンの30周年に合わせて2019年8月にデジタルダウンロードとストリーミングでリリースされました。リリースは「Live at La Cigale, Paris, 25th June, 1989」と呼ばれ、パーマーがマスタリングしました。^[57]ツアーの終わりに、ティン・マシーンは休憩を取り、1989年後半にオーストラリアで再集結し、次のアルバムのレコーディングを開始しました。滞在中、11月4日にシドニーで1回限りのライブを行いました。ティン・マシーンII （1991）のセッションは1990年1月まで続き、ボウイが新しいソロサウンド+ビジョンツアーを発表したため中断されました。^[55]  

ティン・マシーンは、発売時に音楽評論家から概ね賛否両論の評価を受けた。^{[62] [38]}トリンカは、多くの人がこのアルバムを『ステーション・トゥ・ステーション』（1976年）や『ロウ』（1977年）以来のボウイの最も挑戦的なレコードとして歓迎したが、すぐに「尊大で独断的で退屈」と批判されることになるだろうと述べている。^[24] 1980年の『スケアリー・モンスターズ』以来のボウイの最も攻撃的な作品だと指摘する者もおり、^{[4] [41]} Q誌の評論家はこれを「彼の全キャリアの中で最も騒々しく、最も激しく、最もヘビーな作品」であり「頭をサンドバッグ代わりにするのと変わらない体験」と評した。^[41] ローリングストーン誌のデイヴィッド・フリックは、アルバムの「シニカルで憤慨した辛辣な」音楽へのアプローチを「ギターの攻撃的な華やかさとベースドラムのボディチェックの、あまりにも歓迎すべき饗宴」と称賛し、時にはソニックユースとステーション・トゥ・ステーションが出会ったようなサウンドだと指摘した。^[60]マクラッチー社によるレビューでは、ティン・マシーンを「無駄のない、凶暴なロックンロールマシン」と呼び、「ボウイが戻ってきた」ことを示した。^[4]ロサンゼルス・タイムズのドン・ウォーラーはアルバムに好意的なレビューを与え、LP版の12曲すべてを「堅実」と呼び、「数曲」をボウイのカタログへの「クラシックな追加」として歓迎した。^[63]一方、パレレスは、ほとんどの曲が「ボウイの最高傑作に匹敵する可能性は低い」と感じた。^[64]

スピン誌のジョー・レヴィはアルバムを「ノイズのないノイズロック。攻撃的で直接的で、荒々しく、そしてスタイリッシュに素朴で、ロックアバンギャルドのエネルギーと伝統的なR&Bのリズムのパンチが融合している」と評した。^[28]アルバムを「扇動的に楽しい」と総括し、「陽気なセールス兄弟とガブレルズは確かにボウイに匹敵し、しばしばそれを凌駕している」と指摘した。^[20]音楽評論家のジョン・サヴェージはバンドが目指していることを理解せず、音楽には「醜いマッチョな側面」があると評した。^[40]レコード・ミラー誌で、スティーブ・マスターズは音楽は「一種の柔らかい金属の型の中で機械的に進んでいく」と述べ、アルバム自体は「自己満足の道を埃まみれで旅する」ことに終わった。^[59]インタビューでティン・マシーンに対する主な批判は何かと尋ねられたとき、ボウイはアルバムがファンにとって「とっつきにくい」かもしれないと認めた。「ボウイのアルバムとしては、おそらくそうだろうと思われるほど明らかにメロディックではないと思う」。^[21]スピッツは、ボウイは自分の名前でリリースした場合、聴衆は彼が目指すサウンドに十分な準備ができていないだろうと考えていたと述べている。^[65] ティン・マシーンはQ誌の1989年の年末リストに登場した。 ^[66]同じ雑誌は、わずか7年後にこのアルバムを「作られるべきではなかった50枚のアルバム」のリストに載せた。^{[41]一方、}メロディメーカーが1998年に実施した、多数のDJやジャーナリストが選んだ史上最悪のアルバム20枚をまとめた投票では、ティン・マシーンは17位に選ばれた。^[67]

一部の評論家は、グランジやオルタナティブロックが人気になる前にバンドがそれらの要素を探求していたと指摘した。 ^{[10] [35] [38]}パーマーとアスレガドゥーは、このレコードのサウンドを「プロトグランジ」とみなした。 ^{[34] [36]}アレンダーとアスレガドゥーは、このアルバムは時代を先取りしており、リリースが5〜6年後だったらもっと評価されていただろうと主張した。^{[35] [36]}

ボウイの伝記作家たちは、アルバムについて全体的に賛否両論の評価を下している。ペローネは、このアルバムは「ボウイの音楽と歌詞に1970年代のエッジが戻った」良いデビューアルバムだと感じているが、歌詞については全体を通して批判し、ボウイの初期のソロ作品の特別な魅力が失われていると考えている。^[10]ペッグは「アルバム単体としては、 『ティン・マシーン』はボウイの録音作品の中で最も聴きごたえのない作品の一つである」と述べている。^[38]トリンカも同じ意見で、このアルバムを「好きになれない」アルバムと呼んでおり、それがボウイの当初の意図だったのかもしれないと指摘している。^{[24]バックリーは主にメロディーやキャッチーなコーラスが欠けていることを批判しているが、これはボウイの以前のコラボレーターである}エイドリアン・ブリューも同じ意見である。^[47]それにもかかわらず、一部の評論家は「I Can't Read」を含む特定のトラックを賞賛しており、^{[35] [24] [68] [10]}ボウイ自身はこの曲をアルバムで最高の曲だと考えていた。^{[8]ボウイは1997年のアルバム『}アースリング』のセッション中にこの曲を再録音し、1998年の映画『アイス・ストーム』や、後に2020年のEP『イズ・イット・エニイ・ワンダー?』に収録された。^{[68] [69]}

アルバムのCDとカセットには、LP版には収録されていなかった「Run」と「Sacrifice Yourself」が収録されている。^{[21] [60]}以降のリリースはすべて、以前の順序に従っている。

ライナーノーツと伝記作家ニコラス・ペッグによると。^{[1] [70]}

ミュージシャン

• デヴィッド・ボウイ– リードボーカル、リズムギター
• リーヴス・ガブレルズ– リードギター
• トニー・フォックス・セールス– ベースギター、バックボーカル
• ハント・セールス– ドラム、バックボーカル
• ケヴィン・アームストロング– リズムギター、ハモンドオルガン(B-3) (「Pretty Thing」)

生産

• ティン・マシーン – プロデューサー
• ティム・パーマー– プロデューサー、ミキシング
• ジャスティン・シャーリー・スミス –エンジニア
• デビッド・リチャーズ– 追加エンジニアリング
• ロジャー・ゴーマン（ライナーデザイン） –アートディレクション＆デザイン
• 鋤田正義 –写真

• Tin Machine – 9 トラック コンピレーション (公式ビデオ) YouTube
• DiscogsのTin Machine (リリースリスト)