芸術としてのビデオゲーム

ビデオゲームを芸術の一形態とみなす概念は、エンターテインメント業界でよく議論されるトピックです。ビデオゲームは米国最高裁判所によって創作物として法的保護を受けていますが、演技、映像、デザイン、ストーリー、インタラクション、音楽などの表現要素の貢献を考慮しても、ビデオゲームが芸術作品であるという哲学的命題は依然として疑問視されています。意図的に創造的表現作品として設計されたゲームであるアートゲームでさえ、一部の批評家によって芸術作品として異議を唱えられています。^[1]

1983年、ビデオゲーム雑誌 『Video Games Player』は、ビデオゲームは「他の娯楽分野と同じくらい芸術形式である」と述べた。^[2]

ビデオゲームを芸術形式として捉える制度的考察は、1980年代後半に美術館が当時時代遅れだった第1世代および第2世代のゲームの回顧展を始めたときに始まった。1989年に開催された映像博物館の「Hot Circuits: A Video Arcade」などの展覧会では、ビデオゲームは既成の作品として展示され、その芸術としての質はキュレーターがそれを芸術として展示するという意図から生まれたものだった。^[3]このテーマのさらなる探求は、1990年代後半から2000年代初頭にかけて、ウォーカー・アート・センターの「Beyond Interface」（1998年）、^[4]オンラインの「Cracking the Maze - Game Plug-Ins as Hacker Art」（1999年）、^[5] UCI Beall Centreの「Shift-Ctrl」（2000年）、^[3]などの展覧会や、2001年のいくつかのショーで始まった。^[4]

ビデオゲームをデュシャン風のレディメイド、あるいはファウンドオブジェクトとして捉えるという概念は、アートゲームの初期の開発者たちの共感を呼んだ。2003年のデジタルアートと文化に関する論文「アーケードクラシックはアートを網羅するか？アートゲームジャンルの最新動向」で、ティファニー・ホームズ教授は、デジタルアートコミュニティにおける新たな重要な動向として、ブレイクアウト、アステロイド、パックマン、バーガータイムなどの初期の古典作品を参照または敬意を表したプレイ可能なビデオゲーム作品の開発が挙げられると指摘した。^[6]単純な初期のゲームのコードを修正したり、Quakeのようなより複雑なゲーム用のアートMODを作成したりすることで、アートゲームのジャンルは商業ゲームと現代デジタルアートの交差点から生まれた。^[3]

2010年にジョージア州アトランタで開催されたゲームの芸術史に関する会議で、セリア・ピアース教授はさらに、デュシャンの芸術作品と並んで、1960年代のフルクサス運動、そして最も直近ではニューゲームズ運動がより現代的な「アートゲーム」への道を開いたと指摘した。ピアースによると、ランツのパックマンハッタンなどの作品は、パフォーマンスアート作品のようなものになっているという。^[5]最近では、アートゲームとインディーゲームの間に強い重なりが生じている。ピアース教授によると、アートゲーム運動とインディーゲーム運動のこの出会いは、アートゲームをより多くの人の目にとめ、インディーゲームでより大きな可能性を探ることができるという点で重要である。^[5]

2006年3月、フランス文化大臣は初めてビデオゲームを文化財および「芸術的表現の一形態」と位置づけ、業界に税制優遇措置を与え^[7]、2人のフランス人ゲームデザイナー（ミシェル・アンセル、フレデリック・レイナル）と1人の日本人ゲームデザイナー（宮本茂）をフランス芸術文化勲章受章者に選出した。2011年5月、アメリカ合衆国国立芸術基金は、2012年の芸術プロジェクトに対する助成金の受け入れにおいて、許可されるプロジェクトを「インタラクティブゲーム」を含むように拡大し、ビデオゲームを芸術形態としてさらに認識させることにした^[8] 。同様に、アメリカ合衆国最高裁判所は、 2011年6月のブラウン対娯楽商人協会の判決において、ビデオゲームは他の芸術形態と同様に保護された表現であるとの判決を下した。ドイツでは、2018年8月より前、ソフトウェア評価機関Unterhaltungssoftware Selbstkontrolle (USK)が、ドイツ政府の定めたドイツ法典第86a条を施行し、ナチスなどの過激派グループの画像を含むゲームの販売を禁止していた。第86a条は芸術作品や科学作品におけるこれらの画像の使用を認めていたが、ビデオゲームは芸術的使用には該当しないとされていた。2018年8月9日、ドイツ政府はビデオゲームの芸術的性質の一部を認めることに同意し、第86a条の制限を緩和し、そのような画像を含むゲームが第86a条の社会的妥当性条項に該当する限り、USKが検討できるようにした。^{[9] [10] [11]}

ビデオゲームとアートの境界線は、展覧会がゲームとインタラクティブアートの両方のラベルに当てはまる場合、曖昧になります。スミソニアンアメリカ美術館は2012年に「ビデオゲームの芸術」と題した展覧会を開催しました。これは、古い作品の影響やビデオゲームが創造文化に与えたその後の影響など、ビデオゲームの芸術的性質を示すように設計されていました。^[12]スミソニアン博物館は後に、このコレクションのゲームであるフラワーとヘイロー2600を美術館内の常設展示品として追加しました。^[13]同様に、ニューヨーク近代美術館は、歴史的に重要なビデオゲーム40作品を元の形式で収集して展示することを目指しており、「芸術的な媒体としてのゲームを祝う」というより広範な取り組みの一環として、ビデオゲームのインタラクションデザインを紹介しています。^[14]エレクトロニックエンターテインメントエキスポの時期に開催される毎年恒例の「イントゥザピクセル」アート展では、ビデオゲームとアート業界の専門家の両方のパネルによって選ばれたビデオゲームアートが紹介されます。 ^[15]

トライベッカ映画祭では過去にもビデオゲームが特集されたことがあるが、2021年のイベントで初めてトライベッカゲーム賞が開催された。^{[16] [17]}

ビデオゲームは、少なくとも2000年代半ばから哲学的美学や芸術哲学の関心を集めており、芸術に関する伝統的な哲学的問いの文脈でビデオゲームを考察する文献が増えている。そのような問いの1つは、ビデオゲームが芸術の一形態であるかどうかである。2005年にContemporary Aesthetics誌に発表されたエッセイ「ビデオゲームは芸術か?」で、哲学者のアーロン・スマッツは「芸術の主要な定義からすると、多くの現代のビデオゲームは芸術と見なされるべきである」と主張した。 ^[18]ニュージーランドの哲学者グラント・タヴィナーの2009年の著書「ビデオゲームの芸術」では、芸術の定義の問題に対処するために採用されてきた分離定義やクラスター説明の下で考えると、「ビデオゲームには独自の非芸術的な歴史的および概念的先例があるものの、ビデオゲームは他の芸術作品と適切な概念的関係にあり、芸術として数えられる」と主張している。^[19]タヴィノールはその後の論文で、ビデオゲームは、このカテゴリーの他の例とは存在論的に異なるにもかかわらず、哲学者ノエル・キャロル^[20]が「マスアート」と呼んだものの例として数えられると主張している。^[21]ブリティッシュコロンビア大学の哲学者ドミニク・マクアイバー・ロペスは、コンピュータアートに関する本の中で、ビデオゲームを芸術の一形態と見なす同様の理由を挙げているが、その特徴的なインタラクティブ性は、建築や音楽などの確立された芸術形態と比較して、それぞれが「独自の方法で肯定的な美的特性を実現している」ことを意味する可能性があるとも述べている。^[22]

ビデオゲームを芸術として哲学的に解釈した初期の研究に続いて、ビデオゲームは芸術哲学において確立されたテーマとなり、『The Journal of Aesthetics and Art Criticism』などの美学雑誌に頻繁に登場し、『 Oxford Encyclopedia of Aesthetics』にも独自の項目が掲載されている。^[23]また、哲学的美学に関する複数の読本や作品集にも登場している。^{[24] [25]}

文献の多くは、ビデオゲームが芸術であるかどうかという問いから、ビデオゲームはどのような芸術形式であるかという問いへと移り変わっている。セント・アンドリュース大学の哲学者ベリス・ゴートは、ビデオゲームを「インタラクティブ・シネマ」の一例とみなしている。^{[26]タヴィナーとジョン・ロブソンが編集した2018年のゲームに関する哲学的エッセイ集}『ビデオゲームの美学』では、数人の哲学者が、ゲームがどのような芸術形式であるか、そして特徴的またはユニークな芸術的解釈の実践が含まれているかどうかについて考察している。^[27]ザック・ジャーゲンセンは「ビデオゲームを鑑賞する」という章で、ビデオゲームは芸術であるというこれまでの哲学的議論が「説得力がある」と認めつつも、それらの議論ではゲームプレイが無視されていることが一般的であり、「ビデオゲームを芸術作品として研究する価値があるのは、ビデオゲームをゲームとして理解することに部分的に根拠がある」と指摘している。 ^[28] 2020年、ユタ大学の哲学教授C・ティ・グエンは「ゲーム：エージェンシーとしての芸術」を出版し、非電子ゲームを広く考慮する文脈でビデオゲームを芸術とする概念を検討した。^[29]

多くのビデオゲームは、その視覚的イメージや物語性から芸術として認識されているが、別の種類のゲームは、一般的には、貧困、セクシュアリティ、身体的および精神的疾患に関連するトピックを扱い、ストレスを誘発する状況下でユーザーにキャラクターのロールプレイをさせることによって、プレイヤーの感情的な体験を生み出すことで注目を集めている。^{[30] [31]}このようなゲームは共感ゲームの例であると考えられており、シドニー・モーニング・ヘラルドのパトリック・ベグリーは、このゲームを「プレイヤーにキャラクターの感情の世界に住むことを求める」ゲームと大まかに説明している。^[32]たとえば、「Papers, Please」は、架空の東側諸国でパスポートやその他の渡航文書をチェックする国境警備官を表向きに描いたゲームであり、プレイヤーキャラクターの給料は、ミスの少なさを反映し、家族の食事や住居のために使われる。このゲームでは、プレイヤーは、適切な書類をすべて持っていないかもしれないが、愛する人と再会するなど、通過を許可しなければならない切実な理由がある特定の人々を、自分の給料と家族の幸福を犠牲にして入国させるかどうかの決定を下す必要がある。^[33]

ゲームを芸術作品とみなすことは議論の的となっている。ゲームにはグラフィック アート、音楽、ストーリーなどの伝統的な形式で芸術的要素が含まれる可能性があることを認めながらも、ゲームは芸術作品ではなく、芸術と呼ぶことは決してできないという立場を主張する著名人も数人いる。

アメリカの裁判所がビデオゲームが憲法修正第1条の下で言論の自由を保障される資格があるかどうかという問題を初めて検討し始めたのは、 1982年頃から始まった、アメリカズ・ベスト・ファミリー・ショープレイス社対ニューヨーク市建築局の訴訟など、未成年者によるビデオゲームの購入やビデオゲームセンターの利用を制限する条例に関連する一連の訴訟であった。 ^{[34]これらの条例や規制は、スペース}インベーダーやパックマンなどのゲームが未成年者から何百万ドルもの収益を上げていたアーケードの黄金時代の余波で、ビデオゲームやアーケードの暴力や中毒性の行動の可能性に対する道徳的パニックから生まれたものであった。ビデオゲームは、ピンボール、チェス、ボードゲームやカードゲーム、組織化されたスポーツよりも表現力が豊かではないため、保護される言論とはみなされないという判決の判例が確立され始めた。^[35]これらの訴訟の大部分は、ビデオゲームに憲法修正第1条に基づく保護を認めず、行動制限に関する自治体の懸念の方が当時はより切実な懸念であったとして、自治体に有利な判決を下した。^[36]しかし、これらの初期の訴訟は、ビデオゲームが仮想世界を表現することができるため、単なるピンボールマシンよりも進歩している可能性があり、技術が進歩するにつれて先例が変わる可能性があるという疑問を提起した。^[35]

モータルコンバットの発売により、ビデオゲームの暴力に関する議論が激化し、米国議会は1993年と1994年に公聴会を開催し、ゲーム業界のレーティング制度の欠如を批判した。この公聴会をきっかけに、1994年にインタラクティブデジタルソフトウェア協会（後にエンターテインメントソフトウェア協会と改名）が設立され、業界を規制する法案を阻止するためにエンターテインメントソフトウェアレーティング委員会（ESRB）が設立された。 ^[37] ESRB制度は任意であったが、小売業者はレーティングのないゲームや「成人向け」とレーティングされたゲームを販売せず、「成人向け」ゲームの未成年者への販売を制限することに同意した。^{[38] [39] [40]}

ESRBシステムにもかかわらず、いくつかの州は、暴力的なビデオゲームは未成年者に有害であるという理由で、ESRBレーティングを強制する法律を制定しようとした。2000年に始まった連邦地方裁判所と巡回裁判所での一連の訴訟で、これらの条例と制限に異議を唱えたことで、ビデオゲームの表現の性質に関する判例が変更され始めた。これらの訴訟で、裁判所はビデオゲームの2つの要素を特定した。それは、ビデオゲームは表現力豊かな作品であり、修正第1条によって保護される可能性があること、およびミラーテストを使用した審査では、ビデオゲームはわいせつとは見なされず、したがって保護対象作品となることを制限されないことである。^{[35] [41]} 2001年の第7巡回区控訴裁判所のAmerican Amusement Machine Ass'n v. Kendrick ^[42]は、これらの訴訟によって設定された新しい判例の最も決定的な根拠であると考えられており、ポズナーは、わいせつな内容に関する訴訟とは異なり、暴力的な内容を憲法修正第1条の保護から除外することを支持する同様のわいせつな利益はない、と論じた。^{[35] [43]}この論法を適用すると、ビデオゲームは憲法修正第1条で保護された著作物として審査裁判所によって扱われ、判決では一般に、未成年者がビデオゲームをプレイしたり購入したりすることを禁止する条例は違憲であるとの判決が下された。しかし、最高裁の判例がないため、これらの判決は全国的な基準を定めなかった。^[35]

ビデオゲームにおける暴力は、親、擁護者、および立法者にとって依然として懸念事項であった。 2005年にグランド・セフト・オート・サンアンドレアスで「ホットコーヒー」が発見され、2006年にESRBがエルダースクロールズIV：オブリビオンを再評価したことで、ゲームアセット内にMODでのみ閲覧可能な性的に露骨なコンテンツが明らかになったため、ESRBのシステムをさらに強化し、ESRBのプロセスを義務付けるための新しい連邦法と州法が提案された。^[44]他の州では、ESRBの評価に基づいてゲームの販売を強制する法律が可決され、そのほとんどは小売業者に罰金を科すことで「成人向け」と評価されたゲームを未成年者に販売するのを防ぐことを目的としていた。ビデオゲーム業界の業界団体はこれらの法律を阻止するために訴訟を起こし、暴力的なゲームであってもビデオゲームは保護された表現であるという2000年初頭の同様の判例に基づいて、概ね勝訴した。^[43]

2011年のブラウン対エンターテインメント・マーチャント協会事件では、カリフォルニア州の同様の法律に基づいて未成年者への成人向けビデオゲームの販売を禁止したが、米国最高裁判所はゲームは憲法修正第1条の保護を受ける資格があるとの判決を下し、多数意見は「それ以前に保護された書籍、演劇、映画と同様に、ビデオゲームは多くの馴染みのある文学的装置（登場人物、会話、筋書き、音楽など）や媒体特有の機能（プレイヤーと仮想世界とのやり取りなど）を通じてアイデア、さらには社会的メッセージを伝える。これは憲法修正第1条の保護を与えるのに十分である」と述べている。^{[45] [43]}

新興の芸術形態は、既存のコミュニティに認知され、正当化されることに依存しているが、同時に既存のコミュニティとイデオロギー的および物質的な支援を競い合っている。^[1]ゲームは、映画、テレビ、漫画がかつて疑われたのと同じように、既存のメディアの批評家から疑念を持たれている。^[1]ガーディアン紙のゲーム編集者であるキース・スチュワートは、主流メディアはゲームを取り巻く人間の物語という角度からゲームにアプローチすることを好むため、特定可能なクリエイターがいるインディーゲームはジャーナリストにとって魅力的であると考えている。^[46]ゲームに献身的な批評コミュニティも同様に、ゲームの芸術的可能性は単独のクリエイターの創造的ビジョンに支えられているという作家理論を受け入れている。 ^[1]ロンドン・レビュー・オブ・ブックスのジョン・ランチェスターは、ビデオゲームが映画や書籍に比べて収益面で大きな市場になっているにもかかわらず、ビデオゲームに向けられる注目は一般的に限られた情報源に委ねられており、「文化的談話」に容易には入り込まないと指摘している。^[47]

作家主義理論により、インディーズの地位と芸術的名声の間に重なりが生じ、批評家はインディーズゲームのスタイルの選択を賞賛するが、同じ選択は商業ゲームでは嘆かわしいものである。^{[48]アート}ゲームの支持者は、メディア全体を擁護するのではなく、彼らが低俗文化であると認めているビデオゲームに対抗する別の環境を作り出そうとする。^{[1] [48]}実際には、インディーズの作家は商業的な支援を受けることが多く、一方で宮本茂やピーター・モリニューなどの主流のクリエイターもますます作家主義と見なされるようになっている。^{[1]インディーズと芸術性の混同は、}アナ・アントロピー^[1]、 ルーシー・ケラウェイ^[48]、ジム・マンロー^[49]などから批判されており、彼らはインディーズゲームを主流ゲームと区別する特徴は本質的に芸術的なものではないと主張している。

マンローは、ビデオゲームはしばしば二重基準に直面していると示唆した。それは、ビデオゲームが子供のおもちゃという伝統的な概念に従うと、つまらない非芸術的として軽々しく退けられるが、真剣な大人のテーマをゲームに導入することで限界を押し広げると、これらの伝統的な概念が要求する非芸術的なつまらないものの基準に従わないとして否定的な批判や論争に直面する、というものである。彼はさらに、ゲームは映画のような非インタラクティブなプレゼンテーションではなく、アーティストが観客が自分の条件で体験できる空間を創造する建築に近いタイプの芸術であると説明した。^[49]

ビデオゲームデザイナーのキム・スウィフトは、ゲームは芸術的になり得ると信じているが、文化的価値を持つためには芸術である必要があるとは考えていない。彼女は、ビデオゲームは大人が想像力を働かせるためのおもちゃを目指すべきだと考えている。^[50]

この問題は、映画評論家のロジャー・エバートが一連の論争を巻き起こす討論に参加し、対談集を発表した2000年代半ばに広く世間の注目を集めた。 ^[51] 2005年、ゲーム『DOOM』の知識が映画『DOOM』 （エバートはゲームへの解説としてこの映画に1つ星を付けた）を正しく鑑賞するために不可欠であるかどうかについてのオンライン討論の後、^[52]エバートはビデオゲームを、より確立された芸術形式とは比較にならない非芸術的な媒体であると述べた。

私の知る限り、この分野の内外を問わず、偉大な劇作家、詩人、映画監督、小説家、作曲家と比較するに値するゲームを挙げた人は一人もいません。ゲームが視覚体験として芸術的重要性を追求できることは認めます。しかし、ほとんどのゲーマーにとって、ビデオゲームは、私たちがより教養深く、文明的で、共感力のある人間になるために使える貴重な時間を失うことを意味します。

— ロジャー・エバート^[53]

2006年、エバートは世界情勢会議の「壮大な議論：ビデオゲームは芸術形式か？」と題されたパネルディスカッションに参加し、ビデオゲームは他の芸術形式のように人間であることの意味を探求していないと述べた。^{[54] [55] 1年後、パネルディスカッションでの}クライブ・バーカーのコメントに応えて、エバートはさらに、ビデオゲームは他の芸術形式を台無しにする柔軟性を提供すると指摘した。例として、エバートは、オプションでハッピーエンドを選択できるロミオとジュリエット^{のバージョンのアイデアを提示した。エバートによると、そのようなオプションは元の作品の芸術的表現を弱めるだろう。 [56]} 2010年4月、エバートは、 2009年のテクノロジーエンターテイメントデザインカンファレンスでのthatgamecompanyのケリー・サンティアゴ のプレゼンテーションを分析したエッセイを発表し、ゲームはルールと目標ベースのインタラクティブ性のため、決して芸術にはなり得ないと主張した。^[57]

アートとゲームの明らかな違いは、ゲームは勝てるということです。ゲームにはルール、ポイント、目的、結果があります。サンティアゴはポイントやルールのない没入型ゲームを挙げるかもしれませんが、それはゲームではなく、物語、小説、演劇、ダンス、映画の表現になると思います。これらは勝つことができないもので、体験することしかできません。

— ロジャー・エバート^[57]

エバートのエッセイはゲームコミュニティから強く批判された。^{[58] [59] [60]}サンティアゴ自身も批判者であり、ビデオゲームは芸術的メディアとして、先史時代の洞窟壁画と同様にまだ初期段階にあると考えている。^[61]エバートは2010年にコメントを修正し、ゲームは非伝統的な意味で芸術である可能性を認め、「Cosmology of Kyoto」をプレイして楽しんだこと、そして当初の議論に対するいくつかの反論を行った。^[62]

イーバートはこの問題に再度取り組むことはなく、彼の見解は論争に巻き込まれたままであるが、ビデオゲームは商業的魅力と選択主導の物語としての構造のために芸術とみなされる資格がないという考えは、ビデオゲームの権威であるブライアン・モリアーティを含む多くの人々にとって説得力があることが証明されている。モリアーティは2011年3月にこのテーマで「ロジャー・イーバートへの謝罪」と題した講演を行った。この講演でモリアーティは、ビデオゲームは単に伝統的なルールベースのゲームの延長であり、チェスや囲碁のようなゲームを芸術であると宣言する声はないと強調した。彼はさらに、エーバート、ショーペンハウアー、そして彼のようなロマン主義者が関心を寄せていた意味での芸術（すなわち、芸術または崇高な芸術）は非常に稀であり、ビデオゲームに芸術的価値がないと宣言することで、イーバートは一貫していると主張した。それは、イーバートが以前「映画はほとんど芸術ではない」と主張していたのと同じである。^[52]モリアーティは、芸術の定義が低級芸術まで拡大されたことを非難し、ビデオゲームをキッチュに例え、ビデオゲームの美的評価をキャンプと表現した。インディーゲームにおける商業勢力の腐敗した影響と、ゲームデザイナーが扱わなければならない「滑りやすい」ツールを考えると芸術を創造することの難しさについて論じた後、モリアーティは、最終的には、ゲーム内でプレイヤーの選択肢が提示されるという事実が、作品に対する観客のインタラクションが作者からコントロールを奪い、それによって芸術の表現を否定するため、ビデオゲームに「芸術」という用語を適用することを構造的に無効にしていると結論付けた。この講演は、著名なビデオゲームデザイナーのザック・ゲージによって厳しく批判された。^[52]

2006年のUS Official PlayStation 2 Magazineのインタビューで、ゲームデザイナーの小島秀夫は、ビデオゲームは芸術ではないというエバートの評価に同意した。小島は、ゲームに芸術作品が含まれる可能性があることを認めたが、芸術がニッチな関心に応えるのとは対照的に、ビデオゲームの本質的に人気のある性質を強調した。すべてのビデオゲームの最高の理想は100％のプレイヤー満足度を達成することであるのに対し、芸術は少なくとも1人の人を対象としているため、小島はビデオゲームの制作は芸術的努力というよりもサービスであると主張した。^[63]

2010 年のゲーム芸術史会議で、マイケル・サミンとオーリア・ハーヴェイ (インディーズスタジオテイル・オブ・テイルズの創設メンバー) は、ゲームは「芸術ではない」し、概して「時間の無駄」であると明確に主張しました。テイル・オブ・テイルズがゲームと芸術を区別する上で中心となるのは、芸術と対照的にゲームの目的性です。サミンは、人間には遊びによってのみ満たされる生物学的欲求があり、遊びはゲームの形で現れているため、ゲームは生理的必要性以上のものではないと主張しています。一方、芸術は肉体的欲求から生まれたものではなく、より高次の目的の探求を表しています。したがって、サミンによると、ゲームがプレイヤーの肉体的欲求を満たすように機能するという事実は、それを芸術として失格にするのに十分です。^[5]

テイル・オブ・テイルズの作品は以前から第三者から「アートゲーム」と評されていたため、ゲーマーたちはこの物議を醸す姿勢に驚いたが、テイル・オブ・テイルズは、自分たちが作っているゲームは単にゲームの概念を拡張したものだと明言した。サミンは、彼らのゲームを「アートゲーム」と評したことは、ビデオゲーム業界における想像力の停滞と進歩主義の欠如の副産物に過ぎないと指摘した。テイル・オブ・テイルズは、一方通行のコミュニケーションを特徴とする古いメディアでは不十分であり、コンピューターを介した双方向のコミュニケーションがアートの前進の道を提供していることを認めたが、スタジオは、今日、そのようなコミュニケーションはビデオゲーム業界によって人質にされていると主張した。^[5]この未来的な双方向アートを可能にし、促進するためには、テイル・オブ・テイルズは、現在のパラダイムに合わないゲームによって「ゲーム」の概念を骨抜きにし、サミンとハーベイが「ゲームではない」と呼ぶアート作品の創造を通じて「死骸に命を吹き込む」必要があると示唆している。^[5]

2011 年、サミンはゲームは芸術ではないという主張をさらに洗練させ、ゲームは体系的でルールベースであるという事実を強調した。サミンは、ゲームプレイの仕組みを重視する業界が、ゲームにおける芸術的物語の疎外に直接的な原因となっていると指摘し、現代のビデオゲームはデジタル スポーツにすぎないと述べた。体系的な問題を指摘し、サミンは、アーティストとされる人物が、そのビジョンを共有していない可能性のある大規模で非常に効率的な開発チームを通じて作業しなければならない現在のモデルを批判した。しかし、サミンは、ゲームを媒体として芸術を創造するために使用できるという考えを否定しているわけではない。ビデオゲームという媒体を使用して芸術を創造するには、芸術的なメッセージがゲームプレイの仕組みの指針としてその表現手段に先行する必要があり、「楽しさ」の開発や経済的考慮が作品の創造を導くのをやめ、開発プロセスが単一のアーティスト/著者のビジョンが中心的な優位性を得るモデルを採用する必要があるとサミンは示唆している。^[64]

2012年、ガーディアン紙の美術評論家ジョナサン・ジョーンズは、ゲームは遊び場のようなもので、芸術ではないと主張する記事を掲載した。ジョーンズはまた、ビデオゲームの制作の性質上、「一人の人間の人生に対する反応」が奪われ、「誰もゲームを所有していないので、アーティストは存在せず、したがって芸術作品も存在しない」と指摘している。^[65]

• 芸術に関する分類論争
• 芸術的自由
• ビデオゲームの作家
• 電子言語国際フェスティバル
• ゲームカノン
• ゲームマスターズ、オーストラリア映像センターで開催される、ビデオゲームという媒体の主要なアーティストやデザイナーを紹介する展覧会。
• ゲーム研究
• インタラクティブアート
• マシニマ、ゲームを使ったストーリーテリング
• ココロミコレクティブ
• ビデオゲームを芸術として捉え、現代社会でビデオゲームが果たす役割を探求する映画『プレイング・コロンバイン』
• ビデオゲームアート、ビデオゲームを媒体とした芸術表現
• ビデオゲーム開発、ビデオゲームを作成するプロセス
• ビジュアルノベル