レコードプロデューサー

レコードプロデューサーまたは音楽プロデューサーは、音楽制作プロジェクトの全体的な監督者であり、その責任にはさまざまな創造的および技術的なリーダーシップの役割が含まれます。通常、この仕事には、レコーディングセッションの直接的な監督、アーティストが許容できる高品質のパフォーマンスを提供するための確認、レコーディングの技術的なエンジニアリングの監督、および制作チームとプロセスの調整が含まれます。音楽プロジェクトへのプロデューサーの関与は、深さと範囲が異なる場合があります。ポピュラーなジャンルでは、プロデューサーがレコーディングの全体的なサウンドと構造を作成する場合があります。 ^{[1] [2] [3]}ただし、たとえばクラシック音楽のレコーディングでは、プロデューサーは指揮者とエンジニアリングチームの間の連絡役としての役割を果たします。この役割は映画監督の役割によく似ていますが、重要な違いがあります。^{[1] [3]}これは、主に管理レベルでレコーディングプロジェクトに関与するエグゼクティブプロデューサーの役割や、レコーディングテクノロジーを操作するオーディオエンジニアとは異なります。

プロジェクトによって異なるが、プロデューサーがすべてのアーティストを選ぶことも、選ばないこともある。^{[4] [3]}シンセサイザーやサンプリングされた楽器のみを使用する場合、プロデューサーが唯一のアーティストである場合がある。 ^[3]逆に、一部のアーティストは自分で制作を行う。^[3]一部のプロデューサーはエンジニアを兼任し、^[5]プロジェクト全体の技術を操作し、プリプロダクション、レコーディング、ミキシング、マスタリングを行う。レコードプロデューサーの先駆者は「A&Rマン」であり、同様に起業家、クリエイティブ、テクニカルな役割を組み合わせることができたが^[2]、創造的な影響力はほとんど発揮しなかった。^[6]レコード制作は1950年代まで、アーティスト自身のライブパフォーマンスとレコードの音響の一致を改善することにのみ焦点を当てていた。^[3]

録音技術の進歩、特に1940年代のテープ録音の登場（レス・ポールはすぐにこれをさらに革新して多重トラック録音を開発しました^[7]）と1950年代の電子楽器の台頭により、レコード制作は専門分野になりました。^[3]当時のポピュラー音楽では、ジョージ・マーティン、フィル・スペクター、ブライアン・イーノなどのプロデューサーが、精巧なテクニックと非現実的なサウンドを使用する現在の進化を導き、ライブでは不可能な曲を生み出しました。^{[1] [8]} 1980年代以降、制作がアナログからデジタルに移行したことで、可能性がさらに広がりました。^[3]現在では、Logic Pro、 Pro Tools、Studio OneなどのDAW （デジタルオーディオワークステーション）により、一般的なコンピューターが制作コンソールに変わり、^{[9] [10]}安価なホームスタジオで、初心者が一人でも熟練したプロデューサーになれるようになっています。^{[11] [12]} 2010年代には、クラシック音楽でのみ男性に圧倒的に劣り、特に高く評価されている女性のプロデューサーやエンジニアの普及率を高める取り組みが始まりました。^{[11] [13]}

幅広いプロジェクトとして、ポピュラー音楽のレコーディングの制作は、ビジネスパートナーシップと資金調達を監督するエグゼクティブプロデューサー、専門的な批評とボーカルテクニックの指導を通じてボーカルパフォーマンスを支援するボーカルプロデューサーまたはボーカルアレンジャー、そして単にプロデューサーと呼ばれることが多いレコードプロデューサーまたは音楽プロデューサーの 3 人の専門家に分割される場合があります。レコードプロデューサーまたは音楽プロデューサーは、曲のレコーディングの全体的なクリエイティブプロセスを監督し、最終ミックスを行います。

プロデューサーの役割には、アイデアの収集、作曲、セッションミュージシャンの選択、曲のアレンジの変更の提案、演奏者の指導、セッションの管理、オーディオミキシングの監督、場合によってはオーディオマスタリングの監督などが含まれます。プロデューサーは、監督またはアドバイザーの役割を担い、アーティスト自身にクリエイティブなコントロールを与えることもあります。グラミー賞のノミネート資格に関しては、レコーディングアカデミーはプロデューサーを次のように定義しています。^[2]

レコーディング プロジェクト全体、およびそのプロジェクトの一部である個々のレコーディング セッションの全体的なクリエイティブおよびテクニカル コントロールを持つ人物。プロデューサーはレコーディング スタジオまたはレコーディング現場に常駐し、アーティストやエンジニアと直接連携します。プロデューサーは、音楽コンテンツの作成においてアーティストとレーベルの両方の目標を実現するクリエイティブおよび美的判断を行います。その他の職務には、予算とスケジュールの維持、締め切りの順守、ミュージシャン、歌手、スタジオ、エンジニアの雇用、その他のスタッフのニーズの監督、編集 (クラシック プロジェクト) などがありますが、これらに限定されません。

プロデューサーは、ミキシング エンジニアを選択して協力することがよくあります。ミキシング エンジニアは、レコーディング プロセスの特に技術的な側面、つまり電子機器の操作と、ボーカルまたは楽器の選択されたパフォーマンスの録音された生のトラックをステレオまたはサラウンド サウンドのミックスにブレンドすることに重点を置いています。次に、マスタリング エンジニアがこの録音をさらに調整し、選択されたメディアで配信します。プロデューサーは、1 曲または 2 曲だけを担当することもあれば、アーティストのアルバム全体を担当して、アルバムの全体的なビジョンの開発を支援することもあります。レコード プロデューサーは、エグゼクティブ プロデューサーの役割を引き受け、予算、スケジュール、契約、交渉を管理することもあります。

（アーティストとレパートリー）

1880年代、レコード産業は、アーティストが蓄音機で演奏するところから始まった。^[14] 1924年、蓄音機とレコード産業を扱った業界誌Talking Machine World は、ビクター・レコードの「ニューヨーク・アーティストおよびレパートリー部門」のマネージャーであるエディ・キングが、ロサンゼルスで一連のレコーディングを計画していると報じた。^[15]後に、民俗学者のアーチー・グリーンは、これをおそらくA&R マンの印刷物での最初の使用例と呼んだ。^[15]実際には、「A&R マン」や「A&R」とは書かれておらず、これはおそらく1946 年にビルボード誌によって造られ、1940年代後半に広く使用されるようになった頭字語である。^[15]

1920年代から1930年代にかけて、コロンビア・レコードのベン・セルビン、ビクター・レコードのナサニエル・シルクレット、ブランズウィック・レコードのボブ・ヘリングといったA&R幹部がレコード・プロデューサーの先駆者となり、レコーディングを監督し、セッション・オーケストラを率いることが多かった。^[6] 1940年代には、大手レコード会社が正式なA&R部門を開設するケースが増え、その役割にはレコーディングの監督も含まれていた。^{[15]一方、独立系レコーディング・スタジオがオープンし、}レコード・プロデューサーという専門職が誕生した。 ^[要出典]しかし、A&Rのスタッフが曲を書くという伝統はあったものの、レコード制作は依然としてレコード・ディスクの製造のみを指していた。^[6]

第二次世界大戦後、独立系レーベルを所有しながら、現在理解されているようなレコード制作へと大きく移行した先駆的なA&Rマネージャーには、J・メイヨー・ウィリアムズやジョン・ハモンドなどがいます。^[6]コロンビアレコードからマーキュリーレコードに移った後、ハモンドはニューヨークでマーキュリーの人気レコードを率いるためにミッチ・ミラーを任命しました。 ^{[6]ミラーはその後、}パティ・ペイジやフランキー・レインのカントリーポップクロスオーバーヒットをプロデュースし、マーキュリーからコロンビアに移り、1950年代を代表するA&Rマンになりました。^[6]

この10年間で、A&Rの幹部はますます曲の音響的特徴を指示するようになったが、多くの幹部は依然として歌手とミュージシャンを単にチームに組ませるだけであり、また他の幹部は実質的に創造的な影響力を及ぼさなかった。^[6]レコードプロデューサーという用語は、現在の意味では、つまり曲制作のクリエイティブディレクターという意味で、1953年発行のビルボード誌に登場し、1960年代に広く使われるようになった。^[6]それでも、正式な区別はしばらく曖昧だった。^[6] A&Rマネージャーは、モータウンレコードレーベルでベリー・ゴーディに雇われたウィリアム・「ミッキー」・スティーブンソンのように、クリエイティブディレクターを兼任することもあった。^[16]

1947年、アメリカ市場では磁気テープへの音声録音が可能になった。^[17]レコード産業が始まった1880年代には、録音は蓄音機によって行われ、音の波形を円筒に垂直に刻み込んでいた。 ^[18] 1930年代までには、蓄音機がそれをディスクに横方向に刻み込んだ。 ^[19]低音か高音かを問わず音域とダイナミックレンジが制限されたため、レコードはグランドピアノの音を小さなアップライトピアノのように鳴らし、最長4分半しか演奏できなかった。^{[14] [19]}選曲や演奏はそれに応じて変更されることが多く、このディスク（ワックスマスター）を再生するとディスクが破壊された。^[19]その決定的な要素が不安を引き起こし、間違いを防ぐために演奏を抑制することが多かった。^[19] 1940年代、第二次世界大戦中、ドイツは磁気テープへの音声録音を改良し、録音時間の制限をなくし、即時の再生、再録音、編集を可能にしました。この技術は、現在の役割を担うレコードプロデューサーの出現を前提としていました。^[19]

レコーディング業界の初期には、アーティスト全員がライブでワンテイクで演奏するだけでレコードが完成しました。^[18] 1945年、^[7]にレス・ポールは、以前に録音したレコードを再生しながら音楽要素を録音することで、「サウンド・オン・サウンド」と呼ばれる録音技術を開発しました。^[18]これにより、最終的な録音を少しずつ構築して調整することができ、編集プロセスが実現しました。^[18]あるとき、ポールは500枚の録音ディスクを使って曲を制作しました。^[18]しかし、このプロセスの退屈さに加えて、以前に録音した要素の音質が連続的に低下し、周囲の音として再録音されました。 [18] しかし、1948年にポールはテープ録音を採用し、「オーバーダビング」という新しい技術によって真のマルチトラック録音を可能にしました。^{[18 ]}

オーバーダビングを可能にするため、ポールはテープレコーダー自体を改良し、2つ目の再生ヘッドを追加して、これをプレビューヘッドと名付けました。^[7]既存の録音ヘッド、消去ヘッド、再生ヘッドを統合したプレビューヘッドにより、アーティストはヘッドフォンで既存の録音を同期して聞くことができ、現在のパフォーマンスは独立したトラックに単独で録音されます。^[7]このように複数のトラックを分離することで、無数のミキシングが可能になります。プロデューサーは当初、「ベッドトラック」、つまりベースライン、ドラム、リズムギターなどのリズムセクションのみを録音し、ボーカルや楽器のソロは後から追加することができました。たとえば、ホーンセクションは1週間後に録音し、ストリングセクションはさらに1週間後に録音できます。歌手が自分のバックボーカルを演奏したり、ギタリストが15レイヤーを演奏したりすることもできます。

1960年代を通じて、ポピュラー音楽はピアノ、アップライトベース、アコースティックギター、金管楽器などのアコースティック楽器から、エレキギター、キーボード、シンセサイザーなどの電子楽器へと移行し、楽器用アンプやスピーカーが使用されるようになった。これらはアコースティック楽器を模倣することも、まったく新しいサウンドを生み出すこともできる。すぐに、テープ、マルチトラック録音、電子楽器の機能を組み合わせることで、フィル・スペクター、ジョージ・マーティン、ジョー・ミークなどのプロデューサーがライブでは実現不可能なサウンドを生み出した。^{[8]同様に、}ジャズ・フュージョンでは、マイルス・デイビスの1970年のアルバム「ビッチェズ・ブリュー」をプロデュースしたテオ・マセロが、大規模な即興セッションの一部をつなぎ合わせた。

1960年代には、ビートルズ、ローリング・ストーンズ、キンクスなどのロックバンドが自分たちの曲をいくつかプロデュースしたが、そうした曲の多くは公式には専門のプロデューサーにクレジットされている。しかし特に影響力があったのはビーチ・ボーイズで、バンドの商業的成功から数年後にバンド・リーダーのブライアン・ウィルソンが父のマリーから指揮を引き継いだ。1964年までに、ウィルソンはスペクターのテクニックをこれまでにないほど洗練させていた。1963年から1967年の間、ウィルソンはビーチ・ボーイズのすべてのレコーディングを一人でプロデュースした。複数のスタジオと複数回の楽器およびボーカルトラックの試作を使用して、ウィルソンはパフォーマンスとオーディオ品質の最良の組み合わせを選択し、テープ編集を使用して合成パフォーマンスを組み立てた。

1980 年代にデジタル処理とデジタル形式の出現により、テープやビニールといったアナログ処理とアナログ形式は急速に置き換えられました。少なくとも 0.5 インチ幅で 15 インチ / 秒で移動する高品質のテープに録音すると、無音部分への「テープ ヒス」は限定されていましたが、デジタルのより高い信号対雑音比(SNR) により、それがなくなりました。^[20]また、デジタルによって音楽は「純粋な」音質に感じられるようになりましたが、アナログ録音の「温かみ」のある音質とより豊かな低音は失われました。^[20]ただし、テープ メディアの編集には、リボン上の対象オーディオを物理的に探してカットし、つなぎ合わせる必要がありますが、デジタル メディアの編集には、容易さ、効率性、可能性の点で議論の余地のない利点があります。

1990年代には、制作ソフトウェアを通じて、デジタル制作が手頃な価格の家庭用コンピュータにまで広がりました。現在では、録音とミキシングは多くの場合、DAW（デジタルオーディオワークステーション）に集中しています。たとえば、Pro Tools、Logic Pro、Ableton、Cubase、Reason、FL Studioなどです。これらのDAWでは、サードパーティのプラグインがバーチャルスタジオテクノロジーを実現します。^[9]業界でかなり標準的なDAWは、Logic ProとPro Toolsです。^[10]関連する物理デバイスには、メインミキサー、機器間で通信するためのMIDIコントローラー、録音デバイス自体、およびおそらく外部のエフェクトギアが含まれます。しかし、文字どおりの録音は、テープへのアナログのままである場合もあり、その場合、生の録音は処理と編集のためにデジタル信号に変換されます。これは、テープへの録音にオーディオ上の利点があると考えるプロデューサーもいるためです。^[20]

従来、テープは、ダイナミックピークが最大記録信号レベルを超える過変調に対しては比較的寛容である。テープの物理的特性である磁気容量の限界は徐々に減少し、15デシベル近く「ホット」な信号でも過変調波形を滑らかにするが、デジタル録音は、オーバーシュートが発生すると「クリッピング」による激しい歪みで台無しになる。^[20]しかし、デジタル録音では、最近の進歩である32ビットフロートにより、DAWでクリッピングを元に戻せるようになった。^[21]それでも、デジタル機器やワークフローは過剰な自動化により、創造性や音響のコントロールが損なわれると批判する人もいる。^[22]いずれにせよ、制作技術が劇的に変化するにつれて、知識の要求も変化した。^[23] DAWにより、初心者、さらには自宅で10代の若者でも、独学で制作を学ぶことができる。^[11]アーティストと仕事をする前に、プロの能力を身に付けている人もいる。^[12]

女性レコードプロデューサーとしては、シルヴィア・モイがモータウンで、ゲイル・デイヴィスがナッシュビルのミュージック・ロウで、エセル・ガブリエルがRCAでそれぞれ女性初のプロデューサーとなった。トランペット・レコードを所有するリリアン・マクマリーは、影響力のあるブルースのレコードをプロデュースした。一方、ウィルマ・コザート・ファインは、マーキュリー・レコードのクラシック部門で何百ものレコードをプロデュースした。クラシック音楽のプロデュースでは、3人の女性がグラミー賞を受賞しており、ジュディス・シャーマンの2015年の受賞は5度目の受賞となった。^{[12]しかし、クラシック音楽以外では、1975年以降、}プロデューサー・オブ・ザ・イヤーを受賞した女性はおらず、自作でないレコードでノミネートされたのはリンダ・ペリーのみである。^[24]ローレン・クリスティの2004年のノミネートに続き、リンダ・ペリーの2019年のノミネートが女性の次のノミネートとなった。^[24]これまで女性が受賞しなかった理由について、ペリーは「興味を持っている女性がそれほど多くないと思う」とコメントした。^[12]英国では、リンジー・デ・ポールが初期の女性レコードプロデューサーであり、アイヴァー・ノヴェロ賞を受賞した2曲をプロデュースした。^[25]

数十年にわたり、多くの女性アーティストが自身の音楽をプロデュースしてきた。例えば、ケイト・ブッシュ、マドンナ、マライア・キャリー、シャキーラ、ジャネット・ジャクソン、ビヨンセ（デスティニーズ・チャイルドやザ・カーターズのものも含む）、ラナ・デル・レイ、テイラー・スウィフト、ロードといったアーティストがプロデュースまたは共同プロデュースしており^{[11] [26]}、アリアナ・グランデは自身のボーカルのプロデュースとアレンジに加え、オーディオエンジニアとしても活動している。^{[27] [28] [29]}依然として、ヒップホップのミッシー・エリオットやロックのシルビア・マッシーなど著名な女性もいるが、専門家の中には男性も大多数を占めている。^[11] 2010年代初頭、業界でスペシャリストとして成功を収めてきた女性として自身が得た洞察について尋ねられたウェンディ・ペイジは、「困難は通常、非常に短期間で終わります。あなたが自分の仕事をできると人々が気づけば、性差別は醜い頭を下げる傾向があります」と述べた。^[11]それでも、自分の職業における男女格差を説明するよう求められたとき、ペイジは、男性が支配するレコード会社が「レコード制作のような巨大で創造的なプロジェクトの指揮権を女性に与えることに不信感を抱いている」ことを理由の一部に挙げた。 ^[11]結局のところ、理由は複数あり、完全には明らかではないが、主に提案されている要因には、性差別の種類や、職業における女性のロールモデルの不足などがある。^[12]

自身の作品ではないレコードをプロデュースすることで知られる女性プロデューサーには、ソニア・ポッティンジャー、シルビア・ロビンソン、カーラ・オルソンなどがいます。

2018年1月、南カリフォルニア大学アネンバーグ・コミュニケーション・ジャーナリズム学部を拠点とするアネンバーグ・インクルージョン・イニシアチブ^{[30]の創設者兼ディレクターであるステイシー・L・スミス率いる研究チーム[31]}が報告書^[32]を発表し、過去数年間でポピュラーソングのプロデューサーの約2％が女性であると推定した。^[13]またその月、ビルボード誌は「女性の音楽プロデューサーはどこにいるのか？」と疑問を投げかけた。^[12] 2019年2月に発表されたアネンバーグ・インクルージョン・イニシアチブの第2回年次報告書^[33]を受けて、南カリフォルニア大学の同部門は「2018年はアーティスト、幹部、その他の音楽業界の専門家から、音楽界における女性の不足」と「音楽界における女性の窮状」について抗議の声が上がったと報告し、女性は「ステレオタイプ化され、性的に扱われ、締め出されている」とされている。^[31]また、2019年2月には、レコーディング・アカデミーの多様性と包摂に関するタスクフォースが、カーディ・Bやテイラー・スウィフトからマルーン5やクインシー・ジョーンズまで、 200人以上のアーティストやプロデューサーが、プロデューサーやエンジニアのポジションごとに少なくとも2人の女性を検討することに同意する取り組みを発表しました。^[13]アカデミーのウェブサイトGrammy.comは、「この取り組みは、音楽業界のすべての人々の多様性と包摂性を高め、これらの数字を改善するための幅広い取り組みの第一歩です」と発表しました。^[13]

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• 音楽エグゼクティブ
• ミュージシャン

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