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『シネクドキー、ニューヨーク』（ / sɪˈnɛkdəki / sin - EK - də-kee）[3]は、2008年のアメリカのポストモダン[4]心理ドラマ映画で、チャーリー・カウフマンが監督デビュー作として脚本・監督を務めた。フィリップ・シーモア・ホフマンが、ますます凝った舞台作品に取り組む病弱な劇場監督を演じ、リアリズムへの極端なこだわりがフィクションと現実の境界線を曖昧にし始める。映画のタイトルは、映画の大部分の舞台となっているニューヨーク州スケネクタディと、全体の一部が全体を表す、あるいはその逆である提喩の概念を掛け合わせたものである。
この映画は、2008 年 5 月 23 日に第 61 回カンヌ国際映画祭のコンペティション部門で初公開された。ソニー・ピクチャーズ・クラシックスは米国での配給権を無償で取得したが、映画の出資者に収益の一部を支払うことに同意した。[ 5 ] [ 6 ] 2008 年 10 月 24 日に米国で限定的に劇場公開されたが、初公開では商業的に失敗に終わった。シドニー・キンメル・エンターテインメントの幹部は、国際販売によって予算の大部分を回収したと述べた。[ 2 ] [ 6 ]
『シネクドキ、ニューヨーク』は批評家の間で賛否両論を巻き起こした。気取っているとか自己満足的だと評する人もいれば、傑作だと称賛する人もおり、ロジャー・エバートは本作を10年間で最高の作品と評価した。[ 7 ]この映画はその後、 21世紀の最高の映画に関する複数の投票でランクインしている。 [ 8 ] [ 9 ]
演劇監督のケイデン・コタードは、人生が崩壊していくのを感じていた。彼は原因不明の身体的な不調に悩まされ、顕微鏡でしか見られないような絵画を制作する芸術家の妻アデルとの関係も次第に疎遠になっていった。夫婦セラピーが失敗に終わり、アデルが4歳の娘オリーブを連れてベルリンで新たな生活を始めるために彼のもとを去った時、彼はどん底に突き落とされる。
ケイデンは『セールスマンの死』の成功後、思いがけずマッカーサー・フェローシップを受賞し、新たな演劇プロジェクトを大規模に展開する資金を得る。彼は、何年もかけて制作し、自身のすべてを注ぎ込める、残酷なリアリズムと誠実さに満ちた劇を創り出すことを決意する。マンハッタンの劇場街にある巨大な倉庫にアンサンブルキャストを集め、彼は日常の祝祭を演出する。キャストには、それぞれの役をリアルタイムで演じるよう指示する。倉庫内の模擬舞台が外の街並みをますます模倣していくにつれ、ケイデンは自身の個人的な危機に対する解決策を探し続ける。アデルがベルリンで世界的に有名な画家になり、オリーブに全身タトゥーを入れたことを知って、彼は大きなショックを受ける。
チケット売り場の従業員ヘイゼルとの関係が失敗に終わった後、ケイデンは代わりに共演者の主演女優クレアと結婚し、彼女との間に娘をもうけるが、現実と現実の区別が曖昧で、オリーブだけを「本当の娘」と呼ぶ。ケイデンとクレアの関係は破綻し、ヘイゼルへの想いを抱きながらも、彼女とのぎこちない友情を続ける。ヘイゼルは常に火事と煙にまみれた家に住んでいる。彼女は結婚して子供をもうけ、やがてケイデンのアシスタントとして職場に復帰する。一方、ケイデンは原因不明の病気で自律神経系が徐々に機能停止し、杖をついて歩かなければならなくなる。
数十年の歳月が経つにつれ、拡大し続ける倉庫は、外の都市の緩やかな衰退から孤立していく。ケイデンは自身の代表作にますます没頭し、キャストとスタッフの両方にドッペルゲンガーを配置することで、現実と劇の世界の境界線をさらに曖昧にしていく。例えば、ケイデンは、20年間ケイデンを執拗に追いかけてきたと明かしたサミーという男を雇い、ケイデン役を演じさせる。（最終的には、サミーにそっくりな男がサミー役にキャスティングされる。）あるシーンでは、ケイデンは不在の最初の妻アデルのアパートの家政婦エレンと間違えられ、彼女のアパートの模型の中で定期的に物を磨くなど、受動的にその役を演じる。現実と非現実が不明瞭な他のシーンでは、ケイデンはエロティックダンサーとして働く大人のオリーブと出会う。そして最後に、タトゥーが感染症を起こして死の床にあるオリーブは、ケイデンに自分を見捨てたことを許すよう要求する。彼は両親の死も経験し、ヘイゼルのそっくりさんと短期間の恋愛関係に陥る。
サミーはヘイゼルに恋愛感情を抱き始め、それがきっかけでケイデンとヘイゼルの関係が再び活発化する。サミーは拒絶されたと感じ、以前ケイデンが苦悩のあまり建物から飛び降りようとした場面を彷彿とさせるように、倉庫の建物の一つから飛び降りて命を落とす。ケイデンとヘイゼルはついに本格的な恋愛関係に発展するが、ヘイゼルは燃え盛る自宅で煙を吸い込み、間もなく亡くなる。
ケイデンは年老いて衰弱していくにつれ、仕事と私生活の両方で人間関係の限界に挑戦し続ける。ある日、アデルの家政婦エレン役として雇った女優が、ケイデンがエレン役に専念できるよう、監督の仕事を代行すると申し出る。これにより、ケイデンは多くの仕事上の義務とストレスから解放される。彼女はすぐにケイデンにイヤホンを渡し、常に装着しておくように指示する。イヤホンを通して、彼女はアデルのアパートを掃除しながら日々を過ごすケイデンのあらゆる行動を指示する。ケイデンを演じる女優は、エレン役のケイデンに次第に自身の内面や個人的な思いを投影していく。世界は混沌へと陥り、やがて不可解な災難によって倉庫は廃墟と化し、巨大なセットには出演者やスタッフの遺体が散乱する。最終的に、老いたケイデンは、自分の劇がどこから始まり、人生がどこで終わるのか全く分からないまま、アデルのアパートの廃墟となったセットで目を覚ます。イヤホンから流れる舞台指示に従い、彼は倉庫の廃墟をさまよい歩き、その中に別の倉庫、さらにその中にまた別の倉庫、といった具合に次々と倉庫を見つけていく。ついにケイデンは、以前エレンの母親役を演じた女優の肩に頭を預け、死を覚悟する。その女優は、倉庫の中で唯一生き残った人物のように見える。場面が灰色にフェードアウトしていく中、ケイデンは劇の演出方法について新しいアイデアがあると語るが、耳元で監督の声が最後の合図「死ね」を告げ、彼の言葉を遮る。
カウフマンの過去 3 つの脚本作品『マルコヴィッチの穴』、 『アダプテーション』、『エターナル・サンシャイン』がオスカー候補または受賞作品として成功を収めた後、ソニー・ピクチャーズ・クラシックスはカウフマンとスパイク・ジョーンズにホラー映画の製作を持ちかけた。二人は、典型的なホラー映画の定型表現ではなく、現実生活で自分たちが怖いと感じたものを題材にした映画の製作に取り掛かった。[ 10 ]このプロジェクトは『シネクドキ』へと発展した。ジョーンズが監督を務める予定だったが、代わりに『かいじゅうたちのいるところ』の監督を選んだ。[ 11 ]そこでカウフマンは自ら監督することにした。監督としての経験がなかったため、ソニー・ピクチャーズ・クラシックスはこの映画への関与を取りやめた。代わりにシドニー・キンメル・エンターテインメントがこのプロジェクトに投資し、2000万ドルの予算を映画に提供した。これは野心的な脚本にしては少なすぎる予算であり、カウフマンはその制約に苦労した。撮影クルーが使用した古い武器庫は非常に暑くなり、俳優たちが年齢を表現するために着用した特殊メイクには汗がこもった。ある時、カウフマンを含む数人のクルーがエレベーターに閉じ込められた。エレベーターはカウフマンの恐怖症だった。映画がカンヌで初公開された時、世界金融危機が発生し、シドニー・キンメル・エンターテイメントは閉鎖された。ソニー・ピクチャーズ・クラシックスが配給権を獲得した。[ 12 ]
映画の冒頭で、ヘイゼルは常に火事になっている家を購入する。最初は購入をためらっていたヘイゼルは、不動産屋に「気に入ってるわ、本当に。でも、火事で死ぬのがすごく心配なの」と言うと、不動産屋は「どんな死に方をするかは、大きな決断ですからね」と答える。マイケル・ギレンとのインタビューで、カウフマンはこう語っている。「彼女はそこに住むことを選んだんです。実際、死ぬ直前のシーンで、終わりは始まりの中に組み込まれていると言っています。まさにその通りです。彼女はこの家に住むことを選びました。火事で死ぬのが怖いと分かっていながらも、そこに留まり、そして実際に死んでしまう。これは、私たちが下すあらゆる選択の真実です。私たちは人生を通して響き渡る選択をするのです。」[ 13 ]燃えている家は、テネシー・ウィリアムズの「私たちは皆、燃えている家に住んでいる。消防署に電話することもできず、逃げ道もない。ただ、火が家を焼き尽くす間、二階の窓から外を眺めるしかない。私たちは閉じ込められ、閉じ込められているのだ」という一節に例えられている。[ 14 ]また、この家はユング心理学への言及であるとも言われている。カウフマンはインタビューで、ユング派の学者がこの家を自己の象徴と見なしていると述べている。[ 15 ]
この映画は「終わりは始まりに組み込まれている」というフレーズを繰り返し用いており、これは死と誕生のつながりを指している。ほとんどの時間がまだ生まれていないか死んでいる状態で費やされ、それに比べて生はほんの一瞬であることから、このことが強調されている。このテーマとのもう一つの関連性は、映画の冒頭と最後にグレーの画面へのフェードインがあることである。[ 16 ]
ケイデンとアデルはアーティストであり、二人が取り組むスケールは物語の中でますます重要な意味を持つようになる。アデルは極めて小さなスケールで制作する一方、ケイデンはあり得ないほど大きなスケールで制作し、倉庫の中にニューヨーク市の実物大のレプリカを建設し、最終的にはその倉庫の中にさらに倉庫を作り、このあり得ないサイクルを延々と続ける。アデルの名前は「繊細な芸術」（アデル・ラック・コタール）の聞き間違いに近い。絵画のスケール（実際にはアーティスト、アレックス・カネフスキーのミニチュア絵画）について、カウフマンは次のように述べている。「映画の冒頭でアデルのスタジオには、拡大鏡なしでも見える小さな、しかし普通のサイズの絵画がいくつかある…何年も後、ケイデンがギャラリーに行って彼女の作品を見る頃には、それらは全く見えなくなっている。」彼は続けて、「夢のイメージとして、それは私にとって魅力的です。彼女の作品はある意味でケイデンの作品よりもはるかに効果的です。ケイデンが広大な演劇作品を作ろうとする目的は、アデルに感銘を与えることです。なぜなら、彼は自分の作品に関して、アデルの隣では自分がとても劣っていると感じているからです」と述べ、さらに「ケイデンの作品はあまりにも文字通りです。彼が心の中で現実を反映できる唯一の方法は、それを実物大で模倣することです...それは夢のイメージですが、彼はそれとうまく相互作用できていません」と付け加えた。[ 13 ]
多くの批評家は、カウフマンの作品はユング心理学の影響を受けていると考えている。[ 13 ] [ 18 ] [ 19 ] [ 20 ]カール・ユングは、意味を探求する上で、覚醒状態と夢の状態の両方が必要だと書いた。ケイデンはしばしば、この2つの状態の組み合わせで存在しているように見える。カウフマンは、「違いは、夢であろうとする映画にはオチがあり、そのオチは『それは夢だった』ということだと思う」と述べている。[ 13 ] [ 15 ]ユング心理学のもう1つの概念は、自己実現への4つのステップである。影を意識すること（建設的側面と破壊的側面を認識すること）、アニマとアニムスを意識すること（男性が女性的な要素を、女性が男性的な要素を意識すること）、元型的な精神を意識すること（人間がマナの人格を身につけること）、そして最後に自己実現（人が自我と自己を完全に認識すること）である。ケイデンは4つの段階すべてを経ているように見える。サミーを雇ったことで、彼はサミーの真の性格を知り、自己認識を深めていく。エレンと入れ替わり、タミーに「私の性格なら男らしさよりも女らしさの方が向いていただろう」と語る時、彼は自身の内なる魂（アニマ）に気づく。エレンの役割を担うことで、彼は原型的な精神を意識し、ついに自身の人生と愛についての真実を悟るのだ。
コタール妄想では、自分が死んでいる、あるいは臓器が欠損している、または腐敗していると信じます。[ 21 ]ケイデンの病気や死への執着はこれと関連しているようです。
ケイデンがアデルのアパートに入ると、押したブザー（31Y）には「カプグラ」という名前が記されている。カプグラ症候群とは、身近な人（配偶者、兄弟姉妹、友人など）が瓜二つの偽者にすり替わっていると錯覚する精神疾患である。このテーマは、ケイデンの劇で登場人物が俳優にすり替わる場面など、映画全体を通して繰り返し登場する。
映画の最後のシーンで、ケイデンはイヤホンを通して指示を聞いている。これは、クルト・シュナイダーが統合失調症の第一級症状として説明した聴覚性三人称幻覚に似ている。[ 22 ]
この映画は、劇中劇を描いている点でメタ参照的であり、これはミザンアビームとも呼ばれる。
このテーマは、ウィリアム・シェイクスピアの「世界はすべて舞台であり、男も女もすべて役者にすぎない」という一節に例えられてきた。[ 23 ] [ 24 ]また、アイスランドの歌手ビョークの楽曲「バチェロレット」のミュージックビデオにも例えられてきた。[ 24 ] [ 25 ]このビデオでは、自伝的な本が勝手に書かれ、それが劇中劇として上演されるという物語が描かれている。このビデオは、カウフマンの映画『ヒューマン・ネイチャー』や『エターナル・サンシャイン』も監督したミシェル・ゴンドリーが監督を務めた。カウフマンはインタビューでこの比較について、「ええ、その比較は以前にも聞いたことがあります。ミシェルと私が知り合ったのは、似たような考え方を持っているからです」と答えている。[ 26 ]
映画を通して、ケイデンは死の必然性と、誰もが既に死んでいるという考えに言及する。インディペンデント紙でジョナサン・ロムニーは、「ケイデンのグロテスクな存在のほぼすべてが、皮膚病変、判読不能なファックスメッセージ、人々の便器の中身など、死と腐敗を象徴している」と書いている。[ 27 ]
批評家の中には、この映画がポストモダニズム哲学者ジャン・ボードリヤールのシミュラクラとシミュレーションの概念に影響を受けているように見えると指摘する者もいる。[ 28 ] [ 29 ] [ 30 ]ケイデンが自分の戯曲につけた名前の一つはシミュラクラムである。ガーディアン紙はこの映画を「究極のポストモダン小説」と評した。[ 4 ]ボードリヤールは著作の中でホルヘ・ルイス・ボルヘスの短編小説「科学における正確さについて」に言及している。ケイデンが崩壊し始める複製の中を歩いている映画の結末をこの物語と比較する評論家もいる。[ 17 ] [ 31 ]
ヘイゼルの本も映画の中で重要な意味を持っている。彼女はマルセル・プルーストの『スワンの恋』 （ 『失われた時を求めて』の第1巻）とフランツ・カフカの『審判』を持っている。どちらも映画のモチーフに関連している。[ 14 ]
レビュー集計サイトのRotten Tomatoesでは、195件のレビューに基づき、この映画の支持率は69%で、平均評価は6.8/10です。同サイトの批評家の総評は、「チャーリー・カウフマンの意欲的な監督デビュー作は、時折繋がりを保とうと苦心しているが、最終的には作家の心の内を魅力的に垣間見ることができる」となっています。[ 32 ] Metacriticでは、 34人の批評家に基づき、この映画の加重平均スコアは100点満点中67点で、「概ね好意的なレビュー」を示しています。 [ 33 ]いくつかの批評家は、この映画をフェデリコ・フェリーニの1963年の映画『8 1/2』と比較しています。[ 19 ] [ 34 ] [ 35 ]
シカゴ・サンタイムズ紙のレビューで、ロジャー・エバートは次のように書いています。「初めて観たとき、素晴らしい映画だと分かりました… 『シネクドキ、ニューヨーク』の主題は、人間の生活とその仕組みそのものです。ニューヨーク州北部の神経質な劇場監督を通して、あらゆる人生とその対処法、失敗を網羅しています。少し考えてみてください。ああ、これはあなた自身のことです。あなたが誰であろうと。」[ 36 ] 2009年、エバートはこの映画を10年間で最高の映画だと書いています。[ 7 ]ニューヨーク・タイムズのマノラ・ダーギスは、「この映画が今年最高の映画の一つであるとか、私の心に最も近い映画の一つであると言うのは、その高まる野心に対するあまりにも情けない反応なので、今すぐにでも諦めた方がいいかもしれない…時間と空間と物語の扱いがずる賢く、カウフマン氏がメディアを巧みに操っているにもかかわらず、『シネクドキ、ニューヨーク』は、創造的意識の主張であると同時に、心からの叫びでもある。それは途方もなく概念的でありながら、今ここに繋がっている。」と書いた。 [ 28 ]ロサンゼルス・タイムズのカリーナ・チョカーノは、この映画を「途方もなく野心的で…広大で、畏敬の念を抱かせ、胸が張り裂けそうで、苛立たしく、理解しにくく、痛々しいほど悲しい」と評した。[ 17 ]
否定的なレビューでは、この映画は理解不能、気取っている、憂鬱、または自己満足的だと評されることが多かった。レックス・リード、リチャード・ブロディ[ 37 ]、ロジャー・フリードマン[ 38 ]は皆、2008年の最悪の映画の一つだと評した。エンターテインメント・ウィークリーのオーウェン・グレイバーマンはこの映画にD+の評価を与え、「『シネクドキ、ニューヨーク』の意味を理解するのは諦めたが、一つだけ伝わったメッセージがある。自分の人生から一歩引いて、これほどまでに観察しようとする衝動は、芸術のメカニズムではなく、精神病の構造である」と書いた[ 39 ]。批評家のジョナサン・ローゼンバウムは、「これは本格的な映画というより、彼の脚本の挿絵のようで、彼がシュールレアリスム的な構想を実現するにはスパイク・ジョーンズやミシェル・ゴンドリーのような監督がいかに必要かを示している」と書いた[ 40 ] 。
映画雑誌「ムービング・アーツ・フィルム・ジャーナル」は、この映画を「史上最高の映画100選」の80位にランク付けした。 [ 41 ]
この映画は、多くの映画評論家による2008年のトップ10リストにランクインした。[ 42 ]オースティン・クロニクルのキンバリー・ジョーンズとマージョリー・バウムガーテンは共に、ハリウッド・リポーターのレイ・ベネットと同様に、この映画をその年の最優秀映画に選んだ。
本作は「2008年のベスト」リストに101件ランクインし、そのうち20件で1位を獲得した。[ 43 ]トップ10にランクインさせたのは、ニューヨーク・タイムズのマノラ・ダーギス、タイム誌のリチャード・コーリス、オレゴニアン紙のショーン・アンソニー・レヴィ、オースティン・クロニクルのジョシュ・ローゼンブラット、ニューヨーク・デイリーニュースのジョー・ニューマイヤー、ボストン・グローブのタイ・バーとウェズリー・モリス、アーカンソー・デモクラット・ガゼットのフィリップ・マーティン、 LAウィークリーのスコット・ファウンダス、フィルム・フリーク・セントラルのウォルター・チャウ、ビル・チェンバース、イアン・ピュー（この3人は全員1位にランクイン）など。
シカゴ・サンタイムズのロジャー・エバートは、本作を2000年代最高の映画と評した。[ 7 ] 2012年のサイト＆サウンド誌の投票では、4人の批評家が本作を史上最高の映画トップ10にランク付けし、[ 44 ]エバート自身も本作を自身のリストの有力候補とみなした。[ 45 ]また、2012年にはタイム誌で、リチャード・コーリスが「今世紀最高の映画（現時点まで）」のリストで本作を7位にランク付けした。[ 46 ]
2016年のBBC批評家投票で、 『シネクドキ、ニューヨーク』は21世紀の映画の中で20番目に優れた映画にランクインした。[ 9 ]
この映画は、視覚効果協会賞の「長編映画における優れた補助視覚効果」、「長編映画における優れたマットペインティング」、「長編映画における優れた創造環境」の各部門にノミネートされた。 [ 48 ]
この映画は2008年のゴッサム・インディペンデント映画賞で「最優秀作品賞」にノミネートされ、「最優秀アンサンブル演技賞」を受賞した。[ 49 ]
この映画は、2008年のカンヌ国際映画祭でパルムドールとゴールデンカメラの両方にノミネートされた。[ 50 ] [ 51 ]
批評家の中には、この映画をアメリカのドキュメンタリーコメディテレビシリーズ「リハーサル」と比較する者もいる。[ 52 ] [ 53 ]