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 フェンダー チャンピオン エレクトリック ラップ スチール ギター | |
| 弦楽器 | |
|---|---|
| その他の名前 | ハワイアンギター、ラップスチール、コンソールスチール、キカキラ、ドブロ |
| 分類 | 弦楽器、指弾き |
| ホルンボステル・ザックス分類 | （複合弦楽器） |
| 発明者 | ジョセフ・ケククによって普及された |
| 発展した | 1885 |
| プレイ範囲 | |
| チューニングの選択に応じて変化する | |
ラップスチール ギターは、ハワイアン ギターやラップ スライド ギターとも呼ばれ、ペダルのないスチール ギターの一種で、通常は演奏者の膝の上に水平に置いて演奏されます。演奏者の指先で弦をフレットに押し付ける従来のアコースティック ギターの通常の演奏方法とは異なり、スチール ギターのピッチは、磨かれたスチール バーを撥弦に押し付けることによって変更されます (「スチール ギター」という名前はここから来ています)。この楽器にはフレットはありませんが、フレットに似たマーカーが表示されます。ラップ スチールは、アコースティックかエレクトリックかによって外観が著しく異なる場合がありますが、いずれの場合もペダルがないため、ペダル スチール ギターとは区別されます。
スチールギターは、アメリカのポップミュージックに定着した最初の「外国の」楽器でした。1885年頃にハワイ諸島で生まれ、オアフ島のジョセフ・ケククという若者によって普及しました。ケククは、ギターを膝の上に置き、金属片を弦に滑らせて音程を変えるという伝統的なギターの演奏で有名になりました。音符間の滑らかな滑りが特徴のこの楽器の独特のポルタメント音は、島中で人気を博しました。20世紀前半、アメリカの大衆文化はハワイアンミュージックに魅了され、音楽的流行になるほどでした。アメリカ人は、演奏に使われるラップスチール楽器に興味を持ち、それを「ハワイアンギター」[a]と呼び、水平に演奏する姿勢を「ハワイアンスタイル」と呼ぶようになりました。ハワイアンミュージックは、1910年代にアメリカのポピュラーミュージックに同化し始めましたが、歌詞は英語で、ハワイ人はこれをハパハオレ（混血）と呼んでいました。 1930 年代、ラップ スティールの電気増幅装置の発明は、ラップ スティールの進化における画期的な出来事でした。これにより、ラップ スティールは他の楽器と同等に聞こえるようになり、音を出すために共鳴室が不要になり、電気化されたラップ スティールは、従来のギターとほとんどまたはまったく似ていない、あらゆる形状 (長方形のブロックでも) で製造できるようになりました。
20 世紀初頭、ハワイアン ミュージックとスティール ギターは、ブルース、ジャズ、ゴスペル、カントリー ミュージック、特にカントリー ミュージックのサブジャンルであるウエスタンスウィング、ホンキー トンク、ブルーグラスなどの他の音楽スタイルと融合し始めました。ラップ スティールの先駆者には、ソル フーピー、ボブ ダン、ジェリー バード、ドン ヘルムズ、バド アイザックス、レオン マコーリフ、ジョシュ グレイブス、ピート カービー、ダリック キャンベルなどがいます。
概念的には、ラップ スチール ギターは 1 本の指 (バー) でギターを弾くことに例えることができます。この抽象化は、楽器の主な制限の 1 つを示しています。つまり、演奏中に楽器を再チューニングしない限り変更できない、 1 つのコードに制限されていることです。初期の解決策は、2 つ以上のネックを持つラップ スチール ギターを製作し、それぞれが 1 つの楽器で個別にチューニングされた弦のセットを提供することでした。演奏者の手は、自由に別のネックに移動できました。1940 年代初頭には、エリート プレイヤーがこれらのマルチ ネック ギターを使用して録音や演奏を行っていましたが、ほとんどのミュージシャンには購入できませんでした。この問題は、1940 年にラップ スチールにペダルを追加して特定の弦のピッチを簡単に変更できるようにすることで解決され、より複雑なコードを同じネックで使用できるようになりました。1952 年までに、この発明は楽器の演奏方法に革命をもたらし、多くの点で事実上「ペダル スチール」と呼ばれる新しい楽器になりました。ラップ スティール奏者の圧倒的多数がペダル設計を採用したため、1950 年代後半までにラップ スティールはほとんど廃れ、カントリー ミュージックやハワイアン ミュージックの愛好家だけが残りました。
初期の歴史
スペインのギターは、1830年代には早くもハワイ諸島に導入された。 [2] : 11 ハワイの人々は、何世紀にもわたって使用されてきた標準的なギターのチューニングを受け入れなかった。[3]彼らは、すべての弦が同時に鳴ったときにコードが鳴るようにギターを再チューニングした。これは「オープンチューニング」として知られている。 [4]これは「スラックキー」と呼ばれ、ハワイ語では「kī hōʻalu」と呼ばれている。 [5]これは、特定の弦を「緩める」ためである。[2] : 11 ハワイの人々は、このようにフィンガースタイルで演奏することを学び、開放弦の共鳴音全体でメロディーを奏でたため、このジャンルはスラックキーギターとして知られるようになった。[5] 1885年頃、ギターの弦がスチール製になった後[6]、オアフ島のジョセフ・ケククは、ギターを膝の上に置き、スチールバーを弦に押し当てて演奏するオープンチューニングを考案し、普及させた。[7]ケククに倣って、他のハワイ人もギターを身体に当てる伝統的な方法ではなく、膝の上にギターを置くという新しい方法で演奏し始めた。[7]水平スタイルが島々で人気になると、このテクニックは国際的に広まり、（主にハワイ以外では）「ハワイアンスタイル」と呼ばれるようになった。[7]
スチールギターの音色が際立ったハワイアンミュージックは、20世紀前半に米国で人気の音楽的関心事、あるいは流行となった。 [8] : 8 1916年には、ハワイ先住民族の音楽のレコードが米国の他のすべての音楽ジャンルを上回った。[9]この人気により、水平に演奏できるように特別に設計されたギターの製造が始まった。[8] : 13 ラップスチールギターの原型は、アコースティックハワイアンギターである。[10] : 11 ボディに共鳴室が組み込まれているにもかかわらず、これらの初期のアコースティックバージョンの楽器は、他の楽器に比べて音量が十分ではなかった。しかし、1930年代初頭に、ジョージ・ボーシャンというスチールギタリストがエレキギターのピックアップを発明した。[11]電化によってラップスチールギターの音が良く聞こえるようになっただけでなく、共鳴室がもはや不可欠ではなく、必要でさえなくなったことを意味した。[12]その結果、スチールギターはどんな形でも製造できるようになり、伝統的なギターの形とはほとんど似ていない長方形のブロックの形でさえも製造できるようになりました。[7]これにより、「コンソールスチール」と呼ばれる脚の付いた金属フレームのテーブルのような楽器が生まれました。[11]
ラップスチールギターの種類
ラップスチールギターには 3 つのカテゴリがあります。
- アコースティック ラップ スチール ギター: 伝統的なアコースティックスチール弦アコースティック ギターを、演奏者の膝の上で演奏できるように改造したものです。[13]この改造は、弦を伝統的なギターよりも指板から高く上げるためのもので、楽器のブリッジとナットにアダプターを挿入することで実現できます。[14]これにより、スチール バーがフレットに当たるのを防ぎます。[14]
- ドブロ型ギターまたはナショナルギター: これらは通常、ブリッジの下にレゾネーターと呼ばれる大きなアルミニウムコーンを備えたアコースティックスチールギターで、音量を増大させます。[15] : 109 木製ボディのレゾネーターギターは「ドブロ」と呼ばれ、スチールボディのものは「ナショナル」と呼ばれます。[16] : 38 これらのタイプは同じサウンドではありません。ナショナルはより金管楽器的で、通常はブルース奏者に好まれます。[16] : 38 どちらのタイプも、ラウンドネック (スペイン) またはスクエアネック (ハワイアン) を提供します。[16] : 38 スクエアネックは、太い弦の使用と、弦が上がることで楽器にかかる力が大きくなることの両方によって必要になる場合があります。[10] [17]
- エレクトリック ラップ スチール ギター: 水平に演奏できるように特別に設計され、電気ピックアップを備えているため共鳴室を必要としない楽器を指します。このカテゴリのギターは外観が著しく異なり、長方形の木の塊から作られた楽器も含まれます。[8] : 13 膝の上で演奏できるほど小さいものもあれば、複数のネックを持つもの(楽器が重くなる) や、脚の付いたフレームの上に構築されているものもあり、その場合はコンソール スチールと呼ばれます。[8]
チューニング
西洋諸国では、何世紀にもわたって伝統的なスペインギターは、 E-A-D-G-B-E からなる上昇する 4 度 (および 1 つの長 3 度) のほぼ普遍的なチューニングを発達させました。 [3]しかし、ハワイの「オープンチューニング」(コードにチューニングされたギター) にはそのような標準は存在しませんでした。ハワイの人々は、単に歌手の声に合ったコードにチューニングしたのです。[5] 1850 年代のスラックキーギターの時代から、ハワイのチューニングは企業秘密と同じくらい厳重に守られ、家族間で受け継がれてきました。[5]多くの演奏者は、他の人にチューニングがバレないように、演奏していないときは楽器のチューニングを外していました。[18] : 159
これらの楽器に選ばれるチューニングは、スティールギターのスタイルを築く上で極めて重要な基礎となる。[19] : 131 使用されるチューニングによって、演奏者がコードで使用できる音が決まり、音を順番に演奏する方法に影響する。[19] : 131 異なるチューニングを実験することは、1930年代のハワイアン音楽で広く行われ[19] : 41 、後のミュージシャンの演奏スタイルの基礎となるテンプレートを提供した。[19] : 131 ラップスチール奏者向けに、数多くのチューニングが用意されている。[20]チューニングに6度音程が追加されたことで、単純なメジャーコードではアクセスできないポジションや演奏ポケットが数多く生まれたため、スティールギターに劇的な影響が生じた。[21] C 6 は、 1920年代と1930年代の6弦ラップスチールの一般的なチューニングであった。[19] : 120 6度音程のチューニングはウエスタンスウィングやジャズで人気があり、7度音程をフラットにしたチューニングはブルースやロックミュージックでよく選ばれます。[22]
ラップスチールギターの設計における根本的な課題は、特定のチューニングで使用できるコードと転回形の数に固有の制約があることです。 [19] : 34 利用できるコードと転回形の数が限られていることに対処するために、初期のプレイヤーの中には、必要に応じて別のチューニングの2本目のラップスチールを用意していた人もいました。[23]もう1つの戦略は、楽器の弦の数を増やすことでした[19] : 36 (使用できる弦の数が多いほど、弦間のピッチ間隔が狭くなり、バーを弦にまっすぐ置いたときに使用できる音が増えます)。[19] : 36 3つ目の戦略は、同じ楽器にネックを追加して、それぞれ異なるチューニングが可能な別々の弦セットを用意することでした。[19] : 36
アメリカにおけるハワイアンブーム
20世紀初頭の米国本土では、1898年のハワイ併合後、[24]ハワイアン「ブーム」[25] [8] : 8 が猛威を振るい、ラジオ放送[26]や舞台ショー[18] : 31 、映画[8] : 8 でハワイアン音楽が取り上げられるなど、ハワイアン音楽が大流行した。[27] ハリウッド映画は、理想化された島のライフスタイルという音楽的イメージを永続させた。[2] : 11若者向けのハワイアンギターやレッスンは広く普及した。例えば、オアフミュージックカンパニーは、オアフブランドのギターやレッスンを、米国のほぼすべての都市を訪問して若者に販売した。 [28] : 13
スチールギターは、アメリカのポップミュージックに定着した最初の「外国の」楽器だった。[29] : 29 1915年から1930年までのラップスチールギターの先駆者には、ソル・K・ブライト・シニア、タウ・モー、ディック・マッキンタイア、サム・クー・ウェスト、フランク・フェレラなどがいた。フェレラは、その時代のラップスタイルのギタリストの中で最も多くレコーディングされた。[2] : 11 ハワイアンミュージックは、1910年代にアメリカのポピュラーミュージックに溶け込み始めた。ハワイアンたちはこれをハパ・ハオレ（ハーフホワイト）[30]と呼んだ。これは基本的にハワイアンミュージックを英語で歌い、[31]白人の聴衆を対象としていた。[32]例えば、ホノルル生まれのディック・マッキンタイアと彼のハーモニー・ハワイアンズは、1936年にアメリカのポップ歌手ビング・クロスビーが歌うハワイアンソングを録音した。 [2] : 19 ティン・パン・アレーは、大量のハパハオレ音楽を出版することで、ハワイアンソングの需要に応えた。[2 ] : 11 アメリカ全土の多くのアマチュアおよびプロのミュージシャンが、1930年代から1940年代にかけてハワイアンコンボを結成した。 [ 2] : 11 1930年代に電気ギターが導入されたことは大きな影響を及ぼし、商業的なハワイアンミュージックを後押しした。[2] : 11
ラップスチールの先駆者
20 世紀初頭のラップ スティール ギターの開発には多くの革新者が貢献しましたが、その中でも特に著名なのは次のような人たちです。
ソル・ホオピイ（発音はホオピー）は、おそらく最も有名なハワイアン・ミュージシャンであり、その作品によってラップ・スティール楽器のサウンドが世界中に広まった。[7]彼は、ハワイアン音楽とアメリカン・ジャズを融合させた最初のスティール・ギタリストだった。[2] : 12 1902年にホノルルで生まれたフーピは、幼い頃からラップ・スティールの才能に恵まれていた。10代の頃、ハワイからサンフランシスコへの航海の途中、マトソンの定期船に密航した。カリフォルニアに到着した後、彼はトリオを結成し、1925年から1950年にかけて、クラブ、劇場、映画出演、レコーディングで有名になった。[2] : 12 彼は、クラリネット奏者やホルン奏者から聞いたジャズとハワイアン音楽を融合させた。彼は、金属製のナショナル・トリコン・ギター、後にはリッケンバッカー ・ベークライト（上の写真参照）やディッカーソン・エレクトリック・スティールの使用において、先駆者となった。 [2] : 13
ボブ・ダンは、ウエスタン・スウィングを演奏する最初の名声あるスティールギタリストでした。[19] : 54 1908年にオクラホマ州フォートギブソンで生まれた彼は、8年生で学校を辞めて旅回りの音楽団に参加しました。[2] : 89 音楽の革命家と見なされているボブ・ダンは、 [2] : 89 音楽ライターのマイケル・ロスによると、商業的なレコーディングであらゆる種類の最初の電化楽器を演奏しました。[7] [34]それは1935年にリリースされたウエスタン・スウィングの曲で、ダンが「ミルトン・ブラウンと彼のミュージカル・ブラウニーズ」とコラボレーションして演奏しました。 [35]彼が演奏したギターはリッケンバッカーA22で、「フライパン」というニックネームがありました。[36] : 837 元トロンボーン奏者だったダンのギター演奏は、ジャズ奏者のスタッカート・フレージングを伴うホルンのようなソロを導入し、歴史家アンディ・ヴォルクによれば、その後の世代のスティール奏者に消えることのない影響を与えた。[2] : 90
ジェリー・バードは1920年にオハイオ州リマで生まれた。 [2] : 27 若い頃、彼は町に来た移動テントショーに参加した。それはハワイアン音楽を演奏するハワイアンの一団で、磨かれたナショナルスチールギターがフィーチャーされていた。バードはその音色と楽器の外観に魅了され、「それが私の人生を変えた日だった」と語った。[2] : 28 ハワイアン音楽とカントリーミュージックの間で分かれた音楽キャリアの中で、バードはナッシュビルスチールギターのサウンドの基礎を築くのに貢献した。[2] : 28 彼はC6ペダルスチールの標準となったC6チューニングを開発 したとされている。[2] : 33 ハンク・ウィリアムズ と共に、バードは「 I'm So Lonesome I Could Cry」、「Lovesick Blues」、「A Mansion on the Hill 」などの曲を録音した。[37]バードはマーティ・ロビンス、ハンク・スノー、アーネスト・タブなどともレコーディングを行った。 [2] : 28 ナッシュビルでのキャリアを終えた後、バードはハワイに永住した。[2] : 29
ウエスタンスウィング
1930年代初頭、新たに電化されたラップスチールギターは、「ウエスタンスウィング」と呼ばれるダンスミュージックの一種で重要な位置を占めるようになった。 [7]ウエスタンスウィングは、カントリーミュージックとハワイアンミュージックの要素を組み合わせたジャズスウィングの一種である。 [2] : 88 [19]このジャンルの先駆者には、バンドリーダーのミルトン・ブラウン[35]やボブ・ウィルス[23]がいる。ウィルスは革新的な演奏者を雇い、育て、後にこのジャンルに影響を与えたレオン・マコーリフ、ノエル・ボッグス、ハーブ・レミントン[23]などがいる。
1936年10月、ボブ・ウィルスと彼のテキサス・プレイボーイズ、そしてマコーリフは、リッケンバッカーB-6ラップスティールで演奏し、驚くほど売れたレコード「スティール・ギター・ラグ」を録音した。[23]ラップスティールのデザインと演奏方法は、異なるコードやボイシングを利用できる必要性から、スタイルの進化とともに継続的に変化した。 [19]マコーリフは2台のリッケンバッカーを持っていたが、それぞれ異なるチューニングだった。[23] この楽器の制約により、一流のスティールギタリストは同じ楽器に異なるチューニングのネックを追加した。 [38]ラップスティールは、最初のマルチネックの電気楽器だった。[39]サイズと重量が増したため、楽器を演奏者の膝の上で適切に支えることができなくなり、「コンソール」スチールギターと呼ばれる脚付きのフレームに配置する必要があったが、これは表面上はラップスティールである。[7]ハーブ・レミントン[38]やノエル・ボッグス[40]を含むその時代の著名な演奏家たちは、楽器製作者のレオ・フェンダーの協力を得て、最終的に4つの異なるネックを持つ楽器を演奏するようになった。[38]
ホンキートンク
1940年代後半までに、スティールギターは、テキサスとオクラホマのバーやダンスホール（ホンキートンクと呼ばれる）で発展した、新興のカントリーミュージックの「ホンキートンク」スタイルで目立つようになった。 [41]このスタイルは、目立つバックビートを備えたシンプルな2ビートのサウンドを特徴とする。 [41]ラップスチールギターを音楽アレンジに使用したホンキートンク歌手には、ハンク・ウィリアムズ、レフティ・フリゼル、ウェブ・ピアースなどがいた。[41 ]
アラバマ州ニューブロックトン生まれのドン・ヘルムズ（1927年 - 2008年）は、E6とB11チューニング[ 2] :59 を使用したダブルネックのギブソン・ラップスティールを演奏し、これら3人のアーティストのレコーディングや、「Your Cheating Heart」、「I Can't Help It (If I'm Still in Love with You)」、「Cold, Cold Heart」を含む100曲以上のハンク・ウィリアムズの曲で演奏した。[42]ヘルムズの演奏スタイルは、カントリーミュージックを1930年代に人気があったヒルビリーのストリングスバンドのサウンドから、1940年代に主流となったよりモダンなエレクトリックスタイルへと移行させるのに貢献した。[42]彼のギターのイントロ、リード、フィルは50年間広く模倣されてきた。[2] : 57 ヘルムズの作品をフィーチャーした他のクラシックカントリーレコーディングには、「ウォーキン・アフター・ミッドナイト」（パッツィー・クライン）や「ブルー・ケンタッキー・ガール」（ロレッタ・リン）がある。その時代（1950年代）のレコーディングの多くは、 6度コード（多くの場合C 6）にチューニングされたスチールギターを使用して作成されており、これは「テキサスチューニング」と呼ばれることもある。[43]
ドブロ
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ドブロまたは共鳴ギターは、ギターの音を大きくするために設計された共鳴コーンを備えた、アメリカ独自のラップスチールギターです。[15] : 109 1927年にドピエラ兄弟によって特許が取得されましたが、 [15] : 109 「ドブロ」という名前は、DOpyeraとBROthersを組み合わせた造語で、このタイプのギターの総称になりました。[44]ドブロはブルース奏者の間で人気になることはなく、彼らは一般的に、同様の共鳴デザインを持ちながら金属製のボディを使用しているナショナルギターを好みました。 [44]音楽ライターのリチャード・カーリンの意見では、ピート・カービーとアンクル・ジョシュ・グレイブス（バック・グレイブス）という2人の影響力のある奏者がいなかったら、ドブロはおそらく音楽シーンから姿を消していたでしょう。[15] : 109
ビーチャー・ピート・カービー（1911年 - 1992年）は、バッシュフル・ブラザー・オズワルドとして知られ、テネシー州セビアビルで生まれた。ロイ・エイカフの「スモーキー・マウンテン・ボーイズ」のメンバーとして、1939年にグランド・オール・オプリで演奏したドブロは、カントリーミュージックの形成期を定義するのに貢献した。[45]カービーは、この楽器を全国のラジオ視聴者に紹介した。[15] : 109 彼はドブロモデル27を演奏し、[45]時にはスチールボディのナショナルギターを演奏した。彼は、つばの広いスラウチハットとオーバーオールを着て、田舎者に扮してコメディアンを演じることで知られていた。 [46]彼のドブロは興味と魅了を集めた。彼は「人々は私がそれをどのように演奏し、それが何であるか理解できず、いつも近づいて見たいと思っていました」と語った。[46]彼はエイカフのもとで53年間過ごした。[46]
1927年生まれのバック・「ジョシュ」・グレイブス（別名「アンクル・ジョシュ・グレイブス」）は、 1955年にブルーグラスの先駆者バンド「フラット・アンド・スクラッグス」でドブロを演奏した。 [19] : 49 グレイブスは、ドブロをブルーグラス・バンドの一般的な楽器として確立する上で役割を果たした。[15]彼は、ドブロのスキルを高め、バンド仲間の腕前に匹敵するスタイルに磨きをかけた。[19] : 49 そのために、彼はハワイアン・スタイルを捨て、ハンマリング・オンとプル・オフの音符を採用して、開放弦とフレット音を素早く組み合わせた。さらに、アール・スクラッグスから教わった3本指のピッキング・スタイルも採用した。[19] : 49 ブルーグラスの楽器スタイルに合うグレイブスの電光石火のソロを聞いた他の何十ものブルーグラス・グループがドブロを取り入れた。[15] : 159 彼はラップスチールギターを新たなレベルに引き上げ、バンジョー、フィドル、マンドリンと調和できる楽器に仕上げた。[19] : 49
ドブロは主流のカントリーミュージックでは人気がなくなったが、1970年代のブルーグラスの復活でジェリー・ダグラスのような若い名手演奏者によって復活し、彼のドブロの技術は広く知られ、模倣されるようになった。[15] [47]
聖なる鋼
現在「セイクリッド・スティール」と呼ばれるこのゴスペル音楽の伝統は、1930年代の「ハウス・オブ・ゴッド」というアフリカ系アメリカ人の小さな宗派の礼拝で始まり、そこでスティールギターが教会のオルガンの代わりとして登場した。[48] ダリック・キャンベル（1966年 - 2020年）は、ゴスペルバンド、ザ・キャンベル・ブラザーズのラップスティール奏者で、ペンテコステ派の教会の音楽の伝統を国際的に有名にした。[48]キャンベルは、ハワイの伝統的なラップスティールを演奏した。[48]フェンダー・ストリングマスター8弦（フェンダー・デラックス8）。[2]演奏中はギターの上で手で音量を上げ、ワウペダルを使った。 [ 2]ニューヨーク州ロチェスター生まれのキャンベルは、[49]ギターで人間の歌声を真似る名人だった。彼は「私のやり方は、常にギターを声として考えることだ」と語った。[2]キャンベルは多くの音楽祭で演奏したが、ロックやジャズ界での彼の名声は教会指導者にあまり受け入れられなかった。[48]キャンベル兄弟はナッシュビルを拠点とするハウス・オブ・ゴッド教会、キース・ドミニオンと険悪な関係を保った。ペンテコステ派の教会はバンドの音楽を教会内に留めておきたかったからだ。[49]キャンベルはオールマン・ブラザーズやメデスキ・マーティン・アンド・ウッドとレコーディングした。[50]
ラップスライドギター
ラップ・スライド・ギターは特定の楽器ではなく、ブルースやロック音楽でよく聞かれるラップ・スティールの演奏スタイルである。[51] : 36 これらのジャンルの演奏者は通常「スティール」ではなく「スライド」という用語を使用する。[1]彼らはフラット・ピックやフィンガー・ピックの代わりに指で演奏することもある。 [2] : 8 ラップ・スライドの先駆者には、バディ・ウッズ、"ブラック・エース"・ターナー（小さな薬瓶をスライドとして使用）、[52]フレディ・ルーレットがいる。[51] : 326 ターナーはナショナル・スタイル2のスクエア・ネック・トリコーン・ギターを膝の上で演奏した。[52]
ブルースギターのもう一つの演奏スタイルは「スライドギター」と呼ばれ、スチールギターと従来のギターのハイブリッドです。従来のギターをボディに対して平らに持ち、通常の方法で低音弦を押さえながら（リズム伴奏用）、同じ手の指にチューブ状のスライド（またはボトルのネック）を置いて高音弦をスライドします。[53] 1923年に、シルベスター・ウィーバーが初めてこのスタイルを録音しました。[54] : 106 1940年代には、ロバート・ナイトホークやアール・フッカーなどのブルース奏者が、標準チューニングの従来のギターを使用して、この方法でエレクトリックスライドギターを普及させました。 [55 ] : 3 「ボトルネック」という用語は、歴史的にこのタイプの演奏を説明するために使用されていました。[51]初期のブルース奏者はオープンチューニングを使用していましたが、ほとんどの現代のスライド奏者は標準とオープンの両方を使用しています。[55] : 3
ラップスチールの陳腐化
ラップスティールギターは各ギターに複数のネックを作る費用がかかるため、ほとんどのプレイヤーには手の届かないものであり、より洗練された解決策が必要とされていました。[7]多くの発明家が、スチールギターの弦のピッチを変える機械的なリンク機構を模索しました。[56] ギブソンは1940年に早くもペダルスチールギターを発表しましたが、普及することはありませんでした。[19] : 244 1946年頃、ポール・ビグスビーはペダルアクションの新しいデザインを考案し、大幅に改良しました。[57]ビグスビーは自分の店で一人で作業し、ホアキン・マーフィーやスピーディー・ウェストなど、当時の一流プレイヤーのためにギターを製作しました。[58] : 22 ナッシュビルのギタリスト、バド・アイザックスは1952年にビグスビーの2ペダルギターを受け取りました。 [59] : 190 それは木製のダブル8弦モデルでした。[58] : 32 アイザックスは新しいペダルをE 9調律で試し、2 つのバイオリンがハーモニーを奏でている音を真似しようとしました。そうするうちに、彼は新しいことに気付きました。弦がまだ鳴っている間にペダルを踏むという革新的な方法を発明したのです。[59] : 190 この方法は、当時の他の演奏者からは厳しく避けられていました。なぜなら、それは技術が劣っていて「ハワイアンらしくない」と考えられていたからです。[7]アイザックスの意図は、ペダルのメカニズム自体を音楽の特徴として使うことでした。このテクニックは、3和音を作り出し、2 つの下の音が下からグリッサンド対位法でベンドアップし、上の 3 番目の音は変化せずにハーモニーを奏でます。[59] : 190 ペダルは、完璧な同期とピッチでの動きを可能にし、一貫性と信頼性に富んでいました。[19] : 47
アイザックスは1953年のウェブ・ピアースの曲「スローリー」のレコーディング・セッションでこれを試した。[60]この曲は1954年に最も多くプレイされたカントリー・ソングの1つとなり、ビルボードのカントリー・チャートで17週間1位を獲得した。 [60]アイザックスのギターは、ヒット・レコードでペダル・スティール・ギターが使用された最初のギターとなった。[61]さらに重要なことに、そのサウンドは、ラップ・スティール（ペダルなし）ギタリストによって、独特で、ペダルなしのラップ・スティールでは出せないものとしてすぐに認識された。 [8] [59] : 190 数 十人の楽器奏者が、アイザックスの演奏で聞いた独特のベンディング音を真似しようと、急いでスチール・ギターにペダルを付けた。[60]このレコーディングから数ヶ月、数年にわたって、楽器製作者やミュージシャンはビグスビーとアイザックスの革新を再現しようと努めた。[59] : 191 この録音より10年以上前からペダルスチールギターは存在していたが、この曲の成功後、ペダルスチールギターはカントリーミュージックの重要な要素として登場した。[8]ペダルにより、ラップスチールよりも複雑で多彩な音楽を演奏することが可能になった。[59] : 192
ペダルスチールのデザインは、1950年代初頭にラップスチール奏者の圧倒的多数に採用されました。その結果生まれた新しい独特の演奏スタイルは、その後数十年にわたってナッシュビル発のカントリーミュージックの特徴となりました。[19] : 2 それに伴い、ペダルのないラップスチールはほぼ廃れ、カントリーミュージックとハワイアンミュージックのごく一部の愛好家だけが残りました。[19] : 2
ジミー・デイは、キャリアの途中でペダル奏法にうまく切り替えることができた、定評のあるラップ・スティール奏者の一例である。[62] : 138 ノエル・ボッグス、ジェリー・バード、ホアキン・マーフィーを含む他の著名なラップ・スティール奏者は、切り替えを拒否した。音楽史家リッチ・キエンツルによると、この決断がボッグスのその後のキャリアを妨げたという。[23] 1972年のインタビューでペダルスチールについて語ったジェリー・バードは、「機械的に、バグが多く、チューニングを保つことができず、それが私を狂わせた」と述べている。[63] : 46 ...だから、私は自分のアイデンティティを保ち、それを乗り越えることにした...私は決して切り替えなかった。」[63] : 46 ホアキン・マーフィーは、同世代の人たちが切り替えた後も、ペダルのないラップスチールを使い続け、[2] : 103 C 6チューニングを使用した。彼は、ナッシュビル標準のE 9は、彼の言葉で言えば「ギミック」だと感じていた。[2] : 105 彼は1995年のインタビューで、「私はナッシュビルの派手な演奏はできないし、とにかく嫌いだ」と述べた。[2] : 105
参照
- スチールギター
- ペダル スチール ギター–(「Slowly」の曲のサンプルが含まれています)
- スラックキーギター
- スライドギター
注記
- ^ 音楽史家ロレーヌ・ルイマーによれば、ハワイ人はこの用語を使用しない。彼らにとって「ハワイアンギター」とは、スラックキー、つまり先住民族のフォークギターのスタイルを指す。[1]
- ^ 理論的にはラップスティールで「可能」だが、素早く完璧なイントネーションで演奏することは不可能であり、ペダルバージョンはすぐに認識できた。[59]
参考文献
- ^ ab Ruymar, Lorene. 「ハワイアン・スティール・ギターの歴史」。webarchive.com。ハワイアン・スティール・ギター協会。2018年3月16日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2021年4月8日閲覧。
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外部リンク
ウィキメディア・コモンズには、ラップスチールギターに関連するメディアがあります。
- ハワイアン スティール ギター協会 – ラップ スティール ギターの開発を推進する組織。