演劇（演劇）

演劇は、主に登場人物の会話から成り、単なる朗読ではなく、劇場で上演されることを意図したドラマの一種です。演劇の作者は劇作家と呼ばれます。

演劇は、英語圏の商業演劇の最高峰であるロンドンのウエストエンドやニューヨークのブロードウェイから、地方劇場、コミュニティシアター、大学や学校での学術公演まで、さまざまなレベルで上演されています。

舞台劇は、放送や映画化を目的とした作品とは異なり、舞台で上演するために特別に作られる。舞台で生の観客の前で上演される。劇作家の中には、ジョージ・バーナード・ショーのように、上演されるか朗読されるかにあまりこだわりがない人もいる。「演劇」という用語は、劇作家のテキストと完全な劇場版を含む。^[1]

喜劇はユーモアを引き出すために作られた演劇で、機知に富んだ会話、風変わりな登場人物、珍しい状況が特徴であることが多い。喜劇は幅広い年齢層を対象としている。喜劇は古代ギリシャ演劇の元々の2つのジャンルのうちの1つであり、もう1つは悲劇である。喜劇の例としては、ウィリアム・シェイクスピアの『真夏の夜の夢』や、現代では『モルモン書』などがある。^{[2] [3]}

茶番劇は、ユーモアを頻繁に含む、コメディのナンセンスなサブジャンルです。茶番劇は、誇張された状況やドタバタ喜劇に頼ることが多いです。茶番劇の例として、ウィリアム・シェイクスピアの戯曲『間違いの喜劇』や、マーク・トウェインの作品『彼は死んだのか?』などがあります。

風刺劇は、現代の出来事を喜劇的な視点で表現すると同時に、政治的または社会的論評も行い、汚職などの問題を強調することが多い。風刺劇の例としては、ニコライ・ゴーゴリの『検察官』やアリストパネスの『女帝リュシストラタ』などがある。風刺劇は、コメディの独特の人気形式であり、それ自体が別のジャンルと見なされることも多い。

復古喜劇は男女の関係を探求するジャンルで、当時としては際どいテーマを掘り下げることが多い。^[4]復古喜劇の登場人物はさまざまなステレオタイプを体現することが多く、このジャンルの一貫したテーマに貢献している。この類似性により、このジャンルのほとんどの劇でメッセージと内容が均一化している。それにもかかわらず、復古喜劇は人間関係の暗黙の側面を探求することで、観客とパフォーマンスの間により親密なつながりを育んだ。

王政復古喜劇の起源はモリエールの喜劇理論に根ざしているが、その調子や意図は異なる。 ^[5]王政復古喜劇を研究する際、このジャンルの道徳観と当時の一般的な倫理観の不一致が興味深い点である。この不一致は、王政復古喜劇が当初は成功したにもかかわらず、17世紀まで続かなかった理由を説明するかもしれない。とはいえ、現代の演劇理論家は、独特の慣習を持つ演技スタイルを探求する中で、王政復古喜劇にますます興味をそそられている。^[6]

悲劇は死や災害などの暗いテーマを掘り下げます。中心人物、つまり主人公は、しばしば彼らの没落につながる悲劇的な欠陥を持っています。悲劇劇は幅広い感情を包含し、激しい対立を強調します。悲劇は、喜劇と並んで古代ギリシャの演劇のもう一つの元々のジャンルでした。悲劇の例には、ウィリアム・シェイクスピアのハムレットやジョン・ウェブスターの劇「マルフィ公爵夫人」などがあります。^[2]

歴史劇は実際の歴史的出来事を題材にしている。悲劇や喜劇になることもあるが、多くの場合、こうした分類には当てはまらない。歴史劇が独自のジャンルとして登場したのは、ウィリアム・シェイクスピアの影響が大きい。歴史劇の例としては、フリードリヒ・シラーの『ディミートリアス』やシェイクスピアの『ジョン王』などがある。^[7]

バラッド オペラは、当時人気のあった演劇スタイルで、アメリカ植民地で上演されたミュージカルの最も古い形態でした。アメリカ先住民による最初のミュージカルは、1767 年にフィラデルフィアで初演された「The Disappointment」でしたが、初期の段階から先には進みませんでした。

近代西洋ミュージカルは、イギリスのギルバートとサリバン、アメリカのハリガンとハートの作品によって確立された主要な構造要素により、ヴィクトリア朝時代に隆盛を極めた。1920 年代までには、劇のスタイルが明確になり始め、作曲家は劇中のすべての歌を自由に作曲できるようになった。これらの新しいミュージカルは特定の慣習に従い、32 小節の歌を特徴とすることが多かった。大恐慌により、多くのアーティストがブロードウェイからハリウッドへと移行し、ブロードウェイ ミュージカルの本質が変わった。1960 年代にも同様の移行が起こり、作曲家が不足し、ミュージカルの活気と娯楽性が低下した。

1990 年代に入ると、ブロードウェイのオリジナル ミュージカルの数は減少し、映画や小説を翻案した作品が多くなりました。ミュージカルでは、歌を使って物語を進め、劇のテーマを伝えます。歌には振り付けが伴うのが一般的です。ミュージカル作品は視覚的に複雑で、凝ったセットや俳優の演技が披露されます。ミュージカル作品の例としては、『ウィキッド』や『屋根の上のバイオリン弾き』などがあります。

この演劇的なスタイルは、アントナン・アルトーが「社会的に条件付けられた思考」ではなく身体を通して表現することの効果について仮説を立てた 1940 年代に始まりました。1946 年に、彼は作品の序文を書き、その中で自分がどのようにしてそのような書き方をするようになったかを説明しています。

まず第一に、アルトーは言語がコミュニケーションの有効な手段であることを信頼していませんでした。残酷劇のジャンルの劇は抽象的な慣習と内容を示しています。アルトーは劇がインパクトを与え、目的を達成することを意図していました。彼の目的は、言語では不十分であると考え、身体的なパフォーマンスを通じて潜在意識を象徴することでした。アルトーは劇を再演ではなく上演とみなしており、俳優が現実を再現するのではなく、体現していると信じていたことを示しています。

彼の劇は、精神病棟の患者やナチスドイツといった重いテーマを扱っていた。彼はこれらのパフォーマンスを通じて、「苦しみの原因を聞き取れるようにする」ことを目指していた。観客は当初、その作品に驚いて否定的な反応を示した。当時、彼の作品の多くはフランスで禁止されていた。

アルトーは、当時の伝統的な演劇が観客に第二次世界大戦後の癒しのプロセスを助けるカタルシス体験を提供できるという考えを否定した。このため、彼は観客が聞いた言葉を自分の体と個人的に結び付けることができるラジオベースの演劇に惹かれた。このアプローチにより彼の作品はより親密で個性的なものとなり、苦しみの経験を伝える効果が高まると彼は信じていた。^[8]

このジャンルでは、実存的な疑問やジレンマを形而上学的に描写することが一般的です。不条理劇は合理性を拒否し、人間の状態の深みに飛び込む必然性を受け入れます。不条理劇は、これらの問題を明確に議論するのではなく、それらを具体化します。これにより、観客は劇の内容について個人的に議論したり熟考したりすることができます。

不条理劇の中心的な側面は、言葉と行為の間の意図的な矛盾です。多くの場合、登場人物の会話は彼らの行為とはっきりと対照的です。

このジャンルの著名な劇作家には、サミュエル・ベケット、ジャン＝ポール・サルトル、ウジェーヌ・イヨネスコ、アーサー・アダモフ、ジャン・ジュネなどがいます。^[9]

「演劇」という用語は、一般的な概念を包含することも、特にミュージカル以外の演劇を指すこともできます。音楽、ダンス、登場人物が歌う歌が含まれる「ミュージカル」とは対照的に、「ストレート プレイ」という用語が使用されることがあります。短い演劇の場合は、「プレイレット」という用語が使用されることがあります。

「脚本」という用語は、劇の文章を指します。タイトルと著者を含む前書きの後に、脚本は通常、登場人物（劇の主要登場人物を名前で紹介するリストで、簡単な登場人物の説明が添えられています（例：「酔っ払いの執事ステファノ」）。

音楽劇（オペラ、ライトオペラ、ミュージカル）の文脈では、「台本」の代わりに「リブレット」 という用語が一般的に使用されます。

演劇は、小説の章に似た、幕に分けられるのが一般的です。簡潔な演劇は、1幕のみで構成される場合があり、「1幕劇」と呼ばれます。幕はさらに場面に分けられます。幕と場面には番号が付けられ、場面番号は各幕の開始時に 1 にリセットされます (例:第 4 幕第 3 場面の次は、第 5 幕第 1場面になることがあります)。各場面は、脚本の場面の冒頭で示される特定の場所で行われます (例: 「第 1 場面。プロスペローの独房の前」)。場所を変更するには、通常、背景の調整が必要であり、これには時間がかかり (背景が描かれたものであっても)、場面間でのみ行うことができます。

俳優が話すセリフの他に、脚本には「舞台指示」が含まれます (舞台上で俳優を配置するブロッキングで使用される用語とは異なります)。一般的な舞台指示には、俳優の入場と退場が含まれます (例: "[ Exeunt Caliban、Stephano、およびTrinculo。]" ( Exeuntはラテン語のexit の複数形で、 [彼ら] は去る)。追加の舞台指示では、"[Aside]" や "[Sings]" のようにセリフの読み方を指定したり、"[Thunder]" のように舞台外で発する音を指定したりすることがあります。

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