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| ソウルの息子たち | ||||
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| スタジオアルバム | ||||
| リリース | 1993年6月22日 | |||
| 記録済み | 1993 | |||
| スタジオ |
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| ジャンル | ||||
| 長さ | 68 : 54 | |||
| ラベル | ||||
| プロデューサー | トニー！トニ！トネ！ | |||
| トニー！トニ！トネ！年表 | ||||
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| サンズ・オブ・ソウルのシングル | ||||
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『サンズ・オブ・ソウル』は、アメリカのR&Bバンド、トニー!トニー!トーン!の3枚目のアルバムで、1993年6月22日にウィング・レコードとマーキュリー・レコードからリリースされた。このアルバムは、彼らの人気をR&Bファンを超えて主流にまで広げた1990年のアルバム『ザ・リバイバル』の成功に続くものである。
当初、バンドはサンズ・オブ・ソウルのレコーディング・セッションを、ハリウッドのウェストレイク・レコーディング・スタジオやサクラメントのパラダイス・レコーディング・スタジオなど、カリフォルニアのいくつかのスタジオで行っていました。それらのスタジオに頻繁に通う様々な人々に飽き飽きしたため、トニー! トニ! トーン! はセッションの場をトリニダードのカリビアン・サウンド・ベイスンに移し、最終的にアルバムのほとんどの曲を書き、レコーディングしました。このアルバムは、様々なセッション・ミュージシャンと協力し、ビンテージと現代の両方のレコーディング機器を使用して、完全にグループによって制作されました。
『サンズ・オブ・ソウル』は、トニー・トニー・トーンの音楽的影響源である1960年代と1970年代のクラシックソウルアーティストへのオマージュとして録音されました。その音楽には、ライブ楽器、ファンク、そしてサンプルやスクラッチなどのヒップホップの要素が組み込まれています。リードシンガー兼ベーシストのラファエル・ウィギンズがほとんどの作詞作曲を担当し、風変わりで軽薄な歌詞と敬虔なバラードが特徴です。
商業的に成功した『Sons of Soul』は、 ビルボード200に 43 週間ランクインし、アメリカレコード協会(RIAA) からダブル プラチナ認定を受けました。このアルバムにより、Tony! Toni! Toné! は、1990 年代初頭の R&B ジャンルの商業的復活時に最も人気のあるアーティストの 1 人となりました。また、批評家からも広く支持され、多くの批評家の年末リストで 1993 年のベスト アルバムの 1 つにランクされました。
背景
生楽器演奏、ターンテーブル、そしてクラシックなソウルミュージックにインスピレーションを受けたトニー! トニー! トネ! は、2枚目のアルバム『ザ・リバイバル』をほぼ自分たちで録音、プロデュースし、1990年に発売して商業的に成功した。 [1] [2]このレコードは、当初のR&Bファンを超えて、グループのファン層を広げた。[3]しかし、彼らは、新たに得た主流の成功と、批評家から「レトロ」と評された音楽に対して、相反する感情を抱くようになった。[2]ピープル誌のインタビューで、リードシンガーでベーシストのラファエル・ウィギンズは、音楽業界に対する不満を表明し、「どのレコード会社も、グループを雇って、ベンツに乗せて、車載電話とポケベルを持たせ、3種類の服を着せ、ビーチでビキニが揺れるビデオに出演させたがる。ビーチで私たちを見ることはないだろう。私たちは、地に足の着いた、ファンキーな、遊ぶのが好きな男たちだ」と述べた。[4]次のアルバムを検討する前に、バンドは映画のサウンドトラック用にいくつかの曲を録音しました。その中には、ボーイズン・ザ・フッド（1991年）の「Me and You」、ハウス・パーティー2 （1991年）の「House Party (I Don't Know What You Come to Do)」、ポエティック・ジャスティス（1993年）の「Waiting on You」などがあります。[3]
『ザ・リバイバル』で創作意欲を満たしたトニー! トニー! トネ!は『サンズ・オブ・ソウル』で自分たちの音楽的影響に敬意を表したいと考えた。[5] [6] 1993年のニューヨーク・タイムズ紙のインタビューで、ウィギンズはアルバムの方向性について詳しく説明し、「テンプテーションズ、スライ&ザ・ファミリー・ストーン、アース・ウィンド&ファイアーなど、私たちアーティストの道を切り開いてくれた多くの先輩アーティストに敬意を表している。彼らは、アレサ・フランクリンやジェームス・ブラウンなど、私たちが成長するときにインスピレーションを与えてくれた人たちだ。私たちは、自分たちがすべてのもの、そして私たちの前にいたすべての人々の息子であると感じている」と述べた。[5]彼はまた、アルバムのタイトルは、彼らがそれらのアーティストの子孫であることを宣言するものだと説明し、「大げさな意味ではなく、私たちが本当に私たちの前にいたすべての音楽の子孫であるという観点から...過去に敬意を表しつつ、現代的な環境で創作している」と述べた。[7]
録音
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グループは1993年にサンズ・オブ・ソウルのレコーディングを開始した。 [8]当初はカリフォルニア州のいくつかのレコーディングスタジオでセッションを行い、[3]ハリウッドのエアLAスタジオ、パラマウント・レコーディング・スタジオ、ウェストレイク・レコーディング・スタジオ、オークランドのパジャマ・スタジオ、オークランド・ヒルズのJ.ジャム・レコーディング、サクラメントのパラダイス・レコーディング・スタジオなどであった。[ 9 ]当時、ラファエル・ウィギンスはそこに住んでいた。[8]ウィギンス、彼の兄弟のギタリスト、ドウェイン・ウィギンス、ドラマーのティモシー・クリスチャン・ライリーは、それぞれアルバムのために複数の楽器を演奏した。[9] [10]ラファエルとドウェインはギターとドラムマシンを演奏して曲のアイデアを思いつき、ライリーとグループの非公式メンバーでスタジオ内のキーボード奏者であるカール・ウィーラーと共にそれを作曲に取り入れた。[7]彼らはまた、自宅でドラムループを作成し、ラファエルはAkai MPC60、ドウェインはE-mu SP-12を使用し、グループは特定のループに合わせてスタジオでそれぞれの楽器パートを即興で演奏しました。[11]
また、彼らは、ストリングス編曲家のベンジャミン・ライト、サックス奏者のジェラルド・オルブライトとレニー・ピケット、トランペット奏者のレイ・ブラウン、編曲家のクレア・フィッシャー、オーディオ・エンジニアのジェリー・ブラウンなど、様々なセッション・ミュージシャンと仕事をした。[9]ブラウンは、グループの以前のアルバム、そして後には『Tony! Toni! Toné!』以降のラファエル・ウィギンズのソロ・アルバムなど、その後の作品のエンジニアを務めた。 [12]ブラウンは、ウィギンズに、ボーカルを録音する際には、低音を増やして厚みを持たせるためにダイナミック・マイクを使うことを勧め、ウィギンズはキャリアを通じてこの習慣を続けた。 [12]ウィギンズは、元テンプテーションズのボーカリスト、エディ・ケンドリックスに「Leavin' 」での歌唱を依頼したが、ケンドリックスはセッション前に他界した。[13]彼らはまた、ファット・リップ・ホーンズとサタデー・ナイト・ライブ・バンドのホーン・セクションであるSNLホーンズの2つのホーン・セクションとも仕事をした。[9] [11]ラファエルとドウェイン・ウィギンスはSNLの出演者たちに即興の音楽のアイデアを歌い、出演者たちは彼らの歌声を真似てホルンのパートを演奏した。[11]
トリニダードセッション
カリフォルニアでの生活やスタジオに頻繁に通う様々な人々に飽き飽きしたグループは、[2]セッションの場をトリニダード島ポートオブスペイン郊外マラバルのカリビアンサウンドベイスンに移した。[14]このスタジオ複合施設はトリニダード島でも数少ない高級レコーディング場所の一つで、最先端の設備と地域の文化で地元と海外のレコーディングアーティストの両方を惹きつけたいと考えていたトリニダード人実業家ロバート・アマールによって1990年に設立された。[14]グループは以前のセッションの成果を磨くためだけにスタジオを使うつもりだったが、結局2か月かけてアルバムの大部分となる曲を書き、レコーディングした。[3] [15]ドウェイン・ウィギンズはミュージシャンのインタビューでこの移転について「レコード会社は私たちが持っているものを本当にリリースしたがっていたが、私たち自身はアルバムが完成したとは感じていなかった」と語っている。[3]
カリビアン・サウンド・ベイスンには3つの独立したスタジオと、プール、ジム、サウナ、写真スタジオ、ベッドルームスイートなど、いくつかのアメニティがあった。 [14]ほとんどのレコーディングスタジオとは対照的に、その内部は広々としており、自然光が差し込む。 [14] スタジオコンプレックスでは、ラファエル、ドウェイン、ライリーの3人が夜遅くまでレコーディングを行い、スタジオに戻る前にナイトライフを楽しんだ。 [3]彼らはレコーディング中に雰囲気を盛り上げるために、照明を暗くしたり、お香を焚いたり、ワインを飲んだりすることが多かった。ドウェインはミュージシャンの中で、「私たちは本当に穏やかで落ち着いた雰囲気にしようと努めた。歌っているものに入り込みたいから。」と説明している。 [11]彼らは地元のダンスホールシーンにも没頭し、夜明けまで続く深夜のブロックパーティーに参加した。 [3]ドウェインは後に、マラベルでのグループとのナイトライフの経験を次のように回想している。
ダンスホールは聞いたことはあったが、実際に行く前は何も知らなかった。ブロックパーティーに行くと、1マイル近く離れたところからでもダンスホールの音が聞こえた。路上に車を停めて、4000人から5000人の人たちと一緒にパーティーまで歩いていく。みんな巨大なスピーカーでパーティーをしている。これはほぼ毎週末行われていた。[3]
アルバムのその後のレコーディングは、トリニダードとカリブ海の音楽スタイルでの経験から影響を受けており、[3]地元の音楽シーンのリズムやお祭り気分も含まれている。[15]彼らは、Caribbean Sound Basin の常連であるトリニダードのダンスホールアーティスト、ジェネラル・グラントを招き、[14]彼らがトリニダードで開発した曲「What Goes Around Comes Around」と「Dance Hall」でラガラップ を披露してもらった。[3] [9] [16]ラファエル・ウィギンズはトロントスター紙のインタビューでこのことを回想している。「[グラント]はスタジオにうろついていた。私たちは彼に、['What Goes Around Comes Around']でフリースタイルをやってくれないかと頼んだんだ。その後も彼はずっとうろついていた。ある晩、私たちは「Dance Hall」を演奏していたんだけど、彼がまた始めたので、私たちはマイクをオンにしたんだ。」[8]「My Ex-Girlfriend」もそこで録音された。[16]ドウェインによると、彼らは午前3時にスタジオで「Tonyies! In the Wrong Key」を録音し、ラファエルは歌を歌っているときにアルコール飲料で「かなり酔っていた」という。[11]セッションの終わりまでに、グループは合計で約40曲を書き、録音した。[3] [7]ビルボードのインタビューで、ドウェイン・ウィギンズは、どの曲をアルバムに入れるかを決める際にラブソングに焦点を当てたと語った。[3]
生産
以前のアルバムとは異なり、グループはSons of Soulを完全に自分たちで制作しました。[17]彼らはアルバム制作にハモンドB-3、クラビネット、ARPストリングアンサンブル、コルグとローランドのシンセサイザーなど、ビンテージと現代の両方のレコーディング機器を使用しました。[7]ライリーは、古い楽器で演奏された音楽を聴くことが彼らの曲作りに影響を与えたと感じていました。[7]ボーカルには、ラファエルはノイマンU 87とAKG C12A コンデンサーマイク、ビンテージのRCAタイプ77-DXマイクを使用して録音しました。[11]彼はサンフランシスコのギターとベースの修理店で購入したカスタムの5弦ベースを使用し、[11]アルバムの他のベースラインにはMinimoogアナログシンセサイザーを使用しました。[ 11 ]ドウェインはリードボーカルにMicrotech Gefell UM70、バックボーカルにAKG 414を使用しました。[11]彼はヴィンテージのギブソンL6-Sと、ギブソンのバーストバッカーピックアップを装備したフェンダーコロナドギターを演奏した。[11]ドラム演奏の他に、ライリーはウーリッツァーとフェンダーローズのエレクトリックピアノを演奏した。[11]
カリビアン・サウンド・ベイスンのメインスタジオには、アナログとデジタルの両方の機材、60フィート×70フィート×18フィートのライブルーム、ボーカル、ピアノ、ドラム用の3つのアイソレーションブースがありました。 [14]グループは、スタダーの24トラックと48トラックのレコーダーを使用してオリジナルのトラックを録音し、ソニーのデジタルレコーダーに転送しました。[11]ほとんどの曲では、MIDIキーボードはシーケンサーでライブ演奏され、クオンタイズされませんでしたが、ビンテージキーボードはアナログテープに録音されました。[7]ライリーは、キーボードマガジンのインタビューで、このプロセスについて次のように述べています。「シーケンサーを使用したものもありましたが、曲は最初から最後までライブでカットしました。前回のレコードはすべてシンクラヴィアで行われました。しかし今回は、すべてをライブで生のままにしようとしました。」[7]
レコードプロデューサー兼DJのアリ・シャヒード・ムハンマドは、アルバムのプログラミングを担当したとクレジットされている[9]ほか、制作にも協力した。[18]彼は、サンズ・オブ・ソウルにおけるヒップホップ制作とライブ楽器の融合が、その後のア・トライブ・コールド・クエストやジ・ウンマのメンバーとしての活動のインスピレーションになったと語った。[19]ムハンマドは1998年のインタビューでサンズ・オブ・ソウルのレコーディング体験について、「このビートを繋いだら、メンバーが楽器を手に取って演奏し始めた。ラファエルが歌っていて、ベースに触れた瞬間に圧倒された」と語っている。[19]ラファエル・ウィギンズは、アルバムのレコーディングで楽器演奏を重視した理由について、「みんなが共感できるものを作りたかったんだ。ドラマーがライブドラムに加わったりするんだ」と語っている。[8]
トニー! トニー! トネ! は、Caribbean Sound Basin で曲の最終ミックスを録音した。 [7]メインスタジオでは 64 チャンネルのSSL 4064 Gミキシングコンソール、セカンダリスタジオではフライングフェーダー付きの48 トラックNeveコンソール、サードスタジオではAmek BC2 コンソールを使用した。[14]グループは主に古い Neve コンソールを使用した。[11]曲のトラッキングでは、ドラムマシンのグルーヴを基本トラックとして録音した。[7]その後、生楽器で録音された部分がミックスに加えられた。[7]生演奏のサウンドを実現するために、生ドラムとホーンセクションが追加された。[1]その後、Sons of Soul は、エンジニアのハーブ・パワーズがニューヨークのスタジオ PM Entertainment でマスタリングした。 [9]
音楽と歌詞
サンズ・オブ・ソウルは、ザ・リバイバルの伝統的なR&Bの影響を、[20]アップビートなファンクと古典的なモータウンのスタイルで展開した。[21] [22] 「 If I Had No Loot」、「My Ex-Girlfriend」、「Tell Me Mama」などの曲は、活発なテンポ、耳障りなハーモニー、[23]メロディックなフック、リードボーカルのラファエル・ウィギンズのハイテノールの歌声を取り入れている。 [ 20]「I Couldn't Keep It to Myself」、「Gangsta Groove」、「Fun」、「16」 、「Tonyies! In the Wrong Key」など、他の曲もファンクのグルーヴで演奏された。[20]ヒューストン・クロニクルのリック・ミッチェルは、曲のアレンジは「古典的な影響を現代的なグルーヴに巧みに取り入れている」と書いている。[24]バッファロー・ニュースのカール・アレンは、このアルバムは黒人ポピュラー音楽を「ヒップホップのセンスでゴスペル/ブルースのルーツに再接続した」と主張した。 [25]
このアルバムの音楽は、古いR&Bとともに、ダンスホールやヒップホップなどの現代のアーバンスタイルを取り入れており、 [26] [27]ヒップホップのビート、ターンテーブルスクラッチ、[28]、サンプル[5]など、現代のラップと古いソウルの両方から取り入れられている。[16]セントピーターズバーグタイムズのトニー・グリーンは、トニー! トニー! トーン! がR&Bやヒップホップの同世代の音楽的側面を取り入れており、「ブラックポップのジェネレーションXを代表している。アース・ウィンド・アンド・ファイアーやスティーヴィー・ワンダーのようなアーティストの全盛期の終わりに巻き込まれた20代半ばから後半の世代は、ラップ革命に打ちのめされた」と見ている。[17]グループはサンプリングしたものを生楽器で再現しており、キーボードマガジンはこれを主にデジタルのヒップホップジャンルへのアナログなアプローチと解釈した。[7]
『サンズ・オブ・ソウル』の歌詞はロサンゼルス・タイムズの評論家コニー・ジョンソンによって風変わりなものが多いと評されたが[30]、ヴァイブのエリサ・ガードナーは歌詞が軽薄で優しく、特に「スロー・ワイン」や「(レイ・ユア・ヘッド・オン・マイ)ピロー」などのバラードがそうだと述べ、アルバム全体を通してグループの作詞作曲には「敬虔な」精神が感じられたと感じた。[20]作詞作曲の大部分はラファエル・ウィギンズが担当したとされている。[9]サクラメント・ビーのローラ・ザッカーは、アルバムの大半は「R&Bの伝統である甘い言葉とロマンスに忠実に従って書かれた」と評した。[27]当時のほとんどのR&Bやヒップホップ音楽とは異なり、アルバムの歌詞には俗悪な言葉がなかったが、「マイ・エックス・ガールフレンド」では「信じられない / 元カノは売春婦だって言われたのに!」というコーラスが特徴的だった[22]。
歌
アルバムはニュージャックスウィングのビート、[27]際立ったギターリフ、 [ 6]ヒップホップソングのボーカルサンプル、[31]そして場当たり的な友人についての歌詞が特徴的な「If I Had No Loot」で始まる。[27] 3曲目の「My Ex-Girlfriend」は不貞のパートナーについてのコメントであり、[30]下品なユーモア[32]で元恋人の乱交を叱責する歌詞である。[26]これは、オークランドの売春婦のたまり場を車で通り過ぎ、そのうちの1人が古い友人であることに気づいたときにドウェイン・ウィギンズが思いついたコンセプトから発展したものである。[11]アップビートのバラード「Tell Me Mama」は、勢いづくダイナミクス、[23]ホルンで満たされたブリッジ、[4]と責任と後悔についての歌詞がある。[22]ロサンゼルス・タイムズのフィル・ギャロは、この曲は「ジャクソン5とテンプテーションズのボーカルスタイル、アース・ウィンド・アンド・ファイアーのホーン譜、スライ&ザ・ファミリー・ストーンのヒット曲のリフ」を利用している、と書いている。[33]ローリング・ストーン誌のジャーナリスト、フランクリン・ソウルツによると、アルバムの最初の5曲は「モータウンからニュー・ジャック・スウィングへ、そしてまたモータウンへ跳ね回り、その後セクシーで甘いバラードの連続へと移行する傑作」である。[34]
最初のバラード「Slow Wine」はトリニダードのスローグラインドダンスを歌ったもので、[15]次の「(Lay Your Head on My) Pillow」は優しく誘惑的な歌詞と[4]微妙な誘惑を特徴とし、[20]ワシントンポストのギル・グリフィンによれば「ヒップホップの自慢をソウルミュージックの約束に置き換えた」ものである。 [22] 「I Couldn't Keep It to Myself」は豪華なストリングスとエレクトリックピアノが特徴で、「初期のクール・アンド・ザ・ギャングやブラックバーズを思い起こさせる陽気な雰囲気を醸し出している」。[23]語り手は新しいガールフレンドの性的能力について友人たちに自慢したい。[35]「Gangsta Groove」はヒップホップの「ギャングスタ」の比喩を人道的な物語に取り入れており、[26]ブラックスプロイテーションの流れを汲んでいる。[36]パーラメント・ファンカデリック、カメオ、オハイオ・プレイヤーズのファンク音楽を参考にしている。[37]「Tonyies! In the Wrong Key」は、夢のような不協和音のサウンドスケープ、[23]スラーボーカル、[17]渦巻くホーン、[4]ジェームス・ブラウンのサンプルを特徴としている。[20]最後に、ラファエル・ウィギンズが「昨夜、DJが僕の命を救ってくれた」という歌詞を歌っているが、これは1982年の同名曲への言及である。[10]ウィギンズは、自分の無表情なボーカルスタイルが「ファミリー・アフェア」（1971年）のスライ・ストーンのそれに似ていることに気づいた。[27]
「Dance Hall」は同名のジャンルでスタイル化されており、[8]ファンクも取り入れている。[15]セグエトラック「Times Squares 2:30 AM」は、グループが路上でテープレコーダーで録音した。[38]「Fun」はヒップホップのグルーヴ、ジャズフュージョントーン、[27]と「Dance Hall」に似た不遜なパーティーテーマである。[22]「Anniversary」は成熟した永続的な愛についてである。[10] VibeのElysa Gardnerはこれを「女性の主題を非常に暖かく敬意を持って表現した、9分間の壮大なロマンチックなボレロで、 [「My Ex-Girlfriend」]の生意気な女性蔑視はすぐに許されるように思える」と評している。 [20]「Castleers」は短いボーカルトラックで、RaphaelとD'wayneが学生時代に歌っていたCastlemont High Schoolの合唱団、Castleers Choirへのトリビュートである。[8] [39]ラファエルは、この曲のインスピレーションについて「高校の合唱団はクラシックなR&Bのハーモニーが中心だったので、この曲に合唱団にちなんで名付けました。学校でのこの経験で素晴らしいことの一つは、音楽でプロの世界に飛び出す準備ができたことです。」と語っている。[8]
マーケティングと販売
『サンズ・オブ・ソウル』は1993年6月22日[40]にウィング・レコードとマーキュリー・レコード[16]から発売され、両社は『ザ・リバイバル』の成功に乗じようと大々的なプロモーション・キャンペーンを展開した。[14] 『 サンズ・オブ・ソウル』は好調な売り上げを記録し、トニー・トニー・トーンの最高位のアルバムとなった。[6] [41] 7月10日の週にビルボード200チャートで38位でデビューした。[42] 7月24日にはビルボード トップR&Bアルバムで最高3位に達し、56週間チャートインした。[43]発売後8週間で、『サンズ・オブ・ソウル』は米国で281,961枚を売り上げた。[44]ビルボード200に43週間ランクインし、9月18日には最高24位に達した。 [43] 11月までに、アルバムは米国でほぼ100万枚を売り上げた。[27]プロモーションとして5枚のシングルがリリースされ、[45] Hot 100チャートのヒット曲「If I Had No Loot」と「Anniversary」が含まれていた。 [46] 1995年11月14日、アルバムは米国で200万枚出荷され、RIAAからダブルプラチナに認定された。[47]ニールセンサウンドスキャンによると、1997年までに120万枚を売り上げた。[48]
『サンズ・オブ・ソウル』のプロモーションのため、トニー!トニー!トニー!はサポートツアーに乗り出し、観客とコンサートのレパートリーを広げた。国内の会場以外にも、ヨーロッパ、オーストラリア、日本でコンサートを開催してアルバムのプロモーションを行った。[27]また、サタデー・ナイト・ライブ、レイト・ショー・ウィズ・デイヴィッド・レターマン、[49]アポロ・シアターの殿堂式典など、テレビ番組にも出演した。[50] 1993年11月、[51]グループは歌手ジャネット・ジャクソンの注目を集めたジャネット・ワールド・ツアーにサポートアクトとして参加した。[52]しかし、数回の公演の後、バンドは1994年1月に脱退し、[51]ステージでの時間が限られていることとジャクソンのショーが頻繁にキャンセルされることに不満を表明した。[2]ライリーは、ジャクソンのより主流でポップな聴衆のためにセットリストを変更することを余儀なくされたとも語った。[51]一方、ツアースタッフは、グループが「事前の通知なしにツアーを離れ」、「非常に非専門的だった」と回想している。[53]ジャクソンのオープニングアクトはミント・コンディションに交代した。 [53]その後、トニー! トニー! トーン! は活動休止となり、各メンバーは自身の音楽プロジェクトを追求し、他のアーティストのプロデュースや作曲を行った。[2] [54]その後、1996年にアルバム『ハウス・オブ・ミュージック』をレコーディングするために再結成した。[34]
批評家の評価と遺産
『サンズ・オブ・ソウル』は批評家から広く称賛された。[3] ビルボード誌は、このレコードの伝統的な影響と現代的な感性を称賛し、「成熟したグループによる多彩で多彩なレコード」と呼んだ。[ 29]また、ニューヨーカー誌は、アルバムの中でトニー! トニー! トーン! が「魅力的なダンストラックから...愛らしく官能的なバラードへ」と簡単に移行したと述べた。[61]シカゴ・トリビューン紙では、グレッグ・コットがサンズ・オブ・ソウルを「ヒップホップの姿勢と70年代のR&Bの美学の最も完成された融合」と称賛し、特にメンフィス・ソウルのギターや流行のリズム、ターンテーブルのスクラッチを取り入れていることから、グループのファンクとソウルミュージックに精通しているとみなした。コットは歌手としてラファエル・ウィギンズをスティーヴィー・ワンダーに例え、[28] USAトゥデイ紙のジェームズ・T・ジョーンズ4世は、このレコードのグルーヴィーでキャッチーな曲はスライ・ストーンに匹敵すると信じていた。[60]タイム誌でアルバムを批評したクリストファー・ジョン・ファーリーは、この音楽はバンドの以前のレコードよりもエレガントで革新的であると評価した。[10]ボストン・グローブ紙のマイケル・サンダースは、1990年のヒット曲「フィールズ・グッド」ほど素晴らしい曲はないものの、このレコードは「チャートに散らばっているほぼすべての定型的なソウル/ポップアルバムよりも間違いなく優れている」と考えており、過度に感傷的になることなく親密に聞こえるバラードをフィーチャーしている。[62]
ロバート・クリストガウは、ヴィレッジ・ヴォイスの「消費者ガイド」コラムではそれほど熱心ではなく、「If I Had No Loot」と「Anniversary」をハイライトとして挙げ、冗談交じりにグループを「今年のセクシーな嘘つき」と呼んだ。[63] [nb 2]より批判的なレビューでは、スピン誌のジョナサン・バーンスタインは、「If I Had No Loot」や「What Goes Around Comes Around」などの曲は、シルク、H-タウン、イントロなどの現代のR&Bバンドに対抗するために、リバイバルでのトニー!トニー!トーン!の過去のヒット曲から派生したものであると感じた。[59]
1993年末、サンズ・オブ・ソウルはヴィレッジ・ヴォイス誌の毎年恒例のパズ＆ジョップ批評家投票で年間ベストアルバム19位に選ばれた。 [65] Q誌は1993年のベストアルバム50にこれを含め、[66]タイム誌は年間ベストアルバム1位にこのアルバムをランク付けした。リストの宣伝文句には「トニーズは本物の楽器を使った本物のバンドで、R&Bの作曲技術を未来に呼び戻すことに成功した」と書かれていた。[67]また、 USAトゥデイ紙のジェームズ・T・ジョーンズ4世、[68]とニューヨークタイムズ紙からは年間ベストアルバムに選ばれ、[49]ニューズデイ紙は年間ベストアルバムの1つに挙げた。[69] 1994年、「アニバーサリー」は最優秀R&Bソングと最優秀R&Bデュオまたはグループ・ヴォーカル賞のグラミー賞にノミネートされた。[70]このアルバムは、トニー!トニー!トーン!に1994年のローリングストーン誌批評家賞最優秀R&Bグループ賞ももたらした。[69] 1995年、Q誌は創刊100号を記念したリスト「In Our Lifetime: Q's 100 Best Albums 1986–94」にサンズ・オブ・ソウルを選んだ。 [71] 2007年、ヴァイブ誌はヴァイブ時代の必須アルバム150選（1992–2007）にこのレコードを選んだ。[72]
影響と再評価
黒人音楽はかつてないほど力強くなっています... トニー！トニ！トネ！彼らの音楽をただサンプリングするのではなく、実際に演奏します。音楽家としての精神が復活したのです。
—ジミー・ジャム（1994）[28]
サンズ・オブ・ソウルはトニー! トニー! トーン! の商業的成功と批評的成功の間のギャップを埋め、[73]彼らを当時の R&B で最も人気のあるバンドの 1 つに押し上げた。[21]その成功は、ヒップホップが主流のアフリカ系アメリカ人音楽ジャンルとなった1990 年代初頭の、ジャンルの商業的復活を象徴するものである。 [ 36] 1994 年、シカゴ・トリビューンのグレッグ・コットは、その復活は若手アーティストによる生演奏とヒップホップの制作価値の融合によるものだとし、サンズ・オブ・ソウルを「ヒップホップの姿勢と 70 年代の R&B 美学の最も完成された融合」と評した。[28] アトランタ・ジャーナル・コンスティテューション紙は、それを「栄光の日々を穏やかに思い出させる」と称賛し、ボーカルと音楽の両方の才能を持つグループが、初期 R&B の美学への回帰を最もよく示していると感じた。[36]さらに、彼らはマイケル・ジャクソンやスヌープ・ドッグなどのR&Bやヒップホップのアーティストとのいくつかの注目を集めた論争があった年に主流の注目を集めました。[25]ハーバード・クリムゾンのデイビッド・W・ブラウンは、トニー・トニー・トーンは「レコードを売るためにプレイヤ・ギャングスタ・マックのイメージに頼っているジョデシなどの他のグループとは異なり、課外活動の評判ではなく、主に音楽の質で知られています」と書いています。 [54]
ミント・コンディションやR・ケリーといったアーティストと共に、トニー! トニー! トーン! はヒップホップの感性を引き立てる生楽器を演奏した。[28]コンサートでは、お香の煙や万華鏡のような舞台照明などの視覚的要素、グループの風変わりな衣装、そしてもう1人のギタリスト、2人のドラマー、2人のキーボード奏者、バイオリニスト、[74] [75] 1人のトランペット奏者、サックス奏者を含む追加の楽器奏者が特徴だった。[8] シャーロット・オブザーバー紙は1994年にこのグループについて「レコードやステージで生楽器を使用することで、彼らは現代のR&Bの合成およびサンプリングの世界では異例の存在となっている」と評した。 [49]グループは作詞作曲や楽器編成において伝統的なソウルやR&Bの価値に依存しており、サンズ・オブ・ソウルは1990年代のネオ・ソウル運動の先駆けとなった。 [32]ダラス・モーニング・ニュースのマット・ワイツは1993年に、このグループはサンズ・オブ・ソウルなどのニュージャックスウィングの同時代人たちとは一線を画しており、プリンスやPMドーンのようなアーティストと美的に似ていると書いている。[74]ラファエル・ウィギンズはアルバムの成功について次のように語っている。
自分たちで曲を書けるグループになれたことは、とても幸運なことでした。ヒップホップとR&Bのどちら側からも、あるいは何と言おうと、私たちを受け入れてもらえたのです。1993年から94年にかけて、ここでそれができたことはとても幸運だったと思います。というのも、ご存知のように、当時は衰退し始めていたからです。でも、私たちはヒップホップとソウルとR&Bの架け橋のような存在だったと思いますし、少し商業的だったことも役に立ったと思います。ユーモアたっぷりで、スローテンポの素敵な曲がたくさんあり、演奏できることが、ある種の基盤を私たちにもたらしてくれました。[6]
ドウェイン・ウィギンズは、サンズ・オブ・ソウルをグループでのお気に入りのアルバムとして挙げている。[78] ヴァイブとフィラデルフィア・デイリー・ニュースもこのアルバムをグループの最高傑作とみなしている。[72]後者は「このアルバムは、今後登場する同様のソウルフルなアーティストたちを大衆が聴く準備を整えた作品かもしれない」と書いている。[79] オールミュージックの編集者、スティーブン・トーマス・アーレウィンは、彼らが「音楽性を損なうことなく、チャートで最大の成功を収めた」と感じており、「最初の2枚のアルバムを特徴づける、精巧に作られた、非常に折衷的でファンキーなポップソウルはそのままに」、作詞作曲と演奏が向上していると考えている。[40]ワシントン・シティ・ペーパーのリッキー・ライトは、このアルバムを「聴衆の期待に応えた、非常に機知に富んだソングライター」の「非常に素晴らしい」ショーケースとみなし、「90年代のR&Bでこれに匹敵するものはほとんどない」と付け加えた。[26] 『ニュー・ローリング・ストーン・アルバム・ガイド』 （2004年）で、フランクリン・ソウルツは、このレコードの成功の功績を主にラファエル・ウィギンズに帰し、「彼の高音テナーは、彼の作曲と同じくらい滑らかで自信に満ちている」と述べた。[34]
トラックリスト
全曲はトニー・トニ・トーンによってプロデュースされた[9]
注記
- 「Leavin ' 」にはア・トライブ・コールド・クエストの「If the Papes Come」のサンプルが収録されている。[80]
- 「What Goes Around Comes Around」と「Dance Hall」には、トリニダード出身のアーティスト、ジェネラル・グラントのラップがフィーチャーされている。[3]
人事
クレジットはアルバムのライナーノーツより引用。[9]
トニー！トニ！トネ！
- ティモシー・クリスチャン・ライリー – ドラムプログラミング、ドラム、ホーンシンセサイザー、キーボード、プロデューサー、プログラミング、シンセサイザー
- ドウェイン・ウィギンズ – ベース、ドラムプログラミング、ドラム、ギター、プロデューサー、プログラミング
- ラファエル・ウィギンス – ベース、ベースシンセサイザー、ドラムプログラミング、ドラム、キーボード、プロデューサー
追加ミュージシャン
生産
チャート
認定資格
参照
注記
- ^ 当時のスピン誌の評価基準によれば、黄色の円は3つの色の円のスケールで2番目であり、「かなり良い」が比較的重要でないアルバムを示していた。 [59]
- ^ クリストガウは後に、自身のコラム集『クリストガウの消費者ガイド：90年代のアルバム』（2000年）の中で、このアルバムに1つ星の佳作を与えた。[64]
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外部リンク
- DiscogsのSons of Soul (リリースリスト)
- MusicBrainzの Sons of Soul (リリースリスト)