レコーディングスタジオ

レコーディング スタジオは、楽器やボーカルの演奏、話し言葉、その他の音を録音およびミキシングするための専門施設です。レコーディング スタジオの規模は、歌手兼ギタリスト 1 名を録音できるほどの小さな自宅プロジェクト スタジオから、 100 名以上のミュージシャンからなるフル オーケストラを収容できる大きな建物までさまざまです。理想的には、録音スペースとモニタリング (リスニングとミキシング) スペースの両方が、音響技師またはオーディオ エンジニアによって特別に設計され、最適な音響特性 (リスナーが聞く音に干渉する可能性のある反射音の音響分離または拡散または吸収) が実現されます。

レコーディング スタジオは、歌手、楽器演奏者 (エレキ ギター、ピアノ、サックス、オーケストラなどのアンサンブルなど)、広告や映画、テレビ、アニメーションのセリフの差し替え用のナレーション、フォーリーなどの録音、または付随する音楽のサウンド トラックの録音に使用されることがあります。一般的なレコーディング スタジオは、楽器奏者やボーカリストが演奏する、マイクとマイク スタンドを備えた「スタジオ」または「ライブ ルーム」と呼ばれる部屋と、オーディオ エンジニアが (場合によってはレコード プロデューサーも)、プロ仕様のオーディオ ミキシング コンソール、エフェクト ユニット、または特殊なソフトウェア スイートを搭載したコンピューターを操作して、アナログまたはデジタル録音用にサウンドをミックス、操作 (イコライゼーションの調整やエフェクトの追加など)、ルーティングする「コントロール ルーム」で構成されています。エンジニアとプロデューサーは、高品質のモニター スピーカーまたはヘッドフォンでライブ音楽と録音された「トラック」を聞きます。

多くの場合、ドラムやエレキギターのアンプやスピーカーなどの大きな音の出る楽器を収容し、他の楽器や声を拾っているマイクにこれらの音が聞こえないようにしたり、アコースティックギターやバイオリンなどの静かなアコースティック楽器やボーカルを録音するための「乾燥した」部屋を提供したりするために、アイソレーションブースと呼ばれる小さな部屋があります。 大規模なレコーディングスタジオには通常、グランドピアノ、ハモンドオルガン、エレクトリックピアノ、ハープ、ドラムなど、大きくて重く、持ち運びが難しい楽器や音楽機材がスタジオ内に揃っています。

レコーディング スタジオは通常、3 つ以上の部屋で構成されます。

• スタジオのライブルームは、楽器奏者が楽器を演奏する場所であり、その演奏はマイクで拾われ、電気楽器や電子楽器の場合は、楽器の出力またはDIユニットの出力をミキシングボードに接続して録音されるほか、ボーカリストが演奏する場所でもある。^[1]
• 遮音ブース、または防音エンクロージャーは、箱や仕切りで作られた密閉または部分的に密閉されたエリア、またはドアが付いた完全に独立した小さな防音室で、特定の楽器奏者（またはそのスピーカースタック）向けに設計されています。ボーカルブースも同様に設計された歌手用の部屋です。どちらのタイプの部屋にも通常窓があり、歌手、バンドリーダー、ミュージシャンは視覚的な合図を送ったり受け取ったりすることが多いため、演奏者は他のバンドメンバーや他のスタジオスタッフを見ることができます。^[1]
• コントロールルーム、または制作/録音室は、オーディオエンジニアやレコードプロデューサーがミキシングコンソールでマイクと楽器の信号をミックスする場所です。ここで、彼らは歌や演奏をテープ（1980年代までと1990年代初頭）またはハードディスク（1990年代以降）に録音し、録音とトラックをモニタースピーカーまたはヘッドフォンで聞き、ミキシングコンソールの設定を調整したりエフェクトユニットを使用したりしてトラックを操作することができます。^{[1] [要出典]}
• 機械室には、ファン冷却式コンピューターやパワーアンプのラックなど、騒音の大きい機器が保管されており、録音や視聴のプロセスにノイズが干渉するのを防ぎます。

遮音は重要な目標ですが、ミュージシャン、歌手、オーディオ エンジニア、レコード プロデューサーは、お互いの姿が見え、キュー ジェスチャーやバンド リーダーの指揮を確認できる必要があります。そのため、ライブ ルーム、遮音ブース、ボーカル ブース、コントロール ルームには通常、窓があります。

レコーディング スタジオは、室内音響の原理に基づいて慎重に設計され、音を正確に録音するために必要な音響特性を備えた一連の空間を作り出します。建築音響には、音響処理と防音のほか、部屋が音に対して望ましい反応を示すように部屋自体の物理的寸法を考慮することが含まれます。音響処理には、室内の表面に吸収材と拡散材を使用することが含まれます。残響の量を制御するために、レコーディング スタジオの部屋には、反射面と非反射面を再構成可能な組み合わせで配置することができます。防音により、部屋間の音響的分離が実現し、建物への音の出入りが防止されます。都市環境にあるレコーディング スタジオは、周囲の通りや道路からの騒音が内部のマイクに拾われないように、外殻に防音対策を施す必要があります。

レコーディング スタジオに一般的に備わっている機器には、次のものが含まれます。

• プロ仕様のミキシングコンソール
• チャンネルを追加するための追加の小型ミキシング コンソール (例: ドラム キットにマイクを付ける必要があり、大型コンソールのすべてのチャンネルが使用されている場合、追加の 16 チャンネル ミキサーを使用すると、エンジニアはキットのマイクをミックスできます)
• マイクプリアンプ
• マルチトラックレコーダーまたはデジタルオーディオワークステーション
• コンピューター
• さまざまな楽器に適したマイクの幅広い選択肢
• DIユニットボックス
• エンジニアが歌手、楽器奏者、アンサンブルの前の希望の位置にマイクを配置できるようにするマイクスタンド
• 録音されたミックスやトラックを聴くために設計されたスタジオモニター
• スタジオモニタリングヘッドフォン（通常は密閉型で、マイクに音が漏れるのを防ぎます）
• 「オンエア」または「レコーディング中」のライトサインは、他のスタジオユーザーに静かにするよう促すために設置されています。
• コンプレッサー、リバーブ、イコライザーなどの外部エフェクトユニット
• 譜面台

すべての音楽スタジオに楽器が備え付けられているわけではありません。小規模なスタジオには楽器が備え付けられておらず、バンドやアーティストは自分の楽器、アンプ、スピーカーを持参する必要があります。ただし、大手のレコーディング スタジオではライブ ルームにさまざまな楽器が備え付けられていることが多く、通常は大きくて重く、持ち運びが難しい楽器、アンプ、スピーカー キャビネット (ハモンド オルガンなど) や、1 回のレコーディング セッションで借りるのが不可能な楽器 (グランド ピアノなど) が備え付けられています。スタジオに楽器や機材があると、ピアノの調律や楽器および関連機材のメンテナンスが必要になるため、スタジオに追加のコストがかかります。

汎用コンピュータは急速にレコーディング プロセスで大きな役割を担うようになりました。ソフトウェアを使用すれば、高速プロセッサを搭載した高性能で高品質のコンピュータで、 1980 年代や 1990 年代のレコーディング スタジオで必須だったミキシング コンソール、マルチトラック レコーディング機器、シンセサイザー、サンプラー、エフェクト ユニット(リバーブ、エコー、コンプレッションなど) を置き換えることができます。このように装備されたコンピュータは、デジタル オーディオ ワークステーション(DAW) と呼ばれます。

ほとんどのスタジオ作業ではApple Macintoshが使用されていますが、 ^{[引用が必要]} Microsoft WindowsおよびLinux向けにも幅広いソフトウェアが利用可能です。

ミキシング コンソールを使用せず、すべてのミキシングをキーボードとマウスのみを使用して行う場合、これをミキシング イン ザ ボックス(ITB) と呼びます。OTB は、PC ソフトウェアだけでなく他のハードウェアを使用したミキシングを表します。

小規模な個人用レコーディング スタジオは、プロジェクト スタジオまたはホーム スタジオと呼ばれることもあります。このようなスタジオは、多くの場合、個々のアーティストの特定のニーズに応えたり、非営利の趣味として使用されます。最初の現代的なプロジェクト スタジオは、手頃な価格のマルチトラック レコーディングデバイス、シンセサイザー、マイクの登場により、1980 年代半ばに誕生しました。この現象は、 MIDI機器やアクセサリの価格低下、および安価な直接ディスク レコーディング製品 の登場により、盛んになりました。

ドラムやアンプを通したエレキギターは、通常最も音量が大きい楽器なので、自宅スタジオで録音するのは難しい。アコースティック ドラムは、電子ドラムやサンプリング ドラムとは異なり、このシナリオでは遮音性が必要である。パワー チューブの歪みを含む本物のエレキギター アンプの音を得るには、パワー アッテネーターまたは遮音キャビネット、またはブースが必要である。便利な妥協策は、モデリング アンプ、プリアンプ/プロセッサ、またはソフトウェア ベースのギター アンプ シミュレーターのいずれかによるアンプ モデリングである。ミュージシャンは、ドラムなどの音量が大きく扱いにくい楽器を、今日ではある程度リアルなサンプリングを提供するキーボードに置き換えることがある。

ADATによって導入されたデジタル録音機能と、当初3995ドルで導入された比較的低価格が、1990年代のプロジェクトスタジオの台頭に大きく貢献しました。^[2]今日のプロジェクトスタジオは、標準的なPCハードウェア上で実行されるソフトウェアベースのDAWを中心に構築されています。

遮音ブースは、ライブルーム内の部分的に密閉されたエリア^{[a] [要出典]}、またはライブルームに隣接して建てられた完全に独立した小部屋で、外部の音を遮断し内部の音を保つための防音対策が施されています。音響業界の他のすべてのレコーディングルームと同様に、遮音ブースは壁からの拡散反射が少なくなるように設計されており、良い音の部屋を作ることができます。ドラマー、ボーカリスト、またはギターのスピーカーキャビネットは、マイクとともに遮音ブース内で音響的に隔離されます。今日の典型的なプロのレコーディングスタジオには、コントロールルーム、大きなライブルーム、1つ以上の小さな遮音ブースがあります。

すべての部屋は、壁の両側の層ごとに継ぎ目をずらした二重層の5/8インチの石膏ボード、フォームで満たされたバッテン断熱材、二重壁（間に空気層を設けて断熱壁の隣に別の断熱壁を建てた壁）、内壁と角にフォームを追加すること、間に空気層を設けた2枚の厚いガラスを使用することなど、さまざまな方法で防音されています。一般的な建築材料の表面密度は、材料を介したさまざまな周波数の透過損失を決定します。^[3]

トーマス・A・ワトソンは1877年にアレクサンダー・グラハム・ベルと電話のデモンストレーションを行うために防音ブースを発明したが、特許は取得していない。^[4]同じコンセプトのバリエーションとして、ポータブル独立型遮音ブースやギタースピーカー遮音キャビネットなどがある。ゴボパネルはより適度な程度で同じ効果を実現する。例えば、ライブルームやステージ上で音が大きすぎるドラムキットには、周囲に透明なアクリルガラスのゴボパネルを配置して音を偏向させ、他のマイクに音が漏れないようにすることで、ミキシングコンソールで各楽器チャンネルをより独立して制御できるようにする。

アニメーションでは、声の演技は通常個別のセッションで録音され、俳優は（監督や朗読の助けを借りて）自分がセリフに参加していると想像しなければなりません。^[5] アニメーション映画は開発と制作の両方で急速に進化することが多いので、ボーカルトラックが互いににじみ出ないようにすることは、最後の瞬間までセリフを微調整する能力を維持するために不可欠です。主演俳優間の信頼関係が十分に強く、アニメーションスタジオに余裕がある場合、プロデューサーは、俳優がお互いと監督を見ることができる複数の隔離ブースを備えたレコーディングスタジオを使用する場合があります。これにより、俳優はまるで通常の舞台や映画のセットにいるかのように、リアルタイムで互いに反応することができます。

音響録音の時代（マイクロフォン、電気録音、増幅の導入以前）には、最も初期の録音スタジオは非常に基本的な設備で、基本的には演奏者を外部の騒音から隔離する防音室でした。この時代には、ポータブルな音響録音機器を使用して、地元の舞踏室など、利用可能な場所で録音を行うことは珍しくありませんでした。この時期のマスター録音は、ワックス製の回転シリンダー（後にディスク）をカッティングすることによって行われました。演奏者は通常、大きな音響ホーン（おなじみの蓄音機のホーンを拡大したもの）の周りに集まりました。声や楽器からの音響エネルギーは、ホーンからダイヤフラム、機械式カッティング旋盤に送られ、そこで信号が変調された溝としてマスターの表面に直接刻まれました。

1930年代初頭までに電気録音が一般的になり、マスタリング旋盤も電動になりましたが、マスター録音は依然としてディスク（この頃にはラッカー、アセテートディスクとも呼ばれる）にカットする必要がありました。当時の音楽の流行に合わせて、この時期のスタジオは主に交響楽団やその他の大規模な楽器アンサンブルのライブ録音用に設計されました。エンジニアはすぐに、コンサートホールのような大きく反響する空間では、自然な残響が録音の音を強調するため、生き生きとした音響特性が生まれることを発見しました。この時期には、 1960年代以降に一般的になった音響的にデッドなブースやスタジオルームではなく、大きく音響的にライブなホールが好まれました。録音技術の限界により、多重録音技術が利用できなかったため、20 世紀半ばのスタジオは、ミュージシャン (リズムセクションやホーン セクションなど) と歌手 (バック シンガーのグループなど) を別々にするのではなくグループ化し、演奏者とマイクを戦略的に配置して、演奏中に生じる複雑な音響とハーモニーの相互作用を捉えるというコンセプトに基づいて設計されました。2000 年代の現代のサウンド ステージでは、大規模なオーケストラを使用する 大規模な映画音楽プロジェクトで、このアプローチが今でも時々使用されています。

音響が優れているため、大規模なスタジオの多くは教会を改装したものです。例としては、ロンドンのジョージ・マーティンのAIRスタジオ、ニューヨーク市のコロンビアレコード30番街スタジオ^[6]、ニューヨークの ピシアン・テンプル・スタジオなどがあります。

ニューヨークのコロンビアレコード30番街スタジオやロンドンのアビーロードスタジオなどの施設は、音響のプロが容易に識別できる（そして今でもそうである）その識別可能なサウンドと、スタッフエンジニアのスキルで有名であった。異なるスタジオ間でオーディオ素材を転送する必要性が高まるにつれて、レコーディング業界全体でスタジオ設計の標準化の需要が高まり、ウェストハリウッドのウェストレイクレコーディングスタジオは1970年代に標準化された音響設計の開発に大きな影響を与えた。^[7]

ニューヨーク市では、コロンビアレコードが最も高く評価されている録音スタジオをいくつか所有していた。その中には、イースト30丁目207番地の30丁目スタジオ、イースト52丁目49番地のCBSスタジオビル、パークアベニューとレキシントンアベニューの間のイースト58丁目111番地にあるリーダークランツホール（ドイツの文化音楽協会であるリーダークランツクラブアンドソサエティによって建てられ、以前はその所有物であった建物）^{[8] [9]}、そして最も初期の録音スタジオの一つであるセブンスアベニュー799番地のスタジオAがある。^[6]

20 世紀半ばの電気録音スタジオには、遮音ブースや防音バッフル、スピーカーさえ存在しないことが多かった。遮音材が使用されなかった主な理由は、この時期の録音はライブ アンサンブルのテイクとして行われるのが一般的で、演奏中にすべての演奏者が互いの姿とアンサンブル リーダーの姿を見る必要があったためである。この時期に訓練を受けた録音エンジニアは、異なるマイクや楽器グループ間の音漏れによって生じる複雑な音響効果を利用する方法を学び、これらの技術者は、スタジオや演奏中のミュージシャンの独特な音響特性を捉えることに非常に熟練した。1960 年代にハイファイヘッドフォンが導入されて初めて、演奏者が録音中にヘッドフォンを使用して自分の演奏をモニターしたり、再生を聴いたりすることが一般的になった。

さまざまな種類のマイクを使い分け、スタジオ内で配置することは、レコーディング プロセスの重要な部分であり、エンジニアは特定のブランドのマイクを、その特定のオーディオ特性のために使用します。1930年代にRCA社が開発した滑らかな音色のリボン マイクは、ビング クロスビーが完成させたクルーニングスタイルに不可欠でした。また、有名なNeumann U 47コンデンサー マイクは、1950 年代から最も広く使用されたマイクの 1 つです。このモデルは、オーディオの専門家の間では、これまでに作られた同種のマイクの中で最高のものの 1 つとして今でも広く認められています。マイクの正しい配置を学ぶことは、若いエンジニアのトレーニングの重要な部分であり、多くのエンジニアがこの技術に非常に熟練しました。1960 年代に入っても、クラシック音楽の分野では、エンジニアがオーケストラの上に吊るした 1 つまたは 2 つのマイクのみを使用して高品質のオーケストラ録音を行うことは珍しくありませんでした。1960 年代には、エンジニアは、それまでの標準よりも楽器にかなり近い位置にマイクを配置する実験を始めました。ビートルズの「グッドモーニング・グッドモーニング」と「レディ・マドンナ」のホーンセクションの独特のしゃがれた音色は、サックス奏者がマイクをホーンの口の内側に当てるように楽器を配置することで実現されました。^[要出典]

大手スタジオの独特な音響特性は、1950 年代と 1960 年代の最も有名なポピュラー レコーディングの多くに特別な特徴を与え、レコード会社はこれらの施設を熱心に保護しました。音響史家のデイビッド シモンズによると、1940 年代後半にコロンビアが 30 番街スタジオを引き継ぎ、A&Rマネージャーのミッチ ミラーがスタジオを完璧に仕上げた後、ミラーはカーテンやその他の備品に触れないようにという常設命令を出し、清掃員にはホールの音響特性が変わる恐れがあるため、むき出しの木製の床を決してモップで拭かないようにという特別な指示を出しました。この時期のスタジオには、その独特な音響特性に貢献する他のいくつかの特徴がありました。

大規模なレコーディング ルームの本来のサウンドに加え、最高級スタジオの多くには、特別に設計されたエコー チャンバー(主にメイン スタジオの地下に作られた専用ルーム) が組み込まれていました。これらは通常、コンクリートなどの硬くて音を反射する素材で作られた、長くて低い長方形のスペースで、一方の端にスピーカー、もう一方の端に 1 つ以上のマイクが設置されていました。レコーディング セッション中は、スタジオ内の 1 つ以上のマイクからの信号をエコー チャンバー内のスピーカーにルーティングできます。スピーカーからのサウンドはチャンバー内で反響し、強調された信号がもう一方の端のマイクで拾われます。このエコー強調信号は、ボーカルのサウンドを美しくするためによく使用され、マスター レコーディングの作成時に、スタジオ内のマイクからのプライマリ信号とブレンドしてトラックにミックスできます。

特別な設備も、クラシックなレコーディング スタジオのもう 1 つの注目すべき特徴でした。最大のスタジオは、RCA、コロンビア、EMI などの大手メディア企業によって所有および運営されていました。これらの企業には通常、独自の電子研究開発部門があり、スタジオ用に特注のレコーディング設備やミキシング コンソールを設計および構築していました。同様に、小規模な独立系スタジオは、熟練した電子技術者が所有することも多く、独自のデスクやその他の設備を設計および構築していました。その良い例が、1960 年代の有名なアメリカのポップ ミュージックのレコーディングが数多く行われたロサンゼルスのゴールド スター スタジオです。共同所有者の David S. Gold は、スタジオのメインのミキシング デスクとその他の多くの設備を構築し、スタジオ独自の台形エコー チャンバーも設計しました。

1950 年代から 1960 年代にかけて、ポップ レコーディングのサウンドは、専門の電子機器会社が製造したイコライザーやコンプレッサーなどの独自のサウンド処理デバイスの導入によってさらに定義されました。最もよく知られたものの 1 つは、当時のほぼすべての主要な商業スタジオで使用されていた Pultec イコライザーです。

多重トラック録音の導入により、楽器と歌手を別々に、また異なる時間にテープ上の異なるトラックに録音することが可能になった。20世紀半ばには、録音はアナログで、1⁄4インチまたは1⁄2インチの磁気テープ、あるいはより稀に35 mmの磁気フィルムに行われ、多重トラック録音は1950年代には8トラック、1968年には16トラック、1970年代には32トラックに達した。最も一般的なテープは2インチアナログで、最大24の個別トラックを収録できる。1960年代を通じて、多くのポップクラシックは依然としてワンテイクでライブ録音されていた。1970年代には、大手レコード会社が多重トラック録音を採用し始め、重点は分離と防音に移り、エコーや残響などの処理は録音中にブレンドされるのではなく、ミキシングの過程で別々に追加されるようになった。通常、24 トラックのテープ マシンでオーディオ ミックスをセットアップした後、トラックを一緒に再生してミックスし、別のマシンに送信します。そのマシンでは、結合された信号 (プリンティングと呼ばれる) が、マスターと呼ばれる1 ⁄ 2インチの 2 トラック ステレオ テープに記録されます。

デジタル録音以前は、録音できるトラックの総数は、使用されている 24 トラック テープ マシンの数に基づいて、24 の倍数で測定されていました。現在、ほとんどのレコーディング スタジオではデジタル録音機器が使用されており、使用可能なトラック数は、ミキシング コンソールまたはコンピューター ハードウェア インターフェイスの容量と、ハードウェアが処理要求に対応できる能力に基づいてのみ制限されます。アナログ テープ マシンは、その独特の音響特性のために、今でも使用されている場合があります。

ラジオスタジオはレコーディングスタジオと非常によく似ており、特にインタビューを録音して後で放送するスタジオなど、通常はオンエアでは使用されない制作スタジオの場合はよく似ています。このタイプのスタジオは通常、他のオーディオレコーディングスタジオと同じ機器をすべて備えており、特に大規模な放送局や、放送局グループを収容する複合施設にある場合はそうですが、ライブ放送の状況でグループが協力して作業できるようにも設計されています。^[10]

放送スタジオでも、防音などの同じ原理の多くを使用していますが、生放送の性質に適した適応が施されています。このような機器には、電話通話をオンエアするための電話ハイブリッド、リモートブロードキャストを受信するためのPOTSコーデック、予期しない沈黙を検出するためのデッドエアアラーム、咳から汚い言葉まで何でもカットするための放送遅延などが含まれます。米国では、連邦通信委員会（FCC）によってライセンスされた放送局は、緊急警報システムデコーダ（通常はスタジオ内）も備えている必要があり、フルパワー局の場合は、放送局が緊急警報を放送するために送信するすべてのチャンネルの番組を中断できるエンコーダも備えている必要があります。

コンピュータは、広告、ジングル、バンパー、サウンドバイト、電話、効果音、交通情報や天気予報の再生に使用され、現在ではスタッフがいないときに完全な放送自動化を実行できます。デジタルミキシングコンソールは、イーサネット経由のオーディオを介して相互接続できます。ネットワーク接続によりリモートアクセスが可能になり、DJはインターネット経由でホームスタジオからショーを行うことができます。無線ステーション用のスタジオ/送信機リンク、ショーの送受信用の衛星アンテナ、およびウェブキャストやポッドキャストには、追加の外部オーディオ接続が必要です。

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• テレビスタジオ

• コーガン、ジム、クラーク、ウィリアム。『音の神殿：偉大なレコーディングスタジオの内側』サンフランシスコ：クロニクルブックス、2003年。
• ホーニング、スーザン・シュミット。『サウンドを追う：エジソンから LP までのスタジオ録音の技術、文化、芸術』ボルチモア：ジョンズ・ホプキンス大学出版局、2013 年。
• ラモーン、フィル、グラナータ、チャールズ L. 『レコード制作：音楽の裏側』 ニューヨーク：ハイペリオン、2007 年。

• 録音技術の歴史