サンパウロアートビエンナーレ

サンパウロ・アート・ビエンナーレ（ポルトガル語：Bienal de São Paulo ）は1951年に創設され、以来2年ごとに開催されている。これは、その模範となっている ヴェネツィア・ビエンナーレ（1895年から開催）に次いで、世界で2番目に古いアート・ビエンナーレ^{[1]である。}

ビエンナーレは、イタリア系ブラジル人の実業家チチロ・マタラッツォ（1898-1977）によって創設されました。1957年^以来、サンパウロ・ビエンナーレはイビラプエラ公園のチチロ・マタラッツォ館で開催されています。^[2] 3階建てのパビリオンは、建築家オスカー・ニーマイヤーとエリオ・ウチョアが率いるチームによって設計され、30,000平方メートルの展示スペースを提供しています。サンパウロ・ビエンナーレは、ブラジルと世界の現代美術を特集しており、南米で最も重要な大規模な美術展の1つです。^[3]

第6回ビエンナーレ終了後、それまでサンパウロ近代美術館（MAM-SP）が主催していた展覧会を推進するためにサンパウロビエンナーレ財団が設立されました。^[4]この財団が現在も拠点としているパビリオンでは、1957年の第4回からビエンナーレ展が開催され始めました。

1951年以来、170か国以上、1万6千人以上のアーティスト、約1千万人の来場者を集めて32のビエンナーレが開催され、世界中の視覚芸術、演劇・グラフィックアート、音楽、映画、建築、その他の芸術表現とブラジル国民との直接的な交流が可能となった。1998年版は1,200万ドル近くの費用がかかり、2か月の開催期間中に40万人近くの来場者を集めた。^[5]第25回ビエンナーレは当初2000年に予定されていたが、ポルトガル人によるブラジル発見500周年を記念する大規模な展覧会がビエンナーレ前会長エデマール・シド・フェレイラによって企画され、チチロ・マタラッツォ館で予約されたため、2002年に延期された。^[6]その年、ビエンナーレのチーフキュレーターは初めて外国人でドイツ出身のアルフォンス・フグであった。

このビエンナーレの当初の目的は、現代アート（主に西欧と米国のもの）をブラジルで広め、ブラジルを他の大都市の現在のアートシーンに近づけ、サンパウロ自体を国際的なアートの中心地として確立することでした。当然のことながら、このビエンナーレは常にブラジルのアートを海外のゲストに近づける 役割を果たしています。

第 1 回ビエンナーレは、サンパウロ近代美術館(MAM-SP) が主催し、パウリスタ通り沿いのベルヴェデーレ トリアノンにある仮設パビリオンで開催されました。アブラハム パラトニクの最初の作品「アパレーリョ シネクロマティコ」 (1949 年) は、当初はどのカテゴリーにも当てはまらないという理由で選考委員会に却下されましたが、後に作品は受け入れられ、国際審査員から佳作を受賞しました。

パブロ・ピカソの1937年の傑作にちなんで「ゲルニカ・ビエンナーレ」として知られる第2回ビエンナーレは、このイベントの中でも最も記憶に残る回の一つです。第1回より2倍の作品が展示された第2回ビエンナーレは、オスカー・ニーマイヤー（1917-2012）が新たに開園したイビラプエラ公園のために設計した2つのパビリオン、州パビリオン（現在はブラジル文化パビリオン）と国民パビリオン（現在はアフロブラジル博物館）で開催されました。この展覧会は、サンパウロ市制400周年の祝賀行事の一環として翌年まで続きました。

国際芸術界における重要なイベントとしての地位を確立したビエンナーレの第3回では、メキシコの壁画家ディエゴ・リベラ、ホセ・クレメンテ・オロスコ、ダビド・アルファロ・シケイロスが特集されました。

第 4 回ビエンナーレでは、多くのブラジル人アーティストが選考プロセスとチチロ・マタラッツォの過度な影響力に異議を唱えました。ビエンナーレが現在の本拠地であるイビラプエラ公園のインダストリー パビリオンで開催されたのは今回が初めてでした。この回は、フラビオ・デ・カルバリョなどブラジルのアート界を代表する数名の作品が選考委員会に却下されたため、論争の的となりました。前年に亡くなった抽象表現主義者のジャクソン・ポロックは、アメリカ代表団が特別に用意した部屋で表彰され、彼の国際的な名声の頂点を極めました。

20万人の来場者によりこの展覧会は大成功を収め、そのハイライトには印象派の代表的画家、フィンセント・ファン・ゴッホの作品30点の選りすぐりと、タキズムとアンフォルメル芸術の力強い展示が含まれていました。

チチッロ・マタラッツォはビエナールの主なパトロンではなくなり、展覧会は最初の財政危機に見舞われた。第6回は、その博物館学と、リジア・クラークのビホスの革命的な存在に代表されるネオコンクリティズムの優位性で記憶されている。さらに、選考委員会の一部は芸術家によって選出された。ビエナールは、イベント史上初めて ソ連から代表団を迎えた。

第 7 回展は、選ばれた作品数が多すぎることが特徴で、その結果、理解しにくい折衷的な状況が生まれました。これは、サンパウロ近代美術館ではなく、財団ビエナル (1962 年設立) が展覧会を主催した初めての機会でした。カタログは、前年に亡くなったワンダ・スヴェヴォに捧げられました。

ブラジルで軍事独裁政権が発足し、ビエンナーレは政府からの政治的圧力を受ける。授賞式では、芸術家のマリア・ボノミとセルジオ・カマルゴが、マリオ・シェンベルグ、フェルナンド・エンリケ・カルドーゾ、フロレスタン・フェルナンデス、クルス・コスタの予防逮捕の撤回を求める動議をカステロ・ブランコ大統領に提出した。紆余曲折があったにもかかわらず、この展覧会はシュルレアリスムと幻想芸術をテーマにした特別室で記憶に残っている。マルセル・デュシャンの有名なレディメイド作品『自転車道』 （1913年）が、マックス・エルンスト、マルク・シャガール、ジョアン・ミロ、ジャン・アルプ、マン・レイ、パウル・クレー、ポール・デルヴォー、ルネ・マグリット、フランシス・ピカビアの作品と並んで展示された。

「ポップアート・ビエンナーレ」は論争のベールに包まれて開幕した。展示会が開幕する前から、連邦警察はブラジル憲法に「違反する」という理由で2点の作品を撤去した。シベール・バレラの絵画「O presente」は「反国家主義的」とみなされ、作品は破壊され、アーティストはDOPSに逮捕されそうになった。また、キサック・ジュニアの連作「Meditação sobre a Bandeira Nacional 」は国旗の自由な使用を禁じる法律に違反していた。米国代表団は、ジャスパー・ジョーンズ、アンディ・ウォーホル、ロイ・リキテンスタイン、ロバート・ラウシェンバーグを含むポップアートのサンプルを展示した。多くの作品が破損し、展示会開始から数日後には米国ルームが破壊された。この展覧会から、審査員はコンサルタントではなく美術評論家で構成されるようになった。

事実上個人の自由を無効とする第5条（AI-5）が発効してから数ヶ月後、展覧会に招待されたアーティストの80％が抗議のため参加を拒否した。そのため、第10回ビエンナーレは「ボイコット・ビエンナーレ」というあだ名が付けられた。

ビエナルの開幕をめぐっては、再びアーティストによるボイコットや、ビエナルの最初の10年間のほとんどの回でリーダーを務め、第6回と第7回のディレクターを務めたマリオ・ペドロサの追放など、論争が巻き起こった。ブラジルのアーティストの選考は、前年に行われたビエナルの事前審査から行われた。

ヴェラ・フィゲイレドがデザインした巨大な口が第 12 回ビエンナーレの来場者を「飲み込み」、ネオコンクリート派生の強さを証明しました。アートとコミュニケーション部門では、すべての感覚に訴えるインスタレーションと環境が紹介されました。アート技術委員会に代わって、芸術文化評議会 (CAC) が新しい選択フレームワークを開発し、提出されたブラジルの作品の 90% が参加を拒否されました。ブラジル代表は、地域の審査員 (フォルタレザ、サルバドール、ベロオリゾンテ、リオデジャネイロ、サンパウロ、クリチバ) によって選ばれた 100 人のアーティストで構成されました。フランス代表が持ち込んだカンディンスキーの作品は、南米で初めて展示されます。

更新を熱望していた「ビデオメーカーズ・ビエンナーレ」は、アンディ・ウォーホルから韓国のナム・ジュン・パイクまで、世界各地の著名なアーティストが制作したビデオアートの厳選作品をブラジルにもたらした。パイクのインスタレーション作品「TVガーデン（1974）」は、ヤシの木と人工植物の花瓶の間にテレビモニターを配置し、ブラジルの観客を驚かせた。

チチロが参加しなかった最初のビエンナーレは、意義深い変化で特徴づけられました。展示プログラムを自由に開発できる芸術文化評議会の設置、新しい規則の中には、ヴェネツィア ビエンナーレにヒントを得たモデルで、各国代表がビエンナーレのアーティスト選定で提案されたテーマに従うことが求められています。CAC は、展覧会に 3 つの章を設けています。アンソロジー展示 (特別室に代わる)、大対決、現代的提案です。後者は、都市考古学、自然回復、カタストロフィック アート、ビデオ アート、空間詩、アート作品の展示としての壁、非コード化アートの 7 つのテーマで構成されています。その歴史で初めて、グランプリ「イタマラティ」がラテン アメリカのアーティスト、ブエノスアイレスの 芸術コミュニケーション センターのアルゼンチン グループ CAYC に授与されました。

「ビエンナーレ・オブ・ザ・ビエンナーレ」は、過去 14 回のビエンナーレを回顧する展覧会で、1951 年以降の国内外の受賞作品や、ブラジル美術評論家協会 (ABCA) が選んだアーティストの作品が再び展示されました。その一方で、このビエンナーレは賞を一切与えない初めてのビエンナーレでもあり、この戦略はその後のビエンナーレでも確実に引き継がれました。

ジェネラル・キュレーターという役職の登場は、ビエンナーレの方向性を変えることになる。評論家でサンパウロ大学現代美術館 (MAC-USP) の元館長であるウォルター・ザニーニが、ビエンナーレの最初のキュレーターとなった。この展覧会では、国ごとのスペースを廃止し、「言語の類推」(技法とテーマ) に従って作品をグループ化することを選択した。この展覧会は、アーティストによるビエンナーレのボイコットの終焉と、ブラジルにおける政治的開放の始まりを象徴するものでもある。

パフォーマンス、ビデオ、ビデオテキスト、インスタレーション、ハプニングといった、現代のグローバル アートでますます一般的になっている言語が、第 17 回ビエンナーレの雰囲気を決定づけました。パビリオンの 1 階に設置された「フルクサス ストリート」は、最も印象的なインスタレーションの 1 つでした。このインスタレーションには、グループの記録を保管する部屋もあり、ベン ヴォーティエが眠っている様子、ディック ヒギンズがピアノを弾いている様子、ニューヨークでの活動中の ウルフ フォステルの様子を記録していました。

この展覧会は、現代絵画における表現主義の高まりを示すとともに、第18回ビエンナーレ全体を通じて議論の的となった異例の展示構成を特徴としていた。キュレーターのシーラ・レイナーは、作品のほとんどを3つの100メートルのホールに配置し、絵画を並べて展示した。この展示は「グレート・キャンバス」と呼ばれている。

「ユートピア対現実」をテーマにした第19回ビエンナーレのハイライトは、ドイツ人アーティスト、アンゼルム・キーファーの作品でした。インスタレーションと彫刻の存在感が強いパビリオンの3階には、キーファーの記念碑的な彫刻「翼のあるパレット」 （1985年）と、パビリオンの中央の大きなスパンの天井から床までスライドするトゥンガ のインスタレーション「縁に花を…」（1987年）が設置されました。

第 20 回ビエンナーレは、カルロス・フォン・シュミット、ステラ・テイシェイラ・デ・バロス、ジョアン・カンディド・ガルヴァンの 3 人によって考案されました。チームは過去のビエンナーレの提案を中断し、賞の授与と各国代表の別室での配置を再開しました。ブラジル代表は、長い間で最も堅実なものの 1 つと見なされました。

ビエンナーレは今回のみ、世界中のアーティストを自由に登録できるシステムを再開しました。キュレーターのジョアン・カンディド・ガルヴァンは、前回のダンス、音楽、演劇部門のキュレーターとしての役割を再び担い、カタルーニャのグループ、フーラ・デルス・バウスによる「Suz/O/Suz」と、ブカレスト国立劇団によるラテン語とギリシャ語のナレーションによるヘンリック・イプセン作「O Trilogie Antica: Medeea, Troienele, Electra」という忘れられない2つのパフォーマンスを発表して成功を収めました。

ビエンナーレは日程を変更し、偶数年に開催されるようになりました。今回のビエンナーレでは、歴史部門が大きな重要性を帯びており、「断裂を支えとして」というテーマにより、エリオ・オイチカ、リジア・クラーク、ミラ・シェンデルの作品に見られるプラットフォームと詩学を探求することが可能になりました。

ネルソン・アギラールが提唱したテーマ「千年紀末の芸術の脱物質化」に賛同した国数は75カ国で、国別出展数としては新記録となった。この機会に、多様な国々から構成される歴史的中核団体がフランシスコ・デ・ゴヤの版画200点以上を集め、ジャン＝ミシェル・バスキアの遺作を展示し、エドヴァルド・ムンクの絵画37点を展示した。

史上最高の展覧会の 1 つとして知られる「アントロポファジー ビエンナーレ」は、総監督のパウロ ヘルケンホフと副監督のアドリアーノ ペドロサによって運営されました。ブラジル文化のルーツから抽出されたコンセプトは、展覧会に関わった 76 人のキュレーター全員の作品に浸透し、53 の国立代表それぞれに捧げられた力強い個展の結果となりました。キュレーターたちは汚染というアイデアを駆使し、現代ブラジルの作品を歴史的中核の作品と対話させました。

1998 年のビエンナーレは、特にブラジルのレンズを通して美術史に対する新しい視点を称賛した。それは、ポスト植民地主義のグローバリゼーションの時代に関連する新しいキュレーションのアプローチを導入した。この展覧会は、理論的枠組みと実践的方法論の両方としてブラジルの食人の概念を利用した。このアプローチは、確立された美術史の物語の「汚染」と「共食い」を奨励し、同時に、美術、文化、政治史を統合する展覧会の教育的役割に対するより広い理解を促した。^[8]

「大都市の図像」をテーマにした第25回ビエンナーレは、サンパウロとリオデジャネイロを軸にブラジルのアーティストが多数参加したことで有名になりました。ドイツ出身のアルフォンス・フグを初の外国人キュレーターとして起用したことは物議を醸しました。しかし、展覧会は高い評価を受け、668,428人の来場者数を記録しました。

イベント開催中、台湾の国立パビリオンの名称が一夜にして「台北市立美術館」に変更された。これは中国政府が自国のアーティストをイベントから撤退させると脅したことが原因だったことが明らかになった。抗議として、ビエンナーレで台湾代表に選ばれたアーティスト、チェン・チー・チャンは展示を中止した。隣のパビリオンを運営していたオーストリアのグループ、モノクロームは、他のアーティストに自国のタイトルの文字を寄付してもらい、「台湾」という単語を再現した。成功したものの、これも取り外された。^{[9] [10]}

この年は入場無料政策の初年度であり、この政策はその後のすべての回に適用されることになる。「自由な領域」というテーマを掲げた第 26 回ビエンナーレでは、カベロ、チェルパ・フェロ、ローラ・ヴィンチなど、新世代のアーティストがアートシーンに登場した。この展覧会では、主に 2002 年から 2004 年にかけて制作された作品が展示され、非常に現代的な性格が再び示された。展示作品の少なくとも 3 分の 1 は、ビエンナーレ パビリオンのために特別に開発された、特定の場所を対象としたプロジェクトだった。

キュレーターのリゼット・ラニャードは、1970年代にロラン・バルトが行った一連のセミナーのタイトルである「いかにして共に生きるか」というテーマを指針としました。この展覧会の特徴は、国家代表制の廃止（アーティストの選択はビエンナーレのキュレーターの決定に委ねられました）と、アートは国境を越えた言語であるという主張です。展覧会の根本的な革新を構成するものとして、キュレーターのプロジェクトは、それ以降、批評家とキュレーターの国際委員会が実施する選択プロセスを通じて選ばれるようになりました。

第 28 回ビエンナーレ「In Living Contact」では、展覧会の目的と方向性を再考し、パビリオンの 2 階を完全に空のままにしてオープン プランにするという大胆な提案を行いました。これは、従来のビエンナーレ システムを主催する機関が直面している概念上の危機のメタファーです。この回で注目すべきエピソードは、パビリオンのガードレールに描かれた落書きで、これがアート界で都市芸術についての議論を巻き起こしました。

組織の刷新に尽力する新役員会が推進する新たな推進力に後押しされ、ビエナルは常設の教育プロジェクトと幅広い並行プログラムで第 29 回を迎えました。政治志向の作品を優先し、アグナルド・ファリアスとモアシル・ドス・アンジョスのキュレーターは、テレイロスと名付けられた 6 つの概念的なスペースで 400 近くのアクティビティを開催し、ホルヘ・デ・リマの詩「いつでも航海できる海がある」をテーマにしました。ヌーノ・ラモスのBandeira branca (2010) は、パビリオンの中央スパンで生きたハゲワシが飛び回り、国の民俗伝統の音のモンタージュが伴奏されたことで物議を醸しました。

「詩学の切迫」と題されたこのビエンナーレでは、星座を比喩として採用し、過去と現在、中心と周縁、対象と言語の間の言説上の相互関係を確立した。各アーティストの多数の作品で、展覧会はラテンアメリカのアーティストに焦点を当て、アルトゥール・ビスポ・ド・ロザリオとワルデマール・コルデイロに敬意を表した。モバイルラジオプロジェクトでは、パビリオンの中二階にラジオ局を設置し、展覧会の期間中ずっと放送を行った。ビエンナーレでは、マタラッツォパビリオンとサンパウロ市内の他の施設で紹介された119人のアーティストの中に、アライア・ゴメスのこれまでで最大の作品集、オーガスト・サンダーのポートフォリオ「20世紀の人々」全体、そしてアメリカ大陸で初めてフレデリック・ブリュリ＝ブアブレの「アルファベット・ベテ」全体が含まれていた。

「存在しないものを（…）する方法」と題されたこのエディションの作品は、「プロジェクト」という概念に基づいて設計され、その多くは、アーティストと、教師、社会学者、建築家、作家など他の分野の専門家の2人以上の個人によるコラボレーションによって実現されました。大胆なこの展覧会は、アイデンティティ、セクシュアリティ、超越性など、現代生活のいくつかの中心的なテーマと深く結びついたものとして確立されました。

第32回ビエンナーレ「不確実性を生きる」は、不確実性の概念と、現代アートがそれを受け入れるかそれと共存するために提案する戦略を観察することを目標としました。オイヴィンド・ファールストロム、ソニア・アンドラーデ、ルルド・カストロ、ビクトル・グリッポなどの著名なアーティストが、ほとんどが女性である若手アーティストと並んで見られました。また、このエディションが、展覧会史上最多の委託作品を発表したという事実も注目に値します。キュレーターは、スタディ・デイズを開催するために4つの都市（ガーナのアクラ、ペルーのラマス、チリのサンティアゴ、ブラジルのクイアバ）を訪れ、サンパウロで最後の会議も開催しました。ホルヘ・メンナ・バレットのアート作品として考案された展覧会のレストランは、人間の食習慣と環境、風景、気候、地球上の生命との関係についての概念を展開します。

第33回ビエンナーレ「情緒的親和性」は9月7日から12月9日まで開催された。総キュレーターのガブリエル・ペレス・バレイロによると、このテーマはヨハン・ヴォルフガング・ゲーテの小説『選択的親和性』とブラジルの美術評論家マリオ・ペドロサの論文「芸術作品における形態の情緒的性質について」の両方からインスピレーションを得たものである。^[11]キュレーションモデルは7人のアーティストを含むように変更され、各アーティストが独自の展覧会をキュレーションすることになった。

COVID-19パンデミックにより、今年のイベントのほとんどは2021年9月4日から12月5日に延期され、^[7]今後のビエンナーレは奇数年に開催される予定である。テーマは「たとえ暗くても、私は歌う」で、アマゾンの森林火災から経済危機、パンデミックまで、当時の激動の出来事を反映していた。

2023年のサンパウロ・ビエンナーレは「不可能の振付」と題され、南米の活動主義、抑圧された文化、美術史に取り組み、疑問を投げかけることを目指した。^[12]植民地主義と抑圧の歴史と結果に焦点を当て、参加アーティストの大半はアフリカ、アジア、南米出身者だった。伝統と階層構造からの脱却を示すため、キュレーターチームはチーフキュレーターなしで4人のキュレーターで構成されていた。

2025年に開催されるサンパウロ・ビエンナーレは「すべての旅行者が道を歩くわけではない - 実践としての人間性について」と題され、伝統的に1か月間続くイベントをさらに4週間延長する予定です。

• ブラジルの芸術
• サンパウロ・ビエンナーレ財団

• ビエナル・デ・サンパウロのホームページ ウェブサイト
• ビエナル・ブラジレイラ・デ・アルテス・プラスティカスのウェブサイト
• Artkrush.com - サンパウロ ビエンナーレ特集、2006 年 11 月

南緯23°35′17″ 西経46°39′14″ / 南緯23.5880° 西経46.6538° / -23.5880; -46.6538