ピクセルアート

ピクセルアート^{[注 1]は、}ピクセルを唯一の構成要素として画像を構築するグラフィックソフトウェアで描かれたデジタルアートの一種です。 ^{[2]ピクセルアートは、8ビットおよび16ビット時代の}コンピューター、アーケードマシン、ビデオゲームコンソールの低解像度グラフィックス、さらにはLEDディスプレイやグラフ電卓などの限られた数のピクセルと色が利用できる他の制限されたシステムと広く関連付けられています。 ^[3]このアート形式は、技術的な制限が克服されたにもかかわらず、今日でもピクセルアーティストやゲームスタジオによって採用されています。^{[3] [4]}

ピクセルアートの作品のほとんどは、ソフトウェアの制限により、ファイルサイズとカラーパレットで使用される色の数の両方に制限があります。これは、特定の美的感覚を実現するため、または単に知覚されるノイズを減らすためです。古い形式のピクセルアートはより小さなパレットを使用する傾向があり、一部のビデオゲームは2色（1ビットの色深度）のみを使用して作成されています。これらの自主的な制限により、ピクセルアートはモザイク、クロスステッチ、ヒューズビーズなどの多くの伝統的な制限のある芸術形式と強い類似性を示しています。^[2]

ピクセル アートの正確な定義は議論の対象ですが、画像の各ピクセルに意図的な思考が込められている場合、通常はそのようにアート作品と見なされます。標準的なデジタル アート作品や低解像度の写真もピクセルで構成されていますが、個々のピクセルが芸術的な意図を持って配置されている場合にのみ、ピクセル アートと見なされます。たとえピクセルがはっきりと見えたり、目立っていたりしてもです (定義を参照)。

「ドットアート」や「ピクセルプッシング」という語句は、特に日本のアーティストによってピクセルアートの同義語として使用されることがあります。より一般的なバリエーションは、スプライトという用語で、これは特にビデオゲーム用のピクセルアート要素を作成する活動を指すことがあります。この概念は、コンピューターグラフィックスで、より大きなシーンの構築時に構成要素として使用できる2次元ビットマップを表すために使用されるスプライトという単語に由来している可能性が高いです。

ピクセル アーティストの大多数は、ピクセルがアートワークの構成において重要な個別の役割を果たしている場合のみ、画像をピクセル アートとして分類できることに同意しています。これには通常、個々のピクセルの配置を意図的に制御する必要があります。このように意図的に編集する場合、いくつかのピクセルの位置を変更すると、画像に劇的な影響が出る可能性があります。最新のピクセル アート ソフトウェアには、複数のピクセルを一度に自動的に配置するツール (塗りつぶしツール、線ツール、ブラシ ツールなど) が組み込まれているため、ピクセル アートを「アーティストが個々のピクセルを配置したアート」と定義することはもはや正確ではありません。次の方が、より適切な解釈です。「最終的なアートワークにつながるプロセスは、最終的な結果ほど重要ではありません。ピクセルが最終的な構成において重要な個別の役割を果たしている場合、その結果を実現するために実装された可能性のあるテクニックとは関係なく、ほとんどのアーティストによってピクセル アート作品として広く認識されます。」^{[この引用には引用が必要です]}

ピクセル アートの一般的な特徴は、画像全体の色数が少ないことです。ピクセル アートは、メディアとして、限られた数の色しか出力できないマシンでレンダリングされた古いビデオ ゲーム グラフィックスに見られる多くの特徴を模倣しています。さらに、多くのピクセル アーティストは、ほとんどの場合、特に値が互いに非常に似ている場合に多数の色を使用することは不要であり、画像全体のクリーンさを損ない、乱雑に見えると考えています。経験豊富なピクセル アーティストの多くは、必要以上に多くの色を使用しないことを推奨しています。

画像の解像度が高くなるにつれて、ピクセルを互いに区別することが難しくなり、ピクセルを慎重に配置することの重要性が薄れ、ピクセル アートの概念が崩壊してしまいます。これが起こる正確なポイントと、作品を「ピクセル アート」と呼ぶのにふさわしい条件は、専門家と愛好家の間で大きな意見の相違の原因となっています。

一般的に、ピクセル画像の構成は、特に初期のスケッチ段階では、デジタル アート作品の構成と非常に似ています。最も大きな違いが出るのは、最終的なピクセルごとの仕上げの部分です。

お絵かきは、ピクセル アートと多くの類似点を持つ、小さな解像度で描かれたデジタル アートの一種です。ただし、お絵かきでは、個々のピクセルの配置は、アートワークの全体的な雰囲気に比べてそれほど重要視されておらず、特徴的な「乱雑な」またはギザギザした外観になっています。

ピクセル アートの作成や編集を容易にするために使用されているアルゴリズムは数多くあります。たとえば、Blenderなどのソフトウェア内で 3D シェーダーを使用して複雑な効果を生成したり、オブジェクトを回転したりして、後でピクセル アート ソフトウェアにインポートします。

ピクセル アート専用に調整された 補間アルゴリズムも多数存在します。

数え糸刺繍（クロスステッチを含む）やモザイク、ビーズ細工などの伝統的な芸術形式は、ピクセルアートと非常によく似ており、非デジタル版またはその前身と見なすことができます。^[2]これらの芸術形式は、現代のデジタルコンピューティングのピクセルに似た小さな色の単位で絵を構築します。

ピクセルアートの最も初期の例のいくつかは、20世紀初頭のニューヨーク市のようなアナログの電子広告ディスプレイに見ることができます。1937年頃には、単純な単色の電球マトリックスディスプレイが現存していました。[ ^5]今日知られているピクセルアートは、スペースインベーダー（1978年）やパックマン（1980年）などのゲームや、任天堂エンターテイメントシステム（1983年）やマスターシステム（1985年）などの8ビットコンソールを含むアーケードビデオゲームの黄金時代に主に端を発しています。

ピクセルアートという用語は、1982年にゼロックスパロアルト研究所のアデル・ゴールドバーグとロバート・フレガルによってジャーナルレターで初めて発表されました。^[6]しかし、この実践は少なくともそれより11年前にさかのぼり、例えば1972年にゼロックスパロアルト研究所でリチャード・ショウプがスーパーペイントシステムに使用しました。 ^[7]

初期のグラフィックスには厳しい制約があったため、ビデオゲームにおけるピクセルアートの最初の例は比較的抽象的なものでした。コンピュータやゲーム機の解像度が低かったため、ゲームデザイナーは個々のピクセルを意図的に配置して、認識可能なシンボル、キャラクター、アイテムを形成することでゲームアセットを注意深く設計する必要がありました。宇宙船、車、戦車などの単純な機能ベースのアバター（またはプレイヤーの代理）には最小限のアニメーションと計算能力しか必要としませんでしたが、敵、地形、パワーアップはシンボルや単純なデザインで表現されることが多かったです。^[8] 1970年代のハードウェアは限られていたため、ポンの比較的単純なデザインの場合のように抽象化は、より詳細な表現芸術を試みるよりもゲームの読みやすさと商業的成功につながることがありました。

1960年代からコンピューターはアートの創作に使われており、1970年代後半にはマイクロコンピューターが使用され^[9]、よりピクセル化された美学を活用したデジタルアートの例もありますが^[10]、1970年代のピクセルアートの伝統には、他の形式のデジタルペインティングやデジタルアートとは対照的に、ピクセルの意図的な配置と個々のピクセルの美化を区別するものはよく知られていません。このため、1970年代にはピクセルアートは認知された媒体や芸術形式ではなかったと主張する人もいます。

1980年代はビデオゲームの黄金時代、あるいはアーケードビデオゲームの黄金時代とも呼ばれ、ビデオゲームは新しい芸術形式としても娯楽形式としても革新の時代を迎えた。1980年代初頭、ビデオゲームのクリエイターは主にプログラマーであり、グラフィックデザイナーではなかった。技術革新により、ゲームにおけるより表現力豊かで「リアルな」グラフィックを求める市場圧力が高まった。^[8]グラフィックが向上するにつれて、手描きのゲームアセットをインポートした画像や3Dポリゴンに置き換えることが可能になり、ピクセルアートが独立した芸術形式として発展する一因となった。

徐々に、プロのアーティストやグラフィックデザイナーがビデオゲーム業界に大きな影響を与えるようになった。シエラ・エンターテインメントはロバータ・ウィリアムズがピクセル化したミステリーハウスやキングス・クエストシリーズをリリースし、ルーカスフィルム・ゲームズはマニアック・マンション、ザック・マックラッケン・アンド・ザ・エイリアン・マインドベンダーズ、インディ・ジョーンズ/最後の聖戦: グラフィック・アドベンチャーなどのゲームをリリースした。ルーカスフィルム・ゲームズのアーティスト、マーク・J・フェラーリは後にこう語っている。^[11]

1987 年に Lucasfilm Games に雇われて、同社のコンピュータ ゲームのアートワークを担当したとき、ピクセル グラフィックスを「芸術形式」と考える人は誰もいませんでした。ピクセルの使用は、現在とは違い、美的観点からの選択ではありませんでした。むしろ、ピクセルは、刺激的ではあるが戸惑いのある新しいコンピュータ エンターテイメントの領域で使用する「本物の芸術」を作成する上で、避けられない、非常に厄介な障害でした。当時はピクセル アーティストなどまったくいませんでした。伝統的なアーティストしかいませんでした。

それでも、1980年代のビデオゲームの美学は、ビデオゲーム、デモシーンのグラフィックス、そして独立したアーティストの間で、現代および将来のピクセルアートに大きな影響を与えました。 1980年代にコンピューターがより手頃な価格になると、Atari ST用のDEGAS Elite（1986年）、Commodore Amiga用のDeluxe Paint（1985年）とDeluxe Paint 2（1986年）、Commodore 64用のPaint Magicなどのソフトウェアが、ピクセルを注意深く配置することでデジタルアートを作成する多くの後のピクセルアーティストに影響を与えました。 Commodore 64とAmstrad CPCの場合、初期のピクセルアーティストの中には、ジョイスティックとキーボードを使用してピクセルを作成していた人もいました。^[12]

1980年代後半にヨーロッパでデモシーン運動が盛り上がると、コモドール64やZX Spectrumなどの8ビットコンピュータ、またはAtari STなどの16ビットコンピュータを使用してピクセルアートを作成することに熟練したアーティストが、デモとしてピクセルアートを公開し始めました。デモグループには、コーダー（プログラマー）、ミュージシャン、グラフィックアーティストが含まれることが多く、グラフィックデザイナーやピクセルアーティストの一般的な名前はグラフィックアーティストでした。一部のグラフィックアーティストは、クラックされたビデオゲーム（クラックトロ）にアートを追加する作業に取り組んでいましたが、デモシーンは、芸術コミュニティがアートとしてピクセルアート自体を作成することに貢献しました。これらは、人から人へ、または郵便サービスを介して手渡されるフロッピーディスクを介して共有されることがよくありました。^[13]ただし、デモシーンとそれに関連するピクセルアート環境の黄金時代は、1990年代初頭に始まったと見なされることが多いです。^[12]

1990 年代より前、ディスプレイ システムは主に、小さな4 ビットのパレット (各システムに固有の 16 の固定された色合いで、互いに互換性がないことが多い) に基づいていました。その後の 10 年間で、色深度の増加とインデックス付きカラー パレットの登場により、グラフィックス標準が大幅に改善されました(たとえば、Atari STとメガドライブでは 512 色、Amiga ECSでは 4,096 色、スーパー ニンテンドーでは 32,768 色、Amiga AGAとPC のVGAモードでは 16,777,216 色)。1990 年代には、手動で描画されたグラフィックスの 2D ゲームは、3D ゲームや事前にレンダリングされた 3D アセットを使用するゲームとの競争が激化しました。^[14]それでも、フラッシュバック、モンキーアイランドの秘密、カオスエンジン、ストリートファイターIII：3rdストライク、ゼルダの伝説：神々のトライフォース2などのピクセルアートゲームは、ゲーム業界の将来のアーティスト、現代のデモシーン、そして後の数十年間のピクセルアートの美学に大きな影響を与えました。^[11]

ビデオゲームに影響を受けたピクセルアートに加えて、デモシーンのピクセルアーティスト（またはグラフィシャン）は、デモやクラックトロ用のピクセルアートを作り続けました。1990年代に活躍したデモシーンのピクセルアーティストの中には、特にロゴのデザインにおいて、映画や都市のグラフィティが彼らのアートの重要な影響源であると述べる人もいます。^{[15] [16]}既存のビデオゲームのスプライトをコピーすることに加えて、デモシーンのピクセルアーティストは、イアン・ミラーやサイモン・ビズリーなどの人気アーティストやイラストレーターの作品もコピーしました。^[17]ピクセルアート（グラフィック）のコンテストを含め、コンテストは徐々にデモシーンの集まりの重要な部分となり、これらの集まりの主な人口統計はティーンエイジャーと若者であったため、デモシーンのピクセルアートの多くは、おなじみのファンタジー、SF、サイバーパンクの比喩を参照していました。 デモシーンのコンテストは、ピクセルアートの方向性を形作る上で大きな影響を及ぼしました。著名な芸術家たちは、革新の方法、優れた技術の披露、技術的な制約の克服を模索し、多くの場合アンチエイリアシングを通じてフォトリアリズムを目指しました。^[18]

1990年代にインターネットがより利用しやすくなると、ピクセルアーティストやデモシーンアーティストは、ウェブサイト、インスタントメッセージ、オンラインファイル共有を介して徐々にピクセルアートを広め始めました。デモシーンはおそらく若い男性の間で最も人気がありましたが、1990年代後半には、ピクセルドールまたは「dollz」として知られるオンラインムーブメントが若い女性の間で始まりました。デジタルカメラが一般的になる前の時代にオンラインチャットや個人のウェブページが人気になったことで、パーソナライズされたアバターによる個人的な表現の需要が高まりました。これらのアバターは、さまざまな服やアクセサリーを着せられるピクセルアートのキャラクターであるピクセルドールの形をとることが多かったです。ピクセルドールがますます一般的になるにつれて、多くのピクセルアーティストが徐々にこれを独立した芸術形式として発展させ始めました。

2000年代は、ピクセルアートが他のデジタルアートとは一線を画し、世界中で実践される芸術形態としての地位を確立した極めて重要な10年だった。特に、PixelationフォーラムとPixel Jointギャラリーは、最も影響力のある英語圏のオンラインコミュニティとして評価されており、主に西ヨーロッパのデモシーン運動ではできなかった方法で、世界中のピクセルアーティストを結びつけた。^{[19] [20] [14]} Pixelationは、アーティストがピクセルアートを共有してフィードバックをやりとりできるウェブフォーラムだった。その主な焦点は、賞賛、娯楽、または競争のために単にアートを共有することよりも、批評、ピクセルアートのスキルと理解の開発にあった。Pixel Jointは、メンバーが個人の作品を投稿したり、他のメンバーのピクセルアートにコメントしたりできるオンラインギャラリーである。毎週のチャレンジ、フォーラム、殿堂、メンバーの投票に基づく毎月のトップ10ピクセルアートコンテストなどの機能がある。

時間の経過とともに、PixelationとPixel Jointという重複しながらも別々のコミュニティが、ピクセルアートの本質についてオンラインで議論し、広く共有されるチュートリアルに影響を与え、1990年代のピクセルアートとは異なる新しいパラダイムに貢献したと言えるでしょう。^[21]主な懸念事項は、ピクセルアートを、お絵かきなどの他の種類のデジタルアートとは別の、独自の媒体および/または芸術形式として確立することでした。特に、非常に制限されたパレット（最大8色または16色など）は、ピクセルアートの特徴であると主張する人もいました。1つの例として、8色のピクセルアートを称賛するピクセルアーティストで構成される、いわゆる「8色紳士クラブ」があります。^[22]透明レイヤーとスマッジツールの使用も、ピクセルアートではないと考えられ、Pixel Jointギャラリーでは受け入れられませんでした。デモシーンは、アーティスト、ミュージシャン、プログラマーの物理的な集まりやグループによるコラボレーションを中心に展開していたが、Pixel Joint や Pixelation のピクセルアートコミュニティは、主に個々のアーティスト間のオンライン交流に基づいていた。Pixel Joint では、アーティスト間のコラボレーションで作られたピクセルアートはギャラリーでは受け入れられず、別の活動とみなされていた。Pixel Joint のモデレーターによって強制された、許容されるピクセルアートを構成するものについての比較的厳格な考え方は、度重なる衝突を招いたが、インターネット上の DeviantArt などのウェブサイトで多くの種類のデジタル絵画が共有されていた時代に、ピクセルアートが別の媒体として目立つことにも貢献した。特に、いくつかの著名なアーティストは、ピクセルアートを別の芸術媒体または芸術形式として学ぶために、Cure のチュートリアルが重要であると述べている。^[21]

1990年代のデモシーンのピクセルアートの黄金期の後、その分野で活躍した多くの著名なピクセルアーティストは2000年代にピクセルアートから離れたが、ガス13やトミックなど、早くからピクセルレーションやピクセルジョイントに参加した者もいた。^[22]活動は衰退したものの、デモシーンは1980年代後半から1990年代前半のプラットフォーム、特にコモドール64やアタリコンピューター上でピクセルアートの探求を続けた。^[23]

ピクセルドールコミュニティは、フォーラム、メッセージボード、チャットサービスの継続的な成長により、2000年代に急速に成長しました。Doll Palace、Eden Enchanted、DeviantArt、および多くの個人ウェブサイトなどのウェブサイトにより、ピクセルドールは、一般からのフィードバック、競争、チュートリアル、ベストプラクティス、行動規範を伴う新しい芸術形式としてますます認識されるようになりました。2000年代は、ピクセルドールをアバターとして利用するさまざまなオンラインコミュニティと、ソーシャルメディア以前の時代のインターネットフォーラムの人気により、ピクセルドールの人気が最高潮に達したと言えるでしょう。それにもかかわらず、ピクセルドールコミュニティと、Pixel Joint、Pixelation、デモシーンなどの他のピクセルアートコミュニティとの交流は比較的少なかったです。

2000年代のコンピューターやコンソールのビデオゲームでは、ピクセルアートはより現代的なグラフィック、特に3Dベースのグラフィックに取って代わられ、ほとんど使われなくなりました。ピクセルアートを扱っていたプロのゲームアーティストの多くは、業界を去るか、他の形式のデジタルアートに転向しました。これは、ピクセルアートが独立した芸術形式として確立し、ゲーム業界の従業員ではなく独立したアーティストによって主に実践されるようになったことに貢献したと言えます。ただし、大量のアイソメトリックピクセルアートに影響を与えたHabbo Hotelや、ゲームボーイアドバンスのAdvance Warsなど、注目すべき例外がいくつかあります。

ピクセルアートの人気は2010年代に加速した。^{[24] [25] [14]}このトレンドに大きく貢献したのは、Superbrothers: Sword & Sworcery EP（2011年）、Fez（2012年）、Papers, Please（2013年）、Shovel Knight（2014年）、Undertale（2015年）、Owlboy（2016年）、Stardew Valley（2016年）、Deltarune（2018年）、Celeste（2018年）、Octopath Traveler（2018年）など、いくつかの「レトロ」ピクセルアートゲームの成功であった。^[26]これらのゲームの多くは、低解像度のゲームアセットと、フィルター、高解像度UI、特殊効果などの非ピクセルアート（NPA）要素を組み合わせていた。^{[27] [28]}メディアやゲーム業界でピクセルアートへの注目が高まるのと時を同じくして、ピクセルアートコミュニティも急速に成長した。 Owlboyのアートディレクター、サイモン・アンダーセンは、ピクセルアートの媒体としての利点を示し、芸術的手法の可能性を押し広げ、何百万色も3Dキャプチャも使わずに適切に行われたピクセルアートを披露したかったと説明した。^[29]対照的に、非常に様式化され抽象的なSuperbrothers: Sword & Sworcery EPでは、フィルターと非ピクセルアートグラフィックを多用した。Superbrothers: Sword and Sworceryでは、プレイヤーがさまざまなゲーム内の成果をTwitterで共有することもでき、#sworceryハッシュタグがバイラルになり、ビデオゲームにおけるピクセルアートへの新たな関心に貢献した。^[30]

Pixel JointとPixelationは引き続き重要なコミュニティであり、投稿者も増えていったが、2010年代にはReddit、DeviantArt、Instagram、Twitterで新しいコミュニティが台頭してきた。特にPixelationには、非常に熱心で、多くの場合プロのピクセルアーティストが中心となり、Pixel Jointにはオンラインギャラリーへの投稿を承認または拒否するモデレーターがいたが、ソーシャルメディアの新しいピクセルアートコミュニティは当然ながらまとまりが薄かったものの、よりオープンだった。ソーシャルメディアはピクセルアートの継続的な成長と、古いピクセルアートウェブサイトへのトラフィック増加に大きく貢献しただけでなく、Tumblr、Twitter、Instagramなどのウェブサイトも、WaneellaやPixel Jeffなど、従来のピクセルアートコミュニティ以外の新しいピクセルアーティストに世界的な注目を集めた。^{[31] [32]}

2010年代には、デモシーンはシルバーエイジに入ったと言えるでしょう。何人かのベテランアーティストが休止期間を経て趣味の世界に戻ってきました。^{[33] [34]}さらに、この10年間のピクセルアートの人気の高まりは、1990年代や2000年代には活動していなかった新しいアーティストをデモシーンに引き付けました。^[35]デモシーンとそのグラフィックコンテストが止まらなかったことは重要ですが、2010年代はそれでも若返りの時代と見なすことができます。

Photoshopのような高度なデジタル ペイント ソフトウェアが広く普及し、使いやすくなるにつれて、ピクセル ドール コミュニティは、ピクセル シェーダーと呼ばれる従来のピクセル アートを使用するアーティストのグループと、ツール シェーダーと呼ばれるより高度なツールを使用するアーティストのグループに分かれました。インターネット フォーラムの人気が下がり、インターネット コミュニティで描画されたアバターが写真に置き換えられるにつれて、ピクセル ドール コミュニティはこの 10 年間で徐々に活動が低下しました。

おそらくビデオゲームやソーシャルメディアでのピクセルアートの台頭により、ピクセルアートは他の大衆文化の分野でも見られるようになり、公共の博物館にまで展示されるようになった。イヴァン・ディクソンとポール・ロバートソンは、ザ・シンプソンズの紹介シーンをピクセルアートで表現したことで国際的な注目を集めた。^[36] Eboyは、アイソメトリックなピクセルアートの展示で有名になり、広告に使われたり、独立したアートとして販売されたりすることが多かった。^{[37] [38] [14]}オクタヴィ・ナヴァロやグスタボ・ヴィゼルナーなどのピクセルアーティストの作品は、主要な新聞や雑誌で取り上げられた。^{[39] [40]}フランスの都市芸術家インベーダーは、世界中で見られる都市ピクセルアートのモザイクで国際的な注目を集めた。^[41] 1980年代に影響を受けたシンセウェイヴのアーティストやグループの間では、ヴァレンバーグのPerturbatorの作品や、ピクセルアーティストのジェイソン・タメマギ、ギヒョム、メアリー・サフロ、ワネエラによるガンシップのミュージックビデオなど、ピクセルアートがミュージックビデオの制作に使用された。^[42] 2012年、ワシントンのスミソニアン博物館は「ビデオゲームの芸術」という展覧会を開催し、約70万人が来場した。^{[43] [44]}

2010年代にピクセルアートゲームの波が押し寄せた後、「レトロ」ピクセルアートの衰退を予測するコメントもあったが、ピクセルアートはここ10年も人気が続いている。^[28] 1つの大きな要因はCOVID-19パンデミックで、世界中の人々がオンラインでゲームをしたり、ソーシャルメディアを利用したり、新しい趣味を開発したりする時間が増えたようだ。2つ目の要因はNFTの台頭で、ピクセルアートは大量のアート作品を安価に制作できるようになったことだ。^[45] NFTの市場が急速に成長するにつれ、多くのピクセルアーティストが新しい収入源としてこの新技術を受け入れた。多くの著名なプロのアーティストもNFTに懐疑的で不承認を表明し、環境要因、ねずみ講の申し立て、マネーロンダリングを理由にオファーを拒否した。NFTに反対するピクセルアーティストの最も有名な例の1つはCastpixelで、環境影響と人為的な希少性を挙げている。^[46]さらに、他の形式のデジタルアートの場合と同様に、^[47]ピクセルアーティストは、ピクセルアートを許可なくダウンロードしてNFTとして販売する行為者による盗作や詐欺のケースを数多く発見しています。ピクセルアートの盗難に関する議論は新しいものではありませんが、^[32] NFTの台頭により、この問題は確かにより物議を醸すようになりました。

Twitter、 Mastodon 、Reddit、Instagramなどのソーシャルメディアプラットフォームの影響力と魅力が増したことと関連しているかもしれませんが、PixelationとDeviantArtの古いピクセルアートコミュニティは2020年代に衰退しました。Discordは、Pixel Joint、PAD（Pixel Art Discord）、Lospec、Trigonomiconなどのピクセルアートコミュニティにとって重要なプラットフォームになりました。2022年の初秋、Pixelationはウェブフォーラムを閉鎖し、Twitterに移行することを発表しました。

ピクセルアートは、プラットフォームを問わずゲームで人気のスタイルであり続け、Eastward（2021年）、Loop Hero（2021年）、Teenage Mutant Ninja Turtles: Shredder's Revenge（2022年）、Songs of Conquest（2022年）、Pizza Tower（2023年）などがリリースされました。SNESの発売から30年後にリリースされた最近のピクセルアートゲームの波は、ノスタルジアと出版社からの自由、現代のビデオゲームの大ヒット作の独創性のないストーリーへの反応、環境問題やクィアキャラクターの表現などの現代的なテーマを取り入れたいという思いに大きく影響を受けていると主張する人もいます。^[48]

ピクセルアートは、他の形式のデジタルアートに比べて、通常、ピクセルをより注意深く、意図的に配置します。^[26]アーティストは、さまざまなブラシサイズ（1x1 または 2x2 ピクセルなど）と、フリーハンド/鉛筆、線、長方形などのさまざまなツールを使用します。^[49]ピクセルアートと他のデジタルアートの主な違いの 1 つは、ピクセルアーティストは、ソフトエッジ、スマッジ、ぼかしなどのツールを避け、一度に 1 つの色を適用する傾向があることです。^[3]どのツールとテクニックが非ピクセルアート（NPA）と見なされるかについての合意は、過去にかなりの意見の相違を引き起こしました。 たとえば、色相や光の値を調整するさまざまなフィルターを使用してレイヤーを適用することは、非ピクセルアートテクニックと見なされますが、ピクセルを意図的に配置するという明確な根拠がある場合は、結果として得られるアートがピクセルアートと見なされる場合があります。^[3]慎重なピクセル配置を維持するために、ピクセルアートは、ロスレスデータ圧縮を使用するファイル形式で保存することが望ましいです。 たとえば、JPEG 形式は、画像に目に見えるアーティファクトを導入するため、圧縮のために避けられることがよくあります。

ピクセル アートにはさまざまな制限が中心にあり、これらは多くの場合、Amiga、Commodore 64、NES、初期のコンピューターなどのハードウェアの技術的制限に起因しています。最も一般的な 2 つの制限は解像度とパレットで、ピクセル アーティストは他のデジタル アーティストに比べて大幅に少ないキャンバス サイズと色数で作業することがよくあります。(Lee、p. 276) 例としては、Commodore 64 の制限 (320x200 解像度、16 色)、オリジナルの ZX Spectrum の制限 (256x192 ピクセル、15 色)、GameBoy の制限 (160x144 ピクセル、4 色) などがあります。

ピクセル化のプロセスを始めるアーティストの中には、線画を描くところから始める人もいれば、単純な形や大きな塊を描くところから始める人もいます。従来、ピクセル アートはキャンバスに絵を描くのと同じように、単一のレイヤーで行われていましたが、最新のソフトウェアでは複数のレイヤーで作業できるため、背景を静的にしたまま、前景にアニメーションや透明度を追加できます。

ピクセルアートのさまざまな制限、たとえば解像度や色数の制限に対処するため、ピクセルアーティストは伝統的にこの芸術形式に特有のいくつかの技法を採用してきました。広く使用されている技法の1つはディザリングで、一般的にはノイズや市松模様や線などの繰り返しパターンを使用して、遠くから見たときに3番目の色を作成します。その他の一般的な技法には、手動でピクセルを配置して強いエッジを柔らかくするアンチエイリアシング（AA）や、ピクセルの色を変更して動きの錯覚を作り出すサブピクセル化などがあります。^[3]

ピクセルアートは柔軟な媒体であるため、ピクセルアーティストは、油絵における印象派や点描画法、刺繍におけるクロスハッチングなど、従来の媒体のスタイルを模倣することがよくあります。 ^[3]ピクセルアートはスタイルではありませんが、幅広い芸術媒体です。^[28]ただし、ピクセルアートにはピクセルの配置を中心に展開するさまざまなスタイルがあります。 スタイルにおける一般的な違いの 1 つは、クラスターの使用です。 クラスターとは、同じ色の接続されたピクセルのフィールドです。 クラスターの反対は、他の色のピクセルに囲まれた孤立したピクセル (1x1) です。 クラスターのサイズは、ピクセルアートのスタイルの重要なマーカーになっており、一部のピクセルアートでは大きなクラスターを使用し、孤立した (孤立した) ピクセルを避けますが、他の作品では、あらゆるサイズのクラスターを孤立したピクセルと組み合わせて使用​​したり、より粒状でノイズの多いテクスチャを実現するために、主に孤立したピクセルと小さなクラスターに依存したりします。小さなクラスターや孤立したピクセルに重点を置くスタイルは、点描画法や印象派とよく似ていますが、大きなクラスターや幾何学的形状のピクセルアートは、キュービズムやシュプレマティズムとよく似ています。特定のスタイルを擁護することで知られるアーティストもいますが、多くのピクセルアーティストは作品の中でさまざまなスタイルを交互に使用しています。

ピクセル アートは柔軟性のある媒体であり、人物画、風景画、抽象画の伝統を従来の媒体と共有しています。ただし、特定のジャンルが特に人気を博しています。これらのジャンルは重複することがよくありますが、次のジャンルが含まれます。

• アイソメトリック: ほぼアイソメトリックなダイメトリック投影で描かれたピクセル アート。元々は、実際の 3 次元処理を使用せずに 3 次元ビューを提供するためにゲームで使用されていました。通常、X 軸と Y 軸に沿って 1:2 のピクセル比で描画さ​​れます。
• スプライト: Streets of RageやStreet Fighter IIなどのプラットフォームゲームや格闘ゲーム、またはFinal FantasyなどのJRPG（日本のロールプレイングゲーム）のスタイルで描かれるキャラクターやゲームアセット。 ^[3]
• ピクセル ドール: ドールズとも呼ばれます。ピクセル アート キャラクターのセットで、通常は外観と衣服のセットをカスタマイズできます。チャットやフォーラムのアバターとして、または着せ替えゲームでよく使用されます。
• モックアップ: ユーザーインターフェースやその他のゲーム要素を含む、存在しないピクセルアートゲームのコンセプト。現代のゲームをベースにしたレトロスタイルのモックアップは「デメイク」と呼ばれます。^[37]

基本的に、すべてのラスター グラフィック エディターは、ピクセル アートに何らかの形で使用できます。その一部には、プロセスを容易にするための機能が含まれています。注目すべきラスター グラフィック エディターの一覧については、「ラスター グラフィック エディターの比較」を参照してください。次の注目すべきプログラムは、ピクセル アートの描画を容易にするために特別に設計されています。

• ASCIIアート
• セルシェーディング
• クロスステッチ
• ローポリ
• モザイク
• 場所

• Pixelation - ピクセル アートの批評とディスカッション フォーラム。2005 年から 2022 年まで活動。現在、新しいコメントは受け付けていません。
• Pixel Joint - フォーラム、毎週のチャレンジ、賞、イベント、Discord チャンネルを備えたオンライン ギャラリー。
• Lospec - ギャラリー、さまざまなチュートリアル、その他のリソースを備えたオンライン コミュニティ。