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ニック・ケイヴ（1959年2月4日生まれ）は、アメリカの彫刻家、画家、ダンサー、パフォーマンスアーティスト、教授である。[ 1 ]彼は、明るく、風変わりで、非現実的な、しばしば拾得物で作られた、着用可能な布製彫刻であるサウンドスーツシリーズで最もよく知られている。 [ 2 ] [ 3 ]彼はまた、アルヴィン・エイリーでダンサーとしての訓練を受け、作品にダンスやパフォーマンスを取り入れることが多い。[ 4 ]後期の彫刻は色彩理論に焦点を当てており、ミクストメディアや大規模なインスタレーションも含まれている。彼はイリノイ州シカゴに住んでおり、シカゴ美術館附属美術大学の大学院ファッションプログラムのディレクターを務めている。[ 5 ]彼はサウンドスーツの制作に加え、彫刻家、ダンサー、パフォーマンスアーティストとして完成させた作品にも取り組み続けている。[ 6 ]
彼のキャリア初の回顧展は、2022年5月14日から2022年10月2日までシカゴ現代美術館で、 2022年11月18日から2023年4月10日までニューヨークのソロモン・R・グッゲンハイム美術館で開催されました。 [ 7 ]彼は2022年6月にロードアイランド・スクール・オブ・デザインから名誉美術博士号を授与されました。[ 8 ]
ニック・ケイヴはミズーリ州フルトンで、7人の兄弟と共にシングルマザーに育てられ、母親はケイヴのファッションへの興味を奨励した。 [ 9 ] [ 10 ]彼の祖父母はミズーリ州チャリトンに農場を所有しており、ケイヴはそこで時々作物や鶏の世話を手伝っていた。[ 9 ]彼は、ファウンド・オブジェクトやアッサンブラージュへの興味の多くは、幼少期の環境に起因すると考えている。[ 4 ]小学校卒業後、ケイヴはフルトンからミズーリ州のより大きな大学町コロンビアに移った。そこで彼はウェスト中学校に通い、1977年にヒックマン高校を卒業した。 [ 11 ]彼はヒックマンの指導的な美術教師がカンザスシティ美術研究所への入学を勧めてくれたと語っており、そこで彼は繊維芸術を学び、後に1982年に美術学士号を取得した。 [ 12 ] [ 13 ] 1979年、ケイブはアルビン・エイリーと出会い、その夏とその後の数年間をニューヨークで過ごし、アルビン・エイリー・アメリカン・ダンス・シアターで学んだ。[ 4 ] 1982年にカンザスシティ美術研究所を卒業後、彼は百貨店メイシーズのディスプレイをデザインし、美術とダンスへの関心を維持しながら、プロのファッションデザイナーとして働いた。[ 10 ]
1988年、ケイブはミシガン州ブルームフィールドヒルズのクランブルック美術アカデミーで美術学修士号を取得した。[ 10 ]また、ノーステキサス大学で大学院の授業もいくつか受講した。[ 1 ]クランブルックを卒業後、1989年にシカゴ美術館附属美術大学の繊維芸術プログラムで教鞭を執った。それ以来、ケイブはシカゴでアパレル会社を経営し、自身のメンズおよびレディースの服のデザイン、製造、販売を行っている。[ 13 ]
ケイブは幼少期に低い社会経済的地位にあったため、兄姉のお下がりを修理せざるを得なかった。彼は裁縫を学び、それが最初のサウンドスーツにつながった。[ 14 ]それまで、彼の作品は人物やパフォーマンスアートとは全く関係がなかった。彼は、自分が作っている作品を再定義するような突然の転換があったと説明した。[ 9 ]
アフリカ美術の伝統、鎧、儀式用の衣装、オートクチュールのファッション、デザインされた織物、そして典型的な女性的なオブジェの影響が彼の作品に見られ、多様な概念を表現している。彼の作品の多くは立体だが、時折、浅浮き彫りで制作する際に生まれる次元を楽しんでおり、それらを絵画と呼んでいる。[ 9 ] [ 15 ] [ 16 ]彼の作品は、経験と環境を変容させることで、現実生活における脆弱性と結果の利害を交渉する戦略を扱っている。パフォーマンスアートでは、多様なコミュニティが集まって経験を共有する状況を作り出すことを目指しており、作品を衣装ではなく芸術として区別するようにしている。[ 9 ] [ 15 ]ケイブは、作品がしばしばスペクタクルと責任を扱っていることから、自分をアーティストではなくメッセンジャーと表現している。[ 15 ]この原則に従う彼の作品の1つがAugmentである。この作品は、1,000個以上の空気注入式芝生装飾品を縫い合わせて作られた5つの集合体で構成されています。これらの彫刻は、2019年8月8日から9月13日まで、ボストンのサウスエンドにあるボストン芸術センターのサイクロラマに展示されました。9月14日には、この作品はパレードの形で街に持ち出され、ボストンのサウスエンドとアファムズコーナー地区に喜びを広めることを目的としていました。75人以上のボストン地域のアーティストやパフォーマー、そして500人の一般市民がこのパレードに参加し、2つの地区間の隔たりを埋めました。アファムズコーナーのコロンビア通り555番地にある最終設置場所では、この作品はアファムズコーナーの住民が作ったコラージュで覆われた特注の建物の窓から溢れ出ています。
ケイブは、数人のアシスタント、製作者、サプライヤーと共に工房で作品のほとんどを制作しており、チーフアシスタントはジェン・グリギエルである。ケイブは、イリノイ州スコキーにあるデビッド・グリーンが所有する「アイアン・アンド・ワイヤー」という工房に製作を依頼することが最も多い。[ 9 ]
サウンドスーツは、染色した人間の髪の毛、サイザル麻、プラスチックボタン、ビーズ、ワイヤー、スパンコール、羽毛などを含むがこれらに限定されない素材で着用者の身体を包み込む彫刻的な衣装です。サウンドスーツは身体をカモフラージュし、人種、性別、階級を隠す第二の皮膚を作り出し、見る者に判断を挟まずに見ることを求めます。日常的な物を使用することで、ケイブは親しみのある雰囲気を作り出しながら、それらを社会的および物質的文化の両方の解釈的な表現に再構成することができます。[ 17 ]人種、アイデンティティ、性別は一般的に彼の作品の軸を形成すると受け入れられているため、[ 17 ]ケイブのサウンドスーツは同時に多くの概念を伝えることができます。したがって、その意味は、環境、動き、固定状態、および/またはグループ振り付けの包含に基づいて変化する可能性があります。[ 17 ] [ 18 ]完成した作品は、アフリカの儀式用の衣装やマスクにいくらか似ています。これらのスーツは、カーニバルの衣装、ドゴン族の衣装、ロココ様式、舞踏会文化も参考にしている。[ 1 ]
ケイブの最初のサウンドスーツは、ロドニー・キングへの暴行事件への反応として1992年に制作されました。[ 19 ]ケイブは地面から大量の棒や小枝を集め、それをスーツに仕立てましたが、驚いたことに、それを着ると音が出ました。[ 1 ]彼のスーツは、静的な彫刻として一般公開されることがほとんどですが、ライブパフォーマンス、ビデオ、写真を通して見ることもできます。[ 20 ] [ 21 ]インタラクティブな作品に命を吹き込むため、「ケイブは定期的に彫刻の中で自らパフォーマンスを行い、観客の前やカメラの前で踊り、衣装、楽器、生きたアイコンとしてのその可能性を最大限に引き出しています。」[ 22 ]彼は1992年に最初のサウンドスーツを制作して以来、500以上のサウンドスーツを制作しています。彼はダンスや振り付けから大きなインスピレーションを受けており、サウンドスーツは両方の芸術を1つの作品で表現できるため、相性が良いのです。彼は、自分の作品がアーティスト自身を意識せずに鑑賞されることを望んでいると語る。サウンドスーツシリーズでは、鑑賞者は着用者の身元、性別、人種を知ることができない。
2021年、ケイヴはニューヨークのメトロポリタン交通局から、タイムズスクエア-42丁目駅と42丁目-ブライアントパーク駅にまたがる、彼のサウンドスーツにインスパイアされた常設インスタレーションの制作を依頼された。[ 23 ]作品「Each One, Every One, Equal All (2021)」は、ケイヴが制作した想像上のサウンドスーツと実際のサウンドスーツ、モビールのモザイクタイル壁画のシリーズと、サウンドスーツが動いているビデオインスタレーションで構成されている。 2022年の完成前にニューヨーク・タイムズ紙でこのインスタレーションについて書いた評論家のジョン・ヴィンクラーは、作品中の人物像を「喜びにあふれている」と評し、この作品は地下鉄の「騒音と混雑の中で、まさにふさわしい、必要な修正のように感じられる」と述べた。[ 24 ]
これらのサウンドスーツの1つは、ピーター・ガブリエルによって、2023年にリリースされた彼の8枚目のアルバムi/oの最後のシングルである「Live and Let Live 」を表現するために選ばれた。 [ 25 ]
2013年、ケイヴはかつてダンサーとして所属していたアルヴィン・エイリー・ダンス・カンパニーのダンサーたちと共同でHEARD•NYを制作した。このパフォーマンスは、ニューヨーク市で最も賑やかな大通りの一つであるグランド・セントラル・ターミナルのヴァンダービルト・ホールで行われた。HEARD •NYは単なる視覚的なスペクタクルではなく、儀式（特に西アフリカの衣装をまとった儀式）、アイデンティティ、そして市民生活における夢の位置づけについての重層的な解説であった。[ 26 ]
30頭のカラフルな等身大の馬の群れが、1週間だけ1日2回、振り付けされた動き、つまり「横断」を行い、生演奏に合わせて踊った。鮮やかな色の合成ラフィアで作られたそれぞれのスーツは、アルビン・エイリー・ダンス・カンパニーのダンサー2名によって操作された。このプロジェクトは、グランド・セントラル駅開業100周年を記念する一連のイベントの一環として、クリエイティブ・タイムとMTAアーツ・フォー・トランジットによって発表された。ケイブのサウンドスーツは、動いているところを見られるように作られた。
このような振り付けされたパフォーマンスは、サウンドスーツが本来どのような見た目と音を発するのかを観客に示します。[ 27 ]サウンドスーツの彫刻は、 Colección SOLO美術館の一部であり、常設展示の一部として展示されているほか、マドリードの同美術館で開催されたCerteza （2023）などのさまざまな企画展にも展示されました。
ケイブのサウンドスーツ以外の作品は、主に拾得物や鮮やかな色の布地を使用したミクストメディア彫刻や大規模なインスタレーションである[ 28 ] 。彼は、現在の人種間の緊張、特に銃による暴力とそれが黒人男性に与える影響について論じた彫刻作品を制作している[ 29 ] 。そのような作品の1つが、トレイボン・マーティンの生涯と2012年の死に応答した彫刻作品TM 13である[ 30 ]。2013年7月13日にジョージ・ジマーマンがマーティンの殺害で無罪となった後[ 30 ]（そのためタイトルは「TM 13」となっている）、ケイブはパーカー、デニムパンツ、黒人のマネキン、スニーカーを中心とした力強い彫刻作品を制作した。彫刻は目立つようにネットで覆われており、「トレイボン・マーティンの亡霊のためのサウンドスーツのようなものを作り出している。亡くなった黒人のティーンエイジャーが、不当な死に抗議し、叫び声を上げ、騒ぎを起こすための方法だ」[ 31 ] 。
ケイブのミクストメディア彫刻には、作品の中央または上部に黒人の人形やマネキンのパーツ（頭、手など）が配置されていることが多く、祭壇のような印象を与えます。このように作品に焦点を当てることで、鑑賞者は「トラウマと人種差別の歴史、黒人男性の客体化」を検証することができます。[ 32 ] 2014年の展覧会「Rescue」は、「黒人コミュニティにおける隷属の概念とそれに伴うスティグマ」を検証しています。[ 32 ]これらの作品のほとんどは、MASS MoCAでの2016～2017年の展覧会「 Until 」のように音を発しません。ケイブは、音や動きに焦点を当てるのではなく、展覧会の参加者が「作品に含まれ、関与する」ことを望んでいるからです。 [ 29 ]参加者が互いに同時に作品を見るという行為は、ケイブが提唱するメタコンセプトです。[ 29 ]
ケイブは全米各地の大学で幅広く教鞭を執ってきた。 1989年にシカゴ美術館附属美術大学で繊維・素材研究学科の教授として働き始め、後にファッション学科に任命された。2018年現在、ファッションプログラムの大学院ディレクターおよび学科長を務めている。[ 33 ]ベロイト大学[33] 、ファブリック・ワークショップ＆ミュージアム、マッコール・センター・フォー・アート＋イノベーション[ 34 ] 、ピルチャック・グラス・スクール、アリゾナ大学、ウィスコンシン大学マディソン校[ 35 ]など、他の多くの機関で客員講師やアーティストとして活動してきた。
ニック・ケイヴは、アメリカ国内外のギャラリーや美術館で数多くの個展やショーに参加している。彼の個展には、ニュー・ワーク（1997年、ミズーリ州カンザスシティのグランド・アーツ） 、ニック・ケイヴ：ア・クォーター・ティル・テン（2006～2007年、ピッツバーグのマットレス・ファクトリー） 、ニック・ケイヴ：ミート・ミー・アット・ザ・センター・オブ・ジ・アース（2009～2012年、サンフランシスコのヤーバ・ブエナ・センター・フォー・ジ・アーツ発） 、アンティル（2016～2021年、ノース・アダムズのマサチューセッツ現代美術館発）、ニック・ケイヴ：トゥルース・ビー・トールド（2020～2021年、ニューヨークのジャック・シャインマン・ギャラリー発）などがある。彼の初の美術館回顧展であるニック・ケイヴ：フォーザーモアは、2022年にシカゴ現代美術館で開幕し、その後ニューヨークのソロモン・R・グッゲンハイム美術館に巡回した。[ 36 ] [ 7 ] [ 37 ]
彼はまた、第51回ヴェネツィア・ビエンナーレ（2005年）やNGVトリエンナーレ（2017-2018年）など、数多くのグループ展にも参加している。 [ 36 ]彼の作品は、シカゴ現代美術館で開催された「City in a Garden: Queer Art and Activism in Chicago 」（2025-2026年） [ 38 ]や、シカゴ美術館で開催された「On Loss and Absence: Textiles of Mourning and Survival」（2025-2026年）[ 39 ] [ 40 ]にも展示された。
2026年2月13日から2027年1月3日まで、スミソニアン・アメリカ美術館ではニック・ケイヴ：マンモス展が開催され、ケイヴは「私たちが住む世界のありふれた、しばしば忘れられがちな断片を紹介し、ケイヴの作品は私たちが何を大切にし、どのように共に意味を創造するかを照らし出す」[ 41 ] [ 42 ] 。これはスミソニアン史上最大の単一アーティスト委嘱作品であると報告されている[ 40 ]。
ケイブの作品は好意的に受け止められている。[ 43 ] [ 44 ] [ 45 ]同名のオーストラリアのロックミュージシャン、ニック・ケイブ・アンド・ザ・バッド・シーズのメンバーであるニック・ケイブは、ケイブの作品について「長年アメリカ人アーティストの作品を賞賛してきた」と述べ、その長所を「苦しみを一種の知覚と保護の喜びに転換しようとする試み」として指摘している。[ 46 ]
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