演劇監督

劇場監督または舞台監督は、演劇、オペラ、ダンス、ドラマ、ミュージカルなどの劇場作品の制作を監督し、編成する劇場分野の専門家であり、制作のさまざまな取り組みと側面を統合します。監督の役割は、劇場作品の品質と完成度を確保し、クリエイティブチームのメンバーを率いてその芸術的ビジョンを実現することです。監督は、クリエイティブな個人や他のスタッフのチームと協力して、技術面とパフォーマンス面を含む制作のあらゆる側面に関する調査と作業を調整します。技術面には、舞台美術、衣装デザイン、劇場用小道具、照明デザイン、セットデザイン、制作のサウンドデザインが含まれます。パフォーマンス面には、演技、ダンス、オーケストラ、チャント、舞台戦闘が含まれます。

新作や（新しい）翻訳劇の場合、演出家は劇作家や翻訳家と共同作業することもある。現代演劇では、劇作家に次いで演出家が主な先見者であり、劇とその演出の芸術的構想や解釈を決定する。各劇団の構造や理念に応じて、異なる演出家がそれぞれ異なる権限と責任を担う。演出家は多種多様な技法、理念、コラボレーションのレベルを用いる。^{[1] [2]}

ヨーロッパ演劇発祥の地である古代ギリシャでは、作家が劇の演出の主たる責任を負っていた。俳優は一般にセミプロであり、演出家は脚本の執筆から上演まで劇の演出を監督し、アイスキュロスのように自らも出演することが多かった。作家兼演出家は合唱団の指導や作曲も行い、制作のあらゆる側面を監督した。演出家が「教師」を意味するギリシャ語のdidaskalosと呼ばれていたことから、初期の演出家たちの仕事は出演者の指導と作品の演出を兼ねていたことがわかる。^[3]

中世では、民俗宗教劇の複雑さ、特に大規模なミステリー劇には群衆の場面、行列、手の込んだ特殊効果が含まれることが多く、演出家（または舞台監督、ページェント監督）の役割がかなり重要視されていました。1460年のジャン・フーケによるミニアチュール（写真）には、演出家が仕事をしている様子を描いた最古の作品の1つが描かれています。中央の人物は、プロンプトブックを持ち、長い棒を使って、聖アポロニアの殉教の劇化の進行を指揮しています。フーケによると、演出家の仕事には、舞台と背景の設置を監督すること（当時は常設の専用劇場はなく、民俗劇の公演は主に野外で行われました）、俳優の配役と演出（規則に違反した俳優には罰金を科すことも含む）、各公演の冒頭と休憩後に観客に話しかけることなどがありました。^[4]

ルネッサンス時代から19 世紀まで、演出家の役割は俳優マネージャーが担うことが多かった。これは通常、劇団のベテラン俳優で、作品の演目を選び、上演し、劇団を管理する責任を負っていた。これは、例えば、コメディア・デラルテ劇団や、コリー・シバーやデイヴィッド・ギャリックのようなイギリスの俳優マネージャーの場合であった。

近代演劇の演出家は、ザクセン＝マイニンゲン公ジョージ2世の治世下、マイニンゲン劇団が手の込んだスペクタクルを演出したことに端を発すると言える。多数のエキストラや複雑な舞台美術の管理には、全体をまとめる役割を担う人物が必要だった。^[5]これが近代演劇における演出家の役割を生み出し、ドイツはエルヴィン・ピスカトールやマックス・ラインハルトなど、新進気鋭の演出家が輩出するプラットフォームとなった。同時に、主に俳優兼マネージャーであったコンスタンチン・スタニスラフスキーがロシアでモスクワ芸術座を設立し、同様に芸術的先見者としての演出家の役割を解放した。

フランス語のregisseur は、主にバレエの舞台監督を意味することもあります。フランス語で劇場監督のより一般的な用語はmetteur en scèneです。

第二次世界大戦後、俳優兼マネージャーは徐々に姿を消し始め、演出は演劇業界における本格的な芸術活動となった。芸術的ビジョンとコンセプトを考案し、作品の演出を実現する監督は、例外ではなく標準となった。職業としての演劇監督の解放に大きな力を発揮したのは、ウラジーミル・ネミロヴィチ＝ダンチェンコ、フセヴォロド・メイエルホリド、 エフゲニー・ヴァフタンゴフ、ミハイル・チェーホフ、ユーリイ・リュビモフ（ロシア）、オーソン・ウェルズ、ピーター・ブルック、ピーター・ホール（イギリス）、ベルトルト・ブレヒト（ドイツ）、ジョルジョ・シュトレーラー、フランコ・ゼフィレッリ（イタリア）といった著名な20世紀の演出家たちであった。

有名な演出家タイロン・ガスリー卿は「演劇の演出方法を学ぶ唯一の方法は、演出を任せられるほど単純な俳優のグループを作ることだ」という警告を出した。 ^[6]

演出と監督に関する数多くの重要な著作には、トビー・コールとヘレン・クリッチの1972年の著書『監督について語る：現代演劇の資料集』、エドワード・ブラウンの1982年の著書『演出家と舞台：自然主義からグロウトフスキーまで』、ウィルの『変化する劇場における監督』（1976年）などがある。^[7]

演劇監督が舞台芸術の職業として登場したのは、例えば俳優や音楽家などに比べて比較的遅いため、監督の職業訓練プログラムの増加は、主に20世紀後半に見られる。今日ではほとんどのヨーロッパ諸国で、通常は演劇学校や音楽院、または大学で、何らかの形の職業的な監督訓練が行われている。英国では、演劇監督はオックスブリッジ大学の学位課程（通常は英文学）から輩出されるという伝統があるため、長い間、演劇学校や舞台芸術大学で職業訓練は行われていなかったが、1970年代と1980年代以降、演劇監督の訓練プログラムが増加している。アメリカの大学では、イェール大学演劇学校の画期的な演出プログラムから、演劇（英語ではなく）のDFA（美術博士）やMFA（美術学修士）の学位を持つ先駆的な演出家が数多く輩出され、1960年代から1970年代にかけてプロの専属劇場の拡大に貢献した。初期のこうしたプログラムでは、通常、3年目（最終学年）に1つの主要な卒業制作作品を上演していた。カリフォルニア大学アーバイン校では、キース・ファウラー（イェール大学の美術博士で、LORTの2つのカンパニーの元プロデューサー）が、演出家は独学で学ぶ者であり、できるだけ多くの演出の機会を必要とするという前提に基づいて、長年にわたり大学院プログラムを主導した。ファウラーのもと、大学院生の演出家は3年間のレジデンシー期間中に5～10本の作品を上演し、各作品は詳細な批評を受けた。

舞台芸術の他の多くの職業と同様に、演出家は「現場で」技術を学ぶことが多い。この目的のために、劇場はしばしば研修生の演出助手を雇ったり、若い演出家を訓練するための社内教育制度を設けたりしている。例としては、ロンドンのロイヤル・ナショナル・シアターでは短期の演出コースを頻繁に開催しており、ロンドンのウエストエンドにあるオレンジ・ツリー・シアターとドンマー・ウェアハウスでは、どちらも研修目的で常駐の演出助手を 1 年間雇用している。

演出は演劇理論と演劇実践の発展とともに成長してきた芸術形式である。演劇に新たな潮流が生まれると、演出家も新たな方法論を採用し、新たな実践に取り組むようになった。20世紀後半には、劇の解釈が演出家の仕事の中心となった。相対主義と精神分析理論は、ピーター・ブルック、イングマール・ベルイマン、ピーター・シュタイン、ジョルジョ・ストレーラーなどの革新的な演出家の作品に影響を与えた。^[8]

ブロードウェイの『Disgraced』の演出家キンバリー・シニアは、演出家としての自分の役割について「想像力と知性、そして対人スキルを使って、これまで一次元だったものを三次元に変えるのです」と語っています。^[9]

ショーが開幕（一般観客の前で初演）されると、一般的には演出家の役割は果たしたとみなされます。その時点から、舞台監督がすべての重要な事項を担当することになります。

ウィキメディア・コモンズには、劇場監督に関連するメディアがあります。

• INSTED: 演劇監督の学生のための国際ネットワーク 2020-12-18 にWayback Machineでアーカイブ
• アマチュアと働く
• 演劇演出、第11章 2020-11-09にWayback Machineでアーカイブされました
• ステージマトリックス
• 舞台監督・振付家協会