クラシックギター

クラシックギター

典型的な現代のクラシックギターの正面図と側面図
弦楽器
分類	弦楽器（撥弦楽器）
ホルンボステル・ザックス分類	321.322–5 （素指または爪で鳴らす 複合弦楽器）
発展した	19世紀後半、スペイン。
プレイ範囲
関連機器
ギターファミリー（スチール弦アコースティックギター、エレキギター、フラメンコギター、ベースギター） リュート（遠縁） バロックギター フラメンコギターに似ている
ミュージシャン
カテゴリー:クラシックギタリスト

クラシックギターはスペインギターとも呼ばれ、^[1]クラシック音楽やその他のスタイルで使用されるギターファミリーのメンバーです。ガットまたはナイロン製の弦を使用したアコースティック木製弦楽器で、金属弦を使用する現代のスチール弦アコースティックギターとエレクトリックギターの前身です。クラシックギターは、リュート、ビウエラ、ギターン（ギターンはギリシャ語の「キタラ」から派生した名前）などの楽器から派生し、ルネッサンスギター、17世紀と18世紀のバロックギターへと進化しました。今日の現代のクラシックギターは、 19世紀のスペインの弦楽器製作者、アントニオ・トーレス・フラードの後期のデザインによって確立されました。

右利きの演奏者にとって、伝統的なクラシックギターはボディから12フレット離れており、左足で適切に持ち上げられるため、弦を弾く手はサウンドホールの後ろ近くになります（これをクラシックポジションと呼びます）。ただし、異なる音質を得るために右手をフレットボードに近づけることもあります。演奏者は通常、フットレストを使用して左足を高く持ち上げます。一方、現代のスチール弦ギターは、通常ボディから14フレット離れており（ドレッドノートを参照）、一般的にはストラップを首と肩に巻いて持ちます。

「クラシックギター」というフレーズは、楽器そのもの以外に、次の 2 つの概念のいずれかを指す場合があります。

• クラシックギターに共通する楽器の指使いテクニック。個々の弦を爪または、まれに指先で弾く。
• この楽器のクラシック音楽のレパートリー

モダンクラシックギターという用語は、クラシックギターを、広義ではクラシックギターとも呼ばれる古い形式のギター、より具体的には初期ギターと区別するために使用されることがあります。初期ギターの例には、6弦の初期ロマン派ギター（ 1790年頃- 1880年）や、5コースの初期のバロックギターなどがあります。

クラシックギターの素材や製造方法はさまざまですが、典​​型的な形状は、現代のクラシックギターか、スペイン、フランス、イタリアの初期のロマン派ギターに似た歴史的なクラシックギターのいずれかです。かつてはガットで作られていたクラシックギターの弦は、現在ではナイロンやフッ素ポリマーなどの素材で作られており、通常は銀メッキの銅の細いワイヤーが音響的に低い弦（標準チューニングの dAE）に巻かれています。

ギターの系図を特定することができる。フラメンコギターは現代のクラシックギターから派生したものであるが、材質、構造、音に違いがある。^{[2] [3]}

クラシックギターには長い歴史があり、さまざまな種類があります。

• 楽器
• レパートリー（作曲家とその作品、編曲、即興）

楽器とレパートリーは、さまざまな視点を組み合わせて見ることができます。

歴史的（年代順の期間）

• バロックギター– 1600年から1750年
• 初期ロマン派ギター– 1750 年から 1850 年 (古典派およびロマン派時代の音楽用)
• 現代のクラシックギター

地理的

• スペインギター（Torres）とフランスギター（René Lacôte、...）、フランスギター（René Lacôte、...）、ドイツギター（Herrmann Hauser）など。

文化的な

• バロック宮廷音楽、19世紀のオペラとその影響、19世紀の民謡、ラテンアメリカ音楽

「クラシックギター」は今日では主に現代のクラシックギターのデザインに関連付けられていますが、初期のギターへの関心が高まっています。また、歴史的なレパートリーと、そのレパートリーを演奏するために最初に使用された特定の時代のギターとのつながりを理解することへの関心も高まっています。音楽学者で作家の Graham Wade 氏は次のように書いています。

今日では、このレパートリーは、音楽学研究の概念に基づいて、テクニックと全体的な解釈を適切に調整した楽器の複製で演奏するのが通例です。そのため、ここ数十年で、ビウエラ（スペインで人気のあった16世紀のギターの一種）、リュート、バロックギター、19世紀のギターなどの芸術に精通した専門のアーティストに慣れてきました。^[5]

ギターの種類によって音の美しさは異なり、例えば、色スペクトル特性（音エネルギーが基本周波数と倍音に広がる方法）やレスポンスなどが異なります。これらの違いは構造の違いによるものです。例えば、現代のクラシックギターでは通常、初期のギター（ラダーブレーシング）とは異なるブレーシング（ファンブレーシング）が使用され、また、楽器製作者によって異なるボイシングが使用されました。

音楽のスタイル（バロック、クラシック、ロマン派、フラメンコ、ジャズ）と、使用される楽器の「音の美学」のスタイルの間には、歴史的な類似点があります。たとえば、ロバート・デ・ヴィゼは、マウロ・ジュリアーニやルイージ・レニャーニが使用したギターとはまったく異なる音の美学を持つバロックギターを演奏しました。彼らは 19 世紀のギターを使用していました。また、これらのギターは、モレノ・トローバなどのロマン派から近代的な作品の解釈に適したセゴビアが使用したトーレスモデルとは音が異なります。

ギターを歴史的観点から考えると、使用される楽器は、特定の時代における音楽言語やスタイルと同じくらい重要です。例を挙げると、歴史的に有名なド・ヴィゼやコルベッタ（バロック時代のギタリスト兼作曲家）の演奏を、現代のクラシックギターで演奏することは不可能です。その理由は、バロックギターでは、2本の弦を近接して（ユニゾンで）弾くコースが使用されていたためです。これにより、バロックギターには、演奏解釈に不可欠な紛れもない音の特徴と音色の質感が生まれます。さらに、バロックギターの音の美学（倍音が強く存在する）は、以下に示すように、現代のクラシックタイプのギターとは大きく異なります。

今日、あらゆる時代のレパートリーにトーレスおよびポストトーレスタイプのギターが使用されていることは、批判的に見られることがあります。トーレスおよびポストトーレススタイルのモダンギター（扇形のブレーシングとデザイン）は、太く力強い音色で、現代のレパートリーに非常に適しています。しかし、それらは、以前のレパートリー（古典派/ロマン派：カルリ、ソル、ジュリアーニ、メルツ、...; バロック：ド・ヴィゼ、...; など）には基音を強調しすぎている（倍音部分を犠牲にしている）と考えられています。「アンドレス・セゴビアは、スペインギターをあらゆる演奏スタイルに適応する万能モデルとして提示しました」^[6]。今日でも「多くのギタリストは、現代のセゴビアの伝統から来たギターの世界についてトンネルビジョンを持っています」^{[7] 。}

20世紀初頭には、扇形支柱のモダンクラシックなトーレスやポストトーレススタイルの楽器が、伝統的なラダー支柱のギターと共存していたが、古い形式はやがて廃れていった。この原因をセゴビアの人気に求め、セゴビアを「1920年代以降、スペインのデザインやいわゆる「モダン」派への変化のきっかけ」とみなす人もいる。^[6]ラダー支柱のギターで演奏される音楽のスタイルは流行遅れになりつつあり、例えばドイツでは、より多くのミュージシャンが民俗音楽（シュランメル音楽やコントラギター）に目を向けるようになった。これはドイツとオーストリアに限定され、再び流行遅れになった。一方、セゴビアは世界中でコンサートを行い、モダンクラシックギターを普及させ、1920年代にはモレノ・トローバやファリャなどのギター作品によるスペインのロマン派モダンスタイルを普及させた。

19 世紀のクラシック ギタリスト、フランシスコ タレガが、クラシック ソロ楽器としてトーレス デザインを初めて普及させました。しかし、セゴビアの影響で他のデザインよりトーレス デザインが優位になったと主張する人もいます。世界中の工場でトーレス ギターが大量に生産されるようになりました。

• ビウエラ、ルネッサンス ギター、バロック ギターは、明るく倍音が豊かな音色で、そのコース (複弦) が音に非常に独特な質感を与えます。
• 古典派およびロマン派時代の初期のギター（初期ロマン派ギター）には単弦がありますが、そのデザインと音色は、倍音に音のエネルギーがより多く含まれている（ただし基音が不足していない）ため、明るく親しみやすい音色が得られます。
• その後、スペインではより強い基音を好む音楽スタイルが出現した。
  「音楽の変化とともに、より強い基音が求められ、扇形ブレーシングシステムが採用された。…ギターの音色は、高音域が豊かな透明感のある音色から、より「幅広い」基音が強い音色へと変化した。」^[8]
• したがって、ファン ブレーシング (ファン ストラッティング) を備えた現代のギターは、基本音にはるかに多くの音のエネルギーが含まれた、厚みのある重厚なサウンドを実現する設計と音色を備えています。

ルネサンス期に4コースギター用に曲を書いた作曲家には、アロンソ・ムダラ、ミゲル・デ・フエンリャーナ、エイドリアン・ル・ロワ、グレゴワール・ブレイシング [fr]、ギヨーム・ド・モルレイ、シモン・ゴルリエ [fr]などがいます。

楽器

4コースギター

バロックギターの有名な作曲家には、ガスパール サンス、ロベール ド ヴィセ、フランチェスコ コルベッタ、サンティアゴ デ ムルシアなどがいます。

楽器の例

• ニコラ・アレクサンドル・ヴォボアム2世作のバロックギター：このフランスの楽器は、5コースの複弦と平らな背面を備えた、当時の典型的なデザインである。^[9]
• マッテオ・セラス作とされるバロックギター：このイタリアの楽器は5コースで背面が丸い。^[10]

1780 年から 1850 年頃にかけて、ギターには次のような数多くの作曲家や演奏家がいました。

• フィリッポ グラニャーニ(1767–1820)
• アントワーヌ・ド・ロワイエ(1768–1852)
• フェルディナンド・カルッリ(1770–1841)
• ヴェンツェル トーマス マティエカ(1773–1830)
• フランチェスコ・モリーノ(1774–1847)
• フェルナンド・ソル（1778–1839）
• ルイージ・モレッティ [it] [1](  1780年頃– 1850年)
• マウロ・ジュリアーニ（1781–1829）
• ニッコロ・パガニーニ(1782–1840)
• ディオニシオ・アグアド（1784–1849）
• ルイージ・レニャーニ（1790–1877）
• マッテオ・カルカッシ（1792–1853）
• ナポレオン・コステ（1805–1883）
• ヨハン・カスパール・メルツ（1806–1856）
• ジュリオ・レゴンディ（1822–1872）

エクトル・ベルリオーズは10代の頃にギターを習った。^[11] フランツ・シューベルトは少なくとも2本のギターを所有し、この楽器のために作曲した。 ^[12]ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンはジュリアーニの演奏を聞いた後、この楽器は「それ自体がミニチュアオーケストラ」だと評した。^[13] ニコロ・パガニーニもギターの名手であり作曲家であった。彼はかつて「私はギターのハーモニーが大好きだ。ギターは私の旅の常に付き添いである」と書いた。また別の機会には「私はこの楽器が好きではないが、単に考えるための手助けとして考えている」とも述べている。^[14]

ギタリストであり作曲家でもあるフランシスコ・タレガ（1852年11月21日 - 1909年12月15日）は、ギターの名手であり教師の一人であり、現代クラシックギター演奏の父とみなされています。マドリードとバルセロナの音楽院のギター教授として、彼は現代クラシックのテクニックの多くの要素を定義し、クラシック音楽の伝統におけるギターの重要性を高めました。

1920年代初頭、アンドレス・セゴビアはツアーや初期の蓄音機録音でギターを普及させた。セゴビアは、新しい音楽でギターのレパートリーを広げることを目指し、作曲家のフェデリコ・モレノ・トローバやホアキン・トゥリーナとコラボレーションした。 ^[15]セゴビアの南米ツアーは、ギターに対する一般の関心を再び高め、マヌエル・ポンセやエイトル・ヴィラ＝ロボスのギター音楽がより広い聴衆に届くきっかけとなった。 [16]作曲家のアレクサンドル・タンスマンやマリオ・カステルヌオーヴォ＝テデスコは、セゴビアからギターのための新しい曲を書くよう依頼された。^{[17]ルイス}・ボンファは、新しく創作されたボサノバなど、ブラジルの音楽スタイルを普及させ、アメリカの聴衆に好評を博した。

クラシックギターのレパートリーには、エリオット・カーターの『チェンジズ』、^[18] クリストバル・ハルフターの『コーデックス I』、^[19] ルチアーノ・ベリオの『セクエンツァ XI』、^[20] マウリツィオ・ピサーティなど、「ニューミュージック」と呼ばれることもある現代の現代作品も含まれています。のSette Studi、^[21] モーリス・オハナのSi Le Jour Parait、^[22] シルヴァーノ・ブソッティの『ラーラ (エコ・シエロロジコ)』、^[23] エルンスト・クレネクの『ギターアレイのための組曲』Op. 164、^[24] Franco DonatoniのAlgo: Due pezzi per chitarra、^[25] Paolo Coggiola のVariazioni Notturne、^[26]など。

現代のレパートリーを含むことで知られる演奏家には、ユルゲン・ルック、エレナ・カソーリ、 レオ・ブラウワー（まだ演奏していた頃）、ジョン・シュナイダー、ラインベルト・エヴァース、マリア・ケンマーリング、ジークフリート・ベーレント、ダヴィッド・スタロビン、マッツ・シャイデッガー、マグナス・アンダーソンなど が含まれる。

このタイプのレパートリーは、通常、演奏において特に前衛的な要素に重点を置くことを選んだギタリストによって演奏されます。

現代音楽界自体にも、一般的に極端とみなされる作品が存在する。これには、ブライアン・ファーニホウの「Kurze Schatten II」^[27]、 スヴェン・ダーヴィト・サンドストロームの「away from」^[28]、ロルフ・リームの「Toccata Orpheus」など、極度の難解さで知られる作品が含まれる。

^{また、Sheer Pluck [29]}などの現代のギター作品を記録したさまざまなデータベースもあります。^{[30] [31]}

クラシックギターとそのレパートリーの進化は 4 世紀以上にわたります。その歴史は、リュート、ビウエラ、バロックギターなどの古い楽器の貢献によって形作られてきました。

セゴビアの跡を継いだ最後のギタリストはジュリアン・ブリームで、2006年7月15日には73歳になる。ミゲル・リョベット、アンドレス・セゴビア、ジュリアン・ブリームは20世紀の3人の演奏家だ。誤解しないでほしいが、今日では優れた演奏家はたくさんいるが、リョベット、セゴビア、ブリームほど音色やスタイルに際立った個性を持つ人はいない。ギターだけでなく、すべての楽器の分野では、個人主義が欠如し、同調傾向が強い。芸術（音楽、演劇、絵画）は非常に個人的で個人的な問題なので、これは非常に残念なことだ。^[32]

— バーナード・ヘブ、インタビュー

現代のギターの起源ははっきりとはわかっていません。ヨーロッパ原産だと考える人もいれば、輸入楽器だと考える人もいます。^[33]ギターのような楽器は、エジプト、シュメール、バビロニア文明から発見された古代の彫刻や彫像に現れています。^[34]つまり、タンブールやセタールなどの現代のイランの楽器は、ヨーロッパのギターとは遠い関係にあるということです。これらはすべて、最終的には同じ古代の起源から派生していますが、歴史的経緯や影響は非常に異なります。 「ギター」と呼ばれるギターンは13世紀からすでに使用されていましたが、その構造と調律は現代のギターとは異なっていました。ギターに最も大きな変化が加えられたのは、1500年代から1800年代でした。^[35]

1546年にスペインで出版されたアロンソ・デ・ムダラの著書『Tres Libros de Música』には、4コースのギターラ用に書かれた最古の楽曲が収められています。この4コースの「ギター」は、フランス、スペイン、イタリアで人気がありました。フランスでは、この楽器は貴族の間で人気を博しました。1550年代から1570年代にかけて、パリではかなりの量の楽譜が出版されました。シモン・ゴリエの『Le Troysième Livre... mis en tablature de Guiterne』は1551年に出版されました。1551年には、エイドリアン・ル・ロワも『Premier Livre de Tablature de Guiterne』を出版し、同年には『Briefve et facile instruction pour apprendre la tablature a bien accorder, conduire, et disposer la main sur la Guiterne』も出版しました。ロバート・バラード、アウクスブルク出身のグレゴワール・ブレイシング、ギヨーム・モルレイ（ 1510年頃～ 1558年頃）らがレパートリーに大きく貢献した。モルレイの『シャンソン、ガイヤール、パヴァンヌ、ブランスル、アルマンド、幻想曲集』は、ミシェル・フェデンザとの共同出版で、表紙に4コースの楽器が描かれている。また、他の楽曲とともに、リュート奏者のアルベール・ド・リッペ（ギヨームの師であった可能性が高い）によるタブ譜6冊も出版されている。

クラシックギターの歴史は、スペインでビウエラが開発された16世紀初頭まで遡ることができる。当時、リュートはヨーロッパの他の地域で人気が出始めていたが、ムーア人との関連からスペイン人はそれを快く思わなかった。^[38]その代わりに、2本の弦を追加して音域と複雑さを高めたリュートのようなビウエラが登場した。最も発達した形態のビウエラは、ギターのような楽器で、ガットで作られた6本の複弦を備え、3本目の弦を半音低く調弦した以外は現代のクラシックギターのように調弦されていた。高音が出せ、手に持つにはかなり大きい。現存するものはほとんどなく、今日知られていることのほとんどは図表や絵画から来ている。

現存する最古の6弦ギターは、1779年にイタリアのナポリでガエターノ・ヴィナッチャ（1759年 - 1831年以降）によって製作されたと考えられているが、ラベルの日付はやや曖昧である。^{[39] [40] [41]}ヴィナッチャ家の弦楽器製作者はマンドリンの開発で知られている。このギターは検査されており、ダブルコースギターからの改造の明らかな痕跡は見られない。^[42] 1790年代以前に製作されたとされるギターの真贋はしばしば疑問視されている。これはまた、モレッティの6弦方式が登場した1792年と一致している。

現代のクラシックギターは、19世紀にアントニオ・デ・トーレス・フラド、イグナシオ・フレタ、ヘルマン・ハウザー・シニア、ロバート・ブーシェによって開発されました。スペインの弦楽器製作者で演奏者のアントニオ・デ・トーレスは、ボディの幅を広げ、ウエストカーブを増やし、腹部を薄くし、内部の支柱を改良した、現代のクラシックギターの決定的な形を与えました。^{[43]現代のクラシックギターは、}フラメンコと呼ばれる歌と踊りの伴奏のための古い形式に取って代わり、フラメンコギターとして知られる改良版が作られました。

フィンガースタイルは、現代のクラシックギターで熱心に使用されています。親指は伝統的にベース、つまりルート音を弾き、他の指はメロディーとその伴奏部分を鳴らします。クラシックギターのテクニックでは、多くの場合、右手の爪を使って音を弾きます。著名な演奏者には、フランシスコ・タレガ、エミリオ・プジョル、アンドレス・セゴビア、ジュリアン・ブリーム、アグスティン・バリオス、ジョン・ウィリアムズ（ギタリスト）などがいます。

現代のクラシックギターは通常、座って演奏され、楽器は左の膝の上に置き、左足はフットスツールの上に置きます。フットスツールを使用しない場合は、ギターと左の膝の間にギターサポートを置くこともできます (サポートは通常、吸盤で楽器の側面に取り付けられます)。 (もちろん例外もあり、演奏者の中には別の方法で楽器を持つ人もいます。)

右利きの演奏者は右手の指を使って弦を弾きます。親指で弦の上から下に向かって弾き（ダウンストローク）、他の指で弦の下から上に向かって弾きます（アップストローク）。20 世紀に進化した古典的なテクニックでは、小指は弦を弾かずに薬指と一緒に弾くためだけに使用され、薬指の動きを生理的に促進します。

対照的に、フラメンコのテクニックやフラメンコを連想させる古典的な楽曲では、フラメンコの4本指ラスゲアード（爪の裏を使って逆の順序で指で弦を素早くかき鳴らす）で小指を半ば独立して使用します。これはフラメンコのよく知られた特徴です。

フラメンコのテクニックでは、ラスゲアードの演奏でも4本の指のアップストロークと親指のダウンストロークが使われます。弦は指先の内側の肉側だけでなく、外側の爪側でも叩かれます。これは、最近クラシックギターにも導入され始めた デディージョ^{[44]と呼ばれる}ビウエラのテクニックでも使われていました。

現代のギタリストの中には、ステパン・ラックや山下和人など、小指を独立して使い、小指の短さを非常に長い爪で補う人もいます。ラックと山下はまた、4本の指によるアップストロークと親指によるダウンストローク（フラメンコのラスゲアードと同じテクニック：上で説明したように、弦は指先の内側の肉厚な側だけでなく、外側の爪側でも弾かれます）をフリーストロークとレストストロークの両方で使用することを一般化しました。^[45]

他の撥弦楽器（リュートなど）と同様に、演奏者は弦に直接触れて（通常は爪弾いて）音を出します。これには重要な意味があります。つまり、（単一の音の）異なる音色は、異なる方法（アポヤンドまたはティランド）で、また異なる位置（ギターのブリッジから近い位置や遠い位置など）で弦を爪弾くことによって作り出すことができます。たとえば、開放弦を爪弾くと、同じ音でもフレットの位置で弾く（より温かみのある音色になる）よりも明るい音がします。

この楽器の汎用性は、さまざまな音色を作り出すことができることを意味しますが、このフィンガーピッキングスタイルは、標準的なアコースティックギターのかき鳴らしテクニックよりも習得が難しい楽器でもあります。^[46]

ギターの楽譜では、右手の5本の指（弦を弾く指）はスペイン語名の頭文字で表され、p = 親指（pulgar）、i = 人差し指（índice）、m = 中指（mayor）、a = 薬指（anular）、c = 小指または小指（meñique/chiquito）となっている^[47]。

左手の4本の指（弦を押さえる）は、1 = 人差し指、2 = 長指、3 = 薬指、4 = 小指と指定されている。0 は開放弦、つまり指で押さえられない弦で、弾くと弦全体が振動する。演奏で左手の親指を使うことは稀で、クラシックギターのネックは広すぎて使いにくく、通常の演奏では親指はネックの後ろにくる。しかし、例えばヨハン・カスパール・メルツは、6弦のベース音を親指で押さえることを上向き矢印（⌃）で指定していることで有名である。^[48]

楽譜では（タブ譜とは異なり）どの弦を弾くかを体系的に示していません（ただし、通常は選択は明らかです）。弦を示すことが便利な場合は、楽譜では円の中に 1 から 6 までの数字（最高音弦から最低音弦まで）が使用されています。

楽譜には、フレットボードの位置（フレットを押さえる手の人差し指を置く場所）が体系的に示されていませんが、役に立つ場合（主にバレーコードの場合）には、最初のポジション I（人差し指を 1 フレットに置く：FB フラット - E フラット - A フラット - CF）から 12 番目のポジション XII（人差し指を 12 フレットに置く：EADGBE。12 フレットはボディの始まりです）まで、またはそれより高いポジション XIX（クラシック ギターはほとんどの場合 19 個のフレットを持ち、19 番目のフレットはほとんどの場合分割されており、3 弦と 4 弦を押さえるのには使用できません）まで、ローマ数字で位置が示されています。

トレモロ効果と、素早く滑らかな音階のパッセージを実現するには、演奏者はオルタネーション、つまり同じ指で 2 回続けて弦を弾かないように練習する必要があります。親指をp 、人差し指をi 、中指をm 、薬指を aで示す一般的なオルタネーション パターンは次のとおりです。

• imim  : 高音弦の基本的なメロディーライン。弦に沿って歩くような感じがします。スケール (音楽) のパッセージを演奏するときによく使用されます。
• pimaima  : アルペジオパターンの例。ただし、クラシックギターのレパートリーには多くのアルペジオパターンが組み込まれています。
• pamipami  : クラシックギターのトレモロパターン。
• pmpm  : 低弦でメロディーラインを演奏する方法。

クラシックギターのために特別に作曲された音楽は、18 世紀後半に 6 弦が追加されて以来続いています (バロックギターには通常 5組の弦がありました)。

ギターリサイタルでは、ジョン・ダウランド（1563年イギリス生まれ）やルイス・デ・ナルバエス（ 1500年頃スペイン生まれ）などの作曲家による、もともとリュートやビウエラのために書かれた作品、ドメニコ・スカルラッティ（1685年イタリア生まれ）によるチェンバロ用の音楽、シルヴィウス・レオポルド・ヴァイス（1687年ドイツ生まれ）によるバロックリュート用の音楽、ロベール・ド・ヴィゼ（ 1650年頃フランス生まれ）によるバロックギター用の音楽、さらにはイサーク・アルベニス（1860年スペイン生まれ）やエンリケ・グラナドス（1867年スペイン生まれ）によるピアノ用のスペイン風音楽など、さまざまな作品を演奏します。ギターのために作曲していないが、ギターでよく演奏される最も重要な作曲家は、ヨハン・セバスチャン・バッハ（1685年ドイツ生まれ）であり、彼のバロック時代のリュート、ヴァイオリン、チェロの作品はギターに非常に適応性が高いことが証明されています。

ギターのために書かれた音楽のうち、最も古い重要な作曲家は古典派の時代のもので、フェルナンド・ソル（1778年スペイン生まれ）やマウロ・ジュリアーニ（1781年イタリア生まれ）などがいます。両者ともウィーン古典主義の影響を強く受けたスタイルで作曲しています。19世紀のギター作曲家、例えばヨハン・カスパール・メルツ（1806年スロバキア、オーストリア生まれ）は、ピアノの優位性に強く影響を受けました。ギターが独自のアイデンティティを確立し始めたのは19世紀末になってからでした。フランシスコ・タレガ（1852年スペイン生まれ）はその中心人物で、フラメンコのムーア人の影響を様式化した側面をロマンティックな小品に取り入れることもありました。これは19世紀後半のヨーロッパの主流音楽ナショナリズムの一部でした。アルベニスとグラナドスはこの運動の中心人物でした。彼らのギター表現は非常に成功したため、彼らの作品は標準的なギターのレパートリーに取り入れられました。

第二次世界大戦後のロックンロールの台頭を特徴づけるスティール弦ギターとエレキギターは、北米や英語圏でより広く演奏されるようになった。パラグアイのアウグスティン・バリオス・マンゴレは多くの作品を書き、ブラジルの作曲家エイトル・ヴィラ＝ロボスがそうであったように、ラテンアメリカ音楽の特徴を主流に持ち込んだ。アンドレス・セゴビアは、フェデリコ・モレノ・トローバやホアキン・ロドリゴなどのスペインの作曲家、マリオ・カステルヌオーヴォ＝テデスコなどのイタリア人、メキ​​シコのマヌエル・ポンセなどのラテンアメリカの作曲家に作品を委嘱した。他の著名なラテンアメリカの作曲家としては、キューバのレオ・ブラウワー、ベネズエラのアントニオ・ラウロ、グアテマラのエンリケ・ソラレスがいる。イギリスのジュリアン・ブリームは、ウィリアム・ウォルトン、ベンジャミン・ブリテンからピーター・マクスウェル・デイヴィスまで、ほぼすべてのイギリスの作曲家にギターのための重要な作品を書かせることに成功した。ブリームとテノール歌手ピーター・ピアーズのコラボレーションにより、ブリテン、レノックス・バークリーらによる歌曲集も生まれました。ドイツのハンス・ヴェルナー・ヘンツェ、イギリスのギルバート・ビベリアン、オーストラリアのロランド・チャドウィック などの作曲家による重要な作品もあります。

クラシックギターは、ギタリストのメイソン・ウィリアムズがヒット曲『クラシカル・ガス』でこの楽器を世に広めた後、1960年代にポピュラー音楽やロックンロールでも広く使われるようになりました。ギタリストのクリストファー・パークニングは著書『クラシカル・ガス：メイソン・ウィリアムズの音楽』の中で、この曲はマラゲーニャに次いで最もリクエストの多いギター曲であり、おそらく今日最もよく知られているギターのインストルメンタル曲であると述べています。ヌーベルフラメンコの分野では、スペインの作曲家兼演奏家であるパコ・デ・ルシアの作品と演奏が世界的に知られています。

歴史上、クラシックギター協奏曲はそれほど多くは書かれていません。しかし、今日では、ホアキン・ロドリーゴの「アランフェス協奏曲」（第2楽章の有名なテーマを含む）や「紳士のための幻想曲」など、いくつかのギター協奏曲は広く知られ、人気があります。有名なギター協奏曲を書いた作曲家には、アントニオ・ヴィヴァルディ（もともとマンドリンまたはリュート用）、マウロ・ジュリアーニ、エイトル・ヴィラ＝ロボス、マリオ・カステルヌオーヴォ＝テデスコ、マヌエル・ポンセ、レオ・ブラウワー、レノックス・バークレー、マルコム・アーノルドなどがいます。今日では、ますます多くの現代作曲家がギター協奏曲を書こうとしていますが、その中でも、ギターと弦楽オーケストラのためのフェデリコ・ビショーネの「ボスコ・サクロ」は最もインスピレーションに富んだ作品の1つです。

クラシックギターはいくつかの特徴によって区別されます:

• これはアコースティック楽器です。弦を弾いた音はギターの響板と共鳴空洞によって増幅されます。 ^[49]
• 弦は 6 本ですが、クラシックギターの中には 7 本以上の弦を持つものもあります。
• 6 本の弦はすべてナイロン製、または金属で巻かれたナイロン製で、他のアコースティック ギターに見られる金属弦とは異なります。ナイロン弦は、ナイロン弦の前身であるガット弦 (牛または羊の腸から作られる) と同様に、スチール弦よりも張力がはるかに低くなっています。下側の 3 本の弦 (「ベース弦」) は金属 (通常は銀メッキ銅) で巻かれています。
• 弦の張力が低いため
  • ネックはスチールトラスロッドなしで完全に木材で作ることができる
  • 内部の補強は軽量化できる
• 典型的な現代の 6 弦クラシック ギターのナット部分の幅は 48 ～ 54 mm ですが、エレキ ギターの場合は約 42 mm です。
• クラシックの指板は通常平らで、フレット マーカーが埋め込まれていないか、ネックの側面にドット インレイがあるだけです。一方、スチール弦の指板は通常、わずかに丸みがあり、インレイがあります。
• クラシックギター奏者は右手で弦を弾きます。より明るい音色と弦の感触を得るために、爪の形を整えることもあります。
• かき鳴らしはクラシックギターではあまり一般的ではないテクニックで、スペイン語で「ラスゲオ」、またはかき鳴らしのパターンは「ラスゲアード」と呼ばれることが多く、指の爪の裏側を使います。ラスゲアードはフラメンコギターに欠かせないものです。
• クラシックギターのヘッドストックのマシンヘッドは後ろ向きを向いています。これは、マシンヘッドが外側を向いているほとんどのスチール弦ギターとは対照的です。
• クラシックギターの全体的なデザインは、やや軽くて小さいフラメンコギターに非常に似ています。

典型的なクラシックギターの部品には以下のものがある: ^[50]

• ヘッドストック
• ナット
• マシンヘッド（またはペグヘッド、チューニングキー、チューニングマシン、チューナー）
• フレット
• ネック
• ヒール
• 体
• 橋
• ボトムデッキ
• サウンドボード
• ボディサイド
• サウンドホール、ロゼットインレイ付き
• 文字列
• サドル（ブリッジナット）
• フレットボード

フレットボード（指板とも呼ばれる）は、金属フレットが埋め込まれた木片で、ネックの上部を構成します。平らであるか、わずかに湾曲しています。フレットボードの曲率は、フレットボードの表面がセグメントを構成する仮想円の半径であるフレットボード半径によって測定されます。フレットボード半径が小さいほど、フレットボードの湾曲が顕著になります。フレットボードは、最も一般的には黒檀で作られていますが、ローズウッド、その他の硬材、またはフェノール複合材（「マイカルタ」）で作られることもあります。

フレットは指板に沿って埋め込まれた金属片（通常はニッケル合金またはステンレス鋼）で、数学的に弦の長さを分割するポイントに配置されています。弦の振動長は、弦がフレットの後ろで押されたときに決まります。各フレットは異なるピッチを生成し、各ピッチは 12 音階で半音ずつ離れています。2つの連続するフレットの幅の比は2 の 12 乗根( ) で、その数値は約 1.059463 です。12 番目のフレットは弦を正確に 2 つの半分に分割し、24 番目のフレット (存在する場合) は弦をさらに半分に分割します。12 個のフレットごとに 1 オクターブが表されます。このフレットの配置により、平均律チューニングが実現されます。 ${\displaystyle {\sqrt[{12}]{2}}}$

クラシックギターのフレット、フレットボード、チューナー、ヘッドストックはすべて長い木製の延長部分に取り付けられており、全体としてネックを構成しています。フレットボードの木材は、通常、ネックの他の部分の木材とは異なります。特に太い弦が使用されている場合、ネックにかかる曲げ応力はかなり大きくなります。クラシックギターの最も一般的なスケール長は650mmです（ナットの端から12番目のフレットの中心までの距離を測定し、その測定値を2倍にして計算します）。ただし、スケール長は635〜664mm、またはそれ以上になる場合があります。^[51]

これはネックとボディが接合するポイントです。伝統的なスペイン式ネックジョイントでは、ネックとブロックは一体型で、側面はブロックに切り込まれたスロットに挿入されます。その他のネックは別々に作られ、蟻継ぎ、ほぞ継ぎ、またはフラッシュジョイントでボディに接合されます。これらのジョイントは通常接着され、機械式ファスナーで補強できます。最近では多くのメーカーがボルト留めファスナーを使用しています。ボルト留めネックジョイントはかつては安価な楽器にのみ使用されていましたが、現在ではトップメーカーやハンドビルダーの一部がこの方法のバリエーションを使用しています。スペインスタイルのワンピースネック/ブロックと接着された蟻継ぎネックの方がサスティンが良いと考える人もいますが、テストではこれを確認できませんでした。ほとんどの伝統的なスペインスタイルのビルダーはワンピースネック/ヒールブロックを使用していますが、著名なスペイン人ビルダーであるFletaは、バイオリン製作の初期の訓練の影響で蟻継ぎを使用しました。機械式ジョイントが導入された理由の1つは、ネックの修理を容易にするためでした。これは、弦の張力が約半分であるナイロン弦よりも、スチール弦ギターでより問題になります。このため、ナイロン弦ギターにはトラス ロッドも付いていないことがよくあります。

楽器のボディは、アコースティックギターの全体的な音の多様性を決定づける大きな要素です。ギターのトップ、またはサウンドボードは、スプルース材やレッドシダー材で作られることが多い、精巧に作られたエンジニアリングされた要素です。ギターの音質を決定する最も重要な要素と考えられているこの薄い（多くの場合2〜3 mmの厚さ）木片は、均一な厚さで、さまざまな種類の内部補強材によって強化されています。背面はローズウッドで作られ、特にブラジル産ローズウッドが好まれますが、マホガニーやその他の装飾用の木材が使用されることもあります。^[52]

音の大部分は、振動する弦のエネルギーがギターのトップに伝わることで、ギターのトップが振動することによって生じます。長年にわたり、ギター製作者 (トーレス、ハウザー、ラミレス、フレタ、CF マーティンは、当時の最も影響力のある設計者の一部です ) によって、さまざまなパターンの木製ブレーシングが使用されてきました。これは、張られた弦によって加えられる莫大なストレスによるトップの崩壊に対してトップを強化するだけでなく、トップの共鳴にも影響を及ぼします。現代のギター製作者の中には、ノーメックスで区切られた 2 枚の極薄の木製プレートで構成される「ダブルトップ」や、カーボンファイバーで強化された格子パターンのブレーシングなどの新しい構造コンセプトを導入している人もいます。背面と側面は、マホガニー、メープル、ヒノキ、インディアンローズウッド、高く評価されているブラジリアン ローズウッド ( Dalbergia nigra )など、さまざまな木材で作られています。それぞれが美的効果と構造的強度のために選択され、そのような選択は楽器の音色を決定する役割も果たします。これらも内部の補強材で強化され、象嵌や縁飾りで装飾されています。 アントニオ・デ・トーレス・フラードは、ギターの音を出すのは背面や側面ではなく、上部であることを証明し、1862年に背面と側面を張り子で作ったギターを製作しました。(このギターはバルセロナの音楽博物館に所蔵されており、2000年までにバルセロナのヤグエ兄弟によって演奏可能な状態に修復されました)。クラシックギターのボディは共鳴室になっており、ボディの振動がサウンドホールを通して放出されるため、増幅せずにアコースティックギターの音が聞こえます。サウンドホールは通常、ギターの上部(弦の下)にある丸い穴が1つですが、穴の位置、形、数が異なる場合があります。楽器がどれだけの空気を動かせるかによって、最大音量が決まります。

クラシックギターのボディのトップ、バック、サイドは非常に薄いため、カーフィングと呼ばれる柔軟な木片（リムの形状に合わせて曲がるように刻み目や切り込みが付けられることが多いため）が、リムがトップとバックと接するコーナーに接着されます。この内部補強により、コーナージョイントに 5 ～ 20 mm の接着領域が確保されます。

最終的な製作では、外側の角の小さな部分が彫り出され、外側の角にバインディング材が詰められ、バインディングの隣にはパーフリングと呼ばれる装飾的な材料の細片が詰められます。このバインディングは、トップとバックの木口を密閉する役割を果たします。バインディングとパーフリングの材料は、通常、木材または高品質のプラスチック材料で作られています。

クラシックギターのブリッジの主な目的は、弦の振動を響板に伝え、ギター内部の空気を振動させて、弦から発せられる音を増幅することです。ブリッジは弦をボディに固定します。また、サドルの位置によって、ナット (指板の上部) までの距離が決まります。サドルは通常、弦をブリッジから支える骨またはプラスチックのストリップです。

現代のフルサイズのクラシックギターのスケール長^[53]は約650 mm（25.6インチ）で、楽器の全長は965〜1,016 mm（38.0〜40.0インチ）です。スケール長は、楽器の考案者であるアントニオ・デ・トーレスによって選択されて以来、かなり一貫しています。この長さは、バイオリンの弦の長さの2倍であるため選択された可能性があります。ギターはバイオリンの1オクターブ下に調律されているため、両方の楽器の第1弦に同じサイズのガットを使用できます。

小型の楽器は、子供が楽器を習得するのを助けるために製造されています。小型のギターのスケールサイズは、通常 484～578 mm (19.1～22.8 インチ) の範囲で、楽器の長さは 785～915 mm (30.9～36.0 インチ) です。フルサイズの楽器は 4/4 と呼ばれることもありますが、小型の楽器には 3/4、1/2、1/4 があり、非常に小さな子供向けの 1/8 という小さいサイズもあります。ただし、分数ギターの寸法は標準化されておらず、フルサイズのギターとのサイズ差は直線的ではありません。

さまざまなチューニングが使用されています。最も一般的な「標準チューニング」は次のとおりです。

• え^イ– イ – ト – ニ – ア – エ

上記の順序は、1 弦(最高音弦 e'、空間的には演奏位置の一番下の弦) から6 弦(最低音弦 E、空間的には演奏位置の一番上の弦、したがって親指で弾くのが快適な弦) までのチューニングです。

この「非対称」調律（ビオラ・ダ・ガンバの調律のように、長 3 度が 2 本の中央の弦の間にないという意味）の説明は、おそらくギターが 4 弦楽器（実際には 4 列の弦を持つ楽器、上記参照）として始まり、長 3 度が 2 弦と 3 弦の間にあり、徐々に 5 弦が追加され、その後 4 度離れて調律された 6 弦が追加されて 6 弦楽器になったためだと考えられます。

「現代のチューニングの発展は段階的にたどることができます。16 世紀のチューニングの 1 つに CFAD があります。これは、現代のギターの上の 4 本の弦を 1 音低くチューニングしたものに相当します。ただし、これらの音の絶対音感は、現代の「コンサート ピッチ」に相当しません。4 コース ギターのチューニングは 1 音高くされ、16 世紀末には、5 コースの楽器が使用され、下弦が A にチューニングされました。これにより、当時のさまざまなチューニングの 1 つである ADGBE が生まれました。低音 E 弦は 18 世紀に追加されました。」^[54]

このチューニングでは、隣り合う弦の間隔は最大で 5 半音です。また、一般的に使用されるさまざまな代替チューニングがあります。最も一般的なのはドロップ D チューニングで、6 番目の弦を E から D に下げます。

• ギターとその音楽（ルネッサンスから古典時代まで）（ 2007年）ジェームズ・タイラー、ポール・スパークス著。ISBN 0-19-921477-8 
• ケンブリッジ演奏実践研究（第6号）：リュート、ギター、ビウエラによる演奏（ 2005年）、ビクター・アナンド・コエーリョ編。ISBN 0-521-45528-6 
• ギター：ルネッサンスから現代まで、ハーヴェイ・ターンブル著、ボールド・ストラマー社、1991年出版。ISBN 0-933224-57-5 
• ギター;シニエ・デ・リッダー著。エディツィオーニ・イル・サラブエ発行。ISBN 88-87618-09-7 
• La Chitarra、Quattro secoli di Capolavori (ギター: 4 世紀の傑作)ジョヴァンニ・アコルネロ、イヴァン・エピココ、エラルド・グエルチ著。エディツィオーニ・イル・サラブエ発行
• Rosa Sonora – Esposizione di chitarre XVII – XX secolo by Giovanni Accornero;エディツィオーニ・イル・サラブエ発行
• リラギター。エトワール・シャルマント、18世紀から19世紀、エレオノーラ・ヴルピアーニ作
• サマーフィールド、モーリス、「クラシックギター：1800年以降の進化、演奏者、人物 - 第5版」、ブレイドン：アシュリーマーク出版社、2002年。
• その他、『クラシックギターマガジン』、ブレイドン：アシュリーマーク出版社、1982 年に創刊された月刊誌。
• ウェイド、グラハム、『クラシックギターの伝統』、ロンドン：カルダー、1980年。
• Antoni Pizà: Francesc Guerau i el seu temps (パルマ デ マヨルカ: Govern de les Illes Balears、Conselleria d'Educació i Cultura、Direcció General de Cultura、Institut d'Estudis Baleàrics、2000) ISBN 84-89868-50-6 

• テーマエッセイ: ギター ジェイソン・カー・ドブニー、ウェンディ・パワーズ (メトロポリタン美術館)
• クラシックギターとフィンガースタイルギター
• クラシックギター ライブラリ 多様な教育および研究のニーズを満たすのに役立つ、ギター楽譜の活気あるライブラリです。