日本劇場

日本の伝統演劇は、世界でも最も古い演劇の伝統の一つです。伝統演劇には、精神的なドラマである能とその喜劇である狂言、舞踊と音楽の演劇である歌舞伎、人形劇である文楽、そして台詞劇で ある寄席などがあります。

日本の現代演劇には、新劇（実験的な西洋演劇）、新派（新しい学校演劇）、小劇場（小さな劇場）が含まれます。さらに、西洋の古典劇や、人気のテレビ番組や映画のミュージカル化も数多く日本で制作されています。

能と狂言は、世界でも最古の伝統演劇の一つです。現存する最古の狂言の台本は 15 世紀のものです。能は精神的な劇であり、仏教と神道の象徴を組み合わせ、神話的な意味を持つ物語に焦点を当てていました。その喜劇的なパートナーである狂言は、演劇的な茶番劇やドタバタ劇を使用して、能の神学的なテーマと日常生活をつなぐ役割を果たしました。能は一般的にエリート貴族階級のために上演されましたが、一般の観客向けに能が上演されることもありました。能と狂言は 9 つのシリーズで一緒に上演され、2 つのスタイルが交互に行われ、長い能の合間には短い狂言が挿入されました。

1430 年までは男女ともに狂言を^{演じることが許されていた。 [要出典]}

歌舞伎は音楽、演劇、舞踊を組み合わせたもので、時代劇に忠実な衣装や激しい振り付けがよく使われます。歌舞伎の演目の種類には、時代物（歴史劇）や世話物（「現代」劇）のほか、主に決まった舞踊作品を中心とした所作事（「舞踊劇」 ）があります。歌舞伎の演目のスタイルには、荒事（「荒々しいスタイル」）、和事（「柔らかいスタイル」）、女事（「女性のスタイル」）などがあります。

歌舞伎は、主に上流階級に限定された娯楽である能楽の堅苦しい伝統に反発して発展しました。伝統的に、 1603 年に京都の鴨川の干上がった川岸で出雲阿国が最初の歌舞伎を演じたと考えられています。しかし、能楽と同様に、歌舞伎は時とともに舞台芸術へと大きく発展し、数世紀前に使用されたのと同じ衣装デザインを使用するなど、特定の演劇の完全性を維持することに重点が置かれました。

文楽は16世紀に始まりました。人形と文楽は、能楽の頃から日本の演劇で使われていました。中世の記録には、能楽でも人形が使われていたことが証明されています。人形は高さ3～4フィート（0.91～1.22メートル）あり、人形遣いが観客の目の前で人形を操りました。人形の手足を操作する人形遣いは全身黒ずくめですが、対照的に頭の人形遣いは色とりどりの衣装を着ています。音楽と謡は文楽の一般的な慣習であり、三味線奏者が通常、演出のリーダーと見なされています。三味線奏者は最も髪が短いです。

寄席は江戸時代に人気のあった話し言葉の演劇です。この言葉は人寄せ席（おおよそ「人々が一緒に座る場所」）の短縮形です。江戸時代末期には、1つの地区（町）1つの劇場、合計数百の劇場がありました。入場料「木戸銭」は少額でした。

いくつかのバリエーションが存在しました:

• 『講談』​​​
• 『人情噺、にんじょうばなし』​​
• 「落語、落語」​
• 「マジックアーツ」（手品、手品）
• 『影絵劇場』（写し絵、Utsushi -e）
• 「数人の真似」
• 『怪談』​​​
• 「芸屋噺」

20 世紀初頭の日本の近代演劇は、歌舞伎や能の様式化された慣習とは対照的に、自然な演技と現代的なテーマを採用した新劇(実験的な西洋風演劇) で構成されていました。島村抱月と小山内薫は、新劇の発展に影響を与えた 2 人の人物です。

戦後、斬新な美的概念を導入した独創的な新しい劇作品が驚異的な成長を遂げ、正統派の近代演劇に革命を起こした。西洋由来の新劇の「悲劇的な歴史の進展」に焦点を当てた現実的で心理的なドラマに挑戦し、若い劇作家たちは従来の舞台空間などの受け入れられた教義を打ち破り、東京中のテント、路上、広場で劇を上演した。劇中劇のシーケンス、時間の急速な前後移動、現実と空想の混在など、プロットはますます複雑になった。劇構造は断片化され、パフォーマーに焦点が当てられ、パフォーマーはさまざまな仮面を使用してさまざまなペルソナを反映することが多かった。

劇作家たちは、能や歌舞伎で完成された一般的な舞台装置に立ち戻り、国際的な観客のために英語も話せるナレーターを雇うなどして、自分たちのアイデアを投影した。1980年代の主要な劇作家は唐十郎、清水邦夫、別役実で、いずれも特定の劇団と密接な関係があった。対照的に、広島の原爆投下を題材にした数々の作品で世界中で賞を受賞した、非常に独立心の強い村井志麻子は、1人か2人の女優だけで劇を上演した。1980年代、日本の舞台芸術は、戦後の初期の実験よりも洗練され、より複雑になったが、大胆な批評精神は欠如していた。この時期には、岸田理生、如月小春、永井愛、渡辺江里子などの女性が独自の劇団を運営し始めた。^{[1] [2]}

鈴木忠志は、前衛的な概念と能や歌舞伎の古典技法を融合させた独自の役者養成法を考案し、この手法は1980年代の日本と世界の演劇界で大きな創造力となった。もう一つの非常に独創的な東西の融合は、ドストエフスキーの 『白痴』を翻案した素晴らしい作品『ナスターシャ』で、有名な歌舞伎の女形である坂東玉三郎が王子と婚約者の両方の役を演じた。

新派は現代的な演劇形式である。より現代的で現実的な物語のため、「旧派」 （「旧派」または歌舞伎）と対比して「新派」 ^{（文字通り「新しい学校」を意味する）という名前が付けられた。 [3]}しかし、成美団の成功により、新派演劇は女形と舞台裏の音楽を継続的に使用したため、後の新劇よりも歌舞伎に近い形式になった^[3]泉鏡花、尾崎紅葉、徳富蘆花などの小説家の作品が舞台化された1900年代初頭に最も成功した。^[3]日本に映画が導入されると、多くの映画が新派の演劇に基づいていたため、新派は再び旧派映画に対抗する最初の映画ジャンルの1つとなった。^[4]

1980 年代には、文字通り「小さな劇場」を意味する「小劇場」の創設も促進されました。これは通常、アマチュア劇団が、誰でも見られるように設計された演劇を制作することを意味しており、必ずしも本質的に意味があるわけではなく、単に娯楽的でした。当時のより哲学的な劇作家や演出家としては、野田秀樹や鴻上尚史がいます。

人気のある小劇場には、ナイロン 100、劇団☆新感線、東京サンシャイン ボーイズ、ハラホロ シャングリラなどがあります。

近年、「失われた10年の世代」や「2000年代の世代」と呼ばれる新しい世代の小劇場アーティストが登場している。この世代の主なアーティストとしては、岡田利規、前田司郎、タニノクロウ、三浦大輔、前川知大などがあげられる。^{[5] [6]}

東京では、古代ギリシャ演劇、ウィリアム・シェイクスピア、フョードル・ドストエフスキーからサミュエル・ベケットまで、西洋古典の多くの作品が今日上演されています。毎年、おそらく 3,000 回にも及ぶ多数の公演が行われており、東京は世界有数の演劇の中心地の 1 つとなっています。

グローブ座のレプリカのオープンを記念して、イギリスの一座が招聘され、シェイクスピアの史劇をすべて上演した一方、東京の他の劇場では、ハムレットやリア王のさまざまな新しい解釈を含むシェイクスピア劇が上演された。東京の新大久保にあるグローブ座は現在、主にジャニーズ事務所の所有となり、俳優の分野で アイドルのプロモーションを行っている。

蜷川幸雄は、国際的に知られる日本の演出家であり劇作家で、しばしばシェイクスピアの要素からインスピレーションを得ています。1995年に、彼は「シェイクスピア天保12年」を上演しました。これは、大人気のイギリス演劇「シェイクスピア・コンデンス」を解釈したもので、シェイクスピアの全戯曲を2時間で上演するものです。夏木マリや唐沢寿明などの有名俳優が参加しました。

伝統的な演劇の他に、演劇レビューは1900年代初頭に日本で大衆娯楽として認識され始めました。西洋で生まれた演劇レビューが提供する軽い演劇娯楽は、 1914年に小林一三によって宝塚の廃業したプールを劇場に改造して設立された宝塚歌劇団など、有名な日本のレビュー団体の創設に影響を与えました。 ^{[7] [8]}

西洋文化とヨーロッパ文化の台頭が日本の社会、政治、経済文化に影響を与え、日本のエンターテインメント文化もその影響を受けた。宝塚歌劇団の大衆エンターテインメントのレパートリーには、欧米のパフォーマンスと音楽スタイルに加えて、伝統的な日本のパフォーマンス要素が含まれていた。これには、西洋とヨーロッパの物語（ベルサイユのばらなど）、西洋の音楽アレンジ（シカゴなど）、そして伝統的な日本の物語と音楽の取り入れが含まれていた。^[8]

2.5Dミュージカルは、アニメ、マンガ、ビデオゲームシリーズを舞台化した作品です。アニメやマンガの舞台化は1970年代から行われていましたが、2000年代頃にミュージカル『テニスの王子様』を通じて人気を博しました。現代の2.5Dミュージカルでは、背景や特殊効果にプロジェクションマッピングが使用されています。

注目すべき最近の作品には、『HUNTER×HUNTER』、『美少女戦士セーラームーン』、『デスノート ザ・ミュージカル』 、 『四月は君の嘘』などがあります。

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