B級映画（ハリウッド黄金時代）

B級映画は、その起源が無声映画の時代に遡り、1930年代から1940年代のハリウッド黄金時代に大きく貢献した。1920年代後半にハリウッドのスタジオがトーキー映画に移行すると、多くの独立系映画館が新しいプログラム形式である二本立て映画を採用し始めた。二本立て映画の人気により、プログラムの後半を占める比較的短く安価な映画の製作が必要になった。二本立て映画は、黄金時代を通じてアメリカの映画館で主流の上映モデルであり、B級映画はその時期のハリウッド製作の大半を占めていた。

B級映画（またはB級映画、B級ピクチャー）という用語が1930年代以前に一般的に使用されていたかどうかは明らかではないが、スタジオ制作に関しては、同様の概念がすでに確立されていた。1916年、ユニバーサルは、制作費に基づいて異なる長編映画ブランドを確立した最初のハリウッドスタジオとなった。小規模な「プレステージ」作品のジュエルライン、中規模のブルーバードリリース、低予算の5リールのレッドフェザーライン（映画の長さの尺度で、50分から1時間の実行時間を示す）である。翌年、レッドフェザーとブルーバードの中間のグレードであるバタフライラインが導入された。この2年間、ユニバーサルの作品の約半分がレッドフェザーとバタフライのカテゴリーであった。^[2]歴史家トーマス・シャッツによると、「これらの低品質の西部劇、メロドラマ、アクション映画は...規律ある制作とマーケティングのプロセスを経た」のに対し、ジュエルはスタジオの方針によってそれほど厳密に管理されていなかった。^[3]低価格帯のブランドはすぐに廃止されましたが、ユニバーサルは低予算で控えめな予算の作品に引き続き注力しました。1919年、裕福なパラマウント映画は、独自の低予算ブランドであるリアルアート・スタジオ（リアルアート・ピクチャーズ社）を設立した。これは「4つの会社と4人のスター」であるベベ・ダニエルズ、マーガレット・クラーク、ワンダ・ホーリー、メアリー・マイルズ・ミンターを抱える小さなスタジオだった。^{[4] [5] [6] [7] [8]} パラマウント映画の リアルアート・スタジオの映画は、スタジオの主要製作ラインの映画よりもレンタル料が安く、興行主にとって魅力的なものだった。^[9]スタジオ1社あたりの予算の幅広さを示すものとして、1921年、ハリウッド映画の平均製作費が約6万ドルだったとき、^[10]ユニバーサルは5リーラーの『ザ・ウェイ・バック』に約3万4千ドル、最高級の『スーパー・ジュエル』である『フーリッシュ・ワイブス』に100万ドル以上を費やした。 ^[11] 『ザ・ウェイ・バック』のような安価な映画の製作により、スタジオはより重要な作品の合間に施設や契約スタッフから最大限の価値を引き出すことができ、また新しい人材を雇用することができた。^[12]

1927年から28年にかけて、無声映画の時代が終わる頃には、ハリウッドの大手映画スタジオによる平均的な長編映画の製作費は、フォックスの19万ドルからMGMの27万5000ドルまで高騰していた。^[10]これらの平均は、100万ドルもかかる「スペシャル」や「スーパースペシャル」、5万ドル程度で急いで製作された映画を反映している。^[13]大手パラマウントや成長中のワーナー・ブラザーズなどの一部のスタジオは、一括予約やブラインド入札の慣行に依存しており、「独立系（「無所属」）の映画館の所有者は、スタジオの映画を大量に見ずに購入せざるを得なかった。これらのスタジオは、二流の作品をA級の長編映画やスターの出演作と一緒に分配することができ、製作と配給の両方の運営がより経済的になった」。^[14]コロンビア映画やフィルム・ブッキング・オフィス・オブ・アメリカ（FBO）など、業界のマイナーリーグのスタジオは低予算の作品に特化しており、比較的上映時間が短い彼らの映画のほとんどは、レンタル費や運営費を節約しなければならない劇場、特に小さな町や大都市のいわゆる「ネイバーフッド」と呼ばれる劇場をターゲットにしていた。ハリウッドのいわゆる「ポバティ・ロウ」に典型的な、より小規模なスタジオでさえ、制作費が3,000ドルほどの映画を制作し、大手が空けた空き枠で獲得できる予約で利益を上げようとしていた。^[15]

1929年にアメリカの映画館にトーキー映画が広く普及すると、多くの独立系映画館は、 1本の長編映画の前にライブパフォーマンスや多種多様な短編映画を上映するという、当時主流だった上映モデルをやめ始めた。 ^[16]新しいプログラミング方式が開発され、すぐに標準的な方法となった。ニュース映画、短編および/または連続映画、漫画、そして2本立て映画である。実際にはメインイベントの前に上映される2本目の長編映画の1分あたりの上映料金は、短編映画の同等の上映時間よりも安く済んだ。大手映画館の包括的な上映予約ポリシーは、後にランゾーンクリアランスシステムとして知られるようになり、意図せずして独立系映画館が2本立て形式を採用する方向に進んだ。歴史家トーマス・シャッツの説明によると、このシステムは「利益の大きい初回上映劇場で上映された後、16,000 の「その後上映」映画館に映画を送りました。「クリアランス」とは上映間の時間の長さを指し、「ゾーン」とは映画が上映される特定のエリアを指します。

通常、トップクラスの映画は、2回目の上映では都心の小さな劇場（多くは大手系列）で上映され、その後、都市部から郊外、さらに小さな都市や町、そして最後に田舎のコミュニティへと徐々に移動し、ますます小規模な（そして収益性の低い）劇場で上映され、上映が完了するまでに6か月以上かかります。」^[17]「クリアランス」ポリシーにより、独立系映画館は当然のことながら最高品質の映画をタイムリーに入手することができず、2番目の映画で代わりに量の宣伝を行うことができました。^[18]下位の映画はプログラムに「バランス」をもたらしました。異なる種類の映画を組み合わせるという慣行は、プログラムに具体的に何が含まれていても、何か興味深いものが期待できることを潜在的な顧客に示唆しました。あるポバティ・ロウ・カンパニーの社長が後に述べたように、「誰もがケーキを食べるのが好きなわけではありません。パンが好きな人もいれば、焼きたてのパンよりも古くなったパンが好きな人もいる」^[19] 1920年代の低予算映画は、1930年代と1940年代の2番目の長編映画、B級映画、ハリウッド黄金時代の最も信頼できるパンへと自然に変化しました。

ハリウッドのスタジオ システムの基盤となった大手企業は、B 級映画の流行に抵抗していたが、すぐに適応した。最終的に、すべての企業が拡大する 2 本目の映画市場に映画を提供する「B ユニット」を設立した。ブロック ブッキングは次第に標準的な慣行となった。スタジオの魅力的な A 級映画にアクセスするために、多くの映画館は、その会社の全作品を 1 シーズン借りることを余儀なくされた。B 級映画は定額で借りられるため (A 級映画の興行収入の割合ではなく)、B 級映画の収益性を基本的に保証する料金を設定できた。ブロック ブッキングと並行して成長したブラインド ビディングにより、大手は B 級映画の品質についてあまり心配する必要がなくなった。シーズン未満のブロックで予約する場合でも、興行主はほとんどの映画を実際に見ずに購入しなければならなかった。 5大スタジオであるMGM、パラマウント、フォックス映画社（1935年時点では20世紀フォックス）、ワーナー・ブラザース、RKOラジオ・ピクチャーズ（フィルム・ブッキング・オフィス・オブ・アメリカの前身）は、大規模な映画館チェーンも所有する企業であるというさらなる利点があり、収益をさらに確保していた。

ポバティ・ロウのスタジオは、マスコット・ピクチャーズ、ティファニー・スタジオ、ソノ・アート・ワールドワイド・ピクチャーズのような小規模なものから、ごく小規模なものまで、B級映画、連続映画、その他の短編映画のみを製作していた。また、完全に独立系の作品や輸入映画も配給していた。これらのスタジオは、直接ブロックブックを作成する立場にはなく、代わりに、主に「州権利」配給会社に地域配給の独占権を販売し、配給会社は、通常、同じスターが出演する6本以上の映画をブロックにして、興行会社に売り込んでいた（ポバティ・ロウでは相対的な地位）。^[20]中間の2つのスタジオ、つまり「メジャー・マイナー」のユニバーサルとコロンビアは、ランクを上げつつあったが、上位のポバティ・ロウの会社とほぼ同じような製作ラインを持っていた。ただし、一般的には資金がやや豊富で、毎年、高級な作品もいくつか製作していた。劇場はほとんどなかったが、メジャーリーグレベルの配給取引所を持っていた。^[21]

黄金時代の標準となるモデルでは、業界の最高製品であるA級映画は、人口10万人以上の米国の都市にある、厳選された少数の豪華な初公開映画館で初公開される。こうしたダウンタウンの映画館は500館未満で、1934年にはそのうちの77%が「ビッグファイブ」と呼ばれる大手スタジオのいずれかの傘下にあった。^[22]初公開の巡回上映は、これらの映画館と、北米の400の主要自治体をカバーする約900館で構成されていた。二本立ての映画は、時々採用されていたが、こうした一流の上映会場ではほとんど行われていなかった。歴史家エドワード・ジェイ・エプスタインは、「初公開の期間、映画は批評され、宣伝効果を上げ、口コミが広まり、それが主な宣伝手段となった」と述べている。^[23]映画の初公開後、それは二本立て上映が主流だった後続の上映市場である、地方や内陸部へと送られた。^[24]大手が支配する大きな地方の映画館では、映画は週単位で入れ替わることもある。独立系チェーンに属していたり​​、個人経営だったりする何千もの小さな映画館では、プログラムが週に2、3回、時にはもっと早く入れ替わる。B級の新作に対する絶え間ない需要に応えるため、ポバティー・ロウの低予算映画は、60分を超えることはほとんどない低予算映画を次々と製作した。これらは、タイトな制作スケジュールから「クイック」と呼ばれていた。1週間の撮影が平均で、4日間という日も珍しくなかった。^[25]歴史家のブライアン・テイブスが説明するように、「大都市の「グラインド・ハウス」のような最も貧しい映画館の多くは、特定のスケジュールなしにアクションを強調した連続プログラムを上映し、時には5セントで6本のクイックを毎日変更するオールナイトショーで提供していた。」^[26]多くの小劇場は大手スタジオのA級映画を上映したことがなく、ほとんどポバティ・ロウの作品しか扱わない州の権利関係から映画を入手していた。何百万人ものアメリカ人が当然のように地元の劇場に通っていた。A級映画とその公開を予告する予告編やスクリーンプレビューのため、「看板に掲げられた新作映画のタイトルと地元新聞の上映作品リストが、ほとんどの映画の宣伝のすべてだった」^[27] 。劇場以外では、B級映画はまったく宣伝されないこともあった。

サウンドの導入により、コストは上昇した。黄金時代の最初の10年間の始まりである1930年、米国の長編映画の平均製作費は37万5000ドルだった。^[28]ハリウッドの幅広い映画がB級映画のカテゴリーを占めていた。大手スタジオは、明確にA級とB級に分かれる映画だけでなく、「プログラマー」（「中間の」または「中間の」とも呼ばれる）に分類される映画も製作した。これらは、テイブスの説明によれば、「AB級の境界をまたぐ」映画だった。二本立ての時代には、「劇場の名声と二本立ての他の素材に応じて、プログラマーは看板の一番上または一番下に登場することがあった」。^[29]ポバティ・ロウでは、多くのB級映画が、大手のA級映画の小口現金をかろうじてまかなう予算で製作され、業界最低のコストは5000ドルほどだった。^[25] 1930年代半ばまでに、二本立て映画は全国で主流の上映モデルとなり、大手映画会社もそれに応えた。1935年、ワーナー・ブラザーズにおけるB級映画の製作は、スタジオの総製作量の12%から50%に引き上げられた。この部門を率いたのは、「B級映画の番人」として知られるブライアン・フォイだった。^[30]フォックスでも製作ラインの半分をB級映画にシフトし、ソル・M・ワーツェルは1930年代後半に同様に年間20本以上の映画を担当した。MGMの親会社であるロウズは、1935年に、その後上映するすべての劇場で二本立て映画を上映すると発表した。スタジオにはルシアン・ハバードの指揮下で低コストの製作部門が設立されたが、「メトロではB級映画という言葉は厳重にタブーとされていた」。 ^[31]主にB級映画市場を扱っていたコロンビアは、年間製作本数を30本から40本以上に拡大した。^[32]

ポバティー・ロウの大手映画会社の多くは統合を進めていた。1930年代初めには、ソノアート・ワールドワイド・ピクチャーズがレイアート・ピクチャーズと合併してモノグラム・ピクチャーズを設立した。1935年には、モノグラム・ピクチャーズ、マスコット・ピクチャーズ、リバティー・ピクチャーズ、マジェスティック・ピクチャーズ、チェスターフィールド・ピクチャーズ、インヴィンシブル・ピクチャーズが合併してリパブリック・ピクチャーズとなった。1年余りでモノグラムの社長らが退き、会社を復活させた。1950年代に入ると、リパブリックとモノグラムは、大手映画の最低ラインとほぼ同等の作品を発表する傾向があった。それほど堅固ではないポバティー・ロウの映画会社は、コンクエスト、エンパイア、インペリアル、シュプリーム・ピクチャーズ、ピアレスといった大げさな愛称を好んでおり、非常に安価な即席映画を量産し続けた。^[33]大手映画会社がB級映画の製作を増やし、リパブリックとモノグラムがポバティー・ロウを独占し始めると、1937年までにこれらの小規模映画会社の多くが倒産した。^[34]

ジョエル・フィンラーは、1938年にハリウッドの各スタジオが公開した長編映画の平均長さを分析し、各スタジオがB級映画の制作にどれほど力を入れていたかを示している。^[35]

ブライアン・テイブスは、1930年代に8つの大手映画会社が製作した映画の半分はB級映画だったと推定している。多くのポバティ・ロウ映画会社が毎年製作した約300本の映画で計算すると、その10年間のハリウッド映画の約75％、4000本以上がB級に分類される。^[38]連続映画という高度に標準化された領域以外では、スタジオの幹部はB級映画製作ラインに発展の機会を見出していた。1937年、RKOの製作責任者サム・ブリスキンは、自社のB級映画を「新しい名前の実験場、ストーリーと演出の実験場」と表現した。^[39]

西部劇は、1930年代、そしてやや劣るものの1940年代には圧倒的に主流のB級ジャンルだった。黄金時代のほとんどの期間、あらゆる種類の西部劇はハリウッドの全長編映画の25～30パーセントを占めていた。^[40]映画史家のジョン・タスカは、「1930年代のB級作品、つまり[トム]ミックス、[ケン]メイナード、[バック]ジョーンズのユニバーサル映画、バック・ジョーンズとティム・マッコイのコロンビア映画、RKOのジョージ・オブライエン・シリーズ、ジョン・ウェインとスリー・メスキーターズのリパブリック西部劇は、よくできたストーリーのアメリカ独自の完成度を達成した」と主張している。^[41]業界の末端では、ポバティ・ロウのエイジャックスが、当時50代のハリー・ケアリー主演の映画を製作した。ワイス製作の映画会社には、レンジ・ライダー・シリーズ、アメリカン・ラフ・ライダー・シリーズ、モートン・オブ・ザ・マウントといった「北西部アクション・スリラー」があり、その中ではダイナマイト・ザ・ワンダー・ホースやキャプテン・ザ・キング・オブ・ドッグスが主役を務めた。[ ^{42]当時の低予算西部劇で注目すべき作品の1つは、スタジオシステムの外で製作されたもので、奇妙なコンセプトで利益を上げた。出演者全員が小人である西部劇で、1938年の}『小さな町の恐怖』は独立系興行で大成功を収め、コロンビアが配給を引き受けた。^[43]

トーキー映画の最初の10年間は​​、さまざまなジャンルの連続映画が特に人気を博した。フォックスという大手スタジオだけで、ソル・ワーツェルが制作したB級シリーズには「チャーリー・チャン、ミスター・モト、シャーロック・ホームズ、マイケル・シェイン、シスコ・キッド、ジョージ・オブライエンの西部劇（RKOに移籍する前）、ガンビーニのスポーツ映画、ロービング・レポーターズ、カメラ・デアデビルズ、ビッグ・タウン・ガールズ、女性のためのホテル、ジョーンズ・ファミリー、ジェーン・ウィザーズの子供向け映画、ジーヴス、リッツ・ブラザーズ」があった。^[44]これらの長編連続映画は、同じプログラムで時々放映される、クリフハンガー構造の短い連続映画と混同してはならない。しかし、連続映画と同様に、多くのシリーズは特に若者の興味を引くことを意図していた。パートタイムで2本立てで上映する劇場の中には、昼間に「バランスのとれた」または完全に若者向けの2本立てを上映し、夜にはより成熟した観客向けの1本の映画を上映することもあった。当時のギャラップ社の業界レポートによれば、午後の映画ファンは「主に主婦と子供で構成されており、お金に見合った量を求めているが、夕方の観客は『何か良いもの、でも量が多すぎないもの』を求めている」とのことである。^[45]

連続ドラマ映画はしばしば疑いなくB級映画のカテゴリーに分類されるが、学者のジェームズ・ネアモアが説明するように、ここでも曖昧さが残る。

最も利益の大きいB級映画は、日刊紙の漫画のような役割を果たし、ロイ・ロジャース（リパブリック）、ボストン・ブラッキー（コロンビア）、バワリー・ボーイズ（ワーナー・ブラザース／ユニバーサル）、ブロンディとダグウッド（コロンビア）、チャーリー・チャン（フォックス／モノグラム）などの冒険の続きを描いていた。MGM（1931年から1941年まで業界をリードしていた）のような大手スタジオでさえ、こうした連続映画製作を専門とするいわゆるB部門を備えていた。しかし、MGMでは、アンディ・ハーディ、ドクター・キルデア （原文ママ）、薄汚い男などの映画は、大スターを起用し、一部の組織がA予算とみなす予算で製作された。^[46]

もちろん、いくつかのシリーズでは、大手スタジオのB予算でさえ手の届かないものだった。ワイスが支援するポバティー・ロウのコンソリデーテッド・ピクチャーズは、警察犬ターザンをフィーチャーしたシリーズを『メロドラマティック・ドッグ・フィーチャーズ』という誇らしい名前で制作した。^[47]

低所得層の独立系作品の中には、もっと野心的な作品もあった。ヴィクター・ハルペリン監督、ベラ・ルゴシ主演の『ホワイト・ゾンビ』 （1932年）は、当時はあまり評判が良くなかったが、今ではゾンビ映画の典型とみなされている。 ^{[48]コロンビアや小規模な}エデュケーショナル・ピクチャーズとの契約を失った後、ユナイテッド・アーティスツが配給を引き受けた。^[49]低品質の映画が群れから外れることもあった。ユニバーサルの77分間の犯罪メロドラマ『リオ』（1939年）を評して、ニューヨーク・タイムズは「ジョン・ブラーム監督がB級映画に与えた影響は、近年の映画史上最も奇妙な音響効果の一つを生み出している。それは紛れもないBがAのようにブンブン鳴っているようなものだ」と評した。^[50]

1940年までに、アメリカの長編映画の平均製作費は40万ドルで、10年間でわずかな増加だった。^[28]野心的なグランド・ナショナルを含む多くの小規模ハリウッド会社が1940年代の変わり目に倒産したが、プロデューサーズ・リリーシング・コーポレーション（PRC）という新しい会社が、リパブリックとモノグラムに次ぐポバティー・ロウのヒエラルキーで3番目に登場した。二本立て映画は決して普遍的ではなかったが、依然として一般的な上映モデルであり、1941年には劇場の50パーセントが独占的に二本立て上映を行い、追加の作品はパートタイムでこの方針に基づいて上映されていた。^[51] 1940年代初頭、法的圧力により、スタジオは季節ごとのブロックブッキングを、一般的に5本に制限されたパッケージに変更せざるを得なくなった（MGMはしばらくの間12本のブロックで続けた）。大手映画会社がブラインド入札を実施する能力にも制限が課された。^[52]これらはビッグファイブのほとんどがA級映画製作へと徐々に移行していく上での重要な要因であり、小規模スタジオがB級映画の供給者としてさらに重要なものとなった。例えば1944年にはMGM、パラマウント、フォックス、ワーナーが合計95本の長編映画を公開したが、そのうち14本は20万ドル以下のB級予算、11本は20万ドルから50万ドルの予算で、この範囲には低予算のプログラマー映画や純粋なB級映画も含まれていた。そして70本は50万ドル以上のA級予算だった。^[53] 1946年後半、合併したばかりのユニバーサル・インターナショナルの幹部は、ユニバーサル・インターナショナルの長編映画は70分未満では上映しないと発表し、B級映画は製作中であってもすべて中止されることとなった。^[54]スタジオは70分未満の映画をさらに3本公開した。1947年にはシネカラーの西部劇2本、『ミシガン・キッド』と『自警団の帰還』、 1949年には説明不要の『北極の追跡^{』である。[55]}フォックスは1946年にB級映画を段階的に廃止し、ワーナーがB級映画の製作を中止した5年前にワーナーから移籍してきた低予算部門のチーフ、ブライアン・フォイ（「蜂の番人」）を解雇した。B級映画の需要については、スタジオはフリーランスのソル・ワーツェルのような独立系プロデューサーに目を向けた。^[56]

非常に低コストで製作されたジャンル映画は、ポバティー・ロウの主力であり、リパブリックやモノグラムでさえ、製作費が20万ドルを超えることはめったになかった。ナレモアによると、1945年から1950年の間、「リパブリック・ピクチャーズのB級西部劇の平均製作費は約5万ドルだった」。^{[57]既存のスタジオの中では、モノグラムが「}エクスプロイテーション映画」と呼ばれる映画で新たな領域を開拓していた。バラエティ誌はこれを「宣伝や広告に活用できる、タイムリーな、または現在議論を呼んでいる題材の映画」と定義した。^[58]ポバティー・ロウの多くの小規模な会社は、単に資金が足りなかったために倒産した。8つの大手映画会社は、独自の配給取引所を持ち、「国内（米国とカナダ）のレンタル収入の約95％を占めていた」。^[17]戦時中のフィルム不足も、もう1つの要因だった。^[59]

ナレモアは、歴史家リー・ジェイコブズの著作を参照しながら、A級映画とB級映画の境界線が「あいまいで、決して金銭だけに依存するものではなかった」と述べている。 ^{[60] B級予算で製作された映画がA級映画として売り出されたり、}隠れたヒット作として登場したりすることもあった。1943年の最大のヒット作の1つは『ヒトラーの子供たち』で、RKOが20万ドル強で製作した82分のスリラー映画だった。この映画はレンタルで300万ドル以上を稼ぎ、これは興行収入のうち配給会社の取り分を意味する業界用語である。^[61]暴力映画『ディリンジャー』（1945年）は、製作費3万5000ドルと伝えられるほどで、モノグラムに初めて100万ドル以上の収益をもたらした。^{[62] A級映画、特に}フィルム・ノワールの分野では、一般的に安価な映画に関連付けられる視覚的スタイルを反映することがあった。1941年11月から1943年11月まで、ドーレ・シャリーはMGMで事実上「Bプラス」部門を運営していた。^[63]上映の役割が柔軟なプログラマーは定義上曖昧であり、場合によっては歴史的混乱を招いた。1948年になっても、二本立て上映は人気の上映形態であり、25%の劇場で標準上映方針であり、さらに36%の劇場ではパートタイム上映となっていた。^[64]ポバティ・ロウの大手企業はその範囲を広げ始めた。1947年、モノグラムは比較的高価な映画（主に独立系プロデューサーによる）の開発および配給チャネルとして、子会社のアライド・アーティスツを設立した。同じ頃、リパブリックは「プレミア」という名称で同様の取り組みを開始した。^[65] 1947年、PRCはアメリカ市場への参入を模索していたイギリスの会社イーグル・ライオンに吸収された。ワーナー（およびフォックス）の元B級映画監督、ブライアン・フォイが製作責任者に就任した。^[66]

1940年代、ビッグ5の中では歴史上最も弱かったRKOは、業界最大手の会社の中ではB級映画に注力していることで目立っていました。後年の観点から見ると、大手スタジオの黄金時代のB級ユニットの中で最も有名なのは、 RKOのヴァル・リュートンのホラーユニットです。リュートンは、『キャット・ピープル』（1942年）、『ゾンビと歩いた』（1943年）、『ボディ・スナッチャー』（1945年）など、ムーディーでミステリアスな映画を制作しました。これらの映画は、ジャック・ターナー、ロバート・ワイズ、その他、キャリアの後半になって初めて有名になるか、完全に回想して有名になる人たちが監督しました。現在では最初のフィルム・ノワールの古典として広く評されている、 64分のB級映画『三階の見知らぬ人』（1940年）は、RKOで制作されました。RKOはこの10年間に、同様にスタイリッシュな雰囲気のメロドラマ的なスリラーを数多く公開しました。他の大手スタジオも、1940年代に、現在ではノワールとして認識されている映画を相当数製作した。最もよく知られているフィルム・ノワールの多くは、資金力のある作品だったが（たとえばワーナー・ブラザースのノワールの大半はスタジオのAレベルで製作された）、1940年代の同ジャンルの映画のほとんどは、曖昧なプログラムタイプか、予算の一番下に直行する運命だった。その後数十年経ち、当時は一般に無視されていたこれらの安っぽい娯楽作品は、ハリウッド黄金時代の最も貴重な作品の1つとして、愛好家の間では人気を博している。^[68]

1947年の一例を挙げると、RKOは製作部長ドーレ・シャリーの下、平均製作費100万ドルでA級長編映画を15本、平均製作費21万5千ドルでB級映画を20本撮影した。^[69]数本のノワール・プログラムとフルフライトA級映画に加えて、スタジオはアンソニー・マン監督の『デスパレート』とフェリックス・E・ファイスト監督の『悪魔のサムズ・ア・ライド』を2本連続で制作した。その年連続のB級ノワール10本は、ポバティー・ロウのビッグ3、リパブリック（『脅迫』と『プリテンダー』）、モノグラム（『フォール・ガイ』、 『ギルティ』、 『ハイ・タイド』、『バイオレンス』）、PRC/イーグル・ライオン（『ベリー・ミー・デッド』 、『ライトハウス』 、『ウィスパリング・シティ』、マンの別の作品である『レイルロード』）からの作品だった。1本は小規模なスクリーン・ギルド（『シュート・トゥ・キル』）からの作品だった。 RKOのほかに、コロンビア（『ブラインド・スポット』と『フレームド』）、パラマウント（『フィアー・イン・ザ・ナイト』）、20世紀フォックス（『バックラッシュ』と『ザ・ブラッシャー・ダブロン』）という3つの大手映画会社も作品を提供した。この18社に製作会社を加えると、約30社になる。それでも、この10年間の大手映画会社の低予算作品のほとんどは、今ではほとんど無視されている種類のものだった。RKOの代表的な作品には、『メキシカン・スピットファイア』と『ラムとアブナー』のコメディシリーズ、『セイントとファルコン』のスリラー、ティム・ホルト主演の西部劇、ジョニー・ワイズミュラー出演のターザン映画などがある。ジーン・ハーショルトは、 1939年から1941年にかけてRKOが公開した6本の独立製作映画でクリスチャン医師を演じた。 『勇敢なるクリスチャン医師』（1940年）はシリーズの定番作品だった。「1時間ほどの上映時間の中で、この聖人のような医師は脊髄膜炎の流行を治し、権利を奪われた人々への慈悲を示し、わがままな若者に模範を示し、恋に落ちた老婆の情熱を鎮めることができた。」^[70]

貧困街では、低予算のため、姑息な映画は少なかった。リパブリックは、安価で低予算の西部劇を多く製作しながら、メジャーリーグの評判を狙っていたが、少年犯罪を 暴露した 『Where Are Your Children?』 (1943)や刑務所映画『Women in Bondage』(1943)のようなモノグラムの「搾取映画」に匹敵するような作品は、大手スタジオからはそれほど出なかった。^[71] 1947年、PRCの『The Devil on Wheels』は、ティーンエイジャー、ホットロッド、そして死を結びつけた。小さなスタジオには独自の映画監督がいた。独自のスタッフと比較的自由な監督のエドガー・G・ウルマーは、「PRCのカプラ」として知られていた。^[72]評論家で歴史家のデイヴィッド・トムソンが「世界中のサブB級映画の迷宮で最も魅力的な才能の1人」と評したウルマーは、ありとあらゆるジャンルの映画を製作した。^[73]彼の『Girls in Chains』は『Women in Bondage』の6か月前の1943年5月に公開されました。その年の終わりまでに、ウルマーはティーンをテーマにしたミュージカル『Jive Junction』と、売春宿を舞台にした南洋の冒険『 Isle of Forgotten Sins』も制作しました。