視覚芸術教育

歴史的に、ヨーロッパではアトリエ方式で美術が教えられていました^{[ 12 ]。}この方式では、芸術家は弟子を取り、弟子は石工や金細工などの職人ギルドとほぼ同じ方法で技術を学びました。自由時間には、美術工房で正式な訓練が行われましたが、多くの場合、家や屋外で一人で行われました。芸術家は、ギルドの規約によって管理された関係である師匠への徒弟制度を通じて、これらのアトリエで技術を学びました。13世紀後半のフィレンツェの契約書には、師匠は弟子に衣服と食事を提供し、弟子は忠実な召使いとなることが求められたと記されています。弟子は教育の初期段階で師匠に報酬を支払うことが多く、徒弟制度が生産的であれば、訓練の後半で報酬が支払われました。北ヨーロッパの工房でも同様の条件が見られました。^{[ 13 ]}

当初、このシステムではデッサンを学ぶことが最優先事項でした。ミケランジェロは、若い画家はまず1年間デッサンだけに専念し、その後6年間は絵具をすりつぶし、パネルを準備し、金箔を使用するように勧め、その間もデッサンの学習を続けるべきだとしました。さらに6年間かけてフレスコ画とテンペラ画を習得する必要がありました。^{[ 14 ]}

歴史的に見ると、デザインは美術よりも優先される傾向があり、 18世紀にはヨーロッパ各地にデザイン学校が設立されました。こうした初期ヨーロッパ美術の技術と価値観は、後の世代、特に初期アメリカの入植者たちに影響を与えました。

文化盗用を行う個人は、かなりの美的価値を持つ作品を生み出す能力を持っている。^{[ 15 ]}装飾や創造過程の模倣など、異なる文化の芸術の特性を使用することで、異なる文化の工芸品に対する理解と評価を深めることができる。この技術は、アフリカやネイティブアメリカンの仮面製作プロジェクトで評価できる。そこでは、学生は技術を模倣し、異なる文化の慣習を尊重する新しい素材の使用法や製作方法を探求する。^{[ 16 ]}

ラテンアメリカの芸術発展の主導国であるこの国は、1875 年に画家のエドゥアルド シャッフィーノ、エドゥアルド シヴォリ、その他の芸術家によって設立された国立芸術刺激協会 (Sociedad Nacional para Estímulo de las Artes) を設立しました。 1905 年に、彼らのギルドは国立美術アカデミー (Academia Nacional de Bellas Artes) として再認定され、その後 1923 年に画家で学者のエルネスト デ ラ カルコバの主導により、国民上級美術学校 (Escuela Superior Nacional de Bellas Artes) の名でブエノスアイレス大学の学部となりました。現在、この国の主要な芸術教育機関はUNA 国立芸術大学です。^{[ 17 ]}

オーストラリアの大学で、美術学部や美術コースを擁する大学は、美術学校に見られるようなスタジオ中心の教育モデルから、理論と実践をより統合した教育モデルへと移行している。西オーストラリア大学は、理論重視の修士課程から、理論重視の美術学士号へと移行した。

^{文脈的要素とメディア要素を統合したスタジオベースの教育イニシアチブは、2007年以来、オーストラリア学習教育評議会（ALTC）の支援を受けた全国スタジオ教育プロジェクト[ 18 ]}の一環として実施されてきました。

エジプト初の近代美術学校は、1908年にカイロ美術大学として開校しました。^{[ 19 ]}これらの初期の美術学校では、主に西洋の美的伝統が教えられていました。そのため、独立後、エジプトと中東の伝統を美術と美術鑑賞のコースに取り入れようとする試みがありました。^{[ 20 ]}しかし、その過程は遅く、カイロ美術大学の学生は1999年まで非ヨーロッパ美術史を専攻することができませんでした。^{[ 20 ]}

最初のアカデミーであるアカデミー・ロワイヤル・デ・絵画・彫刻は1648 年に設立されました。

^{今日では、視覚芸術教育を含む芸術教育は、第2サイクル（6歳）}から学校教育の必須部分となっており、前期中等学校（コレージュ）の卒業まで続きます。

一部の学校では、通常の初等教育や前期中等教育と並行して高度な美術教育を提供する美術専門の授業（classes à horaires aménagés）が設けられています。後期中等学校では、デザインと応用芸術の科学技術に関するバカロレア（STD2A、旧F12）を取得するための準備が可能です。

高等教育では、専門の学校が、いくつかの芸術ディプロム・デ・メティエ・ダート（DMA、芸術専門職の学士号）を伴う国家芸術・デザイン・デザインディプロム（DN MADE、芸術およびデザイン専門職の国家ディプロマ）を提案し、その後、アップリケ高等ディプロム（DSAA、応用芸術の修士号）を取得します。

イタリアでは早くも13世紀に美術学校が設立され、その始まりは1200年頃にギリシャ人画家テオファネスによってヴェネツィアに設立された絵画学校である。 ^{[ 22 ]}

オランダ美術教師協会（Nederlandse Vereniging voor Tekenonderwijs）は1880年に設立され、1884年に月刊誌の発行を開始しました。^{[ 23 ]} 20世紀後半以降、オランダ社会の多様化に伴い、オランダの美術と美術教育はますます多文化化しています。^{[ 24 ]}

19世紀初頭、イギリスで正式な美術教育が始まったが、その動機の一つは、フランスで行われているデザイン作品の質に匹敵したいという願望であった。^{[ 25 ]}当初採用されたモデルは、ドイツの商業学校のものであった。^{[ 25 ]}アルバート公は、イギリスにおける美術学校の設立に特に大きな影響力を持っていた。^{[ 26 ]}

現在イギリスでは、公立学校や有料学校を除き、美術のカリキュラムは政府の国家カリキュラムによって規定されている。 ^{[ 27 ]}チャールズ皇太子は、アカデミックなデッサンの指導を維持するために、ホクストンにプリンス・ドローイング・スクールを設立した。

アメリカにおける美術鑑賞の研究は、19 世紀後半の「現代芸術家運動」から始まり、1920 年代末には衰退し始めました。絵画研究は美術教育カリキュラムの重要な部分でした。教室での美意識への注目は、学校、家庭、地域社会を美しくすることへの人々の関心につながり、これは「日常生活における芸術」として知られていました。その考えは、子供に文化をもたらし、親を変えることでした。^{[ 43 ]}絵画研究運動は、スタジオでの制作を通して美術鑑賞を学ぶという新しい考え方がアメリカでより人気になった結果、1920 年代末に衰退しました。

アメリカの教育哲学者であり学校改革者でもあるジョン・デューイは、 19世紀後半から20世紀初頭にかけて、アメリカにおける美術教育へのアクセスを拡大する上で大きな影響力を持った。

第二次世界大戦以降、芸術家の養成は小学校へと移行し、現代美術はますます学術的で知的な分野へと変化していった。第二次世界大戦以前は、芸術家になるのに大学の学位は必ずしも必要ではなかった。しかし、それ以降、美術学士号、そして美術修士号がプロの芸術家になるための推奨学位となり、1944年のGI法成立によって第二次世界大戦の退役軍人が学校（美術学校も含む）へと進学するようになった。大学の美術学部は急速に拡大し、かつてはアート・スチューデンツ・リーグ、ブラック・マウンテン・カレッジ、あるいはグリニッジ・ビレッジのハンス・ホフマン美術学校といった、ボヘミアンで工芸重視の学校で学んでいたアメリカの芸術家たちは、代わりに大学に入学するようになった。 1960年代までに、ニューヨーク市のスクール・オブ・ビジュアル・アーツ、プラット・インスティテュート、クーパー・ユニオン、そしてカンザスシティ美術研究所、サンフランシスコ美術研究所、シカゴ美術館付属美術学校、ボストン美術館付属美術学校、プリンストン大学、イェール大学など、全米各地の美術学校が最初の美術アカデミーの一つとなった。^{[ 44 ]}この傾向はアメリカ合衆国から世界中に広がった。

高校レベルでの美術の授業の受講者数は、1960年代後半から1970年代初頭にピークを迎えました。ノー・チャイルド・レフト・ビハインド（NCLB）（芸術を「日常生活」の一部として維持するものの、この分野に関する報告や評価データの提出は義務付けていない）により、アメリカの公立学校における芸術教育はさらに衰退しています。米国教育省は現在、芸術の専門知識を持つ組織が芸術カリキュラムを開発するのを支援するために、芸術教育モデル開発および普及助成金を交付しています。2010年以降、全米の公立高校の約25%がすべての芸術プログラムを廃止すると推定されています。KadenzeやedXなどのさまざまな「教育テクノロジー」企業は、オンライン芸術教育を通じてこの損失を軽減しようと試みています。^{[ 45 ]}

芸術教育を推進する全国組織には、Americans for the Arts ^{[ 46 ]}（Art. Ask For More. [ ^{47 ]を}含む） 、全国的な芸術教育啓発キャンペーン、Association for the Advancement of Arts Education、Arts Education Partnership. ^{[ 48 ]などがあります。}

美術教育者のための専門組織には、実践者向けの雑誌『Art Education』と研究雑誌『Studies in Art Education』を発行する全米美術教育協会^{[ 49 ]}、USSEA（米国美術教育協会）、InSEA（国際美術教育協会^{[ 50 ]}）などがあります。

視覚芸術を通じた教育は、生徒が幼い頃から米国社会構造の中で強調されている民主主義の基礎的なプロセスを理解し、実践できるようにする上で重要かつ効果的な影響力を持つ。^{[ 51 ]} 2008年、全米教育進歩評価（NAEP）は、美術と音楽の分野で7,900人の8年生の生徒を調査した。調査結果によると、女子生徒は音楽と視覚芸術の両方で男子生徒よりも高いスコアを獲得した。^{[ 52 ]}

2009年に全米美術教育協会のローウェンフェルド講演奨学金を受賞したオリビア・グード氏は、美術教育が、情報に基づいた自己認識と世界認識を持つ市民を育成する上でいかに重要な役割を果たすかについて、数多くの事例を挙げて語った。彼女は次のように主張する。

芸術教育を通して、生徒は他者の意味づけを理解するためのスキルを高めます。質の高い芸術教育を通して、若者は他の人よりもはるかに簡単に複数の仕事を学ぶ能力を身につけます。最も重要なのは、芸術に触れることで、若者は複雑さを苛立たしい不確実性としてではなく、喜びと可能性として捉えることを学ぶことです。高まった自己認識は、他者に対する認識の向上へとつながります。^{[ 51 ]}

美術教育について執筆しているミシェル・マーダー・カムヒ^{[ 53 ]}は、米国をはじめとする各地の美術教育分野の近年の動向を厳しく批判している。彼女は、主要な美術館で展示されている現代美術の多くを、芸術ではない政治的なジェスチャーとして退けている^{[ 54 ]} 。彼女の著書『誰がそれを芸術だと言うのか？ 』の第8章「美術教育の再考」では、美術教育分野における2つの動向に焦点を当てており、それらは「思慮深い市民、たとえ芸術にほとんど興味のない人であっても、懸念すべきである」と考えている。例えば、ウォール・ストリート・ジャーナルに掲載された彼女の意見記事では、ジュディ・ウェルトハインの「ブリンコ」を批判している。これは、ウェルトハインが特別に装備されたスニーカーを不法移民に配るというパフォーマンスアート作品であり、NAEAの会議セッションで著名な美術教育者が研究対象として推薦していたものである^{[ 55 ] 。}