アトリエ

アトリエ（フランス語: [atəlje]）は、美術や装飾美術の専門芸術家や建築家の私的な工房またはスタジオであり、主任の師匠と多数の助手、学生、徒弟が協力して、師匠の名前または監督の下で発表される 美術または視覚芸術を制作します。

アトリエは、中世から19世紀にかけてヨーロッパの芸術家にとって標準的な職業訓練であり、世界の他の地域でも一般的でした。中世ヨーロッパでは、この作業方法と教育方法は、聖ルカ画家組合やその他の職人組合などの地元の組合規則によって強制されることがよくありました。徒弟は通常、若いときに簡単な作業から始め、数年後に知識と専門知識を増やして職人になり、場合によっては親方になることもあります。この親方徒弟制度は、かつては強力だった組合が衰退するにつれて徐々に置き換えられ、アカデミーが訓練方法として好まれるようになりました。しかし、多くのプロの芸術家は、アトリエでそうであったように、学生や助手を使い続けました。芸術家が学生の助手に支払うこともあれば、学生の助手が芸術家に学ぶための料金を支払うこともありました。^[1]

美術において、アトリエは、通常はプロの画家、彫刻家、建築家、または19世紀半ばからは美術写真家などのマスターアーティストが、少数の生徒と協力して視覚芸術や美術を指導する場所から構成されます。アトリエは、オートクチュールのファッションデザイナー、ヘアスタイリスト、またはより一般的にはアーティストの仕事と勉強のスペースになることもあります。アトリエスクールは世界中、特に北米と西ヨーロッパにあります。^[2]

方法はさまざまですが、ほとんどの絵画アトリエでは、鑑賞者にリアルに見える二次元画像を作成する、何らかの具象芸術の創作に関連するスキルとテクニックを学生に教えています。伝統的に、ヌードアートの描画やペインティングのセッションも含まれています。

サイトサイズとは、対象物をアーティストの目に映るとおりに、1 対 1 のスケールで描画およびペイントする方法です。アーティストはまず、対象物と描画面が同じサイズに見える視点を設定します。次に、レベル、鏡、下げ振り、ひも、棒などのさまざまな測定ツールを使用して、設定した視点から見たときに描画と対象物が正確に同じ寸法になるように対象物を描画します。サイトサイズ描画は、適切に実行すれば、非常に正確でリアルな描画になります。また、絵画の準備としてモデルの正確な寸法を描くためにも使用できます。 ^{[引用が必要]}

視力サイズ法に従うアトリエは、一般的に、注意深い描画の実践が絵画の基礎であり、細部に注意を払った自然の注意深い観察に基づく写実主義の形態を教えるという点で一致しています。この方法を使用して、学生はキャスト ドローイング、キャスト ペインティング、生きたモデルからの描画とペインティング、静物画などの一連のタスクを進めていきます。学生は、次のタスクに進む前に、インストラクターが満足するまで各タスクを完了する必要があります。このシステムは、「体系的な進行」または「体系的な指導と学習」と呼ばれます。^{[引用が必要]}

アトリエの生徒は、石膏像を描くことからこの段階に進むことが多い。これらの像は通常、顔、手、または人体の他の部分である。石膏像は、自然な 影の存在など、生きた人体モデルの利点のいくつかを提供する。また、石膏像には独自の明確な利点もある。完全に静止しており、白い色なので、生徒は影の純粋なグレースケールのトーンに集中できる。^[要出典]

視力サイズを学ぶ生徒の目標の 1 つは、機械装置の助けを借りずに正確なイメージを紙やキャンバスに転写できるほどのスキルを身につけることです。現代の写実主義画家であるエイドリアン・ゴットリーブは、「フルタイムのキャリアを追求するプロの画家は、計測機器や鉛直線 (トレーニング期間中に必要なツール) を必要としない「目」を発達させますが、観察方法自体は放棄されるのではなく、第二の性質になります。視力サイズは、特に肖像画や具象画に適用すると、生き生きとしたイメージを作成するために、ジェスチャーに対する特別な感受性と組み合わせて教え、適用することができます。」と述べています。^{[引用が必要]}

リチャード・F・ラックとチャールズ・セシルの元教え子であり、『Cast Drawing Using the Sight-Size Approach』の著者でもあるダレン・R・ルーサーもこれに同意し、測定を広い意味で定義している。彼は「サイトサイズ法を使用する十分に訓練された芸術家は、鉛直線を使用することも、文字通りの測定を意識することさえないかもしれない。絵画において自然界で見られるのと同じ網膜の印象を実現しようと努力するだろう」と述べている。^[3]

美術学校の経営者チャールズ・H・セシルはこう書いている。

アトリエの伝統を復活させたRHアイヴズ・ガメル（1893-1981）は、サイトサイズを教授法の基礎として採用した。彼は、カロリュス＝デュランやレオン・ボナなどの個人アトリエを前例に、自身のスタジオを設立した。これらのフランスの巨匠は、サイトサイズの肖像画家として熟達しており、生徒たちにベラスケスの芸術への傾倒を伝えた。サージェントは両画家から指導を受けており、彼のサイトサイズの使用は、イギリスとアメリカに大きな影響を与えた。^[4]

視力サイズ法を用いたアトリエの作品は、アポロ・ベルヴェデーレなどの古代ギリシャ・ローマ彫刻を彷彿とさせることが多い。絵画は、18世紀半ばから19世紀にかけての新古典主義美術の視覚イメージを好むかもしれない。視力サイズ法は、ブグローの作品に見られるように、正確で自然、実物に忠実、あるいは写真に近い人物像を描きたいというアーティストの要望に応える肖像画のスタイルにも適している。^[要出典]

比較測定法では、比例的な正確さが求められますが、アーティストは作成する画像のサイズを変えることができます。この技法は、主に肉眼を使用して正確な測定を行うあらゆる描画方法を広く網羅しています。初期のトレーニング期間中、学生は鉛筆、ブラシ、または鉛直線を使用して比較を行うことができますが、対象から紙に直接 1:1 の測定値を転送することはありません。この方法を教える学校には、ウォーター ストリート アトリエやスウェーデン写実芸術アカデミーなどがあります。^{[引用が必要]}

スウェーデン写実美術アカデミーの画家であり指導者でもあるハンス・ペーター・ザメイトは、エッセイ「サイトサイズ法とその欠点」の中で、サイトサイズの欠点について論じ、サイトサイズとは本質的に「サイトサイズ」という1つのサイズに限定された機械的に生成された画像を作成することであると述べている。^[5]

もう一つの伝統的なアトリエ技法は、見る人を騙して画像が正確であると信じ込ませる錯覚を利用するものです。この技法は、高度な構成理論と併せて教えられることがほとんどです。錯覚をうまく実現するために対象を正確にコピーする必要がないため、この技法では、アーティストはリアルな画像に見えるものを維持しながら、さまざまなオプションを試すことができます。

一例として、マリー・ド・メディシスの教育^[6]に収められた「メルクリウスが降りてくる男性像の習作」 （1613年～1614年頃、素描）では、ルーベンスは脚が胴体に付着する部分を隠している。これは、劇的に異なる様々な脚の配置をうまく試すことができる要因の1つである。少なくとも3組の足が見えている。付着部分が見えないと、鑑賞者は不合理な付着物に煩わされることはなく、結果として得られる2次元のイメージは目に心地よい。これにより、芸術家は、正確さではなく個人の好みや美的感覚に基づいて、非常に多くの選択肢から選択することができる。参照されている練習では、体の各部分のサイズと配置に関する多数の操作を試しながら、同時に2次元の短縮錯覚のコレクションを使用して、リアリズムの外観を維持することが可能である。^[7]

芸術家は、体の部位に加えて、他の多くの要素の操作に頼って、成功した錯覚を実現することがあります。これには、色、値、エッジの特徴、重なり合う形状の操作、およびグレージングやスキャンブリングなどのさまざまな種類のペイントの適用が含まれます。この方法で開発された作品は、描画から始まるのではなく、錯覚の成功に必要なすべての関連要素の配置と全体の構成から始まります。^{[8] [9]}

現実を模倣するように設計された錯覚の多くは、絵画制作のプロセスをスピードアップし、アーティストが複雑で大規模な作品をデザインして完成させるための時間を増やすことにもつながります。^{[引用が必要]}

このメソッドの生徒はそれぞれ、様々な古典の巨匠の作品を学びますが、多くはレオナルド・ダ・ヴィンチ、ドガ、ミケランジェロ、ラファエロ、ルーベンス、ティツィアーノなど、盛期ルネサンス（1490年代～1527年）、マニエリスム（1520年～1580年） 、バロック（1600年～1725年）、印象派（1870年代～1880年代）の画家から学び始めます。ただし、創造性に重点が置かれているため、特定のスタイルや主題の再現にはあまり重点が置かれず、構図のデザインや素材の応用や使用法が研究されることが多いです。^[要出典]

これらのアトリエの生徒は、幅広い個人的なスタイルと、ますます多くの創造的な実験を示すことになります。その結果、各生徒が自分の興味を追求する、非常に個性的な芸術集団が生まれます。レオン・ボナ(1846-1855) のアトリエには、非常に多様性がありました。ジュリアス・カプランは、ボナを「芸術における高学歴よりもシンプルさを重視し、細部よりも全体的な効果を重視したリベラルな教師」と評しました。^{[10] [11]}

ボナの著名な生徒には、フレッド・バーナード、ジョルジュ・ブラック、ギュスターヴ・カイユボット、シュゾール＝コテ、ラウル・デュフィ、トーマス・イーキンス、アロイシャス・オケリー、ジョン・シンガー・サージェント、アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレック、マリウス・ヴァセロンが含まれる^{[11] [12] ] [13]}

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  ニコラ・プッサン『サビニの女たちの略奪』（1637年）メトロポリタン美術館
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  ギュスターヴ・カイユボット『パリの街、雨の日』（1877年）、シカゴ美術館
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  アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレック『帽子屋』（1900）
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  ウィリアム・アドルフ・ブグロー『入浴前』（1900年）
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  レオン・ボナ『ヨブ』（1880）

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