アニー・B・パーソン

アニー・B・パーソンは、ニューヨーク州ブルックリンを拠点とするアメリカの振付師、ダンサー、ディレクターです。パーソンは、ダンス/演劇、ポストモダンダンス、アートポップミュージックでの作品で知られています。^[1]パーソンは、モリー・ヒコックと夫のポール・ラザールとともに設立したブルックリンのビッグダンスシアターの芸術監督です。 ^[2]また、ミハイル・バリシニコフ、デヴィッド・バーン、デヴィッド・ボウイ、セント・ヴィンセント、ローリー・アンダーソン、ジョナサン・デミ、イヴォ・ファン・ホーヴェ、サラ・ルール、ルーカス・ナス、ウェンディ・ウェラン、デヴィッド・ラング、エスペランサ・スポルディング、マーク・ディオン、ソルト・ン・ペパ、ニコ・ミューリー、マーサ・グラハム・ダンス・カンパニーとのコラボレーションでもよく知られています。

パーソンは1980年にコネチカット州ニューロンドンのコネチカット大学でダンスの学士号を取得した。^[3]

彼女は1983年にコロンビア大学ティーチャーズカレッジで修士号を取得した。^[3]

パーソンは1991年にモリー・ヒコック、ポール・ラザールとともにビッグダンスシアターを設立。以来、純粋なダンス作品から演劇や文学の翻案、まったく異なる素材を組み合わせたオリジナル作品まで、同カンパニーのために数十の作品を振付、共同制作してきた。ビッグダンスでの彼女の作品は、ブルックリン音楽アカデミー、パリ国立劇場、ジャパン・ソサエティ、ウォーカー・アート・センターから委託されている。^[4]パーソンはビッグダンスを「ダンスを演劇の領域に、演劇をダンスの領域に押し上げることに関心を持つ人々のグループ」と表現している。[1] 彼女にとって、ビッグダンスは「演劇とダンスのあらゆる喜びに対する完全な貪欲さ」を持っている。^[5]評論家のヘレン・ショーはビッグダンスについて「振付師兼監督のアニー・B・パーソンと俳優兼監督のポール・ラザールという夫婦の共同監督の周りに集まった流動的なパフォーマーとデザイナーの集団。このカンパニーは、ボトルに書かれているように、ダンスと演劇の慣習的な境界線を無視したハイブリッドなグループである」と書いている。^[6]このカンパニーは、ステイシー・ドーソン、モリー・ヒコック、ティンバリー・カナレ、シンシア・ホプキンス、レベッカ・ウィソッキー、コートニー・ラザフォードなど、主に女性で構成され、緩やかだが献身的で創造的な同盟として始まった。このグループは、長年にわたって他のメンバーが加わり、盛衰を繰り返した。

ビッグダンスの作品は、ほとんど常に非線形であり、しばしば物語性を持ちたがらない（「人生はそれほど物語的ではないと思う」とパーソンは言う。「私の人生はそうではない。そして、私の人生で起こった物語の要素は、振り返ってみると、よりフィクション化されている」）。^[5]線形ストーリーの欠如は、批評家を困惑させることもあるが、意図性、遊び心、技術的な正確さ、そして彼らが作り出す世界の野心的な範囲により、批評家は迷子になった気分を気にしない。ショーの言葉を借りれば、「ビッグダンスシアターのイベントと、たとえばリチャード・フォアマンのような人の作品の違いは、ビッグダンスは観客をトランス状態に導き、そして観客に向かって指を振ってウィンクすることだ」^[6]

演劇とダンスの区分について尋ねられたパーソン氏は次のように答えた。

「ダンスと演劇の分離。これは私にとって生涯の悩みの種です。私個人の、そして非常に主観的なタイムラインでは、西洋のダンス演劇への不信感は 18 世紀以降に始まりました。それ以来、私たち観客はますます、舞台上で、気が遠くなるような、皮肉のない、明白な「現実」にさらされてきました。2000 年前の古代では、それらの演劇はすべて踊られ、歌われていました。シェークスピアの時代には、俳優は踊りました。日本の古典演劇では、俳優の学生は何年ものダンスの訓練から始まります。私たちの現代の身体のない、ダンスのない演劇は、恐怖に基づいているように感じます (しかし、私はすべてが恐怖に基づいていると考える傾向があるので、その点については私を信用しないでください!)。しかし、それは私たちのビクトリア朝時代の身体、肉体、セックスに対する恐怖に関係しているのでしょうか。この分離は、心/身体ではなく、身体よりも精神を重視する私たちの偏見から生じているのでしょうか。しかし、確かに、この分離は、モダニストが「言葉」の優位性を階層的に頂点に置いたこととも関係があるに違いありません。モダニストたちは言葉を尊ぶ一方で、下品なダンスは下品で、娼婦や…女たちの仕事だとみなしていた！ダンスが持つ曖昧さ、重層性、神秘性、抽象性、非物語性、これらは悪魔の所業だ！それらは隠したり、暗示したり、暗示したりして、道徳も答えも持っていない。だから私は自分の小さな片隅で、演劇の中にダンスを復活させようとしてきた。ダンスは私にとって神聖なものであり、大切に保管し、危害から守り、物質の神殿の正当な位置に戻すべきものだ。」^[7]

『サクリファイス』はパーソンズの最初の大規模な作品であり、数十年にわたってパーソンズの作品を支持することになるデイヴィッド・ホワイトがキュレーションしたダンスシアターワークショップでの最初の作品でした。美容院のような場所を舞台にしたこの作品には、ハロルド・ピンターのテキストが組み込まれ、5組の男女が行う一連の反復的なジェスチャーが伴っていました。

『ザ・ギャグ』は1993年にダンスシアターワークショップで初演された。この大作はギリシャ神話のカサンドラ神話に基づいており、急進的なフェミニスト作家アンドレア・ドウォーキンのテキストが取り入れられている。モリー・ヒコックが中心人物を演じ、彼女とパーソンの数十年に渡るコラボレーションのきっかけとなった。この作品は、アイスキュロス、ピンター、マルグリット・ユルスナールのテキストを使ったクリスタ・ウルフの著作からもインスピレーションを得ている。ウォルター・トンプソンによるオリジナル音楽がライブで演奏された。床に設置された4つのモニターには、小さな動物の赤ちゃんが走り回る映像が映し出された。ニューヨークタイムズ紙は『ザ・ギャグ』を「演劇とダンスを組み合わせた作品のブイヤベース...ギリシャ悲劇、ハロルド・ピンター、テネシー・ウィリアムズ、そしてファッションとコメディの大騒ぎがたっぷり詰まった作品」と評した。^[8]

クカラチャ劇場が上演し、もともとニューヨーク大学の学生向けに制作された西ドイツの劇作家ライナー・ファスビンダーの『ブレーメンの自由』は、人生の男性に支配されることにうんざりした女性ゲーシェが、計画的に男性たちを毒殺し、最終的には自らも毒殺するというストーリーだ。ヴィレッジ・ヴォイス紙は、この作品について「ちょっとしたキャバレーの小技、女装、ちょっとした乖離、たくさんの様式化された情景描写、ひとつまみのカトリックのイメージ、複数の女優が同じ役を演じ、少し素敵で不気味な合唱、そして『ブレイス・アップ』をあんなに面白いものにしたあのやる気のない間抜けなダンスがたっぷり」含まれていると書いている。^[9]批評ではキャバレーとのパフォーマンス上の類似点がいくつか言及されていたが（司会役のステイシー・ドーソンはジョエル・グレイを彷彿とさせた）、^[10]ヴィレッジ・ヴォイスは「この若者たちは模倣者ではなく革新者として登場し、熱々のスペクタクルを届ける術を知っている」と主張した。^[9]高度な振付ではあったが、この作品は主にダンスをベースとしたカンパニーであるビッグダンスが上演した最初の「演劇」であった。

1995 年、パーソンはノースカロライナ州で開催されたアメリカン ダンス フェスティバルの若手振付家および作曲家部門に選出されました。彼女は作曲家リチャード アインホーンとペアを組み、2 人で「シティ オブ ブライド」を創作しました。この作品は裸足の女性 5 人が演奏し、ストラヴィンスキーの「結婚」に基づくピアノ、バイオリン、チェロの複雑な楽譜が伴奏されました。これは最初の「消去」作品となりました。パーソンの用語で、音楽に合わせて振付を行い、その後それを消去するものです。そのため、音楽は聴衆に聞こえませんでしたが、彼のリズムに触発された動きの素材は残りました。

ニュース＆オブザーバー紙は「パーソンは侮れない才能の持ち主だ」と評した。^[11]トロント芸術ジャーナル紙コールタイムの評論家は、パーソンについて「新世代の振付家の中でも最も新鮮な声」であり、ダンスと演劇を融合させた彼女の作品は「年齢、人種、性別、ダンスの知識に関係なく、どんな観客にも理解できる動きの言語を生み出した」と評した。^[12]この作品は、ニューヨークのダンスシアターワークショップ（1995年）、ニューヨークのフォール・フォー・ダンスフェスティバル（2004年）、サウスカロライナ州チャールストンのスポレートフェスティバルでも上演された。

『ドン・ファン、戦争から帰還』は1996年にニューヨークのクラシック・ステージ・カンパニーで初演された。クラシック・ステージ・カンパニーとクカラチャ劇場の共同制作で、ラザールとパーソンが共同監督、彼女が振付を担当した。ニューヨーク・タイムズ紙は彼らの演出を称賛し、彼らがオドン・フォン・ホルバートのほろ苦い劇の「機知に富んだ上品な解釈」を構築したと書いた^{。 [13]}劇は、第一次世界大戦から帰還したドン・ファンが、婚約者を捜す物語である。婚約者はドン・ファンの知らないうちに亡くなっていた。劇中ずっと、彼女の幽霊が彼を追いかける。ナチスから逃れるまでドイツで執筆活動をしていたハンガリーの劇作家ホルバートは、劇の舞台を第一次世界大戦直後に設定しているが、劇は敵に対する「哲学的な皮肉」に満ちている。 ^[13]パーソンとラザールは、これらのアイデアを「ドン・ファン」と1920年代のドイツの人気音楽を暗示する「高度に様式化された振付と音楽アレンジ」（クリストファー・バーグ作）で活気づけた。その結果は、演出にうるさいことで有名なホルバートを苛立たせたかもしれないが、おそらくアメリカの観客は、より文字通りの演出よりも、彼の意味、そしてもちろん彼の気分をよりよく理解できただろう。」 ^[13]

「ガスの心臓」（1921年）は、ダダ運動の創始者の一人であるトリスタン・ツァラによる「古典」です。ビッグダンスによるこの劇の演出では、激しく喜劇的で叙情的なテキストが、明らかに振付的なステージングと明らかに演劇的な振り付けによって生き生きと表現されています。まるでツァラがビッグダンスカンパニーのためにこの劇を書いたかのようです。

NYTimes のレビューより「...喜劇の勝利、トリスタン・ツァラの『ガスの心臓』は、ダダイストのウィットに富んだ解釈で、アバンギャルドな洗練された人々が働き、戯れ、難なく不可能なダンスステップをこなし、セシル・ビートンの肖像画のように上品に見え、まったくナンセンスな、上品に聞こえる冗談を交わす様子を描いています。ダダ劇はほとんど残っていませんが、これは絶妙で、見事に演じられています。」

ギュスターヴ・フローベールの『素朴な心』をダンスシアターに翻案したこの作品は、フェリシテという召使いの物語を描いている。彼女は、自分が関わるすべての存在がゆっくりと死んでいくか、自分から離れていくのを見守る。パーソンは、フェリシテ役に2人のダンサー（ステイシー・ドーソンとモリー・ヒコック）を起用した。2人は常につながっていながら、時折ユニゾンで、並行して、時には完全に分かれて踊る。フェリシテが死ぬと、2人は初めて離れる。^[14]この作品は言語の使用を最小限に抑え、「簡素だが豊かな小話」^[15]に頼って、このシンプルな物語を乾いた優しさで語り、フローベールの調性に合わせることを意図している。

ヴィレッジ・ヴォイス紙は、パーソンとラザールが「感情の崩壊の冷たく魅力的な世界」を創り出したと書いている。 ^[14] 『シンプル・ハート』は1997年にジョージア州トビリシのGIFTフェスティバルで初演された。ニューヨークのダンスシアターワークショップ、ニューヨークのクラシックステージカンパニー、マサチューセッツ州のジェイコブスピローダンスフェスティバル、ニューハンプシャー州ダートマスのヒッチコックセンター、バーモント州のミドルベリー大学、シカゴ現代美術館、サウスカロライナ州のスポレートフェスティバルでも上演された。

マック・ウェルマンが脚本を書き、シンシア・ホプキンスが曲を書いた「ガール・ゴーン」は、1998年にフリーシアターで初演され、1999年にキッチンNYCで上演されました。この劇は、リサ、リサ、エリサの3人の10代の少女が、空想の国に「旅立つ」という目標を掲げて儀式を行うことで、別の現実を構築する可能性を探ります。彼女たちは、あまりにも成功したため、残りの世界の多くを一緒に持っていくことになります。

ヴィレッジ・ヴォイスの記事では、パーソンとラザールの仕事上の関係は非常に親密だったため、劇場側は彼らの作品のクレジットをどう表記すべきか迷うことが多いとされている。『ガール・ゴーン』では、パーソンはウェルマンの空想的な舞台指示に触発されてダンスを考案した。「彼らは脊髄固定術をやります」とウェルマンは書いている。「彼らはフル・クリーブランドをやります」^[16]

タイムアウトニューヨークは、この劇を描写する際に演劇的なラベルをあきらめ、代わりに心理学用語に目を向け、「この作品は統合失調症的、躁病的、時折憂鬱で、そして多くの場合ヒステリックである」と書いている。^[17]この作品を見ることは「疎外感と魅惑の両方を感じる経験」だった。^[17]

『アナザー・テレパシー・シング』はマーク・トウェインの道徳物語『謎の異邦人』にインスピレーションを受けており、「多彩で複雑なダンスシアター寓話」と評されている。 ^[18]ティンバリー・カナーレ、ステイシー・ドーソン、モリー・ヒコック、シンシア・ホプキンス、ポール・ラザール、デイヴィッド・ニューマンが演じ、シンシア・ホプキンスによるオリジナル音楽がフィーチャーされている。「この作品は、カリスマ性のある異邦人が訪れ、神話の村の平和が打ち砕かれるという、冷笑的でありながらもスピリチュアルな内容となっている。中世の設定は、現代のハリウッドの現実と共鳴しており、脚本はトウェインの崇高な文章と長年のオーディションで「見つかった」テキストを織り交ぜている。それは、人間の状態の脆さについての微妙で驚くべき探求で最高潮に達する。」^[18]

この作品は、ニューヨークのダンスシアターワークショップ（2000年）、ベルギーのSTUCシアター（2000年）、ニューヨークのパフォーミングガレージ（2000年）、ドイツのロッテルダム、ゲント、ミュンスター（2001年）、ミネソタ州ミネアポリスのウォーカーアートセンター（2002年）で上演され、ウォーカーアートセンターでは、ジャンルを超えたパフォーマンスを披露する2002年のショーケース「Out There」シリーズの最初の作品となりました。この作品の最後、サタンが最後の演説で人間の存在を「行き場のない考え」に過ぎないと述べて姿を消す場面は、スター・トリビューン紙によって「この存在論的瞑想の力強く揺るぎない結末」と評された。 ^[19]このショーはドイツでも非常に好評だった。評論家のスザンヌ・ラングは、舞台を「揺らすと、夢のような人工雪の舞いを通して、少なくとも一瞬は世界を見ることができるスノードーム…すべてが動いていて、すべてが音楽によって運ばれている」と評した。^[20]ミュンスターシェ・ツァイトゥング紙は、この作品を「ダンスとスポークンシアターの非常に成功した融合…音響空間は、スピーチと歌によって作られ、ダンスのための上部構造をシームレスに作り出す。この作品を上演することで、パンペンハウスはミュンスターに初演をもたらしただけでなく、ダンスシアターの並外れた作品をもたらした」と称賛した。^[21]

ジョナサン・デミは2000年にニューヨークのダンスシアターワークショップでこの作品のライブパフォーマンスを撮影しました。この映画は2015年6月にニューヨークのバリシニコフアートセンターで上映されました。 ^{[18] 2000年、ビッグダンスは}『アナザーテレパシックシング』の音楽でオビー賞を受賞しました。ビッグダンスの代表作とされるこの作品は、53ステートプレスから出版された本になっており、作品のテキスト、パーソンによる衣装と小道具の絵、作品が作られた経緯についての出演者へのインタビューなどが収録されています。

2002年、ビッグダンスシアターは劇作家マック・ウェルマンとの2度目のコラボレーションとなる『アンティゴネ』の翻案を制作した。ニューヨークのダンスシアターワークショップで初演され、ワシントン州シアトルのオン・ザ・ボード、ロサンゼルスのUCLAライブ、ドイツのハンブルクのカンプナゲル、ドイツのミュンスターのシアター・イム・ポンペンハウス、イリノイ州シカゴ現代美術館、ニューヨークのクラシックステージカンパニーを巡回した。ニューヨークタイムズ紙は、このショーを「ほとんど理解できないとしても、興味深く魅惑的な体験」と呼び、パーソンは「その活発な知性自体が十分に意味のある」動きを生み出したと述べた。^[22]

レン・ジェンキンと劇団によるオリジナル作品「プランB」は、2004年にミネアポリスのウォーカー・アーツ・センターで初演されました。

「よく調理された料理のように、ビッグダンスシアターの作品では材料が混ざり合い、とらえどころのない風味と食感を生み出している」とニューヨークタイムズは書いている。^[23] プランBは、ニクソンのウォーターゲート事件のテープと、ドイツの森で12年間放置された後、ニュルンベルクの街の入り口で16歳で発見された19世紀の「野生児」カスパー・ハウザーの大人の日記の要素を組み合わせたものである。その後の彼の社会化は悲劇的であった。^[24]ラザールは、テープの中でニクソンと彼の顧問が彼らに代わって特定のことを行うのにふさわしい人物を見つけようとしている部分を発見したときに、2つのテキストが結びついたと説明した。「カスパーは完璧な対照かもしれない」とラザールは言った。「なぜなら彼はとても順応性があり、とても無邪気だからです。」^[24]これらの要素に旧約聖書、歌舞伎舞踊、台湾映画音楽を加えると、「あらゆる形態の無邪気さについて多くのことを示唆する、きらめく刺激的な物語の糸」である『プランB』が完成します。^[25]「これらすべての異なるソースを組み合わせることは、間違った手に渡れば大惨事を招く可能性があります」とダンスビュータイムズのスーザン・ライターは書いています。「しかし、ビッグダンスシアターは確かなビジョンでそれらを融合し、変容させています...奇妙で曖昧な物語を響き渡る奇妙さと繊細な美しさで伝える作品を生み出しています。」^[26]

Plan Bは、ドイツのボン・ビエンナーレ (2004 年)、ニューヨークのダンスシアターワークショップ (2004 年)、ニューヨークのアンダー・ザ・レーダー・フェスティバル (2005 年)、ペンシルバニア州のフィラデルフィア・ライブ・アーツ・フェスティバル (2005 年) でも公演しました。

「The Other Here」は、井伏鱒二の著作に基づいたオリジナル作品です。日本協会からの依頼で制作されたもので、日本文化と何らかの形で関わりのある作品にしてほしいという要望がありました。日本協会のディレクター、塩谷洋子氏は、井伏鱒二の作品を検討するよう提案しました。

パーソンと彼女のチームは、井伏鱒二のチェーホフ風物語、アメリカの生命保険会議の記録の逐語的テキスト、日本の伝統舞踊、日本のポップミュージック、大きなテーブルと琴など、いくつかの資料から始めました。ゆっくりと、共同で探究することで、これらの異なる資料の間にあるテーマが発見され、物語が浮かび上がります。会議でスピーチをしようとしている男性は、手拍子ダンスを見て、自分自身のダンスを披露し、魚の贈り物を受け取ることで中断されます。魚が中心になります。

シアターフォーラムは、この作品は形式と内容の衝突の点に存在し、「その微妙な感情のパレットの複雑さは[この作品の]大きな強みの一つである」と指摘した。^[27]

『The Other Here』は、2005年にニューヨーク市で開催されたCUNY Festival of New Workで制作されました。その後、リンカーンセンター・アウト・オブ・ドアーズ（2006年）とメリーランド大学（2006年）で上演されました。公式初演は、2007年2月にジャパン・ソサエティで行われました。

「英語で書く最もエキサイティングな詩人の一人」（ニューヨーク タイムズ）の筆による、アン カーソンのオレステイア神話の鮮やかな新訳が世界初登場。この壮大な万華鏡のような編集作品は、アイスキュロス、ソポクレス、エウリピデスの作品を集め、強大なアトレウス家の没落を物語ります。

クラシック ステージ カンパニーによる 3 幕の演劇 3 作品を上演。「アガメムノン」と「エレクトラ」はブライアン キューリックとジセラ カルデナスが監督。「オレステス」はポール ラザールが監督、アニー B パーソンがアソシエイト監督と振付を担当。

この作品は2009年3月にニューヨークのクラシックステージカンパニーで上演されました。

このオリジナル作品は、アニエス・ヴァルダの1962年のフランス・ヌーヴェルヴァーグの白黒映画『5時から7時までのクレオ』にインスピレーションを得て、フランスのアリアンス・フランセーズ協会の委託を受けて制作されました。この映画は、癌の生体組織検査の結果を不安そうに待つ若いポップシンガーのクレオを追っています。映画は、彼女が作曲家、恋人、友人、占い師、兵士と過ごしている様子をほぼリアルタイムで2時間にわたって追っています。ビッグダンスの制作は、映画のモデルを尊重し、流用し、再発明し、またそこから逸脱しました。パフォーマンス・アーツ・ジャーナル紙に寄稿したフィリップ・ロパテの言葉を借りれば、パーソンは「（ラ・ロシュフーコーを思い浮かべて）まさにフランス的な、人間の利己的な残酷さというテーマに焦点を当てている」^[28]パーソンは作品を制作する際に脚本を使用したが、ラザールの言葉を借りればヴァルダの影響に「囚われないように」するため、制作の終盤まで映画自体は観なかった。^[29]ニューヨーク・タイムズ紙は、この作品について「フランスの民謡、ジェフ・ラーソンのビデオ、フランスのオートクチュールを思わせる豪華な衣装と小道具、さらにはゴダールの映画の振り付けを参考にした派手なダンスルーティンなど、複雑でありながら控えめなアクションとオブジェクトの相互作用から意味が生まれている」と書いている。^[30]

この作品は、4月にフランスのリヨンで開催されたレ・サブシスタンスのÇa Tchatche Festivalで初演されました。また、フランスのブレストにあるLe Quartz、フランスのレンヌにあるLe Theatre National、シカゴのMCA、2009年10月のニューヨークのThe Kitchen、ニューヨークのNew York Live Artsでも上演されました。この作品は同カンパニーの代表的な作品であり、カンパニー全体とデザインチームは2010年にこの作品でベッシー賞を受賞しました。

2010年にロサンゼルスのゲティ美術館に滞在していたとき、パーソンとラザールはエウリピデスの戯曲『アルケスティス』の翻案『Supernatural Wife』に取り組み始めた。パーソンはアン・カーソンによる翻訳を編集し、作品の骨組みを作成した。この戯曲は、アポロから永遠の命を与えられたアドメートス王の神話に基づいている。アドメートスは、自分の代わりに冥界に代理母を送るという条件で、妻のアルケスティスが志願する。パーソンは、この主題を「誕生、死、悲嘆、喪、そして神々の問題」という原始的なものと表現している。^[31] 『Supernatural Wife』は、2011年にジェイコブス・ピロー・ダンス・フェスティバルでアメリカ初演された。このフェスティバルのエグゼクティブ・ディレクター兼芸術監督のエラ・バフは、「遠く離れた情報源からの素材を統合することで、[パーソンとラザールは]独自の神話を創造している」と述べた。^[31]この作品はイディッシュ語の無声映画、ディーン・マーティンとジェリー・ルイスの演技の楽譜、馬の調教師のビデオ映像、ロザリンド・ラッセルの独白の録音から引用された。^[31]アニー・B・パーソンは2011年にハーヴェイ劇場で『スーパーナチュラル・ワイフ』でブルックリン音楽アカデミーデビューを果たした。この作品はフランスのミュルーズにあるラ・フィラチュール、フランスのリヨンにあるレ・サブシスタンス、フランスのブレストにあるル・クアルツ、フランスのパリにあるシャイヨー国立劇場、ミネソタ州ミネアポリスのウォーカー・アーツ・センターを巡回した。

「Ich, Kurbisgeist」は、チョコレートファクトリーとパフォーマンススペース122の共同委嘱作品です。2012年10月にニューヨークのクイーンズにあるチョコレートファクトリーで初演され、その後2013年にNYLAで上演されました。

このショーは劇作家のシビル・ケンプソンとのコラボレーションで創作され、劇作家が考案した言語で書かれており、その言語は制作関係者を除いて世界中の誰も話せず、知識もない。」^[32]この「印象的なほど不可解な」劇は、劇作家の言葉を借りれば、「ハロウィーンのための昔ながらの農業復讐劇」である。^[33]この作品は中世を舞台としており、カボチャ以外は何も生産しないと思われる大部分が不毛の地で、その多くは公演中に叩き潰されることになっていた。

「Ich, Kurbisgeist」がビッグダンスの歴史の中でどのように位置づけられるかと尋ねられたパーソンは、言語が動きとして抽象的であり、「小さくて親密な」ものである何かをやりたいと切望し、「ある種の場所特有の、本当に親密な会場で見られるべきだと思った。言語を意味として考えるだけでなく、言語を運動的な経験としても考える必要があると思った。なぜなら、言語は非常に運動的だからだ」と述べた。^[34]

アレクシス・クレメンツはLマガジンに寄稿し、パーソンとラザールは「自分たちが馴染みのない文化や主題を部外者のように眺めることを楽しんでいるようだ」と指摘した。彼らにとって「自分の無知を認める経験には価値があった」ため、これまでの考え方と矛盾する情報を取り入れることができ、慣れ親しんだことを全く新しい方法で行うことができるようになった。^[34]

ニューヨークタイムズは「シェイクスピアの狡猾な道化師たちの言葉のように、メッセージはごちゃ混ぜになっている。しかし、「Ich, Kürbisgeist」の世界は完全で、驚くほど力強い。時には、直感は脳よりもよく理解する」と書いている。^[33]

パーソンとダンサーのミハイル・バリシニコフのコラボレーション作品『 Man in a Case』は、2013年にハートフォード・ステージで初演され、同世代で最も優れたダンサーとされるバリシニコフが踊ることを拒否する男を演じた。^{[35]パーソンは、}チェーホフのあまり知られていない2つの短編小説『Man in a Case』と『About Love』を独自に翻案し、ライブ音楽、ダンス、監視カメラ風のビデオ映像を組み合わせたこの作品の振付と監督を務めた。^[36]バリシニコフのパフォーマンスは広く賞賛され、エリザベス・ブルースはパフォーマンスの「憂鬱な鮮明さ」を「完全にチェーホフ的」と表現した。^[37]この作品は、ワシントンD.C.のシェイクスピア・シアター・カンパニー、カリフォルニア州バークレーのバークレー・レパートリー・シアター、マサチューセッツ州ボストンのアーツエマーソン、カリフォルニア州サンタモニカのブロード・ステージ、イリノイ州シカゴの現代美術館で上演された。

アラン・スミシー監督によるこの演劇は、レ・サブシスタンス（リヨン）とブルックリン音楽アカデミーの共同委託による三本立ての作品です。2014年3月にフランスのレ・サブシスタンスで初演され、その後、ジェイコブス・ピロー、レ・サブシスタンス、ベルリンのタンツ・イム・オーガスト、ブルックリン音楽アカデミーで上演されました。

この作品は、映画『愛と追憶の日々』『赤い輪』『ドクトル・ジバゴ』の翻案/マッシュアップです。レ・サブシスタンスがアニー・B・パーソンとポール・ラザールに、1970年のフランス・イタリア合作の犯罪映画『赤い輪』の短い抜粋を使ってみないかと提案したことがきっかけでした。他の時代や国の象徴的な映画も使いたいと考えた彼らは、『ドクトル・ジバゴ』と『愛と追憶の日々』を加えました。ビッグダンスの典型的な形式で、この作品は異なるパフォーマンススタイルを織り交ぜ、7人のパフォーマーがセリフを話し、踊り、映画の俳優の動きを正確に演じ、その動きは彼らの後ろの大きなブラインドの壁に映し出されていました。劇場のステージングの瞬間に振付のスコア全体が伴われることもあれば、ダンスが完全な舞台劇によって強調されることもあります。パーソンは、「同時に複数のシステムが互いに圧力をかけ合い、何が起こるかを見ること」に最も興味があると言います。それが魔法のポイントです。」^[5]

タイトルにあるアラン・スミシーという名前は、2000年まで全米監督組合が使用していたペンネームである。その年、ある監督が映画に非常に不満を抱き、創作上のコントロールができなかったことを組合に対して十分に証明できたため、最終作品の功績を認めることを拒否した。その後、その監督はアラン・スミシーとしてクレジットされた。

ショートフォームは2015年1月にキッチンでニューヨーク初演され、カンパニー25周年のお祝いも兼ねていた。ショーにはダンスに焦点を当てた5つの短編作品が含まれていた。幕間はステージ上の誕生日パーティーで、ゲームや食べ物が用意され、ラザールがMCを務めた。ショーは「中編小説、民話、日記、鉛筆画、サムネイルスケッチ、ノートの1ページなど、簡潔なものにインスピレーションを得た」もので、「簡潔、粒状、近距離、逸話、微細なものを取り入れた5つの作品。ダウンサイジングが評価されている」^[38]。この作品は2015年にメリーランド州ロックビルのアメリカンダンスインスティテュート内のソランジュマッカーサーシアターで世界初演された。ニューヨーク初演はニューヨーク市のキッチンで行われ、テキサス州オースティンのフューズボックスフェスティバルに巡回した。

「This Page Intentionally Left Blank」は、ヒューストン大学シンシア・ウッズ・ミッチェル芸術センターの CounterCurrent Festival 2016で世界初公開されました。このパフォーマンス ベースのガイド ツアーは、「演劇とダンスとの出会いを通じてガイドと美術館のオーディオ ツアーの役割を解体し、ガイドが美術館の文脈で観客をアート鑑賞に導く典型的な方法を覆し、再考する」ものでした。Big Dance は、美術館の空間を民主化し、「観客のアートに対する認識を混乱させ、目覚めさせ、解体し、混乱させ、そして蘇らせる」ことを目指しました。^[39]観客はヘッドフォンを着け、20人ずつのグループに分かれて空間を見学し、ガイドのティンバリー・カナーレが「あれは見ないで。ツアーの一部じゃないから」と語りかけた。^[40]観客はメニル・コレクションの本館からフレイヴィンの「無題」（1996年）へと移動した。アーツ・アンド・カルチャー誌はこれを「ティンバリーが私たちの精神に入り込んでくるにつれて、彼女の精神にさらに深く入り込むような旅」と評した。^[40]動きと演劇が徐々に作品を支配し始め、最終的に観客はパフォーマンスの一部となった。

この作品は2016年1月にマサチューセッツ現代美術館（ Mass MoCa ）でも上演されました。

ケージ シャッフルは、2016 年のアメリカン リアリティ フェスティバル中にアブロンズ アート センターで世界初演されました。ケージ シャッフルでは、ポール ラザールがジョン ケージの 1963 年のスコアIndeterminacyから 1 分間の一連の物語を語りながら、同時にアニー B パーソンの振り付けを披露します。物語はダンスと事前に決められた関係なしにランダムな順序で語られます。チャンスは、テキストと動きの奇妙で不思議なつながりの必然的な融合を提供します。作曲家リー ベルトゥッチがスコアと演奏を担当したライブ テープとデジタル コラージュが使われています。

この作品は、2017 年 3 月に The Poets House、2017 年 6 月に David Bryne の This Is How Music Works、2017 年 7 月にミネアポリスのウォーカー アート センター、2017 年 8 月にノーザンプトンの APE Ltd. ギャラリー、2017 年 10 月にシカゴのリンクス ホール、2017 年 10 月にインディアナ州ノートルダム大学のデバルトロ パフォーミング アーツ センターでも上演されました。

17cはビッグ ダンス シアターの最新のアンサンブル作品で、17 世紀のサミュエル ピープスの日記という問題作を基に作られています。ピープスは踊り、歌い、かき鳴らし、買い物をし、奮闘し、いじめ、まさぐり、そしてそのすべてを、まったくフィルターをかけずに日記に記録しました。外反母趾から不貞、性倒錯、国王との面会まで、彼は日々の生活を紙に書き留める必要がありました。そうしないと、途方に暮れてしまうのです。私たちのソーシャル メディア文化の驚くべき先駆けであるピープスは、日々の生活にほぼ常にリアルタイムの意味を与え、自分自身を見つめ、執拗にそれを報告するという同様の衝動を持っていました。

パーソンと彼女のチームは、最新の作品で、ピープスの膨大な日記、マーガレット・キャベンディッシュの17世紀の急進的なフェミニスト劇『快楽の修道院』、 3世紀にわたる欄外書き込み、そしてwww.pepysdiary.comのウェブベースの信奉者たちによる継続的な注釈を組み込んだ。この作品は「誰も異論を唱えたことのない歴史上の人物を解体し、ピープスの親密な生涯の描写から省かれた女性の声を具体化している」

17c は、2017 年 1 月にギブニー ダンスのアグネス ヴァリス パフォーミング アーツ センターで開催されたアメリカン リアリティ フェスティバルの一環として、制作途中の抜粋として発表されました。その後、9 月 7 日から 9 日までフィラデルフィア フリンジ フェスティバルで上演されました。

10月にはマサチューセッツ州ノースアダムズのジェイコブス・ピローダンスとの共催でマサチューセッツ現代美術館で上演されました。世界初演は2017年11月にノースカロライナ州チャペルヒルのカロライナ・パフォーミング・アーツで、ニューヨーク初演は2017年11月にニューヨーク・ブルックリンのブルックリン・アカデミー・オブ・ミュージックのネクスト・ウェーブ・フェスティバルで行われました。

イヨネスコの不条理劇を基にしたこの北米初演では、アニー・B・パーソンが、ベベ・ミラー、メグ・ハーパー、キース・サバド、シェリル・サットン、ダグラス・ダン、ベッツィ・グレゴリー、ブライアン・バーチャー、ブラック・アイド・スーザンなど、尊敬されるダンス界の重鎮たちの誕生日パーティーを演出します。この作品はもともとサドラーズ・ウェルズ・エリクサー社のために創作されました。

公演歴としては、2017 年 6 月のロンドンのサドラーズ・ウェルズ、2019 年 11 月の NYU スカーボールなどがあります。

ビッグ ダンス シアターの『アンティゴニック』は、アン カーソンによるソポクレスの『アンティゴネ』を哲学的に解釈した、急進的フェミニストの一幕劇のラフ カットです。アンティゴネのヒューマニストおよび敵役に対するカーソンの演劇的視点では、『アンティゴニック』の知的な面白さは、アンティゴネがどのように負けるか、アンティゴネの平和的な抵抗がなぜ重要なのか、そしてアンティゴネとクレオンの対決がもたらす厳粛な結末にあります。

ビッグ ダンス シアターは、ポール ラザール監督によるこの劇を、2016 年にスザンヌ ボカネグラとデイヴィッド ラングのホーム シアターで初めてワークショップしました。2017 年、アンティゴニックはウィリアムズタウン シアター フェスティバルの委託を受け、マンディ グリーンフィールドの支援を受けてオリジナル プロデュースされました。キャストには、イヴォンヌ レイナー、クリス ジャーモ、カースティン シー、シーナ シーが含まれました。どちらのバージョンも、ポール ラザールが監督し、アニー B パーソンが共同監督を務め、クリス ジャーモがオリジナルのサウンド デザイン、アーロン マトックスがプロデュースしました。

『アンティゴニック』は、2017 年夏のウィリアムズタウン演劇祭で初演されました。また、2018 年 11 月にはアブロンズ アート センターでも上演されました。

アニー・B・パーソンは、独自の振付家としての視点でバレエに取り組みます。バランシンの『アゴン』を何度も繰り返し鑑賞した経験や、ジョン・ハスケルの小説『バレエ全集』をもとに、バレエの伝統のイメージ、基本的な動作、オブジェクト、物語からデュエットを創作します。

パフォーマンス履歴には、2019 年 7 月のイタリア、ウンブリア州スポレート フェスティバル オブ ツー ワールド、2019 年 11 月の NYU スカーボールが含まれます。

ビッグダンス以外では、パーソン氏はマーチングバンド、オペラ、ポップスター、演劇、バレエ、ガイド、映画、オブジェ、テレビ、交響楽団、そして最近ではサイモン・ハルシーの指揮による1,000人の合唱団の振り付けを手掛けています。演劇、MTV、オペラ、映画での彼女の作品には、ローリー・アンダーソン、ソルト・アンド・ペパ、ニコ・ミューリーの作品、そしてソーホー・レップでのルーカス・ナスのウォルト・ディズニー、ARTでのサラ・ルールのオーランド、フューチュリティ、そして弦楽四重奏団エテルなどの演劇があります。

2013年、パーソンはフィリピンのファーストレディ、イメルダ・マルコの生涯を題材にしたミュージカル「Here Lies Love」の振付を担当し、パブリックシアターでデヴィッド・バーンの音楽で上演された。パーソンは大学時代にバーンの演技を見て以来、バーンのファンだった。その憧れはコラボレーションへと発展し、パーソンは「Here Lies Love」の制作を始める前からバーンの世界ツアー2回を振付した。バーンが歌詞を書き、バーンとファットボーイ・スリムが作曲した。

伝統的なミュージカル劇への最初の進出となったこのプロセスについて、彼女は次のように語っている。「通常、自分のカンパニーや他のコンサート作品では、形式主義的な観点から創作します。つまり、線、空間、形、そしてダンス自体の時間を扱うということです。ダンスは神聖なものです。デイヴィッドのコンサートのために創作するときは、『音楽は何を求めているのか』と自問します。しかし、『Here Lies Love』では、音楽とストーリーが王座の最有力候補なので、ダンスはその2つに奉仕しなければならないことはわかっていました。そこに、私にとってこのプロジェクトでの苦労と興味があります。」^[41]

パーソンはマルコの動きを研究し、彼女のトレードマークの動きをアレンジして振り付けを作った。観客はライブでも、歴史的な映像を流すテレビ画面でも、彼女のトレードマークのジェスチャーを見ることができた。その結果生まれた振り付けは、「ボーイバンドのステップタッチや激しいクラブの動きから、蓮の花の手を使ったジェスチャーセクションや揺れるルアウヒップサークルまで、あらゆるもの」を含む多様なフレーズを提供した。^[41]結果として生じたごちゃ混ぜのものは、この時点で「パーソンのトレードマーク」として知られるようになった印象的な視覚効果を生み出した。^[41]パーソンは、彼女の仕事のやり方はマース・カニンガムから受け継いだものだと述べ、「動きの順序や階層は重要ではないと提案してくれた。1つの動きをしてから別の動きをし、サイコロを振って切り替えることができる」と語った。^[41] ニューヨークタイムズは、彼女の振り付けを「非常に多様でウィットに富んだ」と評した。^[42]

パーソン氏は、2008～2009年にデヴィッド・バーンとセント・ヴィンセントによる「ラブ・ディス・ジャイアント・ツアー」、およびデヴィッド・バーンとブライアン・イーノの「ソングス・オブ・デヴィッド・バーン」ツアーの振付を担当。また、2014～2016年にセント・ヴィンセントが行った「デジタル・ウィットネス・ツアー」のダンスも担当。弦楽四重奏団「エセル」の演出と振付も担当。彼女のダンスは、デヴィッド・バーンを題材にした映画「ライド・ライズ・ロア」に登場。ニコ・ミューリーのオペラ「ダーク・シスターズ」、ソーホー・レップのウォルト・ディズニー、サラ・ルールの「オーランド」、「フューチュリティ」、 TFNAの「ブロークン・ハート」、デヴィッド・ボウイの「ラザロ」、マーサ・グラハム・ダンス・カンパニーの全編作品、リンバリー/ロイヤル・オペラ・ハウスでの ウェンディ・ウェランのソロの振付を担当。

• 「I used to love you」（2017） マーサ・グラハム・ダンス・カンパニーのためにパーソンが振付したこの作品は、グラハムのめったに見られない1941年の『パンチとジュディ』に基づいています。グラハムの振付を再考し、解体する役割を果たしました。
• 『The Road Awaits Us』 (2017): ロンドンのサドラーズ・ウェルズにある長老たちの団体、エリクサー・カンパニーのために作られたこの作品は、不条理な時代の不条理に対するパーソンの関心から生まれました。パーソンはエリクサー・カンパニーのために、イヨネスコの『禿げたソプラノ』の非常に骨組み的で非線形な編集版を作りました。出演者の年齢は60歳から89歳までで、ロンドンの舞台で愛されているベテランダンサーの集団です。パーソンは『桜の園』の哀愁漂う第4幕のスリムな編集版で作品を締めくくりました。
• ショート ライド アウト(2016) ロイヤル バレエ団のウェンディ ウェランのソロ。この短いソロはジュリア ウルフの音楽に合わせて踊られました。2016 年にロンドンのリンベリー劇場で初演されました。
• 『Goats (2016)』は、The Other Shore Dance Co. の委託により制作され、ニューヨークの BAC で初演され、その後 2016 年に Big Dance Theater によって Kitchen で上演されました。
• 『冬に雪が降る』: The Other Shore Dance Co. (ブランディ・ノートンとソニア・コスティッチ) の委嘱作品。イヨネスコの『教訓』に基づいたこの作品は、ニューヨークの BAC で初演されました。
• 2016パブリック ドメイン: モーツァルト フェスティバル/ デイヴィッド ラング合唱作品
• 2016 振付師：デヴィッド・ボウイとイヴォ・ヴァン・ホーヴェ：ラザロ
• 2015年ロイヤルバレエ団の委嘱によりウェンディ・ウェランのソロを制作
• 2015マーサ・グラハム・ダンス・カンパニーの作品を制作
• 2014–2016 振付師:セント・ヴィンセント: デジタル・ウィットネス・ツアー
• 2013–2017 振付師: デヴィッド・バーン:ここに愛がある
• 2012 振付師: デヴィッド・バーンとセント・ヴィンセント:ラブ・ディス・ジャイアント・ツアー
• 2008 振付師: デヴィッド・バーン:ソングス・オブ・デヴィッド・バーンとブライアン・イーノのツアー。
• 2010 振付師: デヴィッド・バーン:ライド、ライズ、ロアデヴィッド・バーンについて
• 2015 振付師:リッキーとフラッシュ、フィラデルフィア
• 2020 振付師：デヴィッド・バーン：アメリカン・ユートピア（映画）。

パーソンは1993年よりニューヨーク大学実験演劇部で振付の講師を務めている。また、東京やイタリアのスポレートなど国内外で指導を行っている。BOMB誌で特集され、ダンスUSAでは米国のダンス/演劇の現状について記事を書いている。アーティスト兼キュレーターとして、マース・カニングハム追悼展、NYLAでの「Dancer Crush」、DTWでの「Sourcing Stravinsky」などのショーをキュレーションしてきた。パーソンは「The Structure of Virtuosity」と題した抽象表現に関する講義を大学や観客の育成のために行っている。^[43]彼女の最近の著書「 Dance by Letter」は53rd State Pressから出版されている。

振付師のアニー・B・パーソンは、紙の上でソロを踊りながら、振付を紙の上のダンスとして再考しています。パーソンは、自分が作ったダンス作品の物質性の視覚的事実に注意を喚起する新しいグラフィック構造でダンスを描きます。これらの絵は、パフォーマンス後の彼女の作品の地図として、またダンス自体の要素の考察として機能します。3つの章に分かれたこの本は、彼女の各作品のオブジェクトをチャート構造にグループ化した図で始まります。これらのチャートは、物事の共鳴の観点から、また抽象的な構成特性の観点から、彼女のダンスを再考します。第2章では、パーソンは振付師の心を掘り下げ、オブジェクトと動きの認識の平等性、運動文法の詩学などのアイデアを図表化します。消去、レイヤー、言語のチャートは、ダンス制作のためのダイナミックでプリズマティックなツールとして機能します。最後に、1991年から2019年までのビッグダンスシアターの写真の章があります。付録として、ダンスにおける偶然性の歴史に敬意を表して、パーソンは、あらゆる媒体のアーティストが新しい素材を作成する方法として切り取ってプレイできる、52の構成要素の生成カードゲームを作成しました。形式と内容の二重性の中で、この本は形式自体が持つ意味を探求し、パーソンの振付のアイデアの視覚的なマップは、すべての芸術制作の背後にある共通の要素に関する新しい考え方を刺激します。

パーソン氏はCalArts/Alpert賞に7回ノミネートされている。彼女はアメリカンダンスフェスティバルのYCC振付師であり、そこで作曲家リチャード・アインホーンと「City of Brides」を創作した。^[44]

• 2020年ニューヨークダンス＆パフォーマンス（ベッシー）賞、デヴィッド・バーンの『アメリカン・ユートピア』
• 2017 バレエ・芸術センターフェローシップ
• 2015年ロンドン・オリヴィエ賞最優秀舞台振付家賞ノミネート（『Here Lies Love』）
• 2014 プレリュード フェスティバルのフランキー賞: アニー B パーソン & ポール ラザール
• 2014ドリス・デューク パフォーミング アーティスト賞
• 2014現代芸術財団芸術家助成金賞
• 2013/2006/2000 ニューヨーク芸術財団アーティストフェローシップ
• 2012米国アーティストフェローシップ
• 2010/2002ニューヨークダンス＆パフォーマンス BESSIE アワード
• 2007グッゲンハイムフェローシップ
• 2011/2012ルシール・ローテルノミネート
• 2000/2005/2012 NYFA
• 2007年 ビッグダンスシアターがジェイコブスピローから初のクリエイティビティ賞を受賞
• 2000年 ビッグダンスシアターがOBIE賞を受賞

• ビッグダンスシアター
• アニー・B・パーソン—ダンスを民主化した振付師