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発声練習とは、歌唱、演技、その他の用途のために声を準備するための一連のエクササイズのことです。
声のウォーミングアップは、歌手が歌唱力を向上させ、歌うのに必要な労力感を軽減するために不可欠な練習です。研究によると、声のウォーミングアップを行うことで一時的に声の労力が増加しますが、短い休息後に正常に戻り、パフォーマンスのための声の準備が整います。[ 1 ]
発声練習の目的は、以下の5つです。全身の身体的なウォーミングアップ、呼吸の準備、発音器官と共鳴器官の準備、話し声から歌声（または演技のための拡張された話し声）への移行、そしてリハーサルや上演される内容への準備です。
全身のウォーミングアップは、歌手や俳優の身体を様々な面で準備するのに役立ちます。歌ったり演技したりする際には、全身の筋肉が使われます。ストレッチは、バランスや姿勢を保つ大きな筋肉群と、呼吸や表情筋の動きに直接関わる小さな筋肉群を活性化し、準備するのに役立ちます。腹部、背中、首、肩のストレッチは、喉頭や呼吸筋の収縮によって声に悪影響を与える緊張を避けるために重要です。俳優（オペラ歌手やミュージカル俳優を含む）は、身体的に負荷の高い役柄を演じている場合は、より包括的なウォーミングアップが必要になる場合があります。
呼吸の準備には、呼吸に関わる多くの筋肉を伸ばすだけでなく、歌ったり話したりする長い部分で息を吐き続けるための準備も含まれます。歌手が非常に速く深く息を吸い込み、多くの小節にわたって息を吐き続けるためには、呼吸筋の特別なトレーニングが必要です。良い発声のウォーミングアップには、4カウント吸ってから8カウント吐く（そして徐々に移行して、1カウント吸ってできるだけ長く吐き続けられるようになる）などのエクササイズが含まれるべきです。また、肋間筋を鍛えるために、あえぎ呼吸や息を吐くことも用いられます。
発声は、さまざまな組織、筋肉、構造（発音部位）によって制御されますが、基本的には唇、歯、舌先の動きとして理解できます。私たちはしばしば顎を使って発音しようとしますが、これは顔の筋肉や舌に不必要な緊張を生み出します。適切な発声ウォーミングアップは、顎をリラックスさせ、唇と舌を活性化させ、筋肉を伸ばして、歌や演技に必要なより明確な発声に備えます。これらの練習には、早口言葉や、多くの俳優が映画で披露する有名な「ミー、メイ、マ、モー、ムー」などが含まれます。
共鳴器とは、発声時に発生する音波に影響を与える口腔内の硬い表面と柔らかい表面のことです。硬口蓋などの硬い表面は歌手がコントロールすることはできませんが、軟口蓋などの柔らかい表面は音色を変えるように訓練することができます。発声のウォーミングアップには、これらの硬い表面と柔らかい表面に音を向ける練習を取り入れるべきです。これらの練習には、叫び声、うめき声、鼻声など、さまざまな効果音を取り入れることができます。その他の練習では、歌手や俳優が軟口蓋を持ち上げることに意識を向け、歌うときに暗く豊かな音色を作り出すことができます。例えば、突然驚いたように息を呑む動作をシミュレートし、口の奥の開いた状態を維持する練習などが挙げられます。
音程を変えることは間違いなく声帯筋を伸ばし、[ 2 ]歌ったり演技のために声を張り上げたりするには、これらの筋肉をより激しく使う必要があります。良い発声のウォーミングアップでは、歌手/俳優は話し声域（狭い音域、狭いダイナミックレンジ、口語的な発音）から歌唱域（広い音域、広いダイナミックレンジ、役柄や作品の要求に応じた発音）へと移行する必要があります。これは多くの場合、発声のウォーミングアップの中で最も大きく複雑な部分であり、多数のエクササイズが必要です。これらのエクササイズは声のトレーニングにもなり、時には発声練習と呼ばれます。これらの活動は、呼吸のコントロール、発音、ブレンド、バランスを教えます。発声練習/ v oʊ k ə ˈ l iː z /は、言葉のない発声練習（多くの場合、パフォーマンスに適したもの）で、1つ以上の母音で歌われます。[ 3 ]
最後に、効果的な発声練習は、リハーサルや演奏の対象となる特定の楽曲を準備するものでなければなりません（通常、発声練習はリハーサルまたは演奏の前の段階です）。これは、歌うキーで練習したり、役柄に必要なアクセントで練習したりするなど、簡単なものから始めることができます。これから演奏する楽曲の難しい部分を分解して練習に取り入れたり、言語的な要件にも対応できるように準備しておく必要があります（演奏者が母国語以外の言語で歌う場合は、その言語で求められる音や形を練習する必要があります）。
演出家（ミュージカルまたは演劇）が主導する発声練習は、レパートリーに気を取られることなく、その場にいる歌手や俳優の発声能力を評価し、弱点を重点的に鍛える重要な機会となります。人によっては、演出家が生涯で唯一の声楽指導者となる場合もあるため、発声練習は、その仕事に必要な筋肉を鍛える唯一の機会となります。
ヴォカリーズは18世紀半ばに遡ります。ジャン＝アントワーヌ・ベラールの1755年の編纂書『歌の芸術』には、リュリ（1632-1687）やラモー（1683-1764）などの作曲家による無言歌（sans paroles ）が収録されており、これらは声楽技術の練習として価値があると判断されたものです。練習曲には、それらがもたらす技術的な課題を克服するための指示が添えられています。19世紀までには、ヴォカリーズは既存の歌曲を編曲するのではなく、教育目的のために特別に作曲されることが一般的になりました。[ 3 ]
19世紀には、ピアノ伴奏付きの無言の技巧練習曲であるヴォカリーズという関連伝統が生まれた。これは、最も機械的な練習曲でさえピアノ伴奏付きにすることで、演奏者がより芸術的に音楽を演奏するよう促すという考えに基づいた当時の流行に沿ったものであった。[ 3 ]
20世紀初頭、多くのオーケストラ作品では、色彩効果を高めるために歌詞のない合唱（特に女性合唱）が取り入れられており、ドビュッシー、ラヴェル、ヴォーン・ウィリアムズ、ホルストの作品や、多くの映画音楽に見られる。
ヴォカリーズ（接尾辞-ese）とは、既存の楽器の即興演奏に合わせて新しい歌詞を作り、歌うジャズ・ボーカルの一種です。スウィングル・シンガーズとジョン・ヘンドリックスは、この2つのテクニックを巧みに組み合わせたことで有名です。このスタイルは事前に作曲されたものであり（即興ではありません）、歌詞のない即興演奏であるスキャットとは混同しないように注意が必要です。
ワシントン・フィリップスによる1929年のゴスペル・ブルース曲「I Had a Good Father and Mother 」には、リフレインとしてヴォカリーズがある。
インド古典音楽において、アーカルの伝統は歌う前の発声練習として用いられるだけでなく、ある程度、歌唱や旋律にも貢献する。