オーケストラジャズ

オーケストラ・ジャズまたはシンフォニック・ジャズは、1920年代にニューヨークで発展したジャズの形式である。このジャンルの初期の革新者には、フレッチャー・ヘンダーソンやデューク・エリントンなど、ジャズの歴史上最も高く評価されているミュージシャン、作曲家、編曲家が含まれている。^[1]ジャズのリズムと楽器の特徴とオーケストラの規模と構造が融合したことで、オーケストラ・ジャズはそれ以前の音楽ジャンルとは一線を画すものとなった。その発展は、ジャズの大衆化と、芸術形式としてのジャズの批評的正当化の両方に貢献した。

オーケストラジャズは初期のニューオーリンズジャズから発展しました。1920年以前にこのジャンルの先駆者となり、1920年代初頭にニューオーリンズからシカゴやニューヨークに移住したアフリカ系アメリカ人のミュージシャンはジャズを北に持ち込み、やがてハーレムのアフリカ系アメリカ人地区がこのジャンルの文化的中心地となりました。^[2]

ニューヨークでは、エンターテイメントと芸術産業が栄え、ジャズはふさわしい居場所を見つけ、文化的景観の重要な一部となった。しかし、ダンスブームの高まりと並行して発展したビッグバンドの人気が広まるまでは、ジャズは一般的にかなり粗野な音楽とみなされていた。音楽評論家のリチャード・ハドロックが書いているように、ジャズは芸術的価値のために広く聴かれていたわけではない。

「20年代、ジャズを聴く人の大半は、ジャズを単にダンサーのためのエネルギッシュなバックグラウンドミュージックとしか考えていなかった。音楽にもっと深い価値を求める少数の人々は、ポール・ホワイトマンのコンサート作品だけを真剣に受け止めるだけの価値があるジャズとして受け入れる傾向があった。^」[3]

しかし、1920 年代にポール ホワイトマンの音楽的影響に一部負う運動が起こりました。この運動は、より様式化され、より形式化されたジャズの多様性をもたらし、後にオーケストラ ジャズとなり、ホワイトマンが最初にシンフォニック ジャズとして構想しました。

このジャズの様式化には、ヨーロッパの古典的作曲の要素と、ニューオーリンズ・ジャズのリズムと楽器の音が組み合わさっていた。オーケストラ・ジャズは、さまざまな理由で南部のジャズとは音楽的に異なっていた。バンドが大きく、ある種の豊かなサウンドを生み出しただけでなく、音楽の構造がより洗練されていた。ニューオーリンズ・ジャズは集団即興とスタンダード曲の即興的な再解釈が特徴であったが、ジャズ・オーケストラは、演奏前に作曲・編曲されたヘッド・アレンジメントを演奏した。初期ジャズの忙しく騒々しいスタイルは、オーケストラ・ジャズの比較的抑制されたスタイルのような大衆的な魅力を持っていなかった。特に、測定されたリズムの実装が、その人気の大部分を占めていた。ニューオーリンズ・ジャズを彷彿とさせる2ビートのグルーヴは、スウィング時代への移行期に、ウォーキング・ベース・ラインを開発したとされるジミー・ブラントンとウォルター・ペイジのベースの革新に取って代わられた。これにより、1小節に4拍子がジャズのスタンダードとなり、さらにこのリズムは観客が望むようなダンスにも適したものとなった。^[2]

ビッグバンドの楽器の台頭は、商業的実現可能性と同じくらい、芸術的傾向と関係がありました。1920年代には、重要な技術開発が音楽業界を変革し、音楽の大量消費の増加を可能にしました。蓄音機とレコードは標準的な家庭用品になりました。録音された音楽が広く普及したことを示すのは、1927年だけで1億枚近くのレコードが売れたという事実です。^[4]事前にアレンジされた音楽は特に商業的な魅力がありました。聴衆は、購入した録音でライブ演奏を見た曲をよく知っていたからです。さらに、音楽の革新性（ジャズはあらゆる点で確かに革新的でした）への露出が、アメリカの聴衆のこれほど幅広い層に届いたことはかつてありませんでした。レコードに加えて、ラジオ放送の普及によって促進された音楽の商業的入手可能性を考えると、ジャズの普及を説明するプラットフォームがこのようにして作られました。しかし、ジャズの大量消費は同時に、聴衆がその発展に逆の影響を与えることを可能にし、消費者の要求により、オーケストラ ジャズは伝統的に親しまれているポピュラー音楽に似た構造を採用するようになりました。

1920年代前半の「ジャズの王様」は、デンバー出身のクラシック音楽の音楽家、ポール・ホワイトマンだった。パレ・ロワイヤルで社交楽団のリーダーを務める前、ニューヨークではデンバー交響楽団とサンフランシスコ交響楽団でバイオリンを演奏していた。クラシック音楽の訓練は、彼が「現代音楽」に取り組む方法に大きな影響を与えた。最も有名なのは、1924年にエオリアン・ホールで演奏したホワイトマンの演奏で、彼が先駆者となった変革が披露された。この注目すべきショーをジョージ・ガーシュインの有名な作品（そしておそらくシンフォニック・ジャズの最高の例）であるラプソディ・イン・ブルーで締めくくったホワイトマンの演奏は、ジャズがフォークミュージックから芸術形式に到達したことを示す出来事としてよく引用される。^[5]ホワイトマンが示したショーマンシップと革新性により、彼は「ジャズの王様」というあだ名を得たが、この称号には多くの論争が伴う。白人であるホワイトマンが、その起源が紛れもなくアフリカ系アメリカ人である音楽ジャンルに資本を投じたことで、多くの批評家が彼の芸術的追求の真正性を疑問視し、搾取的であるとさえみなすに至った。それにもかかわらず、ホワイトマンの同時代人の多くは、黒人、白人を問わず、彼を賞賛し、彼の影響力を示すように、彼の成功を模倣したいと考えた。

ホワイトマンの同時代人の中で、オーケストラ ジャズの発展におそらく最も重要な貢献をした 2 人は、フレッチャー ヘンダーソンとドン レッドマンの共同デュオです。ピアノ奏者のヘンダーソンは、当時の他の多くのバンド リーダーほど有名になることはありませんでしたが、レッドマンとの共同作業は、オーケストラ ジャズの発展、特にホワイトマンの交響曲の編曲からビッグ バンドの最終的な優位性への移行に多大な影響を与えました。

レッドマンのニューオーリンズとシカゴのジャズ作品の編曲は、ジャズの音楽的可能性を再考し、集団即興とポリフォニックジャズの曲から、オーケストラジャズの特徴である、より広く消費されるホモフォニック作曲への移行を示しました。コールアンドレスポンスなどの他の構造的テクニックは、レッドマン以前のホワイトマンの編曲に明らかでしたが、レッドマンがジャズ作品の基礎構造としてコールアンドレスポンスを使用したことは、彼の最も重要な業績の1つと考えられています。^[6]アルペジエートされたコード、セクションのポイントとカウンターポイント、調号とリズムの変化、複雑なハーモニーのレイヤーの使用は、レッドマンの音楽作曲に対する微妙な理解を示しています。^[7]

レッドマンはバンド構成に関しても独特の感覚を持っており、その遺産は今も残っている。レッドマンはバンドを木管楽器（サックスとクラリネット）、トランペット、トロンボーン、リズムセクションの4つの相互作用するセクションに分けた。これは、通常4つのトランペット、4つのトロンボーン、5つのサックス、リズムセクション（ピアノ、ベース、ギター、ドラム）で構成されるビッグバンドの基礎構造となった。^[2]

楽器のバリエーションも演奏の柔軟性をもたらした。音楽の入手しやすさの増加と同時期に起こった重要な傾向の 1 つは、20 年代と 30 年代のダンス ブームである。この時代で最も成功したバンドは、観客のダンス欲求に応えたバンドだった。^[8]たとえば、ヘンダーソンのバンドは20 年代初頭にローズランド ボールルームで演奏を始めた。彼のレパートリーには「ホット ジャズ」の曲だけでなく、ローズランドの常連客の要望に応えてワルツも含まれていた。 ^[4]ヘンダーソンが観客に配慮していたことは、ニューヨーク市を席巻していたさまざまなジャズの演奏において、エンターテイメントが重要だったことを示している (ただし、ヘンダーソンはデューク エリントンなどの他の演奏家ほどのショーマンシップを持っていなかったと考えられており、彼のショーマンシップの欠如が商業的に苦戦した主な理由だと考える人もいる)。^[7]バンドのレパートリーの多様性は、ほとんどのパフォーマンスにポップスとジャズのスタンダード曲の両方が組み込まれることを意味し、両方の演奏者による2つのジャンルの有機的な融合も可能になりました。

しかし、ホワイトマンは1929年の株式市場の暴落による経済的圧力に苦しんだ後も、大量のポピュラー音楽を書き、演奏し続けていたのに対し、ヘンダーソンのバンドのような他のビッグバンドはスウィング時代へと移行した。

この変遷を通じて、ヘンダーソンとレッドマンは、ホワイトマンとは全く異なる、ジャズの伝統にしっかりと根ざした音楽的革新へのアプローチをとるようになった。具体的には、このデュオは、ジャズというユニークな音楽ジャンルに不可欠な即興の即興性と巧妙さを活用した。ホワイトマン自身の広報担当者は、ジャズのソリストの時代は終わったと宣言したが、レッドマンのアレンジは、アレンジされたパッセージと即興のバランスを保ち、その時代の最高の音楽的才能を披露した。ヘンダーソンのバンドには、さまざまな名手が揃っており、その中には、さまざまな時期に、史上最高のジャズ・ソリストも含まれていた。ヘンダーソンが集めた素晴らしいバンド仲間のほんの一部を挙げるだけでも、ルイ・アームストロング、コールマン・ホーキンス、ロイ・エルドリッジ、ベニー・カーター、レスター・ヤング、チュー・ベリーなどがいる。ヘンダーソンとレッドマンが1927年に強力なコラボレーションを終えた後、ヘンダーソンは1931年に作曲を始めました。彼は古いジャズのレコードを書き写し、それをフルオーケストラに演奏させることで作曲の要素に慣れていきました。^[7]

ジャズとポピュラー音楽が並行して進化するにつれ、ジャンルは別々の領域から移行し、スウィング音楽の普及とより密接に結びつくようになりました。ビッグバンドは、30 年代初頭に始まったスウィング時代の先駆けとなり、オーケストラが多用された商業ジャズの頂点を象徴しました。この種類のジャズは、リスナーを踊らせることを目的としていたため、これまでよりもはるかに商業的に受け入れられやすいものでした。

しかし、ジャズの大衆化は、ジャズを弱めたり不利に働かせたりする現象ではありませんでした。実際、20 年代と 30 年代のビッグ バンドは、ホワイトマンとヘンダーソンの遺産を実現するために必要な手段を提供しました。これは、おそらく最も多作なジャズ作曲家であるデューク エリントンのキャリアに最もよく表れています。並外れた音楽センスで広く知られるエリントンは、14 歳のときに作曲家としてのキャリアをスタートしました。彼はその後、多種多様な音楽を作曲し、何千もの録音に残され、ほぼ 50 年間にわたって演奏を続けました。

エリントンの作曲の繊細さは、思慮深く複雑であると同時に、聴きやすく楽しめる音楽芸術を生み出している。ジャズに対するエリントンの貢献は数え切れないほどあるが、20年代半ばに彼が得た名声からもわかるように、このジャンルがオーケストラ・ジャズを頂点に押し上げたのは、彼に最も負っている。ジャズの要素をエリントンほどうまく利用できたアーティストは他にいないが、ヘンダーソンとレッドマンは大規模なオーケストラでこれほどシームレスに試みていた。エリントンの作品の多くは、バンドのメンバーの個々の才能を強調し、サウンドを磨くために彼らの意見に頼っていた。彼のオーケストラには、ジョニー・ホッジス、ベン・ウェブスター、ジミー・ブラントン、フアン・ティゾル、クーティ・ウィリアムズ、ハリー・カーニーなどのプレイヤーが参加し、^{[2]作曲家・編曲家・ピアニストの}ビリー・ストレイホーンとの30年近くにわたるコラボレーションも見られる。^{[9]エリントンのキャリアは、最終的にはジャズの黄金時代、いわゆる}ジャズ時代やスウィング時代を頂点とするジャズの頂点としてよく挙げられます。

カウント・ベイシー・オーケストラは、ベニー・モーテンの死と彼の楽団の普及に続いて、ミズーリ州カンザスシティで誕生しました。カウント・ベイシーは1927年にカンザスシティに到着し、最初はウォルター・ペイジとモーテンと共演しました。ベイシーの楽団には、レスター・ヤング、ジョー・キーズ、オーラン・「ホット・リップス」・ペイジ、バスター・スミス、アール・ウォーレン、そして後にイリノイ・ジャケ、ポール・ゴンザルベス、ラッキー・トンプソンなど、多くの著名なメンバーが参加しました。

このオーケストラは、ピアノのベイシー、ドラムのジョー・ジョーンズ、ベースのウォルター・ペイジ、ギターのフレディ・グリーンからなるリズム隊でもよく知られていた。リズム隊は現代のビッグバンドのサウンドを定義することになり、ジョーンズはベースドラムからハイハットシンバルに拍子の役割を変えた最初のドラマーの一人であり、^[10]ペイジはウォーキングベースラインの先駆者であり、グリーンはコードを4小節に弾き、しばしば軽くミュ​​ートする「フレディ・グリーン」スタイルのギター演奏を開発した。^{[2] [11]}

ベイシーズ・オーケストラは、ニール・ヘフティ、クインシー・ジョーンズ、サミー・ネスティコなどの編曲家と仕事をしたことでもよく知られている。^{[2] [12]}

ニューオーリンズやシカゴのジャズ スタイルからオーケストラ ジャズへの最も顕著な変化には、ポリフォニーからホモフォニーへの移行、楽器編成の全般的な拡張、集団即興よりも事前にアレンジされた楽曲への重点の強化などがある。1930 年より前、ビッグ バンドはトランペット、トロンボーン、サックス、クラリネットで構成され、リズム セクションはチューバ、バンジョー、ピアノ、ドラムで構成されていた。初期のビッグ バンドは、通常、伝統的なジャズの 2 ビートのグルーヴを中心に構成された 32 小節のポピュラー ソングまたは 12 小節のブルースを演奏していた。しかし、ビッグ バンドというジャンルが進化するにつれて、4 ビートのスウィング リズムが最も大きな変化となった。これは、リズム セクションの楽器編成の変更、弦ベースの導入、バンジョーからギターへの変更によるところが大きい。最後に、アンサンブルの演奏を編成する音楽アレンジは、ヘッドアレンジメントを利用した「リフアプローチ」に基づいていました。ヘッドアレンジメントは、アフリカ系アメリカ人の音楽に典型的なコールアンドレスポンスを採用しています。各オーケストラセクションは、他のセクションのフレーズに応答して、特定のリフをハーモニーします。^[6]したがって、オーケストラジャズの曲は、重層的な演奏のハーモニーコミュニケーションによって構築され解放されるこの緊張を通じて論理的に進行しました。^[2]