美術学校

美術学校は、視覚芸術とデザインの実践と関連理論に主眼を置いた教育機関です。これには、特にイラストレーション、絵画、現代美術、彫刻、グラフィック デザインなどの美術が含まれます。美術学校は独立している場合もあれば、大学などの大規模な機関内で運営されている場合もあります。美術館と提携している学校もあります。

美術学校は、初等、中等、高等、学部、大学院のプログラムを提供でき、また幅広いプログラム（教養や科学など）を提供することもできます。西洋では、美術学校のカリキュラムには6つの主要な時期があり、^[1]それぞれが世界中のあらゆる教育レベルを通じて近代的な制度の発展に貢献してきました。美術学校では、多くの生徒にさまざまな非学術的なスキルも教えています。

ニコラス・ホートンは、西洋の芸術と芸術教育の伝統において、6つの決定的な歴史的美術学校のカリキュラムを特定しています。「徒弟、学術、形式主義、表現、概念、専門家」です。^{[1] [2]} これらのカリキュラムはそれぞれ、現代の美術学校の教育方法だけでなく、学生が芸術について学ぶ方法にも役立っています。

1980年代に、美術学校が正当な大学として認識されるようになった。^{[3] [要引用]}それ以前は、美術プログラムは純粋に課外活動として使用され、^{[要引用] [4]} 作品を評価する方法はありませんでした。しかし、1980年代以降、美術プログラムは評価可能な正当なコースとして、さまざまな種類の学校や大学に統合されました。これにより、現代の美術学生の創造性が弱まったと主張する人がいる一方で、これは美術を他の科目と比較して平等に扱う方法であると考える人もいます。^[5]

徒弟制度では、美学と機能の融合として芸術を教えます。通常、生徒は食事と住居と引き換えに、すでに何らかの職業に熟練している人に弟子入りします。多くのオールド マスターは、この方法で訓練を受け、職業を学ぶために教師のスタイルで模写したり絵を描いたりしました。徒弟制度が終わると、生徒は今日「傑作」と呼ばれるものを作ることで、学んだことを証明しなければなりませんでした。現代の学校教育では、写真や版画を含む実践的な芸術の授業でこれを見ることができます。^[1]

アカデミックなカリキュラムは16世紀のイタリアルネサンス時代に始まり、この時代に最も初期の美術アカデミーがいくつか設立されました。19世紀まで、これらのアカデミーはヨーロッパと北アメリカの両方で増加し、芸術は才能と知性の両方に関するものになり始めました。^[1]

形式主義のカリキュラムは20世紀半ばに始まり、「色、形、質感、線、そして素材や媒体の特定の特性への関心」といった芸術作品の基本的な要素に重点が置かれました。^{[1]このカリキュラムは、}バウハウスの人気の高さを反映していることで最も知られています。それは、当時広まっていた論理、数学、そして「新プラトン主義」に基づいていました。 ^[1]

表現主義のカリキュラムは形式主義のカリキュラムと同時期に始まったが^[要出典] 、芸術の全く異なる側面に焦点を当てている。芸術作品の文字通りの要素に関心を持つのではなく、表現主義のカリキュラムは生徒に感情を表現し、自発性を練習することを奨励した。これはルネッサンス期を通じてロマン主義が高まったためである。 ^[1]

概念的なカリキュラムは20世紀後半に始まり、芸術作品の制作だけでなく、作品の背景にある思考過程の提示と説明にも重点が置かれました。これは、教育目的で他人の作品を批評するというアイデアが北米で普及した時期です（このコンセプトはヨーロッパではすぐに廃止されました）。これは現代の美術学校のプログラムのモデルとなっています。^[1]

20 世紀末には、美術学校で専門的なカリキュラムが登場し始めました。これらのカリキュラムでは、ビジネスの観点から芸術性を学生に教え、作品自体における現代のポップ カルチャーに焦点を当てるのが一般的です。これらのプログラムは、学生に自分自身と自分の作品の両方を宣伝する方法を教えるために設計されています^[要出典]。

現代の美術学校のプログラムには、多種多様な芸術媒体とスタイルが統合されています。教えられているさまざまな媒体には、絵画、版画、デッサンとイラスト、演劇、彫刻などがあります。より新しいプログラムには、グラフィックデザイン、映画制作、グラフィティアート、特定の種類のデジタルメディアが含まれます。^[3]一部の美術学校では、ビデオゲームデザイン、写真、ファッションデザイン、テキスタイルデザイン、コンセプチュアルアート、ウェブデザイン、建築デザインとエンジニアリング、ジャーナリズム、ソーシャルメディアなどの分野が取り上げられています。一部の学校では、陶芸、刺繍、版画、金属細工、建築工芸などの工芸の伝統を継承しています。

多くは、文化人類学、文化理論、地域文化と世界文化における芸術の伝統の歴史を含む文化史、デザイン理論、マーケティングコミュニケーション、顧客プロファイリング、生産関連の技術科目などのビジネスおよび産業研究などの理論的科目をカバーしています。

近年、多くの美術学校がカリキュラムの一部またはすべてをオンラインで提供し始めており、その性質上、国境を越えた取り組みとなっている。その中には、ピッツバーグ・アート・インスティテュート・オブ・ピッツバーグ・オンラインやアカデミー・オブ・アート大学などがある。^[6]対面式の学校と同様に、専攻科目の多くは、Photoshop、Illustrator、3D-Studio Maxで作成された作品など、コンピューターベースの作業を伴う。これらの資料の提出と審査は、対面式の授業でもオンライン授業でも実質的に同じように進められる。オンライン授業で従来の描画やその他の資料の提出が求められる場合、通常は写真撮影またはスキャンが行われ、講師による提出と審査が行われる。

国際美術デザイン教育ジャーナルによると、「主流の教育環境は、描画行動とそれに関連する感情的利益をより大きく促進する可能性がある」とのことです。^{[7]ブライアン・グッドウィンによる「}モーツァルト効果」に焦点を当てた研究では、クラシック音楽を聴くことは精神的および知的発達に有益であるという考えを指し、美術教育はあらゆる年齢の生徒にとって有益であることがわかりました。^{[8]教育の中で音楽と美術の両方を学ぶことは、} PTSD、不安、うつ病の症状を処理するのに役立つことがわかりました。^[8]

米国では、美術学士号または美術修士号を授与する美術・デザイン学校は、多少の重複とバリエーションはあるものの、基本的なタイプに分類されます。

最も評価の高い学校は、1991年に設立された独立芸術デザイン大学協会（AICAD）と呼ばれるコンソーシアムに属しています。これらの学校は、芸術とデザインのコースに加えて教養科目の強力な要素を要求し、総合的な大学の学位を提供するという点で、営利目的の職業学校とは異なります。

また、シカゴ美術館附属美術大学とルーズベルト大学との提携、^[9]サフォーク大学のニューイングランド美術デザイン学校、レスリー大学のボストン美術館附属美術大学、ブラウン大学のロードアイランド・スクール・オブ・デザイン、ジョンズ・ホプキンス大学のメリーランド美術大学、ジョージ・ワシントン大学のコーコラン美術大学、タフツ大学のボストン美術館附属美術大学、テンプル大学のタイラー美術学校、ニュースクール大学のパーソンズ美術大学、インディアナ大学のヘロン美術学校など、美術学校と大学の間にも提携関係がある。

米国には、ニューヨーク州立大学システムに属するファッション工科大学と、マサチューセッツ芸術デザイン大学の少なくとも2つの州立独立美術学校があります。

ニューヨーク市のクーパー ユニオンは、最も選抜の厳しい芸術学校の 1 つで、入学者数は 4% で、すべての学生が半額の奨学金を受けています。イェール大学のイェール芸術学校では、2 年間の MFA プログラムで大学院クラスのみを提供しています。イェール デイリー ニュースは、2007 年 2 月 1 日木曜日、同校の 2009 年度入学希望者が 1,215 人おり、55 人の学生を受け入れる予定であると報じました。

次に規模の大きい芸術学校は、大学の大規模な芸術またはデザイン学部、学校、またはカレッジです。アイオワ州立大学のデザイン大学などのカレッジの場合は通常、スタジオアート、グラフィックデザイン、写真、建築、ランドスケープアーキテクチャ、インテリアデザイン、またはインテリアアーキテクチャに加えて、アート、デザイン、建築史の分野を教えるプログラムが含まれます。イリノイ大学アーバナシャンペーン校の美術・応用芸術大学やイェール大学芸術学校のように、単に芸術、建築、デザインの学校である場合もあります。バージニアコモンウェルス大学のVCU芸術学校は、3,000人を超える学生を擁し、国内最大規模の芸術学校であり、公立大学としては史上最高のランキングを獲得しています。^{[10] [11] [12]より大規模な機関である芸術学校間ではばらつきがありますが、重要な要素は、}大学のプログラムには、専門的ではあるが独立した芸術学校と比較すると、リベラルアーツコースが多く、スタジオワークが若干少ない傾向があることです。

最後の最も一般的なタイプのアートスクールは、州立または私立のプログラムで、大学または短大にあります。通常は BA プログラムですが、BFA、MA、または MFA の場合もあります。これらのプログラムは、アートのより一般的な学位を重視し、特定の分野の専攻は必須ではありませんが、集中コースを提供する場合があります。集中コースは、一部の認定機関または専門機関では、専門家として成功するための十分な準備として一部の分野で認められていません。これはグラフィック デザインの場合で、通常、最低限必要な学位はグラフィック デザインの BFA 専攻です。

学位を授与する教育機関の多くは、古典的なリアリズムやアカデミックな絵画やデッサンに関する集中的なトレーニングを提供していません。ライムアカデミーカレッジオブファインアーツは、この教育モデルの大学版であると考えられています。このギャップは、アトリエアートスクール（アーティストのスタジオ内にある学校）または別の場所にある学校によって埋められており、ニューヨークアカデミーオブアート、ナショナルアカデミーオブデザイン、ニューヨークスタジオスクール、 1805年設立のペンシルバニアアカデミーオブファインアーツ（PAFA）、 1875年設立のアートスチューデンツリーグオブニューヨークなどがその例です。

カナダには、すべて公立の独立した芸術・デザイン大学が 4 校あります。エミリー・カー芸術デザイン大学(バンクーバー)、NSCAD 大学(ハリファックス)、OCAD 大学(トロント)、アルバータ芸術デザイン大学(カルガリー) です。

エミリー・カー大学は4校の中で最も活発な研究プログラムを有しており^[13]、過去5年間で1500万ドル以上の研究費が投入されている。^[要出典] OCAD大学の研究費は2011年から2012年にかけて320万ドルに達した。^[14] 4校とも絵画から新メディア、デザインまで主要分野を教えている。過去5年間で、エミリー・カー大学は全国の学生と卒業生に与えられる主要な賞のほとんどを獲得している。^[要出典]

NSCAD大学は1887年にアンナ・レオノウェンズと他のハリファックスの女性たちによって設立された。同校は1970年代にギャリー・ケネディの指導の下、コンセプチュアルアートの革新により国際的に有名になった。規模は小さいが、 1973年にアート・イン・アメリカ誌はNSCADを「北米最高の美術学校」と評し、最近ではグローブ・アンド・メール紙は同校をカナダで「最も名声のある」学校と評した。^{[15] [16]}

マウント・アリソン大学における視覚芸術の教育は、1854年の女子アカデミーの開校にまで遡ります。それ以来、視覚芸術はカリキュラムの重要な部分を占めてきました。1941年、マウント・アリソン大学は視覚芸術の美術学士号を授与したカナダ初の大学となりました。この学部の歴史の多くは、オーエンズ美術館と直接関係しています。1895年に設立されたオーエンズは、カナダ最古の大学美術館であり、19世紀、20世紀、21世紀にわたる重要なコレクションを所蔵しています。1965年に学部がガードナー美術ビル内の独自の場所に移転するまで、学部はギャラリーに収容されていました。それ以来、ギャラリーは大幅に改装され、大学と地域社会の両方に役立つ、沿海地方最大級のギャラリーの1つになりました。 2014年、同学科はパーディ・クロフォード芸術センター内の最新鋭の現代スタジオ施設に移転した。そして2020年には慈善団体の支援によりピエール・ラソンド美術学校が設立され、同プログラムの長年にわたる芸術への支援の歴史をさらに発展させている。^[17]

クロード・ワトソン芸術学校とカレン・ケイン芸術学校は、オンタリオ州トロントにある中学生向けの公立芸術学校です。これらの学校は、アール・ヘイグ中等学校のクロード・ワトソン プログラム、エトビコ芸術学校、ローズデール・ハイツ芸術学校、ウェックスフォード芸術学校、カトリックのカーディナル・カーター芸術アカデミーによって継続されています。

ブランプトンでは、メイフィールド中等学校の地域芸術プログラムが公立高校レベルの芸術学校を提供しています。ミシサガのカウトラパーク中等学校も公立高校レベルの芸術学校内で地域芸術プログラムを提供しています。セント・ロック・カトリック中等学校とセント・トーマス・アクィナス中等学校はカトリック高校レベルの地域芸術プログラムを提供しています。

オタワのアーバンデール地区にあるカンタベリー高等学校は、芸術に力を入れている学校です。

美術学校には、王立芸術アカデミー、シルク芸術高等学院、ラ カンブルなどがあります。

フランス最古の美術アカデミーは、1648 年にシャルル ル ブランによって設立されたパリ美術学校です。現在の公立美術学校のほとんどは、ナンシー (1708 年)、トゥールーズ (1726 年)、ルーアン (1741 年) など、2 世紀以上の歴史があります。これらの学校の一部はアカデミーと呼ばれ、偉大な画家や彫刻家の教育に専念する名門校でした。他の学校は「école gratuite de dessin」(無料のデッサン学校) と呼ばれ、芸術家や工芸家の教育に専念していました。  

現在、フランスには、学士号（DNA）と修士号（DNSEP または DNSAP）を授与する国立または地方立の公立芸術学校が 45 校あります。これらの学校は大学に属していません。

ニュルンベルク美術アカデミー(ドイツ語: Akademie der Bildenden Künste Nürnberg ) は、1662 年にヤコブ・フォン・ザンドラルトによって設立され、ドイツ語圏中央ヨーロッパで最も古い美術アカデミーです。以来、美術と応用美術は学習の主要分野を形成してきましたが、何世紀にもわたって重点はさまざまな方向に移り変わってきました。今日、学習は学際的な交流、および美術と応用分野間の対話という形をとっています。新しい学位コースと新しいメディア技術研究プログラムが、このアカデミーを支えています。

ギリシャの美術教育は、1837年に設立されたアテネ美術学校、テッサロニキ美術学校、フロリナ美術学校、ヨアニナ美術学校などの教育機関によって提供されています。これらの学校は、さまざまな視覚芸術分野のプログラムを提供しており、国の文化と芸術の遺産に大きく貢献しています。

イタリアには、国が運営する美術アカデミーが 20 校、法的に認可された私立および公立のアカデミーが 18 校あります。フィレンツェにあるフィレンツェ美術アカデミーは、世界最古の美術アカデミーです。これらのアカデミーはすべて、すべての音楽学校、音楽研究機関、その他の教育機関とともに、イタリア大学研究省の AFAM (Alta Formazione Artistica, Musicale e Coreutica) と呼ばれる特定の部門に集まっています。

ハーグ王立美術アカデミーは 1682 年に設立され、オランダ最大かつ最古の美術機関です。アイントホーフェン デザイン アカデミーは 1955 年に設立されました。ヘリット リートフェルト アカデミーは 1924 年にアムステルダムで設立され、当時はデ スティルとバウハウスに重点が置かれていました。

スウェーデンでは、18 世紀前半から美術学校の歴史があります。学生は、1735 年に設立された王立美術研究所に通うことができます。1844 年に日曜職人のためのパートタイムの美術学校として設立された「コンストファック」として知られる芸術・工芸・デザイン大学は、陶芸、ガラス、織物、金属加工などの学士号と修士号を取得できる芸術大学です。  

ヨーテボリ、マルメ、ウメオにも大学に付属する高等美術学校があります。

英国の美術教育には、1837 年に設立された王立美術大学や、スレイド美術学校、グラスゴー美術学校などの名門校などの教育機関があります。これらの教育機関は、さまざまな芸術分野で包括的なプログラムを提供しています。

おそらく、一般的に「美術学校」の定義に最も当てはまると感じられるのは、継続教育と高等教育の両方の境界を越えてコースを提供する自治的な美術大学または美術学校であり、英国美術デザイン機関協会の傘下には約 18 校あります。その他にも、より大規模で専門分野を限定しない大学と密接に結びついた存在 (スレイド美術学校など) も存在します。どちらの方向性の美術学校も、16 歳以降から大学院レベルまで幅広い機会を提供できる体制が整っています。

カレッジの範囲は、主に継続教育機関から研究主導の専門機関まで多岐にわたります。たとえば、ロンドン芸術大学は、以前は独立していたロンドンの6つの学校で構成される連邦構造の機関です。これらには、キャンバーウェル・カレッジ・オブ・アーツ、セントラル・セント・マーチンズ、チェルシー・カレッジ・オブ・アーツ、ロンドン・カレッジ・オブ・コミュニケーション、ロンドン・カレッジ・オブ・ファッション、ウィンブルドン・カレッジ・オブ・アーツが含まれます。他には、スレイド美術学校、レイブンズボーン大学ロンドン、ロイヤル・カレッジ・オブ・アート、ロンドン大学ゴールドスミス・カレッジがあり、それぞれが1つのカレッジ部門の下で学部生と大学院生の学位を授与しています。学位授与部門を持ち、大学院生の学位に特に重点を置いているロイヤル・カレッジ・オブ・アートは、最も特異な例外です。

ロンドン以外の英国の美術学校としては、ボーンマス芸術大学、コベントリー芸術デザイン学校、 クリエイティブアーツ大学、ダンカン・オブ・ジョーダンストーン芸術デザイン大学、エディンバラ芸術大学（エディンバラ大学の一部）、グラスゴー芸術学校、グレイ芸術学校、ヘレフォード芸術大学、リーズ芸術大学、リバプール芸術学校（リバプール・ジョン・ムーアズ大学の一部）、ラフバラー大学芸術デザイン学校、マンチェスター芸術学校（マンチェスター・メトロポリタン大学の一部）、ノーリッチ芸術大学、モレー芸術学校（ハイランド・アンド・アイランズ大学）、ノーザン・スクール・オブ・アート、プリマス芸術デザイン大学などがあります。

1970 年代以降、この分野では学位が卒業証書に代わり最高レベルの資格となりました。

完全に独立した機関の場合、大学と連携して学位認定契約を結ぶことは、文学士（優等学位）レベル以上では長年の慣例となっている。総合大学が視覚芸術のプログラムを提供するのが一般的な傾向であり、以前は独立していた芸術学校がそのような学位を提供するために専門学校や大学と合併した。これに対する注目すべき例外は、シティ＆ギルド・オブ・ロンドン・アート・スクールである。これは、彫刻や保存などの関連分野と美術のみに焦点を当てた独立した芸術学校である。いくつかの芸術学校は、ボーンマス芸術大学、クリエイティブ・アーツ大学、ロンドン芸術大学、ノーリッチ芸術大学など、大学の地位を獲得している。一方、コートールド美術研究所、リーズ・カレッジ・オブ・アート、ロイヤル・カレッジ・オブ・アートは公認機関であり、学位授与権を持つものもある。^[18]

英国の専門機関のほとんどは、通常は政府の取り組みから始まり、19 世紀以降にまで歴史を遡ることができます。

インドネシア初の美術学校は、バンドンにあるインドネシア大学（インドネシア語：インドネシア大学工科大学）の技術学部の一部である技術専門学校でした。この学校は、1947年にサイモン・アドミラル（ジャカルタ・リセウムの美術教師）とリース・ムルダー（オランダの芸術家）によって設立されました。現在、この学校は、以前の学校と同じ場所にあるバンドン工科大学の美術デザイン学部に統合されています。技術専門学校の設立に続いて、1950年にジョグジャカルタにASRI（インドネシア視覚芸術アカデミー）が開校しました。現在はISIジョグジャカルタです。 ISI スラカルタ、ISBI デンパサール、ISBI アチェ、ISBI パプア、ISBI カリマンタン、ISBI バンドンなど、すべての主要な島/都市に ISI (インドネシア美術研究所) と ISBI (インドネシア芸術文化研究所) が設立され、現在、インドネシアのすべての主要な島に著名な美術学校があります。インドネシアには、Institut Kesenian Jakarta (ジャカルタ芸術研究所)、バンドンのテルコム大学、そしてマラナタ大学にも視覚芸術プログラムという著名な私立美術学校/プログラムもあります。

オーストラリアの美術学校は、1980年代後半のドーキンス高等教育改革の結果、ほとんどがオーストラリアの大学内に設置されている。 ^[19]ドーキンス改革以前は、大学を拠点とする美術学校と単一分野の美術大学が混在していた。^[20]現在、美術学校は、オーストラリア大学美術デザイン学校協議会（ACUADS）という最高機関によって代表されている。同協議会は1981年に設立され、当初は全国美術デザイン学校長協議会と呼ばれていた。^[21] ACUADSには30の会員がいる。^[22]

オーストラリアにはジュリアン・アシュトン美術学校などの他の美術学校もあるが、それらはTEQSAの認定を受けておらず、学位を授与していないか、大学制度の外にある私立の営利目的の機関である。^[23]