ストリングセクション

オーケストラの弦楽器セクションは、バイオリン族に属する擦弦楽器で構成されています。通常は、第 1 および第 2バイオリン、ビオラ、チェロ、コントラバスで構成されます。これは、標準的なオーケストラの中で最も人数が多いグループです。音楽作品の楽器編成について議論する場合、「弦楽器」または「および弦楽器」という語句は、上記のように定義された弦楽器セクションを示すために使用されます。弦楽器セクションのみで構成されるオーケストラは、弦楽オーケストラと呼ばれます。ジャズ、ポップ、ロック音楽やミュージカル劇場のピットオーケストラでは、より小規模な弦楽器セクションが使用されることがあります。

2000年代に最も一般的な座席配置は、第1バイオリン、第2バイオリン、ビオラ、チェロのセクションが指揮者の周りに時計回りに並び、ベースがチェロの右後ろに座るというものである。^[1]第1バイオリンはコンサートマスター（英国ではリーダー）が指揮する。他の各弦楽セクションにも首席奏者（首席第2バイオリン、首席ビオラ、首席チェロ、首席ベース）がおり、セクションのオーケストラソロを演奏し、入場をリードし、場合によってはセクションのボウイングを決定する（コンサートマスター/リーダーはすべての弦楽器のボウイングを設定することも、高弦楽器のみのボウイングを設定することもできる）。首席弦楽器奏者は、セクションの最前列、指揮者に最も近く、観客に最も近い演奏者の列に座る。

19世紀には、第1ヴァイオリンと第2ヴァイオリンを反対側（ヴァイオリンI、チェロ、ヴィオラ、ヴァイオリンII）に配置するのが標準的だった^{[2] 。これにより、例えば}チャイコフスキーの交響曲第6番の終楽章の冒頭で、それらのパートの交差が明らかになった。スペースや人数が限られている場合は、チェロとコントラバスを中央に、ヴァイオリンとヴィオラを左側（観客に向かって）、木管楽器を右側に配置することができる。これはオーケストラピットの通常の配置である^[3]。また、作曲家が座席を指定することもあり、例えばバルトーク・ベーラの弦楽器、打楽器とチェレスタのための音楽では、ステージの両側に1つずつ交響弦楽セクションが配置されている。場合によっては、スペースの制約（オペラピットオーケストラなど）やその他の問題により、異なるレイアウトが使用されることもある。

典型的な舞台装置では、第 1 および第 2 バイオリン、ビオラ、チェロは 2 人ずつ座り、2 人の演奏者が 1 つのスタンドを共有することを「デスク」と呼びます。各首席奏者 (またはセクション リーダー) は通常、第 1 デスクの「外側」、つまり観客に最も近い位置にいます。音楽が演奏者の分割を要求する場合、そのようなディヴィジ パッセージの通常の手順は、デスクの「外側」の演奏者 (観客に近い方) が上部のパートを、「内側」の演奏者が下部のパートを担当することですが、3 重ディヴィジで好まれる方法である、交互にデスクを分割することもできます。^[4]「内側」の演奏者が通常、パートのページをめくり、「外側」の演奏者が演奏を続けます。重要な音楽パートでページめくりが発生する場合、現代の演奏者は、音楽の重要度の低い部分でページめくりが発生するように、楽譜の一部をコピーすることがあります。

コントラバス セクションのセットアップには、セクションのサイズとステージのサイズに応じて、より多くのバリエーションがあります。コントラバスは、チェロの後ろに弧を描くように配置されるのが一般的で、立ったり高いスツールに座ったりして、通常は 2 人の演奏者が 1 つのスタンドを共有します。ただし、楽器の幅が広いため、各演奏者が自分のスタンドを持つ方が簡単な場合もあります。コントラバスの数はチェロほど多くないため、1 列に並べるか、セクションが大きい場合は 2 列に並べ、2 列目を 1 列目の後ろに配置します。オーケストラによっては、弦楽器セクションの一部または全部を木製のライザー (演奏者を持ち上げるためのプラットフォーム) の上に置くことがあります。

弦楽セクションのサイズは、（例えば）10–10–8–10–6 のような式で表され、第1バイオリン、第2バイオリン、ビオラ、チェロ、ベースの数を示します。この数字は幅広く変化することがあります。ワーグナーの『ワルキューレ』では16–16–12–12–8 と指定しています。^[5]ダリウス・ミヨーの『世界の創造』の吹奏楽団は1–1–0–1–1 です。^[6]一般に、バロック時代（1600 年頃 - 1750 年）や古典派音楽（1720 年頃 - 1800 年）の音楽では、より小規模な弦楽セクションが使用され（現代でも多くの場合、より小規模な弦楽セクションを使用して演奏されています） 、ロマン派時代（1800 年頃 - 1910 年）には、弦楽セクションが大幅に拡大され、この時代からオーケストラ音楽で使用されていた大規模な金管楽器セクションの音量に匹敵する、より大きく豊かな弦楽器の音を出すことができました。近代には、より小規模な弦楽セクションを要求する作曲家もいました。一部の地方オーケストラ、アマチュアオーケストラ、ユースオーケストラでは、十分な数の弦楽器奏者を見つけることが難しいため、弦楽セクションが比較的小規模になることがあります。

弦楽セクションの音楽は必ずしも 5 つのパートで書かれるわけではありません。以下で説明するバリエーションのほかに、クラシック オーケストラでは「五重奏」はしばしば「四重奏」と呼ばれ、ベースとチェロが一緒に演奏されます。

コントラバスセクションの役割は19世紀に大きく進化した。古典派時代の管弦楽曲では、コントラバスとチェロは通常同じパートを演奏し、「Bassi」と表記される。^[7]楽器の音域を考えると、コントラバス奏者とチェロ奏者が同じパートを演奏する場合、コントラバス奏者はチェロパートを1オクターブ低く演奏することになる。モーツァルトやハイドンではチェロのみのパッセージ（senza bassiと表記）が一般的であるが、ベートーヴェンやロッシーニでは両楽器の独立したパートが頻繁に登場し、ヴェルディやワーグナーの後期の作品でも一般的となった。

ハイドンのオラトリオ『天地創造』で、神が動物に子を生め、増えよと告げる音楽は、バイオリンを省き、ビオラとチェロのセクションに分けることで、豊かで暗い音色を実現している。バイオリンのない有名な作品には、バッハのブランデンブルク協奏曲第6番、ブラームスのセレナーデ第2番、ブラームスのドイツ・レクイエム第1楽章、アンドリュー・ロイド・ウェバーのレクイエム、フィリップ・グラスのオペラ『アクナーテン』などがある。フォーレのレクイエムとジャン・ラシーヌの歌のオリジナル版にはバイオリンのパートがなく、第1、第2ビオラと、第1、第2チェロのパートがあったが、後に出版社によってオプションのバイオリンパートが追加された。ジャチント・シェルシ​​の管弦楽曲の中には、バイオリンを省き、低弦のみを使用しているものもある。

ダリウス・ミヨーの『La crèation du monde』にはヴィオラのパートがありません。

ストラヴィンスキーの『詩篇交響曲』にはヴァイオリンやビオラのパートはない。^[8]
グバイドゥーリナの『ファゴットと低弦楽器のための協奏曲』にはヴァイオリンやビオラのパートはない。

リヒャルト・シュトラウスの『エレクトラ』（1909年）と『ヨゼフの伝説』、ショスタコーヴィチの交響曲第5番の第3楽章、ヘンデルの戴冠式賛歌のいくつかは、バイオリンが3つに分割されている顕著な例です。^[要出典]

「弦楽器セクション」は、ロック、ポップ、ジャズ、商業音楽で使用される擦弦楽器のグループを表すためにも使用されます。 ^[9]この文脈では、弦楽器セクションのサイズと構成は、クラシックの補完楽器よりも標準化されておらず、通常は小さくなります。^[10]