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| アリーナロック | |
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| その他の名前 |
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| 文体の起源 | |
| 文化的起源 | 1960年代から1970年代半ば |
| その他のトピック | |
アリーナロック（ AOR、メロディックロック、ポンプロック、スタジアムロック、コーポレートロック、ダッドロックとも呼ばれる）[1] [注 1]は、1970年代に主流となったロック音楽のスタイルです。通常は、大勢の聴衆に向けて演奏されることを目的とし た、ラジオ向きのロック音楽です。
ハードロックやポップロックの人気が高まるにつれ、グループは観客や大規模なコンサートでのパフォーマンスを前提とした素材を作り始めた。アリーナロックもまた、ラジオで流すことを意図した、より商業志向のサウンドを使用することから発展した。アップビートでドラマチックな曲とスローなパワーバラードの両方を含む高度にプロデュースされた音楽は、メロディーを重視し、頻繁にアンセミックな コーラスを採用している。[3]その他の大きな特徴としては、ギターエフェクトが目立つことと、キーボード楽器を使用していることがあげられる。[4] [5] [6]アリーナロックの歌詞の典型的なテーマには、愛、失恋、不安、感傷などがある。[7]
上記のレッテルの多くは軽蔑的に使われており[4] [8] [6]、音楽批評に関する議論では、ミュージシャンがロックのスペクタクルと大衆へのアピールに重点を置くことで、芸術的価値が損なわれるのではないかという問題、特に「中流階級」の人々の関心と他のリスナーの関心の違いについて掘り下げられることが多い。[4] [8]アリーナロックへの関心は、カナダか米国に住む労働者階級から中流階級の男性（いわゆる「ヤッピー」を含む）と典型的に結び付けられており[4] [5]、一部の批評ではそれが社会的地位に対する見下した偏見の根拠として挙げられている。[4]しかし、この音楽スタイルは、特にツアーの面で世界中で大成功を収めている。[3] [4] [5]
特徴
歴史家のゲイリー・A・ドナルドソンは、アリーナロックを「大きな髪、大きな声、そして本当に大きなギター」と総括している。より生々しく時代遅れのアプローチをとる他の種類の音楽とは対照的に、アリーナロックのミュージシャンはドラマチックな演出を重視する。バンドは意図的に大勢の聴衆に向けて楽曲をデザインしており、曲はメロディーに重点を置き、耳障りなコーラスを特徴としていることが多い。ギターエフェクトとキーボード楽器の使用は、このジャンルの重要な要素である。[4] [5] [6]花火大会、煙の使用、洗練された照明方法は、アリーナロックとして知られるものの視覚的美学の一部となっている。[9]
発展と人気
1960年代～1970年代
ジャンルの違いにもかかわらず、ビートルズが米国で演奏した際に彼らを迎えたビートルマニアと大勢の歓声を上げる群衆は、アリーナロックに影響を与えた。特に、ミュージシャンとしての自分たちと大衆の根源的なニーズとの関係についてのアーティストの複雑な見解に影響を与えた。 [10]ロックスタイルの台頭は、1969年の悪名高いオルタモント・フリー・コンサートの後の幻滅後、特にヒッピー型の理想主義的な1960年代文化の終焉を意味し、より商業的でありながらも自信と声高さを残した新しい音楽表現の形を表した。[10]数百人が負傷し、1人が死亡したこのコンサートは、「10年間の精神的死」と評されている。[11]
1960年代末から1970年代中頃にかけて、技術の進歩により、音質を落とさずに増幅と音響システムのパワーを増大させることが可能となり、ハードロックバンドはより大きな会場を利用できるようになりました。アリーナロックの誕生はローリングストーンズの1969年米国ツアーによるものとし、ガーディアン紙はロックミュージック史上の重要イベント50選でこのツアーを19位にランク付けしました。[12]ツアー前、大勢の観客が集まるショーで最も大きな音を出すのは観客であることが多かったため、ストーンズは最大のアリーナで自分たちの姿が見え、聞こえるように照明と音響システムを整えました。ガーディアン紙は、彼らの「フロントの卓越性と舞台裏の巧妙さの組み合わせが、ツアービジネスをまったく新しいレベルに引き上げた」と述べています。[12]
ミシガン州フリント生まれのグランド・ファンク・レイルロードは、 1969年のデビューアルバムのリリース時に全国ツアーを行ったことから「大衆のバンド」として宣伝し、短期間でジョージア州で約12万5千人、テキサス州で約18万人を動員した。ハードロックはヘビーメタル音楽やアリーナロックのスタイルに影響を与えたが、70年代後半から80年代前半にかけてロックの主流を支配していた大音量と重厚なサウンドを重視する点は共通していた。[10]
スティクス、トト、ジャーニー、REOスピードワゴン、ボストンなどのバンドは、1970年代後半から1980年代前半にかけて人気のアリーナロックバンドでした。[13]
アリーナロックの人気は、1970年代以降、音楽界で「支配的な勢力」と評され、[14]数々の音楽的反応をもたらした。イギリスのパブロック運動は、小規模なイベントを重視し、演奏者と観客の友好的で親密なつながりを促進することを目的としたことから、主に勃興した。[15] 1970年代のパンクロックとパンクサブカルチャーの爆発的な増加は、当時の主流ロックの過剰と認識された傾向に直接挑戦した。[16]
1980年代～1990年代
ロックの殿堂は、その後の10年間、特に1980年代後半は「商業的な放送の観点からハードロックの黄金時代と考えられている」と述べています。[17]
1970年代の音楽は、以前の数十年と比較して哲学的な関心の変化を反映していることが多く、集団主義的な社会活動への関心と比較して、個人の成長、個人的な啓示、自己改善がより重視されるようになりました。軽蔑的に「ミー・ディケイド」と呼ばれるようになったこの時期、ロックのリリースは快楽主義的で自己満足的な放棄を頻繁に祝いました。多くのアーティストも、特に独立についてのアンセムのような曲で、個人のインスピレーションと達成に基づいたアリーナロックのサウンドを追求しました。[4] [10] 1980年代以降のトレンドの変化に関して、このスタイルは大衆ポップカルチャーの魅力という点で基本的にディスコに取って代わりました。[5]
その期間、[漠然とした]アリーナロックは、メロディアスでパフォーマンス重視でありながら、はるかに攻撃的で対立的な方向に進化しました。主流のロックは、これらのヘアメタル（「グラムメタル」や「ポップメタル」としても知られる）バンドによって支配されるようになり、音楽とビジュアルの両方に大きな重点が置かれていました。派手な服装、濃いメイク、ドラマチックなヘアスタイルなどの要素が一般的になりました。このジャンルの著名な例としては、デフ・レパード、モトリー・クルー、ポイズンなどがあります。彼らの人気は、 1990年代初頭のニルヴァーナの成功に影響を受けたアーティストを中心に、さらにアグレッシブなサウンドで大衆の意識に浸透し始めたオルタナティブロックやグランジバンドの成功後に急落しました。[18] [19]
ウェブサイトAllMusicは、「オルタナティブロック以後、昔ながらのハードロックは希少な商品となった。グランジ以降、多くのギターバンドは自意識過剰で真面目な態度をとっただけでなく、拳を突き上げてアリーナで演奏できるようなコーラスを書きたいという衝動に抵抗した」と述べている。[14]多くのアーティストがカルト的なファンに向けて演奏を続けている。[18] [19]特にボン・ジョヴィやヴァン・ヘイレンといったバンドは、1990年代まで商業的に大きな成功を収めた。 [20] [注2] 90年代後半から2000年代にかけて、クリードやニッケルバックといったポストグランジのバンドが、アリーナロックのアンセムとして成功を収めた。[22]
批判的な視点
ケープブレトン大学の民族音楽学者クリス・マクドナルドは、音楽評論家が軽蔑的にミュージシャンを「アリーナロック」や「オールドウェーブ」と分類するのは、モダニズムの影響を受けた階級主義の背景に由来すると主張している。したがって、ファンが白人、労働者階級から中流階級で構成されていることを考えると、市場の力を軽蔑しながら高級文化に焦点を当てた批評家の目を通して、大衆の人気は、認識されている芸術的価値に対する反論として提示される。カナダの3人組バンド、ラッシュに焦点を当て、ミュージシャンがロックのスペクタクルに焦点を当てているためにグループが「素晴らしいが空虚」であると酷評されるのは、彼らの音楽を聴く「中流階級」の大衆に対する批評家の心理的距離の結果であると述べた。[4]
1970年代の大規模なツアーやコンサートに商業的なスポンサーシップを利用したことは今でも続いているが、この音楽は「企業ロック」という軽蔑的なレッテルを貼られることになった。[23] [8] [6]作家のクリス・スミスは、このスタイルはリスナーを非人間化し、ミュージシャンと真に交流するのではなく受動的な受け手として設定し、さらにさまざまなバンドを均質化された製品のような立場に置くと主張した。[8]また、本質的に悪意のある資本主義のプロパガンダと見なされてきた。[23]流行の発信者が特定のグループを「ダサい」と判断することと、その大衆の支持との間には隔たりがあり、このスタイルが始まった1960年代末から存在しており、[10]「ダッドロック」など、他にもさまざまな軽蔑的な用語が使われてきた。[注 3] [6]
批判をわざと無視し、エリートに対抗する民衆を代表すると主張することは、音楽のマーケティングで利用されてきた。[10]アリーナ ロックはいわゆる「ヤッピー」や彼らの派手な消費と関連付けられており、このスタイルはメディアで中傷され、嘲笑的な風刺やその他の種類の嘲笑の対象になることが多いグループと結び付けられている。しかし、歴史家ゲイリー A. ドナルドソンが指摘したように、この音楽は衰退しつつあったディスコのジャンルを凌駕し、関連バンドは世界中をツアーして成功を収めた。[5]
参照
説明ノート
- ^ 少なくとも一部の著者は用語をわずかに区別しており、例えばクラシックロックのマルコム・ドームはポンプロックを「プログレに見放され、AORに孤児にされた子供」と呼んでいる。[2]
- ^ グループ間のサウンドの直接的な連続性の一例としては、1988年にエアロスミスがガンズ・アンド・ローゼズ（GnR）にツアーの機会を与え、彼らの最初の大規模な公演を行ったことが挙げられる。このとき、GnRのギタリスト、スラッシュが、両者の共通のアリーナ向きのスタイルを適応させ、拡大した。[21]ロックの殿堂は、9分間のGnRシングル「November Rain」とそのミュージックビデオが「ステージ上でもステージ外でも、アリーナロックレベルの豪華なプロダクションが可能なミュージシャンのグループとしてバンドを確固たるものにした」と評している。バンドは1992年のMTVビデオミュージックアワードで、1970年代にアリーナロックムーブメントで有名になったミュージシャン、エルトン・ジョン[17]と並んでこの曲を演奏したことで有名である。[10]
- ^ 「ダッドロック」という用語は、ピッチフォークの音楽評論家ロブ・ミッチャムがウィルコのアルバム『スカイ・ブルー・スカイ』 （2007年）の不満なレビューで作ったものである。彼は後にこの用語に反対するようになった。[24]
参考文献
引用
- ^ Crystal 2014、p. 220、ポンプロックの定義を参照。「アリーナロック：『ポンプロック、メロディックロック、アンセムロック、スタジアムロック、またはAORとも呼ばれる』 [...] [音楽評論家]は、1970年代にはコーポレートロック、1990年代にはダッドロック などの否定的な表現を使用していました。Donaldson 2009、p. 248、「それは「アリーナロック」または時には「アンセムロック」と呼ばれていました」。Joyner 2008、p. 261、「ハードロックとヘビーメタルは、一般的にスタジアムロックまたはアリーナロックと呼ばれる、より魅力的でハイプロダクションのジャンルに進化しました」。
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愛や苦悩について過度に感傷的な曲を書くロック バンドが含まれます。マライア キャリーがジャーニーの曲「Open Arms」をカバーしたという事実は、これら 2 つのメロドラマ的なジャンルの互換性を示しています。このつながりを裏付けるさらなる証拠は、[カナダの文化評論家カール] ウィルソンの「セリーヌ [ディオン] の主力形式であるパワーバラードは、1960 年代に追放された感傷的衝動を回復させるのに最も貢献した 1970 年代のアリーナロックの発明だった」という見解である (2007: 66)。ニッケルバックなどの最近のアリーナロックバンドは、恋愛に対してロマンティックというよりは軽蔑的な見方をしている。しかし、「This Is How You Remind Me」などの曲は、失恋に対する同様のこだわりを示しており、アリーナロックのアンセム的な伝統と一致しており、同様に詩的な陳腐さについて批判されている。
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ラジオから少しずつ流れてきたような音楽を聴いて育った若いミュージシャンの世代は、何がうまくいって何がうまくいかないかを見極めるのにそれほど時間はかからなかった。彼らはパール・ジャムを真似したが、それは必ずしも悪い考えではなかった。しかし、彼らは、より芸術的な音楽が、彼らの最初のアルバムの重厚なアリーナ・アンセムほど売れないことに気づいた。彼らはサウンドガーデンを真似したが、それはそれ自体素晴らしい追求だったが、そのバンドの曲の複雑さを考慮に入れなかった。これらの若いミュージシャンは、クリードやニッケルバックなどのバンドを結成し、リスナーは凡庸さを追求する軟弱な志願者たちの世代全体に悩まされた。彼らのアルバムは何百万枚も売れたが、彼らの先祖が打ち負かすために必死に戦ったヘアメタルバンドと同じくらい中身がなかった。
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