アウト・オブ・タイム（アルバム）

「Radio Song 」は、バンドの楽器演奏やボーカルではなく、ブギー・ダウン・プロダクションズのKRS-Oneによる語りで始まる。これは、ビル・ベリーのドラム、ピーター・バックのギター、マイク・ミルズのベース、マイケル・スタイプのボーカルがフィーチャーされることが多い、このグループの典型的なイントロダクションからの逸脱である。KRS-Oneの最初の言葉の後、アレンジはより馴染みのある領域へと移行し、バックのギター、ミルズのベース、スタイプのボーカルが加わる。この曲にはファンクの要素が取り入れられており、REMは以前、アルバム『Fables of the Reconstruction 』に収録されている「 Can't Get There from Here」でこのスタイルを探求していた。この場合、レコーディングに参加した人々は、ファンクの要素はより自然なものだと述べている。当初の依頼を超えて貢献を広げたKRS-Oneの参加は、バンドのメンバーによって、この曲の発展における重要な要素として挙げられている。ベリーは、この曲は力強いグルーヴに基づいているものの、KRS-Oneのパフォーマンスが加わる前はインパクトに欠けていたと指摘した。^{[ 12 ]}

この曲には他のミュージシャンも参加している。ミルズはベースとハモンドオルガンを演奏し、ピーター・ホルサップルが補助的なベースラインを提供した。キッド・ジョーダンはテナー、アルト、バリトンサックスを演奏し、プロデューサーのスコット・リットはエコーとテープループ効果を加えた。この曲はアルバムで初めてストリングスが登場した曲でもあり、マーク・ビンガムがアレンジと指揮を担当した。楽器演奏では、バックのファンクの影響を受けたギター、ベリーのシンコペーションの効いたドラム、そしてスタックス・レーベルからリリースされた録音のスタイルに似ていると評されるミルズのオルガン演奏が特徴的である。スタイプは直接性と皮肉の両方を込めた歌い方をしている。この曲の歌詞はラジオ番組の慣習、特に定型的な内容の繰り返しについて言及している。歌詞のトーンには批判が含まれているが、スタイプは後にその意図は部分的にユーモラスで自己言及的だったと述べている。^{[ 12 ]}

「Losing My Religion」は、バックの最初のアイデアから生まれた。彼はビールを飲みながら野球の試合を見てマンドリンを試奏し、その結果をブームボックスに録音した。リハーサル中、バンドはこの最初のアイデアに取り組み、ベリーは最初はベースを演奏していたが、後にドラムに切り替えた。この曲はフルバンドのアレンジに発展し、バックはマンドリンとエレクトリックオクターブギター、ミルズはベースとキーボードストリングス、ベリーはドラムとパーカッション、ホルサップルはアコースティックギターを担当した。^{[ 13 ]}ビンガムとミルズがアレンジしたストリングスは、1990年10月にジョージア州アトランタのサウンドスケープスタジオでアトランタ交響楽団のメンバーによって演奏された。 ^{[ 14 ] [ 15 ]}

タイトルとは裏腹に、この曲は文字通りの意味で宗教に言及しているわけではない。スタイプによれば、「losing my religion」というフレーズは、我慢の限界や平静さの限界に達したことを意味する南部の表現である。スタイプはこの曲を世俗的なものと表現し、「執着の歌」に分類した。このフレーズの起源について、バックは当初、作り話かもしれないと懐疑的だった。しかし、その後ニューオーリンズで出会った高齢の女性は、若い頃にこの表現を知っていたため、この言葉の信憑性が確認された。この曲は、特に「that's me in the spotlight」という歌詞のために、自伝的なものと誤解されることもある。スタイプはこの解釈を否定し、この歌詞は個人的な経験を反映する意図はなかったと述べた。彼は後に、この曲はより広範な社会状況に対するコメントとして読むことができると示唆し、初期のR.E.M.の楽曲「World Leader Pretend」で探求されたテーマの延長線上にあると指摘した。スティープは、「Losing My Religion」を書いた意図は、ポリスの「Every Breath You Take」の感情的なトーンと構成を模倣することだったと述べている。スティープによれば、その結果は、その目標を満足のいく程度に達成したという。^{[ 13 ]}

「Low」は、抑制された陰鬱なトーンが特徴です。楽曲の中心は、葬儀場を彷彿とさせるミルズのオルガンパートで、これが曲の主要なメロディーと雰囲気の基盤となっています。レコーディングにはバンドメンバー全員が参加しており、ベリーはコンガ、バックはギター、ホルサップルはベースパートを担当しています。アレンジは、ジョーダンによるバスクラリネットの演奏と、ビンガム指揮による別のストリングスアレンジによってさらに充実しています。^{[ 16 ]}

歌詞の面では、「Low」は従来のラブソングに対する批判を含んでいる。スタイプは長年ラブソングを嫌悪しており、「ひどくて人を操る」と評していた。しかしながら、この曲は「The One I Love」以来、彼が歌詞に「愛」という言葉を入れた数少ない例の一つとなった。バックはこの曲の雰囲気を特定の視覚的印象と結びつけ、霧に包まれた焚き火の周りに集まった先史時代の人々のイメージを想起させると述べた。一方、スタイプはこの曲の劇的な効果を強調し、最後の詩「君と僕、僕たちは時間について知っている」で「時間」という言葉が重要な要素として機能していると指摘した。この曲の憂鬱なトーンにもかかわらず、スタイプは後にその深刻さを軽視した。彼は歌詞はツアー中に急いでまとめられたものであり、その過程は自発的で、結果は深く内省的というよりはユーモラスなものだったと説明した。^{[ 16 ]}

REM Inside Out: The Stories Behind Every Song の著者クレイグ・ローゼンによれば、「Near Wild Heaven 」は「楽観主義でOut Of Timeを盛り上げている」。この曲では、ミルズがメインボーカルを務めており、アルバムの中でそのような例は 2 つしかない。バックによれば、この曲はミルズとスタイプによるデュエットとして機能し、両者が歌詞に貢献している。この曲はビーチ・ボーイズの影響を強く受けている。バックは、 Out of Time のレコーディングセッション中にキャピトル・レコードからビーチ・ボーイズの再発盤、特にSmiley SmileとWild Honeyのリリースが、この曲の方向性を形作った要因の一つだと述べている。お気に入りのアルバムにPet Sounds を挙げているバックは、バンドがビーチ・ボーイズのボーカルハーモニーを再現しようとした意図を認めている。彼は、ミルズとベリーが以前一緒にドライブ中にビーチ・ボーイズの曲を一緒に歌っていたことを思い出し、スタイルの参照を強調するために高音のハーモニーパートを提案したかもしれないと述べている。一方、スタイプはビーチ・ボーイズに対して複雑な感情を抱いていた。彼は『ペット・サウンズ』を聴いたのはごくわずかで、バックとミルズに勧められて聴いたと述べている。ビーチ・ボーイズのブライアン・ウィルソンの才能は認めているものの、バンドの音楽には個人的な繋がりを感じていないと述べている。^{[ 17 ]}

「Endgame」は、オーケストラのテクスチャーと最小限のボーカル要素を特徴とするインストゥルメンタル曲です。この曲にはスタイプによる「ラララ」というボーカルが含まれていますが、歌詞はありません。バックによると、この曲はもともと映画のエンドクレジットの雰囲気を喚起することを意図した「エンドタイトルシークエンス」として構想されました。スタイプは、この曲に関連するイメージとして、クラシック音楽の訓練を受けたミュージシャンに囲まれた大きなステージに座り、ギター演奏がより広いオーケストラの文脈に統合されている様子を挙げています。スタイプは「Endgame」を、生演奏のミュージシャンのために作曲する最初の重要な試みとみなしています。彼は歌詞を書く代わりに、冒頭の詩を除いて、自分の声に似ていると感じたインストゥルメンタルパートでボーカルラインを置き換えることを選択しました。スタイプは、インストゥルメンタル音楽の抽象的な可能性を強調することで、歌詞を加えることに抵抗があったと説明しています。彼の見解では、言葉を含めると解釈が制限され、固定された物語を押し付けることになり、それによって音楽の開かれた感情的な共鳴が減少する可能性があります。^{[ 18 ]}

「エンドゲーム」への注目すべき貢献の一つは、以前作曲家のヘンリー・マンシーニと共演したことのあるフリューゲルホルン奏者のセシル・ウェルチによるものだった。マンシーニの音楽を聴いて育ったと語るスタイプは、ウェルチの参加に感謝の意を表し、ウェルチのために作曲したパートはマンシーニのスタイルに非常によく似ていると指摘した。バックは、ロックミュージシャンがオーケストラの要素を取り入れるというより広い文脈について、ロックにおけるクラシックのモチーフの表面的な使用に対するジョージ・メリーの批判を引用した。バックは、「エンドゲーム」をより控えめな弦楽四重奏のアレンジに合わせることで、これらのアプローチと区別し、この曲にはクラシックに影響を受けたロック作品によく見られる大げささがないと述べた。この曲にはREMのメンバー4人全員が参加している。ベリーはパーカッション、バックはアコースティックギターとエレキギター、ミルズはベースとバックボーカル、スタイプはベースメロディカに加え、ボーカル、ホーン、ストリングスのアレンジを担当した。ホルサップルはスタイプとビンガムと共にストリングスのアレンジを手伝った。ジョーダンはこの曲でバスクラリネットとテナーサックスの両方を演奏した。^{[ 18 ]}

「Shiny Happy People」は、REMがB-52sのケイト・ピアソンと初めてコラボレーションした曲となった。ピアソンがゲストボーカルとして参加したこの曲について、スタイプは「堕胎」と表現し、ミルズはピアソンとの仕事はハイライトだったと述べている。ミルズによると、バンドはピアソンとその作品を知ってはいたものの、このレコーディング以前には彼女とコラボレーションしたことはなかったという。スタイプも彼女を「おそらく私のお気に入りの女性シンガー」と呼び、彼女への賞賛を表明した。バックは、この曲には「ばかげた歌詞」が含まれているが、それは長時間の苦労の末に生まれたものではないと指摘した。バックは、この曲をライブで演奏するつもりはないが、その自然発生的な性質にはある程度愛着があり、「そういうものだ」と述べた。彼はまた、この曲を「皮肉」とも表現した。しかし、スタイプは対照的な解釈を示し、「Shiny Happy People」を誠実な作品であり、自分が書いた中で「最も幸せな曲」だと表現した。彼は、その歌詞の響き、特に「E」の母音の多さが明るいトーンに貢献していると述べ、「この歌詞を歌ったら笑顔にならずにはいられない」と主張した。また、彼は自身を「非常に幸せな人間」だと認識していた。^{[ 19 ]}

この曲の音楽的構成には、予想外の拍子の変化が含まれており、特にイントロと曲の中間部分には3/4拍子のワルツのセクションがある。 ^{[ 19 ] [ 20 ]}ミルズはこの構造的選択について複雑な心境を表明し、「Psychotic Reaction」は曲の途中で拍子を変えることに成功した唯一の曲だと述べている。しかしながら、実験はバンドの創作過程の中核をなすものであると認めている。ベリーもこうした要素の導入を支持し、「奇抜な新しいアイデア」を取り入れることでバンドのレコーディングが魅力的で型破りなものになると述べた。彼は特に「Shiny Happy People」の拍子の変化をこうした実験の例として挙げている。^{[ 19 ]}

「Belong」は、構造的にもスタイル的にも、R.E.M.の初期のレコーディング「Voice of Harold」から影響を受けている。「Voice of Harold」は「7 Chinese Bros」の再解釈で、スタイプがオリジナルの歌詞の代わりにゴスペルのライナーノーツを朗読している。「Voice of Harold」はユーモラスなアウトテイクとして構想されたが、「Belong」はよりシリアスな文脈で同様のスポークンワードのボーカルアプローチを採用している。この曲でのスタイプのボーカルはプロのスタジオではなく、ガレージでウォークマンを使って録音された。最初のスタジオ録音の明瞭さに満足できなかった彼は、よりアンビエントなアプローチを選んだ。「明瞭すぎたし、スタジオっぽすぎた」と彼はRocklineのインタビューで語った。プロデューサーのリットのウォークマンを借りて、スタイプは賃貸住宅のガレージでボーカルパートを録音した。彼は、正体不明の大きなガスタンクがある3台分のガレージの音響が、この曲に理想的な残響を提供したと述べている。この曲のアレンジでは、ミルズとベリーのバックコーラスが際立っている。^{[ 21 ]}

歌詞は、女性とその子供を中心に展開する。ある一節で、女性が窓を開けるという描写があり、様々な解釈が飛び交ったため、スタイプは意味を明確にした。「これは窓から突き落とす歌ではないと明確にしておくことが重要だと思う」と、彼は『Pulse! 』誌のハロルド・デミュアに語った。彼は、女性が遠い出来事をきっかけに気づき、空気を吸うために窓を開ける瞬間を描いたのだと説明した。彼は、当初の草稿ではより暴力的な行為を暗示していたかもしれないと認めつつも、その解釈を避けるためにいくつかの歌詞を修正したと述べた。歌詞には「バリケードを飛び越えて海に向かう」生き物が登場するが、スタイプはこのフレーズを、より広範ではあるものの、定義されていない外部の脅威と結びつけた。彼はかつてこの曲を「おそらくアルバムの中で最も政治的な曲」と評したが、それ以上詳しく説明はしなかった。ライブでこの曲を演奏する前に、スタイプは「戦争についての別の歌だが、別の種類の戦争。より親密な種類の戦争だ」と表現した。 「Belong」の意味は解釈の余地があるものの、スタイプはこの曲を「とても気分を高揚させる」と評している。しかし、彼がその結論に至った具体的な理由については公には説明していない。^{[ 21 ]}

「Half a World Away」はアルバムの「ほろ苦いトーン」を引き継いでいる。この曲はオルガン、アコースティックギター、マンドリンをブレンドしたもので、スタイプは「これは今まで見た中で最も悲しい夕暮れかもしれない」という歌詞で曲を始める。ライブパフォーマンスでは、スタイプはこの曲を紹介する際に「これはおそらくこれまで書かれた中で最も悲しい曲だろう」と述べている。音楽的なアレンジは、当時バックがRE​​M以外で経験したことから影響を受けている。バックはフォークミュージシャンとの非公式なジャムセッションに参加し、よく家のポーチで演奏していたと語っている。「彼らと一緒にこれらの伝統的な曲を演奏していたが、これらの曲を知らない、あるいは演奏したことがないのは僕だけだった」と彼は説明した。これらのセッションはロック音楽のバックグラウンドとは異なるとしながらも、バックはこのフォーク志向の環境の要素が曲の発展に影響を与えた可能性があると示唆した。これらの影響にもかかわらず、バックはREMの音楽を伝統的なフォークとは区別している。 「私たちはフォークミュージシャンではないので、いつもどこかで失敗してしまうんです」と彼は言い、バンドの曲は通常、フォークの伝統に見られるものよりも複雑なコード構造と拍子記号を特徴としていると指摘した。^{[ 22 ]}

「Half a World Away」の楽器編成には、バンドの通常の編成を超えた貢献が含まれている。マンドリンとオルガンに加えて、ミルズはチェンバロを演奏し、曲にバロック調のテクスチャを加えている。ビンガムによるストリングスアレンジもフィーチャーされている。歌詞は憧れを表現しているように見えるが、スタイプはこの曲の物語は完全に架空のものであると述べている。彼は音楽ジャーナリストのデヴィッド・フリックにメロディ・メーカー誌でこう語っている。「私以外の誰にも意味が分からない。そして私自身にとっても、それは完全に作り話だ。私が知っていること、テレビで見たこと、あるいは知り合いから聞いた話から着想を得ている。完全に作り話だ。しかし、そこには何かがある。」^{[ 22 ]}

「Texarkana」では、REMのボーカルの役割に顕著な変化が見られ、ミルズがリードボーカルを担当し、スタイプがバックボーカルを担当している。ミルズはリードボーカルを歌う経験は楽しいものだったが、定期的にやりたいことではないと述べている。彼はバンドに3人の個性的なボーカリストがいることの利点を指摘し、それがサウンドの質感と深みを増すと述べている。音楽的には、この曲は疾走感のあるベースライン、生弦とシンセサイザー弦の要素の融合、そしてムーディー・ブルースと比較されるメロディックなスタイルが特徴である。アレンジには、ジョン・キーンによるペダルスティールギターの演奏やホルサップルの作品も含まれている。^{[ 23 ]}

曲のタイトルは、テキサス州とアーカンソー州の境界に位置し、両州にそれぞれ独立した自治体がある都市、テキサカーナを指している。しかし、歌詞にはその都市への言及はなく、内容もその名前とは無関係である。バックによると、スタイプは当初、仮タイトルにテキサカーナという名前を含めた曲を書き始めたが、完成させることができなかった。その後、ミルズが歌詞を完成させ、約30分でリードボーカルを録音した。歌詞の内容は変更されたものの、バンドは元のタイトルを維持することにした。バックは個人的にその名前を気に入っており、スタイプとベリーもその都市に愛着を持っていた。スタイプは3つの州にちなんで名付けられた都市の魅力についてコメントし、ベリーはテキサカーナを美しい場所だと表現したが、必ずしも啓蒙主義と結びついているわけではないとも述べた。^{[ 23 ]}

「Country Feedback」は、初期のレコーディングセッション中に、自発的かつ非公式な方法で開発されました。バックによると、この曲はあらかじめ決められた構成なしに生まれました。バックは4つのコード進行を持ってスタジオに入り、ベリーがベースを演奏する間にそれを録音しました。その後、バックはフィードバックギターを追加しました。スタイプはその後すぐに歌詞を提供し、当初はトラック用に歌詞を用意していたことを示していました。バックは、ミキシングを除くレコーディングの総時間は約35分だったと述べています。しかし、彼は後に、インストゥルメンタルのレコーディングとスタイプのボーカルセッションの間に1日の間隔があったことを明らかにしました。完成したトラックでは、バックはアコースティックギターとフィードバックの強いエレキギター（「ラウドギター」とクレジットされている）の両方を演奏し、ベリーはベースとパーカッションを演奏し、ミルズはオルガンを演奏し、キーンはペダルスチールギターを提供し、ピアソンは最終ミックスではほとんど聞こえないバッキングボーカルを提供しています。^{[ 24 ]}

スタイプが「カントリー・フィードバック」の歌詞を書いたのは、彼自身が「噴出する嘔吐」と表現した意識の流れの手法を用いた。バックは、スタイプが翌日スタジオにやって来て、インディアンの頭と矢という2枚の小さな絵だけを参考にして、歌詞を書かずにボーカルパートを歌ったことを回想している。ボーカルの歌い方はほぼ即興で、バンドはほとんど意見や修正を加えなかった。歌詞は感情的な混乱を伝えており、スタイプはこの曲を関係の終わりに焦点を当てた絶望的な表現だと特徴づけた。彼はこれを、彼が「醜い側面」と表現した視点から語られたラブソングだと呼んだ。バックはスタイプのパフォーマンスを振り返り、歌詞はレコーディング当時のスタイプの心境を忠実に反映していると考えていた。^{[ 24 ]}

「Me in Honey」は、単一のコードを中心としたミニマルな音楽的アイデアから生まれた。バックによれば、この曲の土台は、ミルズが一度演奏した1コードのリフだった。バックはそれにギターラインを加え、ベリーはドラムパターンを提供した。約30秒のこの最初のアイデアは、他の5曲が収録されたカセットテープの最後に置かれた。スタイプはこの短い部分に注目し、そのビートとキーであるDフラットに即座に反応して歌詞のインスピレーションを得た。バックがコーラスに2つ目のコードを追加することを提案すると、スタイプは同意したと言われている。バンドは、各バースの長さが異なるようにリフを分割して曲を構成した。その後、スタイプは紙に歌詞を書き、修正することで歌詞を発展させた。バックは、スタイプが単一のコードのアイデアから引き出した歌詞の深さに驚いたと述べている。テーマ的には、スタイプは「Me in Honey」を、友人のナタリー・マーチャントが書いた10,000 Maniacsの「Eat For Two」への応答だと説明している。彼はこの曲を、相反する感情を伴う妊娠に対する男性の視点を描いたものだと評した。スタイプによれば、語り手は同時に、距離感と感情的な関わりを表現している。音楽的には、この曲はREMの標準的な楽器編成に、ピアソンのゲストボーカルが加わったものとなっている。^{[ 25 ]}