コンサートバンド

コンサートバンドは、吹奏楽団、吹奏楽アンサンブル、吹奏楽交響楽団、吹奏楽オーケストラ、交響楽団、交響楽団、交響楽団、交響楽団アンサンブルとも呼ばれ、^[1]木管楽器、金管楽器、打楽器のグループのメンバーで構成される演奏アンサンブルであり、^[2]ハープ、コントラバス、ベースギターが含まれることもあります。まれに、ピアノ、シンセサイザー、エレキギターなどの非伝統的な楽器がアンサンブルに追加されることもあります。^[3]

コンサートバンドの音楽には、一般的にオリジナルの吹奏楽作品、コンサートマーチ、オーケストラ編曲の編曲、軽音楽、ポピュラー音楽などが含まれる。コンサートバンドはマーチングバンドと似た楽器を使用しているが、マーチングバンドの主な目的は行進しながら演奏することである。対照的に、コンサートバンドは通常は固定されたアンサンブルとして演奏するが^[要出典]、ヨーロッパのアンサンブルは両方を行うことが多い。

コンサートバンドの起源はフランス革命にまで遡ります。当時は、大規模なバンドが愛国的な祭りや祝賀会に集まることがよくありました。これらのバンドは、大衆の注目を集めるポピュラー音楽を演奏しました。しかし、フランス革命の間中、真剣な作曲家はバンドのための音楽を作曲することに興味を示さないことが多かったのですが、これは主に楽器編成によるものでした。コンサートバンドは（現在でも）必要な楽器の種類と数が標準化されていなかったため、正しい種類の楽器に正しい数のパートを書くことはほぼ不可能でした。楽器の品質も、作曲家がコンサートバンドのための音楽を作曲したがらないことに影響を与えました。当時の管楽器は、音程を合わせて演奏するのが難しいことが多く、ピッチとリズムを十分な速さで切り替えるのが困難でした。^{[4]これにより、バンドは}オーケストラの動きやアレンジから移調した曲に固執するようになり、これは現代まで引き継がれています。

19 世紀、イギリスとアメリカの伝統における管楽器と打楽器の大規模なアンサンブルは、主に儀式や祝祭の際の軍楽隊の形で存在し、演奏される作品は主に行進曲で構成されていました。大規模な管楽器アンサンブルのオリジナルのコンサート作品は比較的少なかったため、吹奏楽団が交響楽団に匹敵するコンサートの場で使用されたのは、オーケストラやオペラの曲の編曲が編曲され演奏されたときだけでした。^{[出典が必要]}

作曲家がコンサートバンドのための作品を書き始めたのは20世紀初頭になってからだった。当時のコンサートバンドの作曲家たちは、バンド向けの良質な音楽が不足していることに不満を抱いており、この問題を解決するために曲を書き、演奏し始めた。コンサートバンドのための最初の、そして最も重要なオリジナル作品の一つである、グスターフ・ホルストの『バンドのための第一組曲』は1909年に書かれた。この時期の他の作曲家には、レイフ・ヴォーン・ウィリアムズ、リヒャルト・ワーグナー、アーロン・コープランドがいる。^[5]

1950 年代以前、吹奏楽団にはさまざまな楽器の組み合わせが含まれていました。吹奏楽団の現代の「標準的な」楽器編成は、オーケストラをモデルに、作曲家がさまざまな音色を生み出すために選択できる演奏者のプールに倣い、 1952 年にイーストマン音楽学校のフレデリック フェネルによってイーストマン吹奏楽団として確立されました。 ^[6]フェネルによると、吹奏楽団は革命的なものではなく、音楽から自然に発展したものです。^[要出典]

軍楽隊は、通常は軍隊のために軍事機能のために音楽任務を遂行する人員の集団である。典型的な軍楽隊は主に管楽器と打楽器で構成される。バンドの指揮者は一般にバンドマスターまたは音楽監督の肩書きを持つ。オスマン帝国の軍楽隊は、13世紀に遡る世界最古の軍楽隊であると考えられている。^[7]

軍楽隊はもともと、太鼓やラッパ、横笛などの楽器を使って戦場で部隊を統制するために使われていた。戦争中の通信システムが進歩するにつれ、戦場で合図の道具として楽器を使うことはなくなった。それ以降、軍楽隊は儀式的な役割を果たし、兵士を慰問したり、地域社会のために演奏したりするようになった。役割が変わるにつれ、楽器も変化した。初期の吹奏楽団のレパートリーの大半を占めるオーケストラ作品の編曲を演奏するために、より幅広い楽器が使用された。^[8]これらの軍楽隊は現代の鼓笛隊とラッパ隊に発展し、コンサートバンドという考えを広める一因となった。現代の軍隊には、多くの場合、複数の種類のバンドがある（例えば、アメリカ海兵隊には鼓笛隊と吹奏楽団の両方がある）。

軍隊と関係のないプロのコンサートバンドは、特に先進国を中心に世界中に存在します。しかし、ほとんどのバンドはフルタイムのポジションを提供していません。これらのコンサートバンドに入るための競争は信じられないほど激しく、演奏者と参加者の比率はわずかに低いです。^[要出典]軍隊と関係のないプロのコンサートバンドの例は次のとおりです。

• ジェリー・ジャンキン指揮ダラス・ウィンド・シンフォニー
• 東京佼成ウインドオーケストラは、長年フレデリック・フェネルが指揮し、現在は大井武司が指揮をとっている。
• 大阪紫音ウインドオーケストラ
• ロイヤル・ハワイアン・バンドは、1836年にカメハメハ3世の勅令により創設された。

コミュニティ バンドは、特定の地理的エリアのボランティア (無給)アマチュア ミュージシャンで構成されるコンサート バンドまたはブラス バンド アンサンブルです。地元 (市町村) 政府によって後援される場合もあれば、自費で運営される場合もあります。これらのグループは定期的にリハーサルを行い、少なくとも年に 1 回は演奏します。一部のバンドはマーチング バンドでもあり、パレードやその他の屋外イベントに参加します。コミュニティ バンドはボランティアの音楽団体ですが、芸術監督 (指揮者) やさまざまな運営スタッフを雇うこともあります。

コミュニティ バンドの台頭は、部分的には産業化によるものだ。楽器の製造が容易になったため、入手性が大幅に向上した。^[9]これは、多くのアマチュアが町のバンドを結成できるようになったことを意味し、その編成は典型的には愛国的な曲、行進曲、ポピュラー音楽で構成されていた。アメリカ南北戦争は、アメリカのコミュニティ バンドにとって転換点となり、アマチュアまたはプロの出身の多くの軍人ミュージシャンが、戦争終結後に独自のコミュニティ バンドを結成しようとした。^[10]この時代に結成された多数のバンドは、ジョン フィリップ スーザやパトリック ギルモアなどの指揮者が先頭に立って「バンドの黄金時代」をもたらした。^{[11] [12]} 20 世紀の新しい娯楽形態、すなわちラジオと蓄音機は、コミュニティ バンドの衰退を招いた。これにより、以前はコミュニティ バンド向けに販売していた楽器メーカーは、学校に重点を置くようになった。^[13]学校の音楽プログラムの拡大は、卒業生が再びバンドで演奏したいという気持ちを抱くようになり、最終的にはコミュニティバンドへの関心を回復させるのに役立った。

注目すべきコミュニティバンドには以下のものがあります。

アメリカ合衆国

• アメリカンバンド、プロビデンス、ロードアイランド、ブライアン・カーダニー指揮
• アレンタウン・バンド、アメリカ最古の民間バンド、ペンシルベニア州アレンタウン、ロナルド・デムキー指揮
• ブルックリン・ウィンド・シンフォニー、ブルックリン、ニューヨーク、ジェフ・W・ボール指揮
• レズビアン＆ゲイ ビッグアップル隊、ニューヨーク州ニューヨーク、ケリー・ワトキンス指揮
• ノースショア コンサート バンド、イリノイ州エバンストン、指揮：マロリー トンプソン
• ソルトレイク交響楽団、ユタ州ソルトレイクシティ、トーマス・P・ローラー指揮
• トリバッテリーポップス、ニューヨーク、トム・グッドカインド指揮
• イースト ウィンズ シンフォニック バンド、ピッツバーグ、ペンシルバニア州、指揮：スーザン サンズ

イギリス

• バーミンガム交響楽団、指揮：キース・アレン
• ニューアーク・アンド・シャーウッド・コンサートバンド、ニューアーク、ノッティンガムシャー、指揮：コラム・J・オシェイ
• ノース・チェシャー・ウィンド・オーケストラ、ウォリントン、チェシャー、指揮：キャサリン・タックリー
• ノッティンガム・コンサートバンド、指揮：ロバート・パーカー
• 英国国立青少年吹奏楽団、指揮者多数

カナダ

• パシフィック・シンフォニック・ウィンド・アンサンブル、バンクーバー。デイビッド・ブランター、常任指揮者兼音楽監督

オーストラリア

• ノースウェスト・ウィンド・アンサンブル、シドニー、音楽監督：ジェームズ・ブライス
• シドニー・ウィンド・シンフォニー、音楽監督：マーク・ブラウン
• クイーンズランド・ウィンド・オーケストラ、指揮：デイヴィッド・ロー

ノルウェー

• Dragefjellets Musikkorps (ベルゲン交響楽団)
• サンドヴィケンス・ウングダムスコルプス、ベルゲン、指揮：トルモド・フラットテンとビョルン・ブライシュタイン

ポルトガル

• トロヴィスカル国立劇場、トロヴィスカル - アヴェイロ、アンドレ・グランジョ指揮

フィンランド

• ヴァンターのティクリラン・ソイトクンタキンモ・ヌルミ指揮

スクールバンドは、一緒にリハーサルや器楽演奏を行う学生ミュージシャンのグループです。スクールバンドは通常、1人以上の指揮者（バンドディレクター）の指揮下にあります。スクールバンドは木管楽器、金管楽器、打楽器で構成されていますが、上級レベルのバンドでは弦楽器やベースギターも含まれる場合があります。^[14]

米国の伝統的な高校の多くでは、スキルレベルやその他の要素によって区別される複数のバンドレベルがあります。そのような学校では、バンドの上位レベルに進むにはオーディションが必要な場合がありますが、共通レベルは誰でも参加できます。たとえば、米国の多くの高校では、「コンサートバンド」は入門レベルのバンドを指し、「シンフォニックバンド」は中級レベルのバンド、「ウィンドアンサンブル」は上級レベルのバンドを指します。

吹奏楽団の楽器編成は完全に標準化されておらず、作曲家が頻繁にパートを追加したり省略したりします。以下のリストの括弧内の楽器とパートは、あまり一般的ではありませんが、それでもよく使用されます。一部の吹奏楽団ではこれらの楽器が欠落しているため、これらの楽器の重要なラインは他のパートにキューされることがよくあります。

楽器編成はアンサンブルの種類によって異なります。中学校や高校のバンドでは、楽器編成が限定され、パート数も少なくなることがよくあります (たとえば、ダブルリードがなかったり、ホルンパートが 4 つではなく 2 つだけだったりします)。これは、経験の浅い演奏者にとって難易度が低くなるようにするためと、学校ではあまり一般的でない楽器を利用できないことが多いためです。

標準的なコンサートバンドは、利用可能な人員と指揮者の好みに応じて、各パートに複数の演奏者を配置します。コンサートバンドは、理論上は、わずか 35 パートのセットから 200 人ものメンバーを編成できます。一方、吹奏楽団では、たとえあったとしても、重複はほとんどありません。一般的に、クラリネットまたはフルートは、特にディヴィジパッセージを処理するために重複しますが、その他の場合は、特定の楽曲の要件に従って、パートごとに 1 人の演奏者を配置します。また、吹奏楽団で、 2 つのチューバと 2 つのユーフォニアムまたはバリトンが同じパートを演奏することもよくあります。

大部分は管楽器と打楽器で構成されていますが、弦楽器、例えばストリングベースやコンサートハープも楽譜に使われることが多いです。^[16]ハープの使用は、ジョン・フィリップ・スーザとエドウィン・フランコ・ゴールドマンのプロおよび軍楽隊に取り入れられていたことに遡ります。そのようなバンドには、スーザバンドとツアーをした最初の女性楽器奏者の一人であるウィニフレッド・バンブリックや、アメリカ海軍バンドで演奏したビクター・サルヴィなど、国内のトップクラスのハープ奏者がよくいました。^[17]特筆すべきことに、アメリカ空軍バンドはチェロの楽譜を作っていますが、これはジョージ・S・ハワード監督の在任中にさかのぼる同バンド独自の慣習です。^[18]

複雑な打楽器パートはコンサートバンドの曲では一般的で、多くの打楽器奏者が必要になることがよくあります。多くの人が、これがオーケストラ (通常は多数の打楽器奏者がいない) とコンサートバンドの大きな違いだと考えています。古い編曲やコンサート作品では、ティンパニはオーケストラのように独自のセクションとして扱われていましたが、今日のバンドではティンパニは打楽器セクションの一部と見なされています。そのため、ティンパニ奏者は他の打楽器を兼任することがよくあります。

現代音楽では、演奏者に珍しい楽器や効果音の使用が求められることがよくあります。たとえば、いくつかの曲ではサイレンが使用され、他の曲ではリコーダーや回転管の演奏、歌、ハミング、スナップ、拍手、さらには紙をくしゃくしゃにすることなどが要求されます。吹奏楽団は多様な楽器と多数の演奏者で構成されているため、非常に柔軟なアンサンブルとなり、さまざまな音響効果を生み出すことができます。

楽器は時代とともに進化し、マーチングバンドが演奏する条件に合わせてより効率的なものになっていった。例えば、クラリネットは古いオーボエよりも適していることが判明し、18世紀にはより広く使われるようになった。より重くてかさばる楽器はトロンボーンやコルネットに取って代わられた。19世紀には、キーやバルブが追加され、特定の音域や音符の演奏が容易になり、バンドの楽器は高度に発達し、すべてのミュージシャンにとって大きな変革をもたらした。^[4]

20 世紀初頭までは、吹奏楽団のために特別に作曲された音楽はほとんどなく、オーケストラ作品から編曲された作品や他のソースから編曲された作品がレパートリーに多くありました。しかし、吹奏楽団が軍隊の行進曲という独占領域からコンサートホールへと移行するにつれ、作曲家の間で人気が高まり、現在ではコンサートバンドや吹奏楽団のために特別に作曲された作品が多くあります。今日では吹奏楽団のためだけに作曲する作曲家もいますが、他のジャンルで有名な作曲家の多くが、吹奏楽団のための作曲にも才能を発揮しています。これは特に日本に当てはまります。日本には吹奏楽作曲の巨大な市場があり、その大きな要因は、全日本吹奏楽連盟や東京佼成ウインドオーケストラ、大阪市吹奏楽団などの主要なプロのアンサンブルからの委嘱、そして米国で最も長く続いている吹奏楽委嘱シリーズである カッパカッパサイとタウベータシグマ 委嘱プログラムによるものです。

20 世紀初頭から中期にかけて、特にコンサート バンド向けに書かれた文学作品を確立した最も重要な人物は次のとおりです。

過去 50 年間に、多くの作曲家が吹奏楽のための主要な作品を書いてきました。コンサートバンドの発展に貢献したことで名声を得た作曲家もいます。

吹奏楽に関する研究は、1964年にアメリカ吹奏楽団長協会に所属する『Journal of Band Research』^[19]を通じて本格的に始まりました。

21世紀初頭には、吹奏楽研究を推進する組織が、吹奏楽に関連したテーマに関する研究の出版を始めました。ドイツに拠点を置くIGEB（1974年設立）^[20] 、世界交響楽団・アンサンブル協会（WASBE、1983年設立）^[21]、米国に拠点を置く組織であるヒストリック・ブラス・ソサエティ（1988年設立）^[22] 、全米吹奏楽協会（NBA、1960年設立）^[23]、全米大学吹奏楽監督協会（CBDNA、1941年設立）^{[24]などです。}

国際的に著名な吹奏楽研究者としては、フランスのバンドを研究するヴィンセント・デュボア、フィンランドのバンドを研究するポール・ニエミスト、吹奏楽指揮者を研究するフレデリック・ハリス、米国の女性バンドを研究するジル・M・サリバン、米国のバンドを研究するフランク・バティスティ、日本とポリネシアのバンドを研究するデイビッド・ヘバート、米国の軍楽隊を研究するパトリック・M・ジョーンズ、ヨーロッパのバンドとレパートリーを研究するデイビッド・ウィットウェルなどがいます。

注目すべきバンド協会には以下のものがあります:

• アメリカバンドマスター協会
• 英国交響楽団・吹奏楽団協会
• 全日本吹奏楽連盟
• コンサートバンド協会
• レズビアン・ゲイバンド協会
• オーストラリア国立バンド評議会

• オスマン帝国軍楽隊
• アメリカ軍楽隊

ウィキメディア・コモンズには、コンサートバンドに関連するメディアがあります。

• コミュニティミュージック - コミュニティバンドのミュージシャンと指揮者のためのリソース
• コンサートバンドポータル
• アメリカのコミュニティ コンサート バンドと吹奏楽団のディレクトリ
• カナダのコミュニティ コンサート バンドと吹奏楽団のディレクトリ
• デイビッド・G・ヘバート著『日本の学校における吹奏楽部と文化的アイデンティティ』（ドルドレヒトおよびニューヨーク：シュプリンガー、2012年）。