VJ 活動

VJing（発音：ヴィージェイイング）は、リアルタイムのビジュアルパフォーマンスの広義の呼称です。VJingの特徴は、技術的な仲介を通じて、観客のために音楽と同期してリアルタイムで画像を作成または操作することです。^{[1] VJingは、}コンサート、ナイトクラブ、音楽フェスティバルなどのイベントで行われることが多く、他の舞台芸術と組み合わせて行われることもあります。これにより、音楽、俳優、ダンサーを含むライブマルチメディアパフォーマンスが実現します。VJingという用語は、MTVのビデオジョッキーとの関連で人気になりましたが、その起源は1970年代のニューヨークのクラブシーンにまでさかのぼります。^{[2] [3]どちらの状況でも、VJingはビジュアルの操作または選択であり、} DJingがオーディオの選択と操作であるのと同じです。

VJ の実践における重要な要素の 1 つは、「メディア ライブラリ」、つまりVHSテープや DVD などのストレージ メディア、コンピューターのハード ドライブ上のビデオ ファイルや静止画像ファイル、ライブ カメラ入力、またはコンピューターで生成されたビジュアルからのコンテンツをリアルタイムでミックスすることです。^[4]メディアの選択に加えて、VJ は主にビジュアル マテリアルのリアルタイム処理を意味します。この用語は、生成ソフトウェアのパフォーマンス使用を説明するためにも使用されますが、「ビデオがミックスされていないため、この言葉は疑わしいものになります」。^[5]

歴史的に、VJ は視覚と音の共感覚体験を扱う芸術形式から影響を受けています。これらの歴史的影響は、ライブ シネマなどの他のライブ視聴覚芸術形式と共有されており、カメラ オブスキュラ、パノラマとジオラマ、幻灯機、カラー オルガン、リキッド ライト ショーなどが含まれます。

カラーオルガンは、機械的および電気機械的手段によって音と色を対応させる機構である。カラーオルガンの開発に貢献したベインブリッジ・ビショップは、「音楽を描くというアイデアに支配されていた」。1893年に出版された彼の研究を記録した本の中で、ビショップは次のように述べている。「私はオルガンを入手し、楽器の音楽に合わせて異なる色のライトを鳴らすためのアタッチメントをキーに取り付ける実験を行った。」^[6]

1919年から1927年にかけて、ピアノ独奏者のメアリー・ハロック＝グリーンウォルトは、アラビア語で「光の本質」を意味する「ヌーラタール」と呼ばれる新しい技術的芸術形式を生み出した。彼女の軽快な音楽は、光の強度と色のスケールを生み出す環境色フィールドで構成されていた。「サラベットには、キーボードの代わりに、段階的なスライダーやその他のコントロールを備えたコンソールがあり、現代のミキシングボードに似ていました。スライダー、ペダル、個々のキーのように機能するトグルスイッチを使用して、ライトを直接調整できました。」^[7]

1960年代のクラブやプライベートイベントでは、「人々は液体スライド、ミラーボール、煙への光の投影などを使って観客に新しい感覚を与えた。こうした実験のいくつかは音楽と関連していたが、ほとんどの場合は装飾として機能していた。」^{[8]これらは}液体ライトショー として知られるようになった。1965年から1966年にかけてサンフランシスコでは、ジョシュア・ライト・ショーやブラザーフッド・オブ・ライトなどのアーティスト集団によるビジュアルショーがグレイトフル・デッドのコンサートに付随していたが、これはビート世代、特にメリー・プランクスターズに触発され、アシッド・テストによる「意識の拡張」によって推進されていた。

1966年から1967年にかけてアンディ・ウォーホルが企画した「エクスプローディング・プラスチック・インエヴィタブル」は、パーティーという文脈における音楽とビジュアルの融合に貢献した。「エクスプローディング・パーティー・プロジェクトは、特にライブの文脈における音楽の視覚化に焦点を当て、実験的な芸術形式としてのパーティーの歴史を調査した」^[9]

1970 年代後半、ビデオと音楽パフォーマンスはより密接に統合されました。コンサートでは、いくつかのバンドが音楽とともに通常の映画やビデオを持ち始めました。実験映画製作者のトニー・ポッツは、ライブショーの投影用の照明デザインと映画製作の仕事により、The Monochrome Setの非公式メンバーと見なされていました。Test Department は当初、専属ビジュアルアーティストとして「バート」・ターンボールと協力し、ライブパフォーマンス用のスライドショーや映画を制作しました。^[10] Ministry of Power という組織は、パフォーマンスグループ、伝統的な合唱団、さまざまな政治活動家とのコラボレーションも行いました。 インダストリアルバンドは、アートのコンテキストだけでなくコンサートホールでもパフォーマンスを行い、ビデオ投影も頻繁に行いました。キャバレー・ヴォルテールなどのグループは、安価なビデオ編集機器を使用して、サウンド作品用の独自の時間ベースのコラージュを作成し始めました。彼らの言葉を借りれば、「[ビデオの使用] 以前は、コラージュは紙に作成する必要がありましたが、今ではビデオでリズム、つまり生きた時間で提示します。」^[要出典]テスト・デプト、スロッビング・グリッスル、サンフランシスコのタキシードムーンなどのグループによって制作されたフィルムコラージュは、彼らのライブショーの一部となった。

映画とライブパフォーマンスを融合させた例としては、1981年のリッツ・ライオットでのパブリック・イメージ・リミテッドの演奏が挙げられます。ニューヨークのイースト9番街にあるこのクラブには、最先端のビデオ映写システムがありました。クラブのスクリーンには、録画済みのビデオとライブビデオが組み合わされて映し出されていました。PiLはこのスクリーンの後ろで演奏し、ライトが彼らの影をスクリーンに映し出していました。より伝統的なロックショーを期待していた観客は、映写スクリーンにビール瓶を投げつけ、最終的にはスクリーンを引き倒しました。^[11]

1971年にニューヨーク州オウェゴに設立されたアーティストリトリート、エクスペリメンタルテレビセンターは、ビデオアートの先駆者であるナム・ジュン・パイク、スティーブ・ラット、ビル・エトラが作成した実験的なハードウェアを集め、アーティストが魅力的な環境で自由に実験できるようにすることで、多くのアーティストの発展に貢献しました。成果の多くはナイトクラブHurrahでデビューし、このナイトクラブはすぐに、通常の放送局で前衛的な作品を放送できないビデオアーティストにとって新しい選択肢となりました。同様に、ミュージックビデオの開発は世界中の他の主要都市でも起こっており、主流のテレビに代わる手段を提供していました。

注目すべき画像プロセッサとしては、主に現在一般にオープンソースと呼ばれているものを説明しているSandin Image Processor (1971) があります。

Dan Sandin イメージ プロセッサ (IP) は、アナログ ビデオ プロセッサで、ビデオ信号は処理モジュールを介して出力カラー エンコーダに送られます。IP の最もユニークな属性は、非営利的な哲学であり、処理方法と画像の生成を支援するマシンへの一般公開を重視しています。IP は、Sandin が「ハイテク マシンを使用して個人的、美的、宗教的、直感的、包括的、および探究的な成長を学ぶ」文化を電子的に表現したものです。この教育目標は、「配布宗教」によって補完され、ビデオ アーティストや非営利団体は、部品のコストと構築に要した労力だけで「独自の」ビデオ シンセサイザーを作成できるようになりました。これは、電子回路図や機械アセンブリ情報を含む完全な構築プランが明記された、ビデオ アート ツールの「ヒースキット」でした。はんだ付け、電子部品やプリント回路基板の調達に関するヒントもドキュメントに含まれており、ビデオ シンセサイザーの実用的なバージョンを正常に構築できる可能性が高まりました。

^[12]

1980 年 5 月、マルチメディア アーティスト / 映画製作者の Merrill Aldighieri がナイトクラブ Hurrah で映画を上映するよう招待されました。当時はミュージック ビデオ クリップは大量に存在せず、ビデオ インスタレーションは時折映画を上映するために使用されていました。ビジュアルの役割を DJ の音楽と同等にするために、Merrill は音楽を解釈するためにリアルタイムで組み合わせることができる大量のアンビエント ビジュアルを作成しました。DJ と連携して、この生のビジュアルのコレクションはリアルタイムでミックスされ、音楽のノンストップのビジュアル解釈が生まれました。Merrill は世界初のフルタイム VJ になりました。MTV の創設者たちがこのクラブを訪れ、Merrill は彼らに「VJ」という言葉と役割を紹介し、翌年、彼らのチャンネルで VJ ホストを迎えるきっかけを作りました。Merrill はクラブの多くのミュージシャンとコラボレーションし、特にエレクトロニック ミュージシャンの Richard Bone とコラボレーションして、初のアンビエント ミュージック ビデオ アルバム「Emerging Video」を制作しました。実験テレビセンターからの助成金のおかげで、彼女のビデオと 16 mm フィルムの融合は、ルット エトラとパイクのユニークなシンセサイザーの影響力のある特徴を帯びるようになりました。この映画は、「ハイ タイムズ マガジン」を通じて VHS で提供され、クラブのプログラムで紹介されました。彼女が次にホーム ビデオの視聴者に進出したのは、ソニーの新設部門である Sony HOME VIDEO とのコラボレーションでした。そこで彼女は、DANSPAK シリーズで「ビデオで音楽をブレイクさせる」というコンセプトを導入しました。ジム キャロル バンド、ルー リード、マン パリッシュなどの例外はありますが、このシリーズには無名のバンドが出演し、その多くは契約のないバンドでした。

エレクトロニックミュージック（特にハウスやテクノのジャンル）とDJクラブ文化の台頭により、アーティストがイベントでライブビジュアルを作成する機会が増えました。MTVの人気により、放送とVHSの両方でミュージックビデオの制作が増え、品質が向上し、多くのクラブがエンターテイメントと雰囲気の一部としてミュージックビデオを上映し始めました。

ジョー・シャナハン（1989年から1990年までメトロのオーナーだった）は、VHSのビデオコンテンツの制作費をアーティストに支払っていた。夜のある時間帯にはMTVのミュージックビデオを流し、またある時間帯にはシャナハンが依頼した地元アーティストのミックスを流していた。^[13]

メデューサ（シカゴの全年齢層向けバー）は、80年代前半から中期（1983-85年）にかけて、毎晩のアートパフォーマンスの一部としてビジュアルを取り入れていた。^[14] また、80年代半ばのシカゴにはスマートバーがあり、そこでメトロが毎週土曜日の夜に「ビデオメトロ」を開催していた。^[15]

1980 年代には、比較的安価なトランジスタと集積回路技術の開発により、個人の VJ やナイトクラブのオーナーが購入できる価格でデジタル ビデオ エフェクト ハードウェアを開発できるようになりました。

1981年に最初に市販されたビデオシンセサイザーの1つは、発展途上のナイトクラブシーンでの使用を目的に販売されたCEL Electronics Chromascopeでした。^[16] 1983年に初めて製造されたFairlight Computer Video Instrument (CVI)は、この分野では革命的で、複雑なデジタルエフェクトをビデオソースにリアルタイムで適用できるようになりました。CVIはテレビやミュージックビデオのプロデューサーの間で人気となり、当時のミュージックビデオの多くに登場しています。 1985年に発表されたCommodore Amigaは、家庭用コンピューターのアクセシビリティに飛躍的な進歩をもたらし、デスクトップコンピューターで放送結果を生成できる最初の2Dおよび3Dアニメーション用コンピューターアニメーションプログラムを開発しました。

1990 年代には、VJ の作品をさらに普及させるために、Xmix コンピレーション (1993 年開始)、Future Sound of Londonの「Lifeforms」(VHS、1994 年)、Emergency Broadcast Networkの「Telecommunication Breakdown」(VHS、1995 年)、 ColdcutとHexstaticの「Timber」(VHS、1997 年、その後 VJamm VJ ソフトウェアのコピーを含む CD-ROM で発売)、1996 年から 1998 年までの作品を集めた「Mego Videos」(VHS/PAL、1999 年)、Addictive TVの 1998 年のテレビ シリーズ「Transambient」(イギリスのChannel 4向け、および DVD リリース) など、多数の録音作品が出版され始めました。

米国では、レイブシーンの出現が、VJシーンをナイトクラブからアンダーグラウンドパーティーへと移行させた要因であると考えられる。1991年頃から1994年にかけて、マーク・ゼロはシカゴのレイブやハウスパーティーでフィルムループを披露した。^[17]シカゴで最も初期の大規模レイブの1つ^[18]は、ミルウォーキーのドロップ・ベース・ネットワークがプロデュースした1993年の「マッシブ・ニューイヤーズ・イブ・レボリューション」である。これは、オプティーク・ヴィッド・テック（OVT）のVJを起用した注目のイベントであった。このイベントに続いて1993年4月3日に開催されたサイコシスでは、サイキックTVがヘッドライナーを務め、OVTビジュアルズが映像を担当した。サンフランシスコの Dimension 7 は、1993 年から初期の西海岸のレイブ シーンで活動していた VJ 集団でした。1996 年から 1998 年にかけて、Dimension 7 はプロジェクターとレーザーをバーニング マンフェスティバルに持ち込み、ブラック ロック砂漠に没入型のビデオ インスタレーションを作成しました。

英国では、The Light Surgeons や Eikon などのグループが、リキッド ライトショーの古い技術と、スライド、フィルム、ビデオ投影のレイヤーを組み合わせて、クラブやレイブ イベントを変革していました。ブリストルでは、Children of Technology が登場し、共同創設者の Mike Godfrey が 1980 年代に大学在学中に書いた建築論文から派生した、インタラクティブな没入型環境の先駆者となりました。Children of Technology は、自社製の CGI アニメーションとビデオ テクスチャ ライブラリを、Jeff Minter と Dave Japp の発案によるインタラクティブな Virtual Light Machine (VLM) の出力と統合し、専用のライトショー内で高出力ビデオとレーザー投影を使用して、500 平方メートルを超えるレイヤー スクリーンに出力しました。彼らの「Ambient Theatre Lightshow」は、93 年のグラストンベリーで初めて登場し、このフェスティバルでヒット曲「Ebeneezer Goode」をリリースしたばかりの Shamen の VJ ビジュアルも提供しました。招待されたミュージシャンは、プロトタイプの没入型環境内で、VLM を使用してアンビエント シアター ライトショーで演奏しました。Children of Technology は、インタラクティブ ビデオのコンセプトを、1993 年から 1995 年にかけての「Obsession」レイブのショー制作、劇場、クラブ、広告、主要なステージ ショー、テレビ イベントなど、幅広いプロジェクトに取り入れました。これには、3D ビデオ/サウンドの録音とパフォーマンスの先駆的なプロジェクトや、多くのメディア テクノロジーのアイデアが定着しつつあった 1990 年代後半の大規模な建築プロジェクトが含まれます。別の集団である「Hex」は、コンピューター ゲームからアート展まで、幅広いメディアで活動していました。このグループは、ライブ オーディオビジュアル ジャム、コンピューター生成オーディオ パフォーマンス、インタラクティブな共同楽器など、多くの新しいメディア ハイブリッドを開拓しました。これが、クラブやダンス パーティー シーンを超えてインスタレーション アートなどの分野で活躍する多くの VJ に今日まで続くトレンドの始まりでした。

日本の書籍『VJ2000』（原田大三郎、1999年）は、VJ の実践について議論する最も初期の出版物の 1 つです。

レイブ シーンの台頭と、家庭用エンターテイメント システム向けのビデオ テクノロジーの若干の低価格化により、消費者向け製品が芸術作品の制作に広く使用されるようになりました。しかし、こうした新しいタイプのビデオ機器のコストは、多くのアーティストにとって依然として高額で、購入は困難でした。

2000 年代に VJ シーンが急増した主な要因は 3 つあります。

1. 手頃な価格で高速なノートパソコン。
2. ビデオプロジェクターの価格下落（特にドットコムバブル崩壊後、企業がクレイグズリストで商品を売りさばいていたため）^[19]
3. 強力なレイブシーンの出現とクラブ文化の国際的な成長

その結果、VJ シーンでは新しいアーティストやスタイルが爆発的に増加しました。また、こうした状況により、アルゴリズムによる生成ビジュアルを作成するアーティストたちの、目立たない (しかし、それでも強力な) ムーブメントが突如出現しました。

この 10 年間で、ビデオ技術は、プロの映画やテレビスタジオ専用から、プロシューマー市場 (結婚式業界、教会のプレゼンテーション、低予算映画、コミュニティ テレビ番組など) でも利用できるようになりました。これらのミキサーは、パフォーマンス セットアップのコア コンポーネントとして、VJ にすぐに採用されました。これは、より高度なホーム エンターテイメント システムを望む住宅所有者向けに販売されたTechnics 1200 ターンテーブルのリリースと似ていますが、その後、ミュージシャンや音楽愛好家が実験に使用しました。当初、ビデオ ミキサーは、VHSプレーヤーやライブ カメラ ソースから事前に準備されたビデオ素材をミックスするために使用され、後に新しいコンピューター ソフトウェア出力をミックスに追加するために使用されました。90 年代には、パナソニックの WJ-MX50、WJ-MX12、Videonics MX-1 などのデジタル ビデオ ミキサーが数多く開発されました。

Amiga コンピューター用のNewTek Video Toasterなどの初期のデスクトップ編集システムは、台頭しつつあったレイブシーンのビジュアルを作成しようとしていた VJ によってすぐに使用され、ソフトウェア開発者は O'Wonder の「Bitbopper」などのライブ ビジュアル用に特別に設計されたシステムの開発を開始しました。^[20]

最初のVJ用ソフトウェアとして知られるのはVujakです。これは1992年にアーティストのブライアン・ケインがMac用に作成したもので、彼が所属していたビデオアートグループEmergency Broadcast Networkで使用するために書かれましたが、ライブパフォーマンスでは使用されませんでした。EBNは、マーク・マリネロとグレッグ・デオカンポが開発したEBN VideoSampler v2.3を使用していました。英国では、ブリストルのChildren of Technologyが1992年から1993年にかけて、AVLSまたはAudio-Visual-Live-Systemと呼ばれるVirtual Light Machine (VLM)を使用した専用の没入型ビデオライトショーを開発しました。VLMは、ビデオエンジニアのデイブ・ジャップが超レアなトランスピュータチップと改造されたマザーボードを使用してカスタムビルドしたPCで、ジェフ・ミンター (Llamasoft & Virtual Light Co.) がプログラムしました。VLMはジェフの以前のLlamasoft Light Synthesiserプログラムの後に開発されました。 VLM では、ライブ ミュージシャンや DJ からの DI によって Jeff のアルゴリズムによるリアルタイム ビデオ パターンが起動され、CGI アニメーション/VHS カスタム テクスチャ ライブラリとライブ カメラ ビデオ フィードバックを備えた Pansonic ビデオ ミキサーを使用してリアルタイムでミックスされました。Children of Technology は独自の「ビデオ ライト」システムを開発し、高出力および低出力のビデオ投影を使用して、巨大な表面とマップ投影と同時にリアルタイム 3D ビーム効果を生成しました。VLM は、1993 年から 1996 年にかけて Shamen、The Orb、Primal Scream、Obsession、Peter Gabriel、Prince など多くのアーティストによって使用されました。VLM のソフトウェア バージョンは、高まる VJ の関心に応えて Atari の Jaguar コンソールに統合されました。90 年代半ばには、Cthughaや Bomb などのオーディオ リアクティブ ピュア シンセシス (クリップベースではない) ソフトウェアが影響力を持っていました。 90 年代後半には、MooNSTER、Aestesis、Advanced Visualization Studioなどの生成ビジュアル プログラムや、Gianluca Del Gobbo が作成した FLxER や VJamm などのビデオ クリップ プレーヤーを含む、PC ベースの VJing ソフトウェアがいくつか登場しました。

Max/MSP、Macromedia Director、後にQuartz Composerなどのプログラミング環境が、それ自体で使用されるようになり、またVDMXやpixmixなどのVJプログラムの作成にも使用されるようになりました。これらの新しいソフトウェア製品と、10年間にわたるコンピュータ処理能力の劇的な向上により、VJは定期的にコンピュータをライブに持ち込むようになりました。

新世紀は、ビジュアル パフォーマンスの実践に新たなダイナミクスをもたらしました。VJ になるということは、以前は主に他者から孤立した自己発明のプロセスを意味していました。この用語は広く知られていませんでした。その後、インターネットの普及により、他の実践者とつながることが当たり前になり、仮想コミュニティが急速に形成されました。その後、集団意識は仮想世界から物理的な空間へと移行しました。これは、ヨーロッパ全土で VJ に重点を置いた多数のフェスティバルが開催されていることからも明らかです。

バルセロナのVideAフェスティバルは2000年から2005年まで開催された。^[21] VJCentral.comのオンラインコミュニティが自ら物理的な存在を組織したことから始まったAVITは、最初のフェスティバルをリーズ（2002年）で開催し、^[22]シカゴ（2003年）、ブライトン（2003年）、サンフランシスコ（2004年）、バーミンガム（2005年）、クロアチアの320x240（2003年）、ベルリンのContact Europe（2003年）と続いた。また、ブリュッセルのCimaticsフェスティバルは、2002年に初めてVJに特化したフェスティバルを開催した先駆的なイベントとして評価されるべきである。2003年には、フィンランドのメディアアートフェスティバルPixelAcheがVJをテーマに開催され、2003年にはベルリンのChaos Computer ClubがAVIT主催者と協力し、VJキャンプやコングレスストリームを特集した。 LPM（ライブパフォーマーミーティング）は、2004年にローマで誕生しました。その目的は、個々に活動することが多いアーティストに実際のミーティングスペースを提供し、仲間のVJアーティストと出会い、新しいプロジェクトを生み出し、VJに関連するすべての経験、ソフトウェア、質問、洞察を共有する場を提供することです。LPMはそれ以来、VJ、ビジュアル、ライブビデオパフォーマンスのアーティスト、専門家、愛好家のための主要な国際会議の1つになり、2019年には20回目の開催を迎えます。また、この頃（2005年と2007年）、英国のアーティストAddictive TVが英国映画協会と提携し、ロンドンIMAXシネマとBFIサウスバンクでオーディオビジュアルパフォーマンスを披露するクロスオーバーイベント、Optronicaを制作しました。

VJ に特化した 2 つのフェスティバル、ジュネーブのMapping Festivalとパリの Vision'R は、2005 年に第 1 回を開催しました。VJ を主役 (またはフェスティバルの焦点全体) としてフィーチャーしたこれらのフェスティバルが登場するにつれ、レイブ フェスティバルのシーンでも、さまざまなレベルの目立ち方で VJ がメイン ステージのラインナップに定期的に含まれるようになりました。

モントリオールのMUTEKフェスティバル (2000 年～現在) では、実験的なサウンド アート パフォーマンスとともに VJ が定期的に登場し、その後モントリオールで Elektra フェスティバル (2008 年～現在) も開催され、多くの VJ パフォーマンスが紹介されました。オーストラリアのパースでは、Byte Me! フェスティバル (2007 年) で、環太平洋地域の多くの VJ の作品が、新しいメディア理論家やデザイン実践者とともに紹介されました。

資金は少ないが^[要出典]、米国のシーンではフェスティバルよりもワークショップやサロンの方が多い。2000年から2006年にかけて、グラント・デイビス（VJカルチャー）とディメンション7のジョン・シュワークは「ビデオサロン」をプロデュースした。これはサンフランシスコの強力なVJコミュニティの確立と教育に重要な意味を持つ月例の集まりで、カリフォルニア州と米国中のVJが参加した。^{[23]さらに、彼らは2003年のRAVE法（}エクスタシーに対するアメリカ人の脆弱性の低減法）を受けての政治的声明として、2004年のジョージ・W・ブッシュの再選に対する不満の表明として、そして2005年のサンフランシスコ市の集会を制限する条例に反抗して、毎年恒例の「ビデオRIOT！」（2003年～2005年）をプロデュースした。

この時期には、サンディエゴの Video Salon の「SIGGRAPH VJ バトル」(2003 年)、トロントの Videocake の「AV Deathmatch」シリーズ (2006 年)、ジュネーブの Mapping Festival の「VJ コンテスト」(2009 年) など、いくつかの VJ バトルやコンテストが登場し始めました。これらは、従来の DJ バトルとほぼ同じように機能し、VJ には最高のミックスを披露するための時間が与えられ、審査員団によっていくつかの基準に従って審査されました。

ビジュアルコンテンツとプロモーション資料のデータベースは、DVD 形式や個人の Web サイト、 Archive.orgの「 Prelinger Archives」などの大規模データベースを通じてオンラインで利用できるようになりました。多くの VJ が、 Tom Bassfordの「Design of Signage」コレクション (2006 年)、Analog Recycling の「79 VJ Loops」(2006 年)、VJzoo の「Vintage Fairlight Clips」(2007 年) 、Mo Selle の「57 V.2」(2007 年) など、他の VJ がミックスに使用できるように、パブリック ドメインまたはクリエイティブ コモンズ ライセンスの下でさまざまな Web サイトでデジタル ビデオ ループ セットをリリースし始めました。

プロモーション用およびコンテンツベースの DVD が登場し始めた。たとえば、Addictive TV 、Lightrhythm Visuals (2003)、Visomat Inc. (2002)、Pixdisc が制作した英国のITV1テレビ シリーズMixmasters (2000–2005)の作品は、いずれもビジュアル クリエイター、VJ スタイル、テクニックに焦点を当てたものだ。その後、NOTV、Atmospherix、その他のレーベルが続いた。ミア マケラは 2007 年に、Caixa Forum の Mediateca 向けに「LIVE CINEMA」という DVD コレクションをキュレーションし、当時台頭しつつあった「ライブ シネマ」に焦点を当てた。個人の VJ や集団も、Eclectic Method のブートレグ ビデオ ミックス (2002) や Eclectic Method の「We're Not VJs」(2005)、eyewash の「DVD2」(2004) や「DVD3」(2008) など、作品の DVD や CD-ROM をリリースしました。

歴史、技術的側面、理論的な問題を考察した書籍が出版され始めました。たとえば、「The VJ Book: Inspirations and Practical Advice for Live Visuals Performance」(Paul Spinrad、2005 年)、「VJ: Audio-Visual Art and VJ Culture」(Michael Faulkner および D-Fuse、2006 年)、「vE-jA: Art + Technology of Live Audio-Video」(Xárene Eskandar [ed]、2006 年)、「VJ: Live Cinema Unraveled」(Tim Jaeger、2006 年) などです。VJ と DJ のコラボレーションというテーマは、学術的なヒューマン コンピュータ インタラクション(HCI) の分野を研究する人たちの関心の対象にもなり始めました。

2004年、パイオニアはDVJ-X1 DVDプレーヤーをリリースしました。これにより、DJはビデオをレコードのようにスクラッチしたり操作したりできるようになりました。2006年にパイオニアは同様の機能を備えた後継機DVJ-1000をリリースしました。これらのビデオプレーヤーは、DJソフトウェアメーカーにソフトウェアへのビデオプラグインを追加するよう促しました。その最初の例は、 2007年にリリースされたNumark Virtual Vinylで、このオプションが利用可能でした。2008年には、Serato Scratch LiveにVideo-SLと呼ばれる同じオプションが追加されました。これにより、ターンテーブルでビデオを操作できるようになり、 Rane TTM-57SLミキサーにさらに多くのオプションが追加されました。

新しい消費者レベルの技術が利用可能で手頃な価格になったことで、VJ に関わる人が増えました。コンピューターの処理能力が劇的に向上したため、よりコンパクトで複雑なセットアップが可能になり、VJ はビデオ ミキサーを使用せずに、代わりに VJ ソフトウェアを実行する強力なコンピューターを使用してミキシングを制御できるようになりました。ただし、多くの VJ は複数のソースを備えたビデオ ミキサーを使用し続けています。これにより、さまざまな入力デバイスに柔軟に対応でき、リアルタイム ビデオ処理の要求の厳しい性質によりコンピューターの CPU が過負荷になり、コンピューターがクラッシュしたり、ビデオ再生が遅くなったりすることに対するセキュリティ レベルが向上します。

今日の VJ は、ビデオ サンプル再生 (Korg Kaptivator)、リアルタイム ビデオ エフェクト (Korg Entrancer)、3D ビジュアル生成など、ビジュアル パフォーマンスのあらゆる側面をカバーする、幅広い既製ハードウェア製品を選択できます。

DVD の普及により、スクラッチ可能な DVD プレーヤーが登場しました。

2000 年代にはMIDIコントローラーの新しいモデルが多数登場し、VJ は主にマウス/キーボードのコンピューター インターフェイスと対話するのではなく、物理的なノブ、ダイヤル、スライダーをベースにしたコントローラーを使用できるようになりました。

ライブ ビデオを扱う実験的なアプローチに取り組んでいる VJ もたくさんいます。オープン ソースのグラフィカル プログラミング環境 ( Pure Dataなど) は、パフォーマンス用のカスタム ソフトウェア インターフェイスを作成したり、ライブ データを処理するために実験的なデバイスをコンピューターに接続したりするためによく使用されます (IBVA EEG読み取り脳波ユニット、Arduinoマイクロプロセッサ、回路を曲げる子供用おもちゃなど)。

この 10 年の後半には、ワイドスクリーン キャンバス、複数の投影、建築形状にマッピングされたビデオなど、導入されるディスプレイ構成が劇的に増加しました。この変化は、この 10 年まで 4x3 アスペクト比仕様のNTSCおよびPALに固定されていた放送ベースのテクノロジから、オフィス プレゼンテーション、没入型ゲーム、企業ビデオ プレゼンテーションのさまざまなニーズにより、出力方法が多様化および豊富になったコンピュータ業界のテクノロジへの移行によって強調されています。NTSC/PAL の ~640x480i 固定形式と比較すると、DVI を使用する最新のラップトップは、最大 ~2500 ピクセル幅のさまざまな解像度を出力でき、Matrox TripleHead2Go と組み合わせると、3 つの異なるディスプレイに、それらすべてで調整された画像を供給できます。

VJ の重要な側面は、テクノロジーの使用です。他の分野向けの既存のテクノロジーを再利用する場合もあれば、ライブ パフォーマンス用に新しい特定のテクノロジーを作成する場合もあります。ビデオの出現は、VJ (ビデオ ジョッキー) の形成にとって決定的な瞬間でした。

VJ はビデオ ミキサーを使用して、さまざまなビデオ ソースをブレンドしたり重ね合わせたりして、ライブ モーション コンポジションを作成することがよくあります。近年、電子楽器メーカーは VJ 用の特別な機器を作り始めています。

VJ は、当初、ビデオカメラ、ビデオ デッキ、モニターなどのビデオ ハードウェアを使用して、カメラや放送テレビからのライブ入力に事前に録画された要素をミックスした即興パフォーマンスを送信するパフォーマーによって開発されました。この伝統は、市販されている、または VJ 用にカスタム作成されたさまざまなハードウェアとソフトウェアを使用する多くの VJ によって生き続けています。

VJハードウェアはいくつかのカテゴリーに分けられます -

• ソースハードウェアは、ビデオ カメラやビデオ シンセサイザーなど、VJ が操作できるビデオ画像を生成します。
• 再生ハードウェアは、 VHSテープ プレーヤーやDVD プレーヤーなどのディスクまたはテープベースのストレージ メディアから既存のビデオ ストリームを再生します。
• ミキシングハードウェアを使用すると、ビデオ ミキサーや VJ ソフトウェアを使用するコンピューターなどの複数のビデオ ストリームを組み合わせることができます。
• エフェクトハードウェアを使用すると、ビデオストリームに特殊効果を追加できます（例：色補正ユニット）。
• 出力ハードウェアは、ビデオプロジェクター、LED ディスプレイ、プラズマスクリーンなど、ビデオ信号を表示するためのものです。

VJ が仕事で使用するソフトウェアにはさまざまな種類があり、Adobe Premiere、After Effects、Apple のFinal Cut Proなどの従来のNLE制作ツールは、VJ ショーのコンテンツを作成するために使用されます。VJ は、専門的なパフォーマンス ソフトウェアを使用して、ビデオをリアルタイムで再生および操作します。

VJ パフォーマンス ソフトウェアは多種多様で、コンピューターをアナログ ビデオ ミキサーの役割に置き換え、複数のスクリーンやプロジェクターで構成される拡張キャンバスにビデオを出力できるソフトウェアもあります。Modul8やMagicなどの専用 VJ ソフトウェアを製造している小規模企業は、ライブ カメラ入力と組み合わせた複数のレイヤーのビデオ クリップをリアルタイムで処理するための高度なインターフェイスを VJ に提供し、コンテンツをロードしてパフォーマンスするだけで済む完全な既製ソリューションを VJ に提供しています。2000 年代に登場した人気のタイトルには、Resolume、NuVJ などがあります。

VJ の中には、自分のパフォーマンス スタイルに合わせてソフトウェアを自分で開発することを好む人もいます。Max /MSP/Jitter、Isadora、Pure Dataなどのグラフィカル プログラミング環境は、長年のコーディング経験を必要とせずに、このようなカスタム ソフトウェアを迅速に開発できるように開発されました。

VJ がパフォーマンスに使用できるハードウェアとソフトウェアの構成にはさまざまな種類があります。

反省的かつ理論的な観点から VJ の記録と研究に取り組んだ研究プロジェクトがいくつかありました。円卓会議、講演、プレゼンテーション、ディスカッションは、ISEAやArs Electronicaなどの新しいメディア アートに関連するフェスティバルやカンファレンスの一部であり、マッピング フェスティバルの場合のように VJ に特に関連したものも含まれています。対話によるアイデアの交換は、制作の実用性に関する問題から、より複雑なアイデア、プロセス、コンセプトへと議論を移行するのに貢献しました。VJ に関連する主題には、アイデンティティとペルソナ (個人と集団)、芸術としての瞬間、観客の参加、著作者、ネットワーク、コラボレーション、物語などがありますが、これらに限定されるものではありません。コラボレーション プロジェクトを通じて、視覚的なライブ パフォーマンスは学際的な実践の分野に移行します。

オンラインおよび印刷媒体の定期刊行物では、VJに関する特集号が発行されています。AMinimaという印刷雑誌では、 VJの作品を特集したLive Cinema ^[24]特集号が発行され、Vague Terrain（オンラインのニューメディアジャーナル）では、The Rise of the VJ ^{[25]特集号が発行されています。}

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この音声ファイルは、2010 年 5 月 13 日付のこの記事の改訂版から作成されたもので、その後の編集は反映されていません。 (2010-05-13)

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ウィキメディア・コモンズには、 VJ（ビデオ・パフォーマンス・アート）に関連するメディアがあります。

• ハイケ・シュペルリング教授によるビジュアル音楽アーカイブ
• VJ予約 - 無料VJポートフォリオネットワーク
• VJユニオン – VJユニオン VJネットワーク
• VJs Mag – オーディオビジュアルパフォーマーのソース
• VJs TV は、VJs Magazine – Audio Visual Performers Network によってWayback Machineに 2023-03-23 にアーカイブされました
• ビジュアリスト:その先を見る人々 VJ文化についてのドキュメンタリー映画
• A.Visualist 世界を巡るVJロードムービー