ジェシカ・ストックホルダー

ジェシカ・ストックホルダー（1959年生まれ）は、カナダ系アメリカ人の芸術家であり、しばしば「空間の絵画」と表現される、特定の場所を対象としたインスタレーション作品や彫刻で知られています。 ^{[1] [2] [ 3]}彼女は、芸術作品と展示環境、および絵画的経験と物理的経験の境界に挑戦する記念碑的な作品で、1990年代初頭に有名になりました。 [ ^{4] [5] [6]}彼女の作品は、大胆な色彩、質感、日常的な物の「集中砲火」^[7]をしばしば提示し、床、壁、天井を組み込み、時には展示会場から溢れ出します。^{[8] [9]批評家は、彼女の作品は}抽象表現主義、カラーフィールドペインティング、ミニマリズム、ポップアートなど、多様な芸術的伝統に影響を受けていると示唆しています。^{[10] [11] [12]}初期のキャリアから、彼女の作品には自発性、偶然性、周縁性に対する開放性と、永続性、金銭化、規律的な慣習に対する拒絶が見られ、スティーブン・ウェストフォールはそれを「衝撃的な自由の感覚」と表現した。^{[5] [13] [14] [15]}

ストックホルダーは、ディアアート財団^{[16] 、} ポンピドゥーセンター^[17] 、ホイットニー美術館^[18] 、MoMA PS1 ^[19]、ヴェネツィアビエンナーレ^[20]で展示を行っています。彼女の作品は、ニューヨーク近代美術館(MoMA)[21]、ロサンゼルス現代美術館(MOCA)[22]、シカゴ美術館[23]、大英博物館[24]、アムステルダム市立美術館など、数多くの美術館に所蔵され^て います。[ ^{25 ]} 彼女は^、グッゲンハイム財団[ ²⁶ ]、スミソニアン^アメリカ美術館[ ^27]、[アノニマス・ワズ・ア・ウーマン] ^[28]、全米芸術基金などから賞を受賞しています。 ^{[29]彼女は、画家の夫パトリック・チェンバレンとともにシカゴに住んでおり、}シカゴ大学視覚芸術学部の教授および大学院研究科長を務めています。^{[30] [1] [31]}

ストックホルダーは1959年にシアトルで生まれ、カナダのバンクーバーで育った。両親のフレッドとケイ・ストックホルダーはブリティッシュコロンビア大学の英語教授だった。^{[8] [11]}十代の頃、彼女は父の友人である彫刻家モウリー・バーデンから個人指導を受け、後にビクトリア大学で正式に学んだ（美術学士号、1982年）。^[9]学部時代の作品は絵画に焦点を当てていたが、絵画の枠を超えた非伝統的なアプローチを模索し、物、境界、建築物など、彼女の芸術の中心となっているものも含まれていた。例えば、よく引用される初期の作品「父の裏庭への設置」（1983年）では、ダブルマットレス、戸棚のドア、金網のロール、長方形の芝生の塗りつぶしなど、父親のガレージに固定または隣接していた塗装された物体が組み込まれていた。^{[3] [9] [4]}

1983年、ストックホルダーはイェール大学に入学し、ジュディ・パフ、ジェイク・ベルト、メル・ボクナー、ウルスラ・フォン・ライディングスヴァルトらに師事し、1985年に美術学修士号を取得した。^{[32] [9]}イェール大学での彼女の作品は、芸術作品と建築の境界に関して、はかない曖昧なものが多かった。^{[33] [9] [11]}続く「Kissing the Wall」彫刻作品（1987–90）でも、このアプローチを継続し、壁と芸術作品の間にある空間に鏡や付属のランプを取り付けて、壁や構造物に色のついた光を当てた。^{[9] [4] [33]}卒業後、ストックホルダーはブルックリンに移住した。^[9]彼女は1980年代後半にPS1、マーサーユニオン（トロント）、マットレスファクトリー（ピッツバーグ）、^{[17] [34]}、その後すぐにアメリカンファインアーツ（ニューヨーク）、ルコンソーシアム（フランス）、ホイットニー美術館（1991年ビエンナーレを含む）、ルネッサンスソサエティ（シカゴ）などが主催する展覧会を通じて注目を集めました。^{[35] [36] [37] [38] [39]}

ストックホルダーのインスタレーションと展示は、見つけたり購入したりしたオブジェクト、塗装されたり敷き詰められたり本来の色、そして様々なフレーミング装置を統合した「ウォークインペインティング」であり、アートワークと建築、表面と支持体、図と地を融合している。^{[40] [36] [41]}批評家は、彼女の主な関心事を主観性、視覚的構文と意味の創造、物理的および時間的経験、そして鑑賞習慣と芸術的慣習の転覆であるとしている。^{[42] [12] [4]} デビッド・ペイゲルは彼女のインスタレーションを「すぐに入手できるアイテムの目録と、騒々しくオープンエンドでありながら厳密に構造化された星座」と表現し、「気取らない、誰にでもできる創意工夫が、夢のような理想主義と現実的な実用主義の間のギャップを埋めている」としている。^[12]

ストックホルダーの作品は、インスタレーション・アートの発展や美術史の伝統や人物（セザンヌや初期モダニズム（マティス、キュビズム、クルト・シュヴィッタースなど）、アクション、カラーフィールド、ハードエッジ・ペインティング、ミニマリズム、アンソニー・カロ、ゴードン・マッタ＝クラーク、ロバート・ラウシェンバーグなど）との関連で議論されてきた。^{[5] [36] [13] [43]}評論家のバリー・シュワブスキーは、これらの先例が、イリュージョニズムの拒絶、絵画面や物体の物理的性質の強調、材料の直接的で攻撃的な使用においてストックホルダーと共有していると示唆した。^[3] ヘレン・モールズワースとジャック・バンコウスキーは、ストックホルダーの芸術に「前衛的な戦略のカタログ化」^{[7]を特定し、それが純粋に}形式主義的な用語、あるいは消費者文化、制度、階級への批判を含む社会学的な用語のいずれかで彼女の作品を誤解することにつながったと示唆している。^{[42] [3]}バンコウスキーとシュワブスキーは、ストックホルダーは認識可能なオブジェクトを、文字どおりの意味や機能的な意味ではなく、形式的、物質的、類型的な属性に基づいて選択している（例えば、ラウシェンバーグとは対照的）が、それらの芸術的意味合いを完全に剥奪することなく使用していると主張している。^{[42] [3] [44]}

マイケル・キンメルマンは、インスタレーションの同時代人（キャディ・ノーランド、ジェイソン・ローズ、ナンシー・ルービン）の皮肉と社会批評とを対比させ、ストックホルダーの作品の「ファンキーな狂気」とウィットは、より感覚的で詩的でロマンチックで祝祭的なものであると区別した。^[8]作家たちは、ストックホルダーの日常の非日常化が、彼女の作品におけるそのような性質や方向感覚の喪失、幻想状態に貢献していると頻繁に指摘している。 ^{[42] [5] [32]}彼女は、相容れないアイテムの並置、ありそうもないつながりを主張するための色彩（本来の色彩または応用色彩）の使用、そしていかなる特権的な視点も拒否する空間アプローチを通じて、これを達成している。 ^{[8] [16] [9] [4]} ジェルマーノ・チェラントは、このアプローチを「階層や境界のない包括的なビジョンを支持し、認識と視点の断片化に疑問を投げかける」ものであると説明した。^[6]その結果、多くの批評家は、ストックホルダーの意図を、探究や実験の観点から解釈している。ミウォン・クォンの言葉を借りれば、「どちらか一方ではなく、両方という姿勢」であり、矛盾を抱えている。^{[45] [9] [16]}

ストックホルダーの作品は、そのキャリアを通じて、美術館などの準公共空間向けに制作された一時的な特定の場所に設置されたインスタレーションと、より人間的なスケールの自律的な集合体や彫刻に大きく分かれており、多くの場合、彼女のスタジオで制作され、ギャラリーで展示されています。^{[3] [32]} 1990年代の彼女のインスタレーションとギャラリーでの展示は、風変わりな並置、粗雑な構成、そしてマティスのような洗練された色彩とパターンと無秩序さの珍しい組み合わせで注目されました。^{[46] [47] [48] [49] [50]}アメリカン・ファイン・アーツ（1990年）とジェイ・ゴーニー（1995年）の展覧会のレビューで、ニューヨーク・タイムズの批評家ロバータ・スミスは、この作品を挑発的で「執拗に抽象的」であり、「視覚的な意味をなすことをやめ、アサンブラージュ・アートとカラーフィールド・ペインティングのあり得ないスタイルを、あまりに散漫で奇妙で、頭ではなかなか捉えられないハイブリッドに組み合わせる」という決意において不安を抱かせると評した。^{[36] [10] [51]}ロサンゼルス・タイムズの1996年の展覧会のレビューでは、ストックホルダーの「見事なまでに不器用な彫刻」は扱いにくく、何気なく無造作だが、「鋭敏で形式的な知性」によってまとめられていると評した。^[49]

ストックホルダーは1990年代にディア財団、ミデルハイム野外彫刻美術館（ランドスケープ・リノリウム、1998年、アントワープ）、パワー・プラント（トロント）などで主要なインスタレーションを制作した。^{[8] [52] [53] [11]}ディアの作品「Your Skin in This Weather Bourne Eye-Threads & Swollen Perfume」（1995年）は、3,600平方フィートの部屋を占め、センターのロビーや窓から路地に溢れていた。^{[8] [16] [13]}マイケル・キンメルマンはそれを騒々しくオペラ的であり、跳ねるハイキーカラーのブロックと複数の視点が「マティスの切り抜き、デイヴィッド・ホックニーの舞台セット」、またはフランク・ゲーリーの構造に入るような体験を生み出すと表現した。^{[8] [54]}キュレーターのリン・クックは、ストックホルダーは「芸術空間と現実空間を具体的に融合させ、それらが相互に交換可能になるようにしている」と書き、彼女の絵画空間が建築に匹敵する生活体験の質を達成できるようにしている。^[13] スカルプチャーのデボラ・ソロモンは、パワープラントのインスタレーション（First Cousin Once Removed or Cinema of Brushing Skin、1999年）を「深く教養のある狂気」のフォーヴィスムの傑作と呼んだ。彼女は、この作品はランプ、リノリウム、吊り天井、ひっくり返った手押し車、タイヤがプールブルーに塗られたトレーラートラックなど、あふれんばかりの内容で美術史を「飼い慣らした」と書き、モンドリアンやミニマリズムなどのモダニズムの参照点から、典型的な道徳的重厚さとユートピア的努力を剥ぎ取った。^[11]

批評家は、ストックホルダーの後期のインスタレーションや展覧会は、「鑑賞」用の傾斜路やプラットフォーム、地元で回収された素材やオブジェクト、^{[4] [43]}および他のアーティストの作品を取り入れることで、より高度なつながりと鑑賞者の参加を促していると指摘している。^{[55] [56] [57]}また、バケツ、洗濯かご、食器用水切り、プラスチックカップなど、明るい色の家庭用ディスカウントストアの商品への素材の変化も指摘している。^{[58] [59] [60] [61]}

2000年代のストックホルダーの彫刻は、以前の作品よりも親密で簡潔で、インスタレーション中心ではなく、開放的な空間と形式的な厳格さと、自由さ、即興的な自由さ、絵画的な雰囲気がバランスよく調和していると特徴づけられている。^{[62] [58] [60]}ニューヨークタイムズ紙は2回の展覧会評で、彼女の「カラーフィールドアサンブラージュ」を、切り刻まれたりつなぎ合わされた家庭用品、壁、床^[55]であり、「爆発の余波に巻き込まれた郊外の家」を思わせ、^{[62]魅惑的な明るい色とペイントの明快さで結びついていると評した。その後の展覧会 (ミッチェル・イネス＆ナッシュ、2006年) では、} JS#433やJS#436などの作品が、色彩と質感の巧みさ、型破りな固定方法と吊り下げ方法 (バックパックやテントのフレーム、自転車ラックなど)、気まぐれな線画を思わせる電気コードなどの鮮明に描かれた形状で注目された。^{[61] [63] [58]} ブルックリン・レール紙は、これらを「謙虚な物」であり、個人的な内省や連想、驚きの要素、そして「予期せぬ美しさ」の瞬間をもたらすものだと評した。^[58]ショー「セックス・イン・ザ・オフィス」（1301PE、2007年）は、タブーを探求する挑発的なものであり、「ありふれた物質的表面のエロティシズム」であると評された。^{[59] [64]}

この間、ストックホルダーはサンタフェのビエンナーレであるSITE（ 2001年の『バードウォッチング』、ロスアラモスの倉庫から回収した資材で組み立てられた）で仮設インスタレーションを制作した。 ^{[65] [66]}ライス大学（ 2005年の『サム・ラン・オーバー・サンド』）^[4]およびPS1（2006年の『空中に浮かぶ立ち根』） ^[67] 。 2005年には、デンマークのクンストハレン・ブランツで『White Light Laid Frozen』と『Bright Longing and Soggy Up the Hill』という2つのインスタレーションを展示した。^[68] アートフォーラムは前者の作品を「奇妙な組み合わせの慎重な調整」と評し、蛍光イエローのロッカー、青いテーブルトップ、アルミホイルの皿の列、古い毛皮のコート、積み重ねられた温室、さまざまな照明、一段高い木製の傾斜路が「スクリューボール・コメディと崇高の間」で揺れ動いていると述べた。^[43] Peer Out to See（2010年、マドリードのソフィア王妃芸術センター）は、「移動可能な絵画」と評され、積み重ねられたガーデンチェア、子供用バスタブ、プラスチックバスケットで作られた凍った噴水のような彫刻作品がガラスの天井まで届き、美術館の屋外噴水と共鳴していた。^[2]

ストックホルダーは屋外の仮設インスタレーションの制作も依頼された。「Flooded Chambers Maid」（2009年、マディソンスクエアパーク）は、工業用資材、青いゴムのマルチ、観覧席、バケツ、ゴミ箱、自由形の庭園を組み合わせて、訪問者が座ったり、昼食をとったり、遊んだりできる、活気に満ちた3次元構成主義風の絵画を制作した。 ^{[1] [6]} 「Color Jam」 （2012年）では、シカゴの繁華街の交差点を囲む4つの角と建物を、焦げたオレンジ、ライムグリーン、ターコイズブルーの帯で覆い、ニューヨークタイムズが「クリストとハンス・ホフマンの出会い」と評した効果を生み出した。^{[69] [70] [71]}

「アシスト」シリーズでは、ストックホルダーは流動性とプラットフォームや台座などの隙間要素の探求を広げました。^[33]彼女の「アシスト」は、椅子やピアノなどの大きなありふれた補助物体（作品の一部とはみなされない）に固定されて初めて直立するモジュラー彫刻です。^{[32] [33] [72]}これらは2015年からいくつかのショーで展示され、^{[33] [32] [73] [74]}アートバーゼル2018も含まれています。 ^{[75] [76]}

ショー「ドアヒンジ」（カビ・グプタ、2015年）では、ピアノ、ヴィンテージデスク、スマート電気自動車にそれぞれビニールベルトで固定された3つのアシストと、曲がりくねったキャットウォークを備えた一時的なインスタレーション「丸太または冷凍庫」が紹介されました。また、ストックホルダー（「アシスト」）がキュレーションした別の展示も含まれており、彼女の作品と彼女に影響を与えた16人のアーティストの作品を並置しました。^{[56] [77] [78]} アートフォーラムのキャロライン・ピカードは、これを「オブジェクトと美的実験の間の深遠な対話であり、ダイナミックで多声的なネットワークを強調している」と評しました。^[56]「ゲスト全員がダイニングルームに群がった」（ミッチェル・イネス＆ナッシュ、2016年）は、2つのアシスト、自律的な彫刻、そしてギャラリーの壁に描かれたオレンジとピンクの帯の上に掛けられた絵を見ることができる曲がりくねったスケーラブルなプラットフォームステージで構成された一時的な「状況」を含む没入型の展示会でした。^{[33] [79] [6]} 2019年、セントラル美術館は、ストックホルダーがローリー・クライトマンズと共同キュレーションした大規模な展覧会「スタッフ・マターズ」を開催しました。ストックホルダーは、彫刻でオブジェクトを使用するのと類似した方法で、美術館のコレクションから60点のアイテムを取り入れました。ショーには、美術館のアイテムに固定された2つのアシスト、彼女の20年間の作品にわたる彫刻、そして一時的なインスタレーションが含まれていました。^{[57] [53]}

ストックホルダーの後期の作品には、「EWaste」と「Specific Shape/Fixed Object」シリーズがある。デイヴィッド・ペイゲルは「EWaste」の作品（見つけた電子機器やハードウェアを抽象的な彫刻に作り直したもの）を「巧妙に反逆的」で、自由連想的な推測とマティスの切り紙コラージュの形式的な力を組み合わせた緊張感のある混合物と表現した。^[80] 2021年の展覧会では、ストックホルダーは「特定の形状」（インスタレーションごとにスケールが変化する壁に手描きされた形状）と「固定オブジェクト」（インスタレーション間で変わらない日常的な材料から組み立てられた小さな彫刻）を組み合わせた。^[81]

ストックホルダーは自身の作品や他人の作品の展覧会を数多く企画している。これらの展覧会は、ゴーニー・ブラビン＆リー（2003年）^{[55] 、} タン美術館（「宝石泥棒」、イアン・ベリーと共同キュレーション、2010年）^[82]、カヴィ・グプタ（「アシスト」、2015年）^{[56] 、} コンテンポラリー・オースティン（2018年、ロバート・デイビッドソンの作品）^[73] 、セントラル美術館（ローリー・クルートマンズと共同キュレーション、2019年）^[57]、OGRトリノ（2021年）^{[83]で開催されている。}

1999年から2011年まで、ストックホルダーはイェール大学で彫刻の大学院研究科長および教授を務めた。^{[11] [84] [85]}彼女は2011年から2018年までシカゴ大学視覚芸術学部の学部長を務め、現在は大学院研究科長を務めている。^[30]

ストックホルダーは、グッゲンハイム・フェローシップ（1996年）^[26] 、ドイツのレームブルック美術館（2001年）^[86] 、スミソニアンアメリカ美術館（ルセリア・アーティスト賞、2007年）^[27] 、 [匿名の女性（2012年）]、^[28]、アメリカ芸術文学アカデミー[ ^{87] [88]}、全米芸術基金、ニューヨーク芸術財団、カナダ評議会からの助成金^[29]を受賞している。^{[68]彼女は2011年に}全米デザインアカデミーに選出され、2010年にエミリー・カー芸術大学、2013年にシカゴのコロンビア大学からそれぞれ名誉博士号を授与された。 ^{[89] [85]}

株主の作品は、MoMA、^[21] オルブライト・ノックス美術館、^[90]シカゴ美術館、^[23] ロサンゼルス郡立美術館、^[91] MOCA LA、^[92] ボストン美術館、^[17] 国立美術館、^[93] オレンジ郡立美術館、^[94] サンフランシスコ近代美術館、^[95]ホイットニー美術館など、アメリカの美術館のコレクションに収蔵されています。^[96]この絵は、大英博物館、^[24] カレ・ダール、^[97]中央美術館、^[98] GAM トリノ、^[99]ル・コンソーシアム、^[100] レームブルック美術館、^[101] ムモック、^[102] 国立近代美術館（ポンピドゥー・センター）、^[103] オーストラリア国立美術館、^[104] シュテーデル、^[44]アムステルダム市立美術館、^[25]バンクーバー美術館などの国際コレクションに所蔵されています。^[17]

ストックホルダーの作品は、2021年にポンピドゥー・センターで開催された「抽象表現主義の女性たち」展に展示された。^[105]

• ジェシカ・ストックホルダーのウェブサイト
• ジェシカ・ストックホルダー Art21 プロフィール
• ジェシカ・ストックホルダーインタビュー | 正常とは何か、ATPダイアリー
• ジェシカ株主によるアートフォーラムのプロジェクト
• ジェシカ・ストックホルダー | スタッフ・マターズ、2019
• 「カラージャム」：ジェシカ・ストックホルダーとの会話、2012年