失われた和音を探して

失われた和音を探して
スタジオアルバム​ ムーディー・ブルース
リリース	1968年7月26日
記録済み	1968年1月～6月
スタジオ	デッカ、ロンドン
ジャンル	サイケデリックロック、プログレッシブロック
長さ	42:07​​
ラベル	デラム
プロデューサー	トニー・クラーク
ムーディー・ブルースの年表
過ぎ去った未来の日々 (1967) 失われた和音を求めて （1968） 夢の入り口で (1969)
『In Search of the Lost Chord』からのシングル
「空の声」 公開日: 1968年6月28日 「ライド・マイ・シーソー」 リリース: 1968年10月12日

『In Search of the Lost Chord』は、1968年7月にデラム・レーベルからリリースされた、ムーディー・ブルースの3枚目のアルバムです。

バンドの前作『Days of Future Passed』の成功により、バンドはスタジオに余裕が生まれ、次のアルバムを制作する上で創造性に富んだ柔軟性が生まれた。当時、キーボード奏者のマイク・ピンダーはメロディ・メーカー誌に「アルバムは新しいアイデアを試す機会を与えてくれる。そして購入者は、アルバムはダンスのための音楽以上のものを提供していると気付いている。座って聴くことができる。音楽の探求の旅に出ることもできるのだ」と語っている。 ^[1]ギタリストのジャスティン・ヘイワードは『 In Search of the Lost Chord 』について「自分たちの魂と方向性を見つけたと感じた。音楽的にすべてがうまくまとまったときだった」と回想している。^[2]

前作同様、『In Search of the Lost Chord』は概念的なテーマを特徴としている。 『In Search of the Lost Chord』の曲は、世界探索と内なる自己実現の両方を含む探求と発見というテーマを中心にした緩やかなコンセプトを形成している。マイク・ピンダーは「ムーディーズは、概念的なアルバムを作り、交響楽団と共演した最初のロックバンドだった。そのため、私のアイデアの多くが、概念的な思考と、音楽と歌詞を通して質問することで人々にアイデアを伝えるというこの領域全体に結びついていることに気づいた」と説明した。^[3]

このアルバムは、サイケデリック時代を特徴づける内なる探求の精神からインスピレーションを得ている。ジャスティン・ヘイワードは、バンドの創作過程におけるサイケデリックドラッグの影響を認めている。「ああ、僕らはみんな、いろんなことに手を出していた。まあ、ジョン以外はね。彼は一度も手を出さなかった。たいていは、もっとサイケデリックなタイプのドラッグだった。LSD を摂取するといつも楽しい時間を過ごしていたことは認めざるを得ない。そして、そのトリップが当時の僕らの音楽の多くに影響を与えたんだ。」^[要出典]彼は、「僕らはそれらの経験を生かし、できれば次の世代に伝えることができたと思う。それが、僕らが唯一得られる功績だと思う。」とコメントしている。^[4]キーボード奏者のマイク・ピンダーは、「音楽を聴くとき、瞑想状態のときに最も楽しめるが、ドラッグの影響で瞬時にその状態にすることができたと思う。」と語っている。^[5]

ヘイワードは、バンドの好奇心と知識の探求心について詳しく語った。「私とピンダーとレイは、あらゆることに手を出し、できる限り多くのスピリチュアルやサイケデリックな情報を飲み込もうとしていました。私たちは常にそれに向かって走り回っていました。あらゆる本を読み、あらゆる種類の宗教を調べ、あらゆる種類のサイケデリックな体験をしました。1968年に最初のアメリカツアーでティモシー・リアリーに会い、私とマイクとレイは彼の牧場で1週間ほど滞在し、素晴らしい時間を過ごしました。私たちは一緒に多くの宗教体験をし、同じ本を読む傾向がありました。バガヴァッド・ギーターやチベット死者の書を読んだり、これらすべてを一緒にやったことを覚えています。ですから、私たちが言っていることは誠実で、単に情報を拾い集めてそれを曲に使っただけではありませんでした。当時、私たちは実際にこのことを実践していました。おそらく他の多くの人々と同じように、私たちはそれを他のほとんどの人よりもずっと真剣に受け止めていました。私たちは、真剣に取り組んではいるものの、音楽がわかりにくい他のミュージシャンよりも、よりわかりやすい形で音楽に取り入れることができたのです。」^[6]

ピンダーは1976年のラジオインタビューでアルバムのテーマについて次のように振り返っている。「歌詞のあらゆる言葉を慎重に検討し、バランスが取れていること、つまり『これが答えだ』というような断定的な表現にならないように注意しました。私たちは答えを与えているわけではありません。なぜなら、質問することで答えが生まれ、その答えは常に理解できるものだからです。私は、これは人々が経験し、記録し、レコードで共有している単なる経験だということを人々に理解してもらいたいのです。私は、娯楽以外の何かを得るためにレコードを購入します。私は、誰かが自分の聞きたいことを言ってくれること、そしてそれが信頼できる人から来ていて、その人もその経験をしたことがあると信じられることを願っているのです。」^[7]

『In Search of the Lost Chord』は、グレアム・エッジの詩で始まります。この詩は、エッジ自身によって語られています（ほとんどの場合、マイク・ピンダーではなく）。この詩の言葉は、感覚的な経験が、旅の始まりのきっかけとなる可能性があることを説明しています。

語りによるイントロは、アルバムのリードシングルであるロックソング「Ride My See-Saw」へと続く。ジョン・ロッジは歌詞のインスピレーションについて次のように説明している。「この曲は、個人的にも、ムーディー・ブルースの一員としても、自分が得たと感じた自由についての曲です。」^[8]彼は、「この曲は、学校を出て世界に出て、自分が思っていたものや学校で教わったものとは違うと気づくことについて歌っています。実際は、それよりもずっと大きな意味があります。『Ride My See-Saw』は、自分の人生に乗り、このことでどこへ向かうのかを見ることについて歌った曲です。私は今もそれを続けています。」^[9]ジャスティン・ヘイワードは、「スタジオでのジャムセッションのようだったと記憶している。ちょっと行き詰まったけど、最高だった。グレアムがスネアドラムでディダダ、ディダダを弾いて、ギターのリフが始まった。でも曲はなかった。その後ジョンが歌詞と曲の骨組みを持って戻ってきた。バックトラックを録音した後で、それを録音したんだ」と回想している。^[10]ロッジは、「この曲はベースで書いた。当時としては、マイナーとメジャーのコード進行がすごく良かった。真ん中はハーモニーだけにしたかったし、その通りになった。3つと4つのパートが飛び交っていた。リズムがドライブ感があって、リズムを本当に正しくとる方法を模索していたんだ」と語っている。^[9]ギタリストのヘイワードは、このソロがバンドのカタログの中でおそらく一番のお気に入りだと述べている。「このギターは子供の頃持っていたテレキャスターだった。最初から最後まで、その場その場で思いついた感じで曲を弾いたのを覚えている。最後まで弾いたとき、みんなが『すごい!』『最高!』と言ってくれた。『ちょっと変だ。ちょっとタイミングがずれている』と言ったら、『いやいや、気に入ったよ』と言われた。他のソロはどれも慎重に構成され、考え抜かれたものだったが、これが一番のお気に入りだ」^[11]

「リヴィングストン博士、私は推測します」の作者レイ・トーマスは、この曲を「アルバムの他の曲の真面目さの中でのちょっとした楽しみ」と評した。^[8]詩ではデイヴィッド・リヴィングストン、ロバート・ファルコン・スコット、クリストファー・コロンブスの旅を語り、各探検家がそれぞれの探索で満足感を得たかどうかを問うている。

「House of Four Doors」は発見というテーマを引き継いでおり、「Legend of a Mind」の導入部となっている。ロッジは「かつて『House of Four Doors』という曲を書いたことがあるが、これは本当に誰もが持つことのできる人生観についての曲だと思う。ドアを開けて、それがどこへ連れて行ってくれるか見てみよう。行きたい場所ではないかもしれないが、少なくとも進んでいるのだから、最終的にどこへ行くかはわからない」と回想している。^[12]彼は「ドアを開けると、何が出てくるかはわからない。ドアを開けるには、十分に前向きでなければならない。どのドアを開けるのかわからなければ、決してわからない」と語っている。^[13]ベーシストのロッジは、ベースギターとしてチューニングされたチェロをこのトラックで演奏している。彼は「このトラックではチェロを演奏したが、ベースギターと同じようにチューニングした。チェロが実際にはそのようにチューニングされていないことには気づかなかったが、望み通りの効果を得られた」と回想している。^[8]

アルバムのために最初に書かれた曲「レジェンド・オブ・ア・マインド」は、デイズ・オブ・フューチャー・パスドのセッションで書かれた曲です。この曲は、ティモシー・リアリーの LSD 擁護に触発されたものです。ヘイワードは次のように回想しています。「バンドのメンバーの何人かは、1966 年か 67 年のことでしたが、当時のミュージシャンの多くがそうであったように、おそらくビートルズに導かれて、心霊体験をしていました。私たちはアンダーグラウンドの出版物をたくさん読んでいて、ティム・リアリーについて読んでいたので、彼を曲に取り入れました... この曲は、とても冗談めいたバージョンで、フラワー パワー時代のサンフランシスコの様子を私たちが想像した、とても生意気な英語バージョンです... 冗談めいたものですが、背景には深刻な意味がありました。それは私たちにとって意味のあるものでした。私たちは、当時のフレーズ、チベットの死者の書からの抜粋、アストラル界などについて語っていましたが、それはその反映です。」^[14]作詞者のレイ・トーマスは「彼について読んだことはあったが、その時点では会っていなかった。でも『レジェンド・オブ・ア・マインド』は冗談半分の歌詞だ。なぜなら私はアストラル界を、ヒッピーたちがサンフランシスコ湾を周遊するために借りたサイケデリックに塗装された複葉機のようなものだと考えていたからだ。ティム・リアリーはチベット死者の書に深く関わっていて、私はそれを読んでいた。だから私はティモシー・リアリーは死んだと書いて、いやいや、彼はただ体の外から中を覗いているだけだと言った。私は本当に冗談を言っていただけだ。アメリカのヒッピーたちや彼らの信念、すべてを笑っていただけだ。私は彼と一緒にドラッグを飲んだことは一度もないし、彼がドラッグを飲んでいるのを見たこともなかった」と語っている。^[15]

アルバムの2枚目の曲は、より個人的な自己発見のテーマを扱っている。「Voices in the Sky」は精神性を探求し、「The Best Way to Travel」はサイケデリックな想像力を扱っている。^[16]後者の曲の歌詞は、経験が単に「スクリーン上を通り過ぎる光」であるかどうかを疑問視しており、私たちの人生観が本当に幻想に過ぎないのであれば、瞑想は存在の本質を理解するのに役立つことを示唆している。^[7]

「Visions of Paradise」と「The Actor」は愛と内省的な内省を探求している。^{[8]インタビューでヘイワードは「The Actor」の歌詞にインスピレーションを与えた背景を思い出した。「夜遅く、}ベイズウォーターの外の道、しばらく静か、世界で一人ぼっち（少しの間）、恋をしているが関係に苦しんでいる。」^[17]

アルバムは「Om」で終わり、エッジによる「The Word」と題されたスポークンワードの序文が収録されている。詩には「目と耳の間には、色の音とため息の光がある」という一節がある。エッジは「お気に入りの音楽を50回聴いても、まだ何かを感じることができる。しかし、今まで見た中で最高の映画でも、10回、11回聴けばそれで終わりだ。なぜなら、音楽は熱く、映像は冷たいからだ。音楽はテンポ、形式、ピッチだ。目を通して、色、遠近感、形式がわかる。だから、耳を通して受け取るのと同じように、本当にクリエイティブな振動を目を通して受け取るのだ」と説明した。^[18]

「オーム」は超越主義と瞑想におけるマントラの使用を讃えた歌である。^[8]アルバムのライナーノーツには、当時のグループの聴衆がマントラに馴染みがなかったかもしれない場合に備えて、マントラの概念についての説明がある。

瞑想やヨガを実践したことがある人なら誰でも、マントラという言葉は瞑想に集中する力の言葉としておなじみです。ヒンドゥー教の聖典で最も重要な力の言葉はオームという言葉で、オームと発音すると「神」「すべて」「存在」「答え」を意味します。その意味について考えたり集中したりすると、他のすべての考えが排除され、最終的に瞑想者が目指す心の状態がもたらされます。^{[19] [20]}

「レジェンド・オブ・ア・マインド」は1968年1月13日に録音された。 ^[8]アルバムの残りの部分は5月から6月にかけて録音された。前作と同様に、アルバムはウェスト・ハムステッドのデッカ・スタジオのスタジオ1で、プロデューサーのトニー・クラークとエンジニアのデレク・ヴァーナルズとともに録音された。アルバムは主に4トラック技術を使用して録音されたが、セッション中にデッカの新しい8トラック録音システムが導入された。「ビジョンズ・オブ・パラダイス」は6月4日に4トラックで録音された最後の曲である。「ライド・マイ・シーソー」と「オーム」のボーカル・オーバーダブは6月5日と6日に新しいシステムを使用して行われた。アルバムの最後の2曲「ザ・ワード」と「デパーチャー」はどちらも6月12日に新しい8トラックコンソールを使用して録音された。^[21]

『Days of Future Passed』の予想外の成功により、グループはレコードレーベルで新たな影響力を獲得し、スタジオでの芸術的自由も得た。ヘイワードは次のように回想している。「レコード会社デッカと契約できたのも幸運だった。彼らは長年音楽に携わってきたベテランで、レーダーシステムを作ることも多く、技術的にも優れ、ウェストハムステッドに素晴らしいスタジオとスタッフを抱えていた。私の意見ではEMIよりも優れていた。『Days of Future Passed』の後、幸運な偶然だったが、サー・エドワード・ルイスが私たちのところに来て、『君たちが何をしているのか知らないが、素晴らしい。スタジオが必要なときはいつでも予約すればいい。私たちのような若いミュージシャンにとっては夢のようなことだ。ジャケットは、好きなようにすればいい』と言ってくれた」^[22]。

グループが『Days of Future Passed』の成功を最大限に活用した点の 1 つは、当時の典型的な型にはまらない独創的な曲の構成を採用し続けたことです。ロッジは次のように説明した。「私たちは自分たちの音楽に境界を設けたくなかった。それまではほとんどの曲が2分59秒で出来上がり、1つのテンポで始まり、同じテンポで終わっていた。基本的に、ヴァースがあってコーラスがあってブリッジがあってコーラスという感じだった。私たちはその型を破りたかったし、曲の中で伝えたいことを実際に伝えるのに6分かかり、4つか5つの異なるテンポがあれば、そうするつもりだった。『Legend Of A Mind: Timothy Leary』はその好例だ。曲を伝えるために何でもした。『Tuesday Afternoon』では2つの異なるテンポを使った。私たちが考えていた曲作りの境界を押し広げるために、すべてが重要だった。各曲は次の曲に繋がっていくので、各曲のキーやテンポ、モードについて非常に注意を払った。リンクしつつも異なるものを持つことが非常に重要だった。2つのものを同じにすることはできなかった。同じだとリンクしないからだ。」[ ^23]

『 Days of Future Passed』ではロンドン・フェスティバル管弦楽団がメンバーとして参加していたが、『In Search of the Lost Chord』ではムーディー・ブルースが全楽器を自分たちで演奏し、合計33種類の楽器を演奏した。ロッジは「前作ではオーケストラを使ったが、次の作品では全員が自立すべきだと感じていた。レコーディング・セッションでは自給自足の姿勢を貫いていた。ある曲で特定の楽器を使いたければ、メンバーの誰かが演奏方法を考え出す。自分たちの能力にはかなり自信を持っていた」と回想している。^[8]グループはボーカルのハーモニーでサウンドをさらに引き立てた。ロッジは次のように説明した。「私たちは全員、異なる声の音色を持っていることに気付きました。バリトン、2人のテナー、そしてほぼソプラノです。オーケストラでステージ上で再現できない音は、ボーカルで再現できると気付きました。そのため、多くのことを引き継いでハーモニーで表現することができました。彼らは素晴らしかったです。私はエヴァリー・ブラザーズとそのハーモニーとともに育ちました。エヴァリー・ブラザーズのハーモニーが他の人のハーモニーと異なる素晴らしい点は、ハーモニーがリードでもあることです。私たちもそうしていました。ハーモニーはリードボーカルに追加されるのではなく、2人のリードボーカルが一緒に演奏していました。それは単に装飾的なのではなく、別の次元を追加していました。オーケストラや他の音楽バンドと同じです。オーケストラが演奏しているどのパートでも、単独で演奏することができます。サックスセクションのように、ハーモニーをリードラインにすることができます。」^[24]

ロッジはさらに、グループの作曲にクラシック音楽が与えた影響について次のように振り返っている。「私はバーミンガムで育ちましたが、学校では午後になると静かな時間があり、クラシックのレコードをかけてみんなでそれを聴いていました。バーミンガムには世界でもトップクラスのクラシックオーケストラがあります。当時私は8歳か9歳で、何を聴いているかなどまったく考えませんでした。しかし、無意識のうちにオーケストラ音楽のハーモニーが頭の中に入っていました。というのも、作曲を始めたとき、それが前面に出てきたからです。私はいつも、各パートが何なのか、各楽器やオーケストラが何をしているのかを理解していました。頭の中でそれが聞こえたのです。」^[25]彼はこう語っている。「そして66年に一緒に始めたとき、4人で歌っていたのですが、私たちが作れるハーモニーはオーケストラのハーモニーしかなかったことに気づいたんです。そこから発展していきました。もちろんレイ・トーマスがフルートを担当していたので、木管楽器が加わり、ハーモニーのために弦楽器奏者のメロトロンを見つけました。ハーモニーと弦楽器とフルートで、ある意味オーケストラ風になりましたが、原動力はドラムとエレキギターでした。」^[26]

「Visions of Paradise」と「Om」には、シタールやタブラなど、インドの楽器が使われている。ヘイワードはジョージ・ハリスンの影響でシタールに興味を持つようになった。「アッパー・トッテナム・コート・ロードに、タブラやシタールを扱っている店があったんだ。ジョージが注意を向けるまで、誰も注目していなかったと思う。すると突然、探検を許可されたんだ。ジョージはある意味、許可をくれたんだと思う。電話で「許可するよ」って言ったわけじゃない。ジョージがちょうどそこに行って、「ああ、それはすごく興味深いから、ぜひ調べてみて」って感じだったんだ」と回想する。ギター奏者の大半は、手に入る限りの弦楽器を試していると思います。私はお金が貯まるとすぐにリュートに目を付け、それからコントラバスを買いました。ムーディーズのレコードで何度か演奏しました。大きなスタンドアップコントラバスです。おそらく今も国立オペラのスタジオにあると思います。ある日マイクと一緒にその店に行き、座って私がシタールを弾き、彼がタンボラを弾きました。タンボラはあの共鳴楽器の名前だったと思います。私たちは「これは本当に素晴らしい」と思いました。それでたくさんのものを手に入れ、アルバムで使うことができて嬉しかったです。」^[27]

アルバムのライナーノーツで、プロデューサーのトニー・クラークは、アルバムのレコーディングセッションの雰囲気と、使用された多種多様な楽器について詩的に表現しています。

そこはまるで墓場のように暗い。どこからともなく影が現れ、長く伸びた腕が暗闇の中へと伸び、あらゆる隅に不気味な渦巻状のものが潜んでいる。壁さえも息を止めているようだ。天井近く高いところでは、柔らかな光が上を向いた顔に不気味な輝きを放ち、周囲には奇妙な音楽が響いている。

突然、「素晴らしい！…ぜひ聞いてみてください！」という声が聞こえてきました。

そうです、レコーディングスタジオは午前 4 時 30 分には非常に奇妙な場所になることがあります。特に、ムーディー・ブルースが侵入してきた場合はそうです。

スタジオのフロアは楽器の博物館のようだ。このアルバムでは、すべての音符、ビート、単語がムーディーズ自身によって演奏されているからだ。彼らの多才さはアルバムごとに私を驚かせ続ける。実際、私にとって彼らは常に世界最小の交響楽団である。^[19]

このアルバムでは、バンドは幅広い楽器とデッカのステレオ録音技術の両方を最大限に活用しようとした。ジョン・ロッジは次のように回想している。「他の人がステレオでやっていることを聞いて、ステレオがどういうものかを完全に理解した後、In Search of the Lost Chordでは音楽が完全な絵のように聞こえるような本当のパノラマにしたいと思った。タンバリンはどこにあるのか？アコースティックギターはどこにあるのか？前に置くべきか後ろに置けばいいのか、エコーを少しかけて消えるようにすべきか？頭の周りを衛星が回っているかのような、本当に完全なサウンド体験を提供するために、ステレオミックスに一生懸命取り組んだんだ。」^[28]

「The Best Way to Travel」では、デッカ・スタジオの特注の4トラック録音コンソールに新しく設置されたパンポットが使用されている。このパンニングにより、リスナーの周囲に音が移動するような錯覚が生じる。^[29]

マイク・ピンダーは、セッションの革新の精神を次のように回想しています。「トニー・クラーク、デレク・ヴァーナルズ、そして私は、常に新しく革新的なサウンドを作ろうとしていました。私の特徴的なメロトロンの急降下の良い例は、レイ・トーマスの曲「レジェンド・オブ・ア・マインド」です。私はトロンのスピードコントロールを使って急降下を作り、ステレオ効果を利用してメロトロンの音と動きを一方から他方へ、つまり左から右、右から左へと動かしました。また、リバーブを使ってトラック内で前後に移動させました。リスナーは当時としてはユニークな、ほぼ 3D のサウンドを聴くことができました。デレクはいつも素晴らしい仕事をしてくれました。彼は革新的で才能にあふれていました。彼とトニー・クラークは船を操縦するのが上手でした。私たちはみんな音楽にとても熱心で、冒険でした。たくさんの楽しみと笑いもありました。全員が一生懸命働きました。私たちには創造の自由があり、新しいことに挑戦できる幸運に恵まれました。そこは私たちにとって音楽のワンダーランドでした。」^[30]

ロッジはセッションを懐かしく思い出している。「本当にエキサイティングな時間だったし、スタジオは創作するには最高の場所だった。当時は、大規模なマルチトラック録音は利用できなかった。『Days Of Future Passed』はすべて4トラックだった。『In Search Of The Lost Chord』は『Ride My See-Saw』を除いてすべて4トラックだった。『Ride My See-Saw』では8トラックの録音機が出てきたので、それを使った。当時はレコーディングのプロセスはかなり迅速だった。スタジオに入ると、全員が一緒に座って曲を練り、録音することができた。ツアーに出るのは素晴らしい時間だったし、スタジオに戻って新しいアルバムを録音するのが待ち遠しかった。」^[31]

このアルバムのカバーには、このグループのその後の数枚のアルバムのカバーをデザインすることになるフィル・トラヴァースによるアートワークが採用されている。^[8]トラヴァースは次のように回想している。「私はデッカで2年間、アルバムジャケットの仕事をし、その後ウィンブルドンのデザイン事務所に就職しました。その後、デッカで知り合いだった人から連絡があり、ムーディー・ブルースのマネージャーが私のイラストを気に入ってくれて、バンドと会って彼らの新しいアルバムのジャケットのデザインについて話し合ってほしいと言われました。私はロンドンのパブでムーディーズに会い、依頼の詳細を話し合いました。バンドは主に瞑想の概念を描いてほしいと言っていました。これは私が個人的にあまり経験したことのないことで、そのような幽玄な主題についての私の最初の考えは残念ながら実体のないものになりました。私はまとまりのある視覚的なアイデアを生み出しておらず、このアイデアの欠如は私の最初のラフデザインに明らかでした。音楽を聴いているときに、カバーのコンセプトは実際にはある種のサブリミナルな方法で私に与えられました。私が座っていたスタジオのレコーディングとミキシングのエリアは、バンドが演奏するエリアから大きなガラス窓で隔てられており、このガラスには私の姿がいくつも見えました。まるで宇宙に昇っていくかのようでした。その後、すべてがうまく収まりました。」^{[5] [32]}彼は、「『もっと実践的かつ論理的にアプローチしなくてはならない』と思いました。このように考え始めると、物事がうまく収まり始め、問題をある種の視覚的コードに分解し始めました。バンドに提示した最終的な鉛筆画のラフでは、頭蓋骨の代わりに、私たち全員が持つ物理的なつながりを表す大きな南京錠と鎖を描いていたのを覚えています。彼らは頭蓋骨を提案しましたが、それは似たような意味を持つと思いますが、より良いイメージでした。」^[33]

『イン・サーチ・オブ・ザ・ロスト・コード』は1968年7月26日に発売された。全英アルバムチャートで最高5位を記録し^{[38] 、}ビルボード200で23位に達した^[39]。アルバムからの2枚のシングルのうち、「ライド・マイ・シーソー」は全英シングルチャートで42位、米国ビルボードチャートで61位に達し、「ヴォイシズ・イン・ザ・スカイ」は全英で27位に達したが、米国ではチャート入りしなかった。

『イン・サーチ・オブ・ザ・ロスト・コード』は2006年3月にSACDにリマスターされ、2枚組CDデラックス版に再パッケージされた。2006年にデラックス版で発売された他のムーディー・ブルースのアルバムはオリジナルの4チャンネル・ミックス（5.1サラウンドサウンドとしてエンコード）を特徴としていたが、 『イン・サーチ・オブ・ザ・ロスト・コード』はこのフォーマットで発売されたことがなく、2018年に50周年記念ボックスセットの一部として5.1ミックスが発売されるまで新しいミックスはリリースされなかった。^[40] 2008年には、9曲のボーナストラックを収録したシングル・スタンダード・オーディオCDのリマスターが発売された。この再リリースは、アルバムの最初のコンパクト・ディスク版の品質上の懸念を修正したものである。ジャスティン・ヘイワードは次のように説明している。

80年代初頭に彼らがデジタル領域に突入し、しかもかなりひどい状態だったことがいくつかあったことは分かっていた。特に、グレアム・エッジのライドシンバルが入った『In Search of the Lost Chord』でそれを実感した。最初は、録音状態があまり良くなかったのだろうと思っていたが、オリジナルのマスターに戻ってもう一度聴いてみると、こう思った。「いや、これは素晴らしい」。デジタル版を急いでデジタル化しようとして、30年近くもあまり良くない状態で過ごしていたことに気づいたのだ。^[41]

2018年11月、このアルバムは5枚組の『In Search of the Lost Chord - 50th Anniversary Box Deluxe Edition』セットとして再発されました。

アルバムのプロモーションのため、グループはイギリス全土でコンサートを続けた。8月、グループはアレクサンダー・ドゥプチェク政府の招待を受けてプラハを訪れ、共産主義チェコスロバキアで最初の西洋ロックグループの一つとして演奏した。演奏前に、グループはソ連の侵攻により国外に護送されなければならなかった。^[8]ロッジは次のように回想している。

社会の変化と激動の時代だったが、アレクサンドル・ドゥプチェクが権力を握っていた時代で、すべてがずっとリラックスしていた。空港でロックンロールの音楽が聞こえ、鉄のカーテンの国にいるとは思えなかった。それで私たちはコンサートに行き、ホテルに戻ると、マネージャーが緊急の連絡をしたいと言った。彼は、ロシア人が街に侵入し、ホテルを占拠したので私たちは移動しなければならないと説明した。「待ってください」と私たちは言った。「私たちが先にここにいて、部屋代を支払うためにトーマス・クックのバウチャーを渡しました。私たちはどこにも行きません！」しかし、すぐに正気に戻り、出発した。結局、国を出る唯一の方法はパキスタン航空の赤新月社の飛行機にこっそり乗り込むことだった。それはまるで赤十字の任務に就いているようなものだった。私たちはロックスターとしてこの国に到着し、赤新月社の緊急援助機の後部座席で出発した。それが現実を思い知らされた。^[2]

10月、彼らは初のアメリカツアーに乗り出した。コンサートプロモーターのビル・グラハムは、フィルモアとフィルモア・イーストの両方で演奏するよう彼らに招待した。ロッジは次のように回想している。「1968年にビル・グラハムからアメリカで2回ギグを演奏するよう招待された。会場は互いにかなり離れており、ギグは10週間間隔だったので、アメリカ中を回ってキャンド・ヒート、ジェファーソン・エアプレイン、ポコなどのバンドと演奏した。」^[42]ヘイワードは次のように語っている。「ビル・グラハムがフィルモア・イーストとフィルモア・ウェストでの2回のギグをオファーしてくれたのはとても幸運だった。それから、エージェントがサイケデリックなクラブでのギグをたくさん手配してくれたし、キャンド・ヒートとのツアーも決まった。彼らは私たちにアメリカを見せてくれた...スクールバスに乗って（笑）、それでもアメリカを見ることができた。私たちは南から北へ、下から上へカナダまで行った。」^[43]ロッジは「あれは最も素晴らしい経験だった。60年代のアメリカは世界のどことも違っていたので、誰も二度とあんな経験はできないと思う。車は巨大で、フリーウェイは巨大で、建物は巨大で、マクドナルドも巨大だった！音楽的には信じられない時代だった。フィルモア・イースト、フィルモア・ウエスト、ロサンゼルスのザ・シュラインに行ったからね。だから、我々は全く違う場所にいたんだ。たくさんのバンドの演奏を見るのは素晴らしかった。あちこちを回ってバンドを見たり、音楽を楽しんだり、キャンド・ヒートのような人たちを見たりした。素晴らしい時代だった。」と語った。^[31]ヘイワードは、最初のアメリカツアーがバンドの成功に与えた永続的な影響について語った。「私たちはアメリカの工業地帯や労働者階級の地域で人気があります。面白いことに、それは私たちが1968年にキャンドヒートの前座として訪れた場所すべてです。彼らは私たちにとても親切でしたが、彼らの聴衆は中西部のような場所すべてで、それ以来ずっとそこが私たちの領土です。そして私はとても嬉しく思っています。なぜなら、音楽に対する純粋な愛があるからです。」^[22]

QとMojo Classicの特別版『Pink Floyd & The Story of Prog Rock』では、このアルバムは「40 Cosmic Rock Albums」のリストで37位にランクされました。^[44]

出典: ^{[19] [20]}

• ジャスティン・ヘイワード– 12弦ギター、アコースティックギター、エレキギター、シタール、タブラ、ピアノ、メロトロン、ベースギター、ハープシコード、パーカッション、ボーカル
• マイク・ピンダー– メロトロン、ピアノ、ハープシコード、チェロ、アコースティックギター、ベースギター、オートハープ、ボーカル
• ジョン・ロッジ– ベースギター、チェロ、タンバリン、スネアドラム、アコースティックギター、ボーカル
• レイ・トーマス– Cフルート、アルトフルート、ソプラノサックス、ボーカル
• グレアム・エッジ– ドラム、ティンパニ、タンバリン、タブラ、ピアノ、スポークンワード

• トニー・クラーク– ライナーノーツ、プロデュース
• デレク・ヴァーナルズ –エンジニア
• エイドリアン・マーティンズ – アシスタントエンジニア
• フィル・トラヴァース – カバーデザイン、カバーペインティング^[45]

• DiscogsのIn Search of the Lost Chord (リリースリスト)