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音楽史（歴史的音楽学とも呼ばれる）は、音楽を歴史的な観点から研究する、より広範な音楽学の非常に多様な下位分野である。理論的には、「音楽史」とは、あらゆる種類やジャンルの音楽の歴史の研究を指す可能性がある（例えば、ナイジェリア音楽の歴史やロックの歴史など）。実際には、これらの研究テーマは、民族誌に基づいているかどうかにかかわらず、民族音楽学や文化研究の一部として分類されることが多い。「音楽史」や「歴史的音楽学」という用語は、通常、西洋のエリート層の記譜された音楽の歴史を指し、時には「芸術音楽」と呼ばれる（エリート層の芸術に焦点を当てる傾向のある美術史との類推による）。
音楽史の研究方法には、史料研究（特に写本研究）、古文書学、文献学（特に文献批評）、様式批評、歴史記述（歴史的方法の選択）、音楽分析、図像学などがある。これらの目的を達成するために音楽分析を応用することは、しばしば音楽史の一部となるが、純粋な分析や音楽分析の新しいツールの開発は、音楽理論の分野でより多く見られる。音楽史家の知的成果物には、学術誌に掲載される査読付き論文、大学出版局から出版される音楽史の本、大学の教科書、音楽作品の新版、作曲家やその他の音楽家の伝記、言葉と音楽の関係に関する研究、社会における音楽の役割についての考察などがある。
クラシック楽器や伝統楽器の演奏者のほとんどは、音楽教師からレッスンや高校の授業を通して、芸術音楽、ポップス、ロックンロールなど、音楽史に関する何らかの指導を受けていますが、正式な音楽史の授業の大部分は高等教育機関（大学またはカレッジ）レベルで提供されています。カナダでは、音楽史（および音楽理論）の試験に合格しないと、9級以上のロイヤル音楽院の認定資格を取得できないため、一部の音楽学生は学部課程に進む前に音楽史の訓練を受けています。
ほとんどの中規模および大規模の教育機関では、音楽専攻以外の学生向けに音楽鑑賞コース、音楽専攻の学生向けに音楽史コースを提供しています。これら2種類のコースは通常、期間（1～2学期対2～4学期）、範囲（多くの音楽鑑賞コースは後期バロック時代または古典派時代から始まり、第二次世界大戦後の音楽を省略する場合がありますが、音楽専攻のコースは伝統的に中世から現代までを網羅しています）、そして深さにおいて異なります。どちらのタイプのコースも、より狭いテーマを扱いながら、音楽史の研究手法をより多く紹介します。取り上げられるテーマの範囲は事実上無限です。例えば、「第一次世界大戦中の音楽」、「中世およびルネサンス期の器楽」、「音楽と政治」、「モーツァルトのドン・ジョヴァンニ」 、「女性と音楽」などが挙げられます。
音楽史の研究手法やツールは、研究対象の数と同じくらい多岐にわたるため、厳密な分類は不可能である。しかし、いくつかの傾向やアプローチを概説することはできる。他の歴史学分野と同様に、音楽史の研究も大まかに2つのカテゴリーに分けられる。すなわち、事実に基づいた正確なデータの確立と、データの解釈である。ほとんどの歴史研究は、どちらか一方のカテゴリーにのみ当てはまるのではなく、両方のカテゴリーの手法を組み合わせて用いる。事実に基づいたデータの確立は、解釈という行為から完全に切り離すことはできない。
アーカイブ作業は、より広範な関心事に関する文書コレクション（例：バチカンの給与記録、芸術後援者への手紙）の中から音楽や音楽家との関連性を見つけるため、あるいは音楽家に関連する文書コレクションをより体系的に研究するために行われることがあります。記録、楽譜、手紙がデジタル化されている場合は、アーカイブ作業をオンラインで行うことができます。オンラインでアーカイブ資料を調べることができる作曲家の一例として、アーノルド・シェーンベルク・センターが挙げられます。[ 1 ]
演奏実践は、過去のさまざまな時代、さまざまな場所で音楽がどのように演奏されていたかという具体的な問いに答えるために、歴史音楽学の多くの手法を活用しています。研究者は、特定の作品を演奏するためにどの楽器や声が使われたか、どのようなテンポ（またはテンポの変化）が使われたか、装飾音がどのように（あるいは使われたかどうか）使われたかといった問題を調査します。演奏実践は以前はバロック時代の初期の音楽に限定されていましたが、1990年代以降、演奏実践の研究は、初期古典派時代のピアノ協奏曲がどのように演奏されたか、録音の初期の歴史がクラシック音楽におけるビブラートの使用にどのような影響を与えたか、クレズマー音楽ではどのような楽器が使われたかなど、他の歴史的時代も調査しています。
作曲家の伝記研究は、作品の年代順、様式や作品に影響を与えたもの、そして演奏者や聴衆による作品の解釈に重要な背景情報を提供してくれる。このように、伝記は作品の文化的意義、根底にある意図、あるいは目的といった、より広範な研究の一部を構成することができる。そして、この研究は1980年代から1990年代初頭にかけてますます重要性を増していった。
社会学研究は、社会における音楽の機能、そして個人や社会全体にとっての音楽の意味に焦点を当てています。音楽（クラシック音楽を含む）の社会的意義を強調する研究者は、「新音楽学者」と呼ばれることもあります。彼らは、音楽と音楽制作が、人種、階級、ジェンダー、セクシュアリティ（ LGBTQなど）、障害といった問題とどのように交わるかを、様々なアプローチで考察します。
記号論研究は、従来、音楽史家よりも音楽分析家の領域とされてきた。しかし、音楽記号論、すなわち作品や様式における意味の解釈を行う上で重要なのは、それが歴史的文脈の中に位置づけられることである。コフィ・アガウやローレンス・クレイマーといった研究者の解釈は、分析的アプローチと音楽史的アプローチの中間に位置する。
西洋音楽史の最初の研究は18世紀半ばに遡ります。G.B .マルティーニは1757年から1781年の間に『音楽史』 （Storia della musica） [ 2 ]という3巻の歴史書を出版しました。マルティン・ゲルベルトは1774年に『聖歌の歌』（ De cantu de musica sacra ） [ 3 ]という2巻の宗教音楽史を出版しました。ゲルベルトはこれに続いて、1784年に3世紀以降の宗教音楽に関する重要な著作を収録した3巻の著作『聖歌の教会人著述』 （Scriptores ecclesiastici de musica sacra）を出版しました。
20世紀には、ヨハネス・ヴォルフらの研究により、中世音楽と初期ルネサンス音楽の研究が発展した。ヴォルフの楽譜記譜法の歴史に関する著作は、音楽学者から特に注目に値するとされている。歴史音楽学は、バロック音楽だけでなく、中世音楽やルネサンス音楽への関心の高まりに重要な役割を果たしてきた。特に、真正演奏運動は、歴史音楽学の研究に大きく負っている。20世紀半ばにかけて、音楽学（およびその最大のサブ分野である歴史音楽学）は、研究分野として大きく拡大した。同時に、音楽学および音楽雑誌の数も増加し、研究発表の場がさらに広がった。西欧、特にアメリカで重要な雑誌が次々と創刊されるにつれ、ドイツ語圏の研究の優位性は薄れていった。
最も狭義に定義すると、歴史音楽学とは西洋文化の音楽史である。このような定義は、歴史以外の学問分野、西洋以外の文化、そして「古典音楽」（「芸術音楽」「真面目な音楽」「高度な文化音楽」）や記譜音楽（「人工音楽」）以外の音楽形式を恣意的に排除しており、除外された学問分野、文化、音楽様式／ジャンルが何らかの点で劣っていることを示唆している。音楽人文学全般を包含するやや広い定義も、関連する（自然）科学（音響学、心理学、生理学、神経科学、情報科学、コンピュータ科学、実証社会学、美学）や音楽実践を恣意的に排除しているため、依然として問題がある。音楽理論と音楽分析という音楽学の下位分野も、歴史的に歴史音楽学の最も狭義の定義から容易に切り離されることはなかった。
歴史音楽学の分野では、研究者たちは人文科学の他の分野では一般的なポストモダンや批判的アプローチの採用に消極的であった。スーザン・マクラリー（2000年、1285頁 ）によれば、「音楽という学問分野は他の芸術分野に遅れをとっており、他のメディアのアイデアを取り入れるのは、それらが時代遅れになった時だけである」。1980年代後半のフェミニスト音楽学者に先駆けて、歴史音楽学者がジェンダー、セクシュアリティ、身体、感情、主体性といった、それまで20年間人文科学を支配していた問題に取り組み始めたのは、1990年代になってからのことだった（同書、 10頁）。マクラリーの言葉を借りれば（1991年、5頁 ）、「音楽学は、そのやり方を変えることも、ましてや検討することさえすることなく、奇跡的にフェミニズム以前からポストフェミニズムへと直接移行できたように思える」。さらに、スーザン・マクラリーとロバート・ウォルザーは、音楽学とロック音楽に関する議論の中で、この分野における重要な論争にも触れている。それは、音楽学がしばしば「社会と音楽の相互作用に関する問題をあっさりと退けてきたこと、そしてクラシック音楽の偉大さの一部は社会からの自律性に起因するとされてきたこと」である。（1988年、 283ページ）
リチャード・ミドルトンによれば、（歴史）音楽学に対する最も強い批判は、ポピュラー音楽を概して無視している点にある。近年、ポピュラー音楽の音楽学的研究は大幅に増加しているものの、ミドルトンが1990年に主張した「理論的であれ歴史的であれ、主要な音楽学の著作のほとんどは、ポピュラー音楽が存在しないかのように扱われている」という点は依然として正しい。大学や音楽院での教育は、通常、この幅広い音楽のスペクトルを周辺的にしか扱っておらず、多くの（歴史）音楽学者は「軽蔑的かつ傲慢な態度で、別の種類の音楽、すなわち『クラシック音楽』と関連付けられるような制作様式、音楽形式、聴取様式を探し求めており、ポピュラー音楽には概して欠けているものを見出そうとしている」。
彼はこの問題の主な側面を3つ挙げている（104～106ページ ）。歴史音楽学の用語は「特定の音楽（「クラシック音楽」）のニーズと歴史によって偏っている」。彼は「音楽学の典型的な体系において重要な特定の領域（和声、調性、特定の声部書法と形式）には豊富な語彙がある」ことを認めつつも、「クラシック音楽においてあまり発達していない他の領域（リズム、音高のニュアンスと段階、音色）には貧弱な語彙しかない」と指摘している。ミドルトンは、多くの「用語はイデオロギー的に偏っている」と主張し、「それらは常に、音楽とは何かという選択的で、しばしば無意識的に形成された概念を伴う」と述べている。
また、彼は歴史音楽学が「記譜法の特性によって偏った方法論」、すなわち「記譜中心主義」を用いていると主張している（Tagg 1979, p. 28–32）。その結果、「音楽学的手法は、音高の関係や歌詞と音楽の関係など、容易に記譜できる音楽的パラメーターを重視する傾向がある」。一方、歴史音楽学は、音色や非西洋のリズムなど、「容易に記譜できないパラメーターを軽視したり、扱いにくかったりする傾向がある」。さらに彼は、西洋音楽学校の「記譜中心の訓練」が「特定の聴取様式を誘発し、それが適切か否かにかかわらず、あらゆる種類の音楽に適用される傾向がある」と主張している。その結果、歴史音楽学の訓練を受けた西洋音楽の学生は、リズムが非常に複雑なファンクやラテンの曲を聴いても、メロディーが非常に単純で、2つか5つのコードしか使っていないという理由で、それを低レベルの音楽作品として片付けてしまう可能性がある。
記譜中心主義は「物象化」も助長する。つまり、楽譜が「音楽そのもの」、あるいは理想的な形の音楽と見なされるようになるのだ。そのため、ジャズ、ブルース、フォークなど、楽譜を用いない音楽は、低い地位に貶められる可能性がある。また、歴史音楽学には「特定の音楽群の起源と発展、そしてその美学によって偏ったイデオロギー」が存在する。「それは特定の時期、特定の文脈、すなわち19世紀のヨーロッパ、特にドイツにおいて、当時の音楽実践における、まさに音楽学が注目の中心としていたレパートリーを体系化していた運動と密接に関連して生まれた」のである。こうした用語、方法論、イデオロギー上の問題は、ポピュラー音楽に好意的な研究にも影響を及ぼす。しかし、「音楽学がポピュラー音楽を理解できないとか、ポピュラー音楽の学生が音楽学を放棄すべきだというわけではない」（ミドルトン、104頁 ）。