光のアート

光は人類の歴史を通じて建築効果のために使用されてきました。しかし、光の芸術の現代的な概念は、人工の白熱電球光源の開発と、構成主義やバウハウス運動の現代アーティストによる実験とともに現れました。 ^{[ 8 ]}エル・リシツキーの「プロウネンラウム（プロウンの部屋）」（1923年）は、多くの美術史家によって、アーティストが建築照明要素を作品に不可欠な要素として組み込んだ最初の例と考えられています。^{[ 7 ] [ 9 ]}最初のオブジェクトベースの光の彫刻は、ラースロー・モホリ＝ナジのライトスペースモジュレーター（1922～1930年）でした。^{[ 10 ] [ 11 ]}演劇照明の実験と革新は、光の芸術など、光の使用の他の分野にしばしば影響を与えてきました。モダニズムの発展と電灯は密接に関係しており、高層ビルと電灯のある近代都市のアイデアは、この発展を象徴しています。

すべての視覚芸術は何らかの形で光を利用しますが、現代の写真や映画では光の利用が特に重要です。しかし、電気人工照明の発明により可能性が広がり、多くの芸術家が光を他の芸術形式の単なる手段としてではなく、主要な表現形式として使い始めました。構成主義者のナウム・ガボは、光が物体に反射する透明な物質性を実験しました。彼の作品「線状構成 No. 1」（1943年）はその一例です。^{[ 12 ]}

大規模な光の演出には当局の協力が必要である。初期の例としては、アルベルト・シュペーアが1934年から1938年にかけてニュルンベルクで開催されたナチ党大会の目玉となった「光の大聖堂」でドイツ空軍の探照灯の大部分を使用したことが挙げられる。 ^{[ 13 ]}

美術評論家のヒラリー・M・シーツは、「光と闇の相互作用は、ギリシャ・ローマ彫刻からルネサンス絵画、実験映画に至るまで、ずっとテーマとなってきた。しかし、技術が電球の光からコンピューターモニターへと進歩するにつれて、アーティストたちは素材や主題として実際の光を実験的に用いるようになった」と説明している。^{[ 14 ]}

ヨゼフ・スヴォボダの初期の実験的な舞台セットは、光のスクリーンのような光のフィールドの形で、水滴の微細な形をした光と水蒸気のみを使用して作られました。チェコのデザイナー兼舞台美術技師である彼の光と光の投影の使用は、ジンドリヒ・ホンツルの影響を受けており、ホンツルは「空間における舞台詩の第4の次元である光は、すべての物質的要素の中で最も動きやすく、したがって最も演劇的である」と信じていました。1960年代には、シーメンス社の支援を受けてレーザー技術の使用を開始しました。70年代には、ホログラフィーをセットに取り入れ始め、「私がホログラフィーに惹かれたのは、具体的な支えがなく、空間に浮かぶボリュームである立体的な光のアイデアだった」と述べています^{[ 15 ]。}

密接に関連する芸術形式としては、プロジェクター、3Dプロジェクション、マルチメディア、ビデオアート、写真などがあり、これらは光を媒体として用いるのではなく、光技術を用いて画像を投影するものです。大規模な光の祭典やイベントは、建築物のファサード、建物のプロジェクション、建物を色彩で照らす投光照明、インタラクティブなメディアファサードなど、大きなキャンバスに光を用いる手法の発展に貢献してきました。これらの光の芸術形式は、ニューメディアを基盤としたビデオアートや写真にその源流があり、光と動きが作品にとって重要であることから、これらも光の芸術として分類されることがあります。

また、ライトアートのジャンルには、建物への投影^{[ 16 ]}、建物内の照明付き窓の配置、手持ちライトを使用したフィルムへの長時間露光によるペイント^{[ 17 ]}など、いわゆるライトグラフィティも含まれる。

光のアートインスタレーションの一例として、アーティストのメルとドロシー・タナー夫妻の作品が挙げられます。夫妻は1967年にフロリダ州マイアミのスタジオで、絵画や彫刻に光を取り入れ始めました。これは、反対側の米国沿岸にあるロサンゼルスで、ライト・アンド・スペース・アーティストのジェームズ・タレルとロバート・アーウィンが活動していた時期と重なります。タナー夫妻は、メル・タナーが1993年に亡くなるまで40年以上にわたり緊密に協力しました。彼らの主なプロジェクトは、光の彫刻、ライブプロジェクション、ビデオ、エレクトロニクス、音楽を総合芸術インスタレーションとして構成した「ルモニクス」の制作でした。作家で美術史家のマイケル・ベタンクールは、2004年に出版された著書『ルモニクス・シアター：メル＆ドロシー・タナーの芸術』 [ ^{18 ]の}中で、この概念芸術を総合芸術作品（Gesamtkunstwerk）と表現しています。 1923年生まれのドロシー・タナーは、デンバーのスタジオで光のアートを続け、マーク・ビラードと共にルモニクス・スクール・オブ・ライト・アートを共同で運営しています。

多くの現代美術館は、常設コレクションや企画コレクションに光の彫刻やインスタレーションを取り入れています。ドイツのウンナにある国際光芸術センターは、現在、光の芸術の収集と展示のみに特化した世界で唯一の美術館です。^{[ 19 ] [ 20 ]}

オランダのアイントホーフェンにある光の芸術博物館は、光の芸術の展示を専門とする別の博物館でしたが、資金不足のため2010年12月5日に閉館しました^{[ 21 ]。}しかし、ストライプS複合施設では、ハー・ホランズのファッケル、ダーン・ローズガールデのクリスタル、そして光の祭典GLOWの一部を見ることができます。^{[ 22 ] [ 23 ]}

サンフランシスコ近代美術館やニューヨーク近代美術館など、多くの有名な美術館では、ギャラリーで光のアートの企画展やインスタレーションを定期的に開催している。 ^{[ 24 ] [ 25 ] [ 26 ]}

光の芸術祭は、彫刻、プロジェクション、インタラクティブなインスタレーションなど、大規模な光を使った芸術作品で都市環境を変容させる公共イベントです。光の芸術祭の現代は、1999年に初めて開催されたフランスのリヨン光の祭典^{[ 27 ]}に遡ることが多く、この祭典は世界中で同様のイベントに影響を与えました。その後数十年にわたり、光の芸術祭は、芸術的ビジョンと技術革新を組み合わせた一時的な場所固有の作品をアーティストが制作するための重要なプラットフォームとなりました。多くのフェスティバルでは、文化遺産、コミュニティとの関わり、環境意識などのテーマが取り入れられています。

注目すべき例としては、2009 年にオーストラリアで始まったVivid Sydneyフェスティバル^{[ 28 ]} 、 2010 年に始まったシンガポールのi Light Marina Bayフェスティバル(アジアで唯一の持続可能な光のフェスティバル) ^{[ 29 ]} 、プラハの Signal Festival、ベルギーの Ghent Light Festival、サウジアラビアのNoor Riyadh (世界最大級の光の芸術フェスティバルの 1 つで、2024 年に 300 万人以上の来場者を集めている) ^{[ 27 ]}などがある。光の芸術フェスティバルは、現代美術の実践と照明技術の進歩を融合させた独自の芸術形式に成長し、今では世界中の都市で祝われている。^{[ 30 ]}