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エリカ・ベックマンはアメリカの現代美術家であり映画監督である。[ 1 ] [ 2 ]彼女は1970年代に、文化批判を目的として大衆文化のイメージを流用したアメリカのコンセプチュアル・アーティストのグループであるピクチャーズ・ジェネレーションの一員として注目を集めた。 [ 3 ] [ 4 ] [ 5 ]ベックマンの作品は、メディアにおける支配的なイデオロギーの暴露と転覆を通して、文化変革と個人の主体性の可能性に焦点を当てている。[ 6 ] [ 7 ] [ 8 ]彼女の映画やビデオ作品は、ゲームや童話の比喩を構成要素として採用し、手作りのセットで遊び場を思わせる登場人物（または「プレイヤー」）が登場し、ルールに基づいた行動は楽譜や呪文のリズムに合わせて振り付けられている。[ 7 ] [ 9 ] [ 10 ]現在では先見の明があったとみなされている彼女の作品は、ビデオゲームやデジタル画像制作が心理的発達や社会生活に及ぼす影響の高まりを指摘している。[ 11 ] [ 3 ] [ 12 ] [ 13 ]ベックマンの米国初回顧展のレビューで、マーガレット・キャリガンは次のように書いている。「ベックマンは、ゲーム、おとぎ話、民話の視覚言語を中心にビデオ作品を制作している。これらは子供時代の楽しみの源泉かもしれないが、ベックマンは遊び半分ではない。彼女の暗く、テクノフューチャリスティックな映画やインスタレーションは、これらの比喩を用いて、ロールプレイ、ジェンダー、アイデンティティ、そして後期資本主義の権力と支配のシステムを取り巻く問題に疑問を投げかけている。」[ 14 ]
ベックマンの作品は、ニューヨーク近代美術館(MoMA) [ 15 ] 、メトロポリタン美術館[ 16 ] 、ポンピドゥー・センター[ 17 ]、ホイットニー美術館[ 18 ]、ブロード美術館[ 19 ]、ウォーカー・アート・センター [ 20 ] などの公共コレクションに収蔵されている。彼女はこれらの機関 [ 21 ] [ 22 ] のほか、ムモク (ウィーン) [ 23 ]、テート・モダン [ 3 ]、ロサンゼルス郡立美術館 [ 24 ]、森美術館(東京) [ 25 ]、ドローイング・センター[ 26 ]でも作品を展示または上映している。ベックマンはニューヨーク市に在住し、制作活動を行っており、マサチューセッツ芸術大学の映画・ビデオ名誉教授である[ 27 ] [ 28 ]。
ベックマンはニューヨーク州ハンプステッドで生まれた。[ 29 ]セントルイスのワシントン大学美術学部（美術学士、1974年）とニューヨークのホイットニー美術館独立研究プログラムで学んだ後、カリフォルニア芸術大学（CalArts ）に進学するために移住した。[ 18 ]当時、ジョン・バルデッサリの概念主義的指導の下、厳格で理論に基づいたカリキュラムで評判を築きつつあったCalArtsで、彼女は映画制作とパフォーマンスに焦点を移し、1976年に美術修士号を取得した。[ 30 ] [ 3 ]卒業後、ベックマンはジャック・ゴールドスタイン、デヴィッド・サール、マット・マリカン、ジェームズ・ウェリングなどの同窓生と共にニューヨークに移り、それぞれがイメージであふれた文化を題材にした芸術制作に取り組み、集合的にピクチャーズ・ジェネレーションの一員として知られるようになった。[ 18 ]
ベックマンは、ゲームプレイを社会問題を解明する手段として探求する映画で知られています。[ 31 ] [ 3 ] [ 32 ]登場するゲームの種類は様々で、ビデオゲームに似たものもあれば、カジノゲーム、ボードゲーム、スポーツを連想させるものもあり、主に権力の問題、特に社会システムにおける権力の定着と再分配に関心を寄せています。[ 31 ] [ 27 ] [ 33 ]その他のテーマには、主体性、テクノロジー、ジェンダー、資本主義、倫理、知識などがあります。[ 30 ] [ 34 ] [ 14 ]ボストン・グローブ紙の評論家ケイト・マククエイドによれば、「ベックマンは、ゲームや重労働の儀式的な反復を基に、呪術的で幻覚的な映画を制作しています。彼女は童話から着想を得て、打楽器的な脈打つ音楽を使用しています。これらの構造が織り合わさることで、労働、生産、そして万能のドルによって動かされる社会における、絶望的で狂乱的な生活モデルが提示されます。」[ 2 ]ベックマンの映画には、「シンデレラ」、「ジャックと豆の木」、 「ポケモン」などの子供時代の物語やメディアのキャラクターが登場している。
これらの映画は、構成原理としてレイヤー構造を複雑に用いていることで知られています。[ 35 ] [ 30 ] [ 36 ]ベックマンは画像を重ね合わせ、言葉遊びを用いて二重の意味を作り出し、明るいポップアートの美学と心理的に暗い根底にあるテーマを並置することで、ARTnewsが「陽気だが辛辣」と評した手法を用いています。[ 7 ] [ 30 ] [ 14 ] [ 1 ]作品の音とテンポにはリズミカルな時間パターンが顕著であり、反復的な動作と詠唱が、躍動的で非線形な編集スタイルと調和しています。[ 1 ] [ 36 ]作品の多くはブラックボックス型の劇場で撮影されており、重ね合わせに適しており、水平線のないシーンを可能にし、表現の曖昧さを示唆しています。[ 12 ] [ 37 ]
ベックマンの作品は、批評家が映画言語に例える内部的なシンボル体系を発展させている。[ 31 ]彼女の象徴主義の使用、断片的な編集、黒い背景は、観察者が「夢のような」物語と表現するものを生み出し、現実を参照しながらも高度に抽象化された形で表現している。[ 1 ] [ 9 ] [ 37 ]インタラクティブ性は彼女の作品の重要な特徴とみなされており、観客の関与を考慮した戦略的なゲームの使用、サウンド、編集スタイル、展覧会のレイアウトなど、彼女の作品の中心的な要素となっている。[ 36 ] [ 3 ] [ 1 ] [ 38 ]ベックマンの制作プロセスは、予備的なドローイング、手作りの小道具、手描きのアニメーション、手作業によるイメージの操作をアーティスト自身が広範囲に行うため、労力を要すると考えられている。[ 9 ] [ 30 ] [ 26 ]彼女は映画制作前に綿密な調査を行うことで知られており、例えば1999年の映画『ハイエイタス』ではNASAのエイムズ研究センターで調査を行い、また自身の作品にも出演している。[ 31 ] [ 6 ] [ 7 ]
批評家はベックマンの作品はシュルレアリスムと構造主義に根ざしていると考えている。[ 1 ] [ 9 ] [ 12 ] [ 27 ]アーティストは、児童心理学者のジャン・ピアジェ、コンセプチュアル・アーティストのジョン・ケージ、アーティストのヴィト・アコンチとイヴォンヌ・レイナーを創作上の影響を受けた人物として挙げている。[ 36 ] [ 30 ] [ 39 ] [ 40 ]彼女の作品は、シンディ・シャーマン、ダラ・バーンバウム、ロバート・ロンゴ、ジョーン・ジョナスなどの現代アーティストと比較対照されることが多い。[ 14 ] [ 41 ] [ 27 ] [ 34 ]
ピアジェの『発生的認識論』を読んだ後、ベックマンは実験的な「スーパー8三部作」の制作を開始した。これには『We Imitate; We Break Up』（1978年）、『The Broken Rule』（1979年）、『Out of Hand』（1980年）が含まれる。[ 42 ] [ 43 ] [ 1 ]この作品には、ベックマン自身とジェームズ・ケースベア、マイク・ケリー、マット・マリカンなどのアーティストが交代で出演し、幼少期の夢の記憶、認知発達のアイデア、ゲームや民話に関連する物語構造を組み合わせた。[ 9 ] [ 4 ] [ 44 ]精巧に振り付けられたパフォーマンス、手間のかかる手作業によるアニメーション、粗雑なセット、詠唱のような音楽が特徴的なこれらの映画は、断片的で曖昧な体験を呼び起こした。[ 42 ] [ 45 ] [ 1 ]
当時、美術における映画のインフラが限られていたため、ベックマンは伝統的な展示会場以外で作品を上映せざるを得ず、その反応は賛否両論だった。彼女は初期の作品を、ニューヨークのフランクリン・ファーネス、アーティスト・スペース、ザ・キッチンなどのオルタナティブなスペース[ 46 ] [ 47 ] [ 48 ]や、西海岸のライカ、パシフィック・フィルム・アーカイブ（BAMPFA）、LACE [ 49 ] [ 50 ] [ 51 ]で展示した。その評価は分かれた。1981年のアートフォーラム誌のレビューで、J・ホーバーマンはベックマンを「ポスト構造主義パンクの『知覚的』最先端に位置する、最も優れた若手アメリカ人映画監督の一人」と評し、彼女の作品を「謎めいた寓話が神経質な活動とコミカルな暴力、性的イメージとシンコペーションのエネルギー、知覚的なゲームプレイと独創的な自家製光学効果で満たされている」原始的な漫画に例えた。[ 52 ]彼女の作品がホイットニー・ビエンナーレなどの会場で展示されたことは、映画やビデオがメディアとしてアート界に受け入れられるという点で影響力があったと考える人もいる。[ 53 ]
しかし、彼女の作品上映に映画ファンが参加したことで、気まずいやり取りが生じた。彼女の最初の16mm フィルムで、競争をテーマにした実験的な作品『You the Better』（1983年）は、ニューヨーク映画祭で初公開された。明るい原色、パンチの効いたアニメーション、アップビートなジングル、スポーツ用語など、一見軽快な要素にもかかわらず、物語性のない不穏なビジョンを提示しており、一般の観客には受け入れがたいものだった。[ 36 ] [ 10 ] [ 1 ]バスケットボール、ドッジボール、ルーレットの要素を組み合わせた不条理なギャンブルゲームである35分のこの映画は、ベックマンの作品と同時上映されたジャン＝リュック・ゴダールのプレミア上映に出席していたと思われる観客から野次を浴びせられた。[ 36 ] [ 18 ]『You the Better』は美術界でより好意的に評価され、インタラクティブ性、デジタルアバター、仮想現実、サイバネティクス、ビデオゲーム、経済的成功や資本主義といった概念への初期の取り組みで注目を集めた。[ 1 ] [ 54 ] 2016年には、オリジナル映画を基にしたアニメーション小道具を用いた大規模なインスタレーションとしてウォーカー・アート・センターで再展示された。[ 10 ]
ジェンダーに関する問題は、ベックマンの作品の中心的なテーマである。彼女の最もよく知られた作品の1つである『シンデレラ』 （1986年）は、有名な童話をフェミニスト的なミュージカルとして翻案したもので、主人公の旅をアーケードスタイルのゲームとして再構成している。 [ 12 ] [ 31 ] [ 55 ]この映画は、ルール、違反、報酬に注意を払うことに焦点を当てることで、物語におけるイデオロギーと社会化の通常は微妙な働きを前面に出し、これらの影響をしばしば覆い隠す大衆的な物語構造に対する批判として機能する。[ 34 ] [ 11 ]シンデレラが王子を捨てて自由というより大きな賞を選ぶという驚きの結末は、個人的な洞察と主体性による社会の変化の可能性を示唆している。[ 37 ] [ 34 ]フェミニズム的な傾向を持つ擬似インタラクティブオンラインゲーム「ハイエイタス」（1999/2015）では、若い女性が「ゴーゴーカウガール」のアバターであるワンダとしてビデオゲームをプレイし、ゲームのツールを使って、ワンダの自由を奪おうとする乗っ取りアーティストの悪役ワンを倒さなければならない。[ 6 ] [ 31 ]
建築はベックマンのもう一つの特徴的なテーマである。彼女の2003年の映画『スイッチセンター』は、建築構造における社会的権力の具現化についてのポスト工業的な考察である。[ 27 ] [ 8 ]ハンガリーの廃墟となった浄水場で撮影されたこの作品は、人々が大きな機械を動かし続けるためにスイッチを切り替えたりクランクを回したりして懸命に働く様子を描いている。撮影スタイルは伝統的なドキュメンタリーに似ているが、映画の途中でポケモンのキャラクターがアニメーションで登場する点が特に異なる。ベックマンがアニメーションを入れることに決めたのは、『スイッチセンター』の撮影中に、同じ場所でポケモンのCMを撮影していた別のクルーによって実際に撮影が中断されたことがきっかけだった。[ 8 ] [ 2 ]
ベックマンは、方向感覚を失わせる作品「テンション・ビルディング」を3つのスタジアムで撮影し、観客席の向かい側の大型スクリーンに映し出し（ウィーン、セセッション、2016年）、スポーツの祭典の物理的な即時性、スペクタクル、建築を社会政治的な統制の手段として提示するインスタレーションを制作した。[ 27 ] [ 8 ] [ 2 ]この映画は、リズミカルな音、ストップモーション編集、カメラの動き、焦点距離と露出の変化など、視聴者に模倣反応を引き起こすことが知られているインタラクティブな技術を使用しており、エイミー・トービンが書いたように、コロシアムの設定を「巨大な暴れまわる機械」に変えた効果を生み出している。[ 1 ] [ 38 ]
ベックマンは、後期の2つの作品で資本主義の過剰に対する懸念を再び取り上げた。『リーチ・キャパシティ』（2020年、M – ルーヴェン美術館）は、現代の不動産市場の不正と、1904年にフェミニストで社会主義者のリジー・マギーによって考案されたボードゲーム「モノポリー」の歴史を検証した。[ 7 ] [ 56 ]この映画は、マンハッタンのグリッドをゲーム盤として再想像し、ゲームの進行と現実の住宅移転をシミュレートするが、最後には予想される独占的な結果を覆す社会主義的な逆転で終わる。[ 7 ] [ 56 ]ベックマンは、民話「ジャックと豆の木」を反資本主義的なミュージカルに翻案した『ストーク』 （Performa Biennial 2021）を監督し、これが彼女にとって初のライブパフォーマンス作品となった。彼女の映画と同様に、ストークは、マルチフィールド、マルチメディア体験の中で、大切にされている原型が持つ覇権的な働きを暴き出す。この場合、ベックマンが制作した同期ビデオの背景の前で展開されるライブアクション空間である。彼女のスタイルに沿って、パフォーマンスはスタッカートのような時間パターンと、シーンの進行に対する非線形のモンタージュ的アプローチを特徴としていた。[ 7 ] [ 57 ]
ベックマンの作品は、アンソロジー・フィルム・アーカイブスや英国映画協会[ 58 ]、ブロード・コレクション[ 19 ] 、ポンピドゥー・センター[ 17 ]、ハイ美術館[ 59 ] 、ベルン美術館、MITリスト視覚芸術センター、MAMCO（ジュネーブ）[ 60 ] 、メトロポリタン美術館[ 16 ] 、 MoMA [ 15 ] 、サースタモイネン財団（ヘルシンキ） [ 61 ]、ウォーカー・アート・センター[ 20 ] 、ウェクスナー芸術センター[ 62 ] 、ホイットニー美術館[ 18 ]、ザブルドヴィッチ・コレクション[ 63 ]などの公共コレクションに収蔵されている。彼女はアンディ・ウォーホル財団、LEF財団、CEC Artslinkから賞を授与され[ 64 ] [ 65 ] 、全米芸術基金、ニューヨーク芸術財団、ニューヨーク州芸術評議会、マサチューセッツ州芸術評議会、ジェローム財団から助成金を受けている[ 66 ] [ 58 ] [ 67 ] [ 68 ]。
ベックマンは、ハーシュホーン美術館[ 69 ] 、MoMA PS1 [ 15 ]、ウォーカー・アート・センター[ 10 ] 、セセッション[ 70 ]、KANAL - ポンピドゥー・センター[ 71 ]、M - ルーヴェン美術館[ 72 ] 、 Mumok [ 23 ] 、ドローイング・センター[26]などの機関で個展を開催している。彼女の作品の回顧展は、テート・モダン[ 3 ] 、クンストハレ・ベルン、ル・マガザン- 国立現代美術センター、MITリスト視覚芸術センターで開催されている。[ 29 ] [ 9 ] [ 73 ]彼女は、ロサンゼルス現代美術館（「A Forest of Signs」、1989 年）、[ 74 ]ウェクスナー芸術センター、[ 62 ]メトロポリタン美術館（「The Pictures Generation 1974–1984」、2009 年）、[ 5 ]ケストナー協会（「Fair Game」、2021 年）、[ 75 ]台北現代美術館（「Making Worlds」、2022 年）、[ 76 ]およびプラダ財団（「A Kind of Language」、2025 年）[ 77 ]などでの回顧展に登場したほか、ホイットニー・ビエンナーレにも 4 回参加している。[ 78 ] [ 18 ]