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古典彫刻（通常は小文字の「c」）は、紀元前 500 年頃から紀元後 200 年頃までの古代ギリシャと古代ローマ、およびそれらの支配または影響下にあるヘレニズム化およびローマ化された文明の彫刻を一般的に指します。より正確には、紀元前 500 年頃から紀元前 323 年頃のヘレニズム様式の開始までの古代ギリシャ彫刻の期間を指す場合もあり、この場合は通常大文字の「C」が付けられます。[ 1 ] 「古典」という用語は、新古典主義様式や古典様式 の作品に限らず、後期の彫刻の様式的傾向にも広く使用されています。
古代ギリシャ彫刻の初期の頃から、主な主題は人間の姿であり、通常は男性の裸体（あるいはそれに近い姿）であった。肖像彫刻の頭部を除けば、身体は高度に理想化されていたが、同時に前例のないほどの自然主義を実現していた。古典彫刻という用語には、独立した彫像に加えて、パルテノン神殿のフリーズやメトープのような浮彫作品も含まれる。
中世初期やビザンチン美術においては、大型彫刻や記念碑的な彫刻の制作はほぼ途絶えたものの、ローマ時代の作品が発掘されたことでイタリア・ルネサンス期に大きく復活し、古典彫刻は少なくとも19世紀まで大きな影響力を持ち続けた。
期間はいくつかあります。
アルカイック期で最も重要な彫刻の形態は、クーロス（複数形：クーロイ）と呼ばれる、立つ男性の裸像です（例えば、ビトンとクレオビスを参照）。エジプトの影響を反映して、クーロスは左足を少し前に出し、両腕を体の横に置いて直立しています。クーロイは多くの古代ギリシアの地域で発見されていますが、特にアッティカとボイオティアで顕著でした。[ 2 ]これらの大半はアポロンの聖域で発見されており、ボイオティアのアポロ・プトイオンの聖域だけでも100体以上が見つかっています。[ 3 ]これらの自立した彫刻は、通常は大理石でできていますが、石灰岩、木、青銅、象牙、テラコッタでも同様の形態が表現されています。通常は等身大ですが、初期の巨大な例では高さが3メートルに達するものもあります。
古代ギリシャの彫刻家は、様式的にエジプトの影響を受けていたようだが、初期の頃から相違点も現れていた。特に、古代ギリシャの男性像は裸体で表現される傾向があったが、古代エジプト美術では（奴隷や敵を描いた場合を除いて）裸体で表現されることは稀であった。エジプト美術と同様に、女性像は常に衣服を身に着けた姿で描かれ、女性の裸体ははるか後になってから登場する。「古代の微笑み」と呼ばれる、わずかに上向きに引き締められた唇と虚ろな視線は、古代ギリシャを代表する多くの作品に見られる。
この時代には、後に重視されるようになる骨格や筋肉の写実的な表現はまだ確立されておらず、膝やその他の重要な関節などの細部を見ればそれがよくわかる。一部のディテールは、完全に造形されたというよりは「彫り込まれた」ような表現で、より古い時代の伝統の名残と言えるだろう。アルカイック様式が徐々に古典様式へと変化していくにつれ、技術的な知識と技能の向上を示す明確な進歩が見られる。
古典期には、彫刻の様式と機能の両方に変化が見られました。ポーズはより自然主義的になり（より自然主義的な彫刻への移行の例としてデルフォイの戦車御者像を参照）、ギリシャの彫刻家による様々なポーズでの人体表現の技術は飛躍的に向上しました。紀元前500年頃から、彫像は実在の人物を描写するようになりました。ハルモディオスとアリストゲイトンの彫像は、ペイシストラトス朝最後の僭主ヒッパルコスの暗殺を記念してアテネに建立されました。これらは、実在の人物を描写した最初の公共記念碑と言われています。
ギリシャの芸術家たちが人間の動きや解剖学を研究し始めると、生きている人間は立っているときに「体重移動」または対位法を示す傾向があることを発見した。
コントラポストを初めて示したギリシャの彫像は、紀元前480年頃の有名なクリティオス少年である。コントラポストはすぐにギリシャ彫刻技法の決定的な要素となり、ポリュクレイトスのカノンで頂点に達した。カノンは、人体の各部分の理想的な数学的比率について論じ、人体像の彫刻には、リラックスした身体部分と緊張した身体部分の間、および身体部分が動く方向の間の動的な均衡を提案する理論書である。ポリュクレイトスは、単に「カノン」と題された彫像に自分の規則を適用することで、計算の正確さを証明しようとした。[ 4 ]彫像自体は歴史の中に失われているが、その原理は、硬直した手足と緩んだ手足の交差均衡において非常にダイナミックで洗練されたコントラポストを採用したドリュフォロス（「槍を持つ者」）に現れている。
ギリシャの神殿は、大きな神像を収めるために特別に作られました。彼らは、聖なる場所とされる場所に神殿を建てることで神々を喜ばせることができると信じていました。古典時代には、彫刻家たちは神殿のための作品だけでなく、亡くなった愛する人への敬意を表すための葬儀用の彫像も制作していました。これらの彫像は、故人がリラックスしたポーズをとっている姿をよく表していました。成功したアスリートや裕福な家族は、神々への敬意を示すために、神殿に自分たちの像を依頼しました。紀元前5世紀には肖像画が人気となり、将軍、哲学者、政治指導者の胸像が登場しました。
ギリシャ美術の質の高さはイタリア人の関心を引きつけ、エトルリア美術、そして後のローマ美術にも大きな影響を与えた。ローマがギリシャ美術を熱狂的に受け入れたことは、古典ギリシャ様式の伝承というだけでなく、現存する古典ギリシャ美術作品のほとんどが、ギリシャの青銅作品をローマ人が大理石で複製した形で残っているという点でも重要である。青銅は常に貴重な金属であったため、オリジナル作品のほとんどはとうの昔に溶かされてしまったと考えられ、わずかに残っている本物の作品は、主に難破船の残骸の中から発見されている。
しかし、ギリシャ人は大理石を彫刻しており、数多くの古典ギリシャ時代の大理石彫刻が現存している。有名なパルテノン神殿の大理石彫刻（エルギン・マーブルとも呼ばれる）は、 19世紀初頭までその場所に残っていた。実際、現存する古典ギリシャ時代の大理石彫刻の多くは、建築物の一部として用いられていたものである。
古典期からヘレニズム期への移行は紀元前4世紀に起こった。彫刻はますます自然主義的になった。庶民、女性、子供、動物、家庭の情景が彫刻の題材として受け入れられるようになり、裕福な家庭が家や庭を飾るために依頼した。あらゆる年齢の男女の写実的な肖像が制作され、彫刻家はもはや人々を美の理想や肉体の完璧さとして描く義務を感じなくなった。ギリシャの男性のほとんどは腰を少し横に傾けて立っている姿で彫刻された。人間がこのように立つと、より多くの筋肉が使われる。
ローマ彫刻の研究は、ギリシャ彫刻との関係によって複雑化している。アポロ・ベルヴェデーレやバルベリーニのファウヌスなど、最も有名なギリシャ彫刻でさえ、ローマ帝国時代やヘレニズム時代の「模倣」作品からしか知られていないものが多い。かつて、こうした模倣は美術史家によってローマの芸術的想像力の狭さを示すものとみなされていたが、20世紀後半になると、ローマ美術は独自の基準で再評価されるようになった。ギリシャ彫刻の本質に関するいくつかの印象は、実際にはローマの芸術に基づいている可能性があるのだ。
ローマ彫刻の強みは肖像彫刻にあり、ギリシャ人や古代エジプト人ほど理想にこだわらず、非常に個性的な作品を生み出した。また、物語性のあるレリーフ彫刻にも強みがある。ローマ彫刻の例は豊富に保存されているが、ローマ絵画とは対照的である。ローマ絵画は非常に広く行われていたが、ほとんどすべてが失われてしまった。ラテン語やギリシャ語の著述家、特に大プリニウスの『博物誌』第34巻には彫像についての記述があり、これらの記述のいくつかは現存する作品と一致する。ローマ彫刻、特に石彫作品の多くはほぼ無傷で残っているが、損傷していたり断片化していたりすることが多い。等身大の青銅像は、ほとんどが金属として再利用されたため、はるかに希少である。[ 5 ]
ほとんどの彫像は、実際には制作当初ははるかに写実的で、しばしば鮮やかな色彩を帯びていました。今日見られる石の表面がむき出しになっているのは、何世紀にもわたって顔料が失われたためです。[ 6 ]
肖像彫刻はローマ彫刻の主要なジャンルであり、おそらくローマ人が伝統的に家族や祖先を重視していたことに由来する。ローマの上流階級の家の玄関ホール（アトリウム）には、祖先の肖像彫刻が飾られていた。共和政ローマ時代には、身体的な欠点を隠さず、特に男性をたくましく虚栄心にとらわれない人物として描くことが人格の証とみなされ、肖像は人生経験の地図であった。帝政時代には、ローマ皇帝のより理想化された彫像が至る所に見られるようになり、特にローマの国教と結びついていた。中流階級の比較的裕福な人々の墓石でさえ、故人の肖像がレリーフで彫られていることがある。
古代の彫像やレリーフは、素材の表面がむき出しのまま残っているものが多く、人々は一般的に古典美術を白い大理石の彫刻と結びつけて考えています。しかし、多くの彫像が鮮やかな色で彩色されていたという証拠があります。[ 7 ]色のほとんどは時間の経過とともに風化してしまいました。小さな残骸は洗浄の際にも取り除かれました。しかし、場合によっては、識別可能な小さな痕跡が残っていました。[ 7 ] [ 8 ]ギリシャとローマの作品の20点の彩色レプリカと35点のオリジナルの彫像やレリーフを展示した巡回展「Gods in Color: Painted Sculpture of Classical Antiquity」が、2007年から2008年にかけてヨーロッパとアメリカで開催されました。[ 9 ]塗料が1回塗りか2回塗りか、顔料がどれだけ細かく挽かれていたか、それぞれの場合にどの結合剤が使われたかなど、完成品の外観に影響を与える要素の詳細は不明です。
ギリシャ・ローマ彫刻は西洋美術に深い影響を与えた。ギリシャ・ローマ様式は、美術における写実主義の可能性と潜在力を確立した。彫刻は比較的耐久性があるため、ヨーロッパからアジア、そして今日では全世界に至るまで、様々な文化や時代の芸術家に影響を与え続け、その伝統を守り続けている。
西ローマ帝国の崩壊後、ヨーロッパでは古典美術が徐々に不人気になったが、イタリア・ルネサンス初期に再発見されたことが決定的な要因となった。古典復興における最も重要な彫刻家の一人がドナテッロである。ミケランジェロなど、他にも多くの彫刻家が古典的とみなせる作品を制作した。近代古典主義は、自然主義（アントワーヌ＝ルイ・バリー）、メロドラマチック（フランソワ・リュード）、感傷主義（ジャン＝バティスト・カルポー）、あるいは荘厳な壮大さ（ロード・レイトン）といった特徴を持つ19世紀の古典彫刻とは多くの点で対照的であった。世紀が変わるにつれて古典の伝統にはいくつかの異なる方向性が見られたが、生身のモデルの研究とルネサンス以降の伝統は依然としてそれらにとって基本的であった。
