ティム・クラウチ

ティム・クラウチ
2010年のクラウチ
生まれる	( 1964-03-18 )1964年3月18日（60歳） ボグナー・レジス、イギリス
母校	ロイヤルセントラル演劇学校
職業	劇作家、演出家、俳優
スタイル	実験演劇
Webサイト	ティムクロウチシアター

ティム・クラウチ（1964年3月18日生まれ）は、イギリスの実験的演劇作家、俳優、作家、監督である。彼の作品には『マイ・アーム』、『オーク・ツリー』、『イングランド』、 『ザ・オーサー』などがある。これらは様々な形式をとっているが、いずれも演劇の慣習、特にリアリズムを拒否し、観客に作品作りを手伝ってもらうことを意図している。2007年のインタビューでクラウチは「演劇は最も純粋な形では概念的な芸術形式である。舞台装置や衣装、小道具は必要なく、観客の頭の中に存在する」と語っている。^[1]

マンチェスター大学の現代演劇・パフォーマンス教授であるスティーブン・ボトムズ^[2]は、クラウチの戯曲は「21世紀に登場した英語劇作の中でも最も重要な作品の一つである...演劇の形式、物語の内容、観客の関与についてこれほど説得力のある一連の疑問を投げかけた現代の劇作家は他に思い浮かばない」と書いている。^[3]

2014年6月にインディペンデント紙に寄稿したホリー・ウィリアムズは、「クラウチは受動的な演劇体験を揺るがし挑戦する演劇によって、英国演劇の偉大な革新者の一人として名声を築いてきた」と述べている。^[4]

ボグナー・レジス出身のクラウチは、ブリストル大学で演劇の学士号を取得し、セントラル・スクール・オブ・スピーチ・アンド・ドラマで演技の大学院課程を修了した。ブリストル在学中に、妻で演出家兼脚本家のジュリア・クラウチとともに劇団パブリック・パーツを共同設立した。2人は8つの創作作品を手掛け、「グロスターシャーの洞窟から刑務所、学校、ブリストル・オールド・ヴィック、ウェスト・ヨークシャー・プレイハウス、ロンドンのザ・ブッシュなどの主要な国立劇場まで、あらゆる会場で上演された」^{[5] 。パブリック・パーツのショーには、}フォード・マドックス・フォードの『善き兵士』の翻案や、詩人トーマス・チャタートンを題材にした『驚異の少年』などがある。俳優としても、ニューヨークのフランクリン・ステージ・カンパニーやロンドンの国立劇場の数多くの劇に出演し、国立劇場では教育助手を務めた。

クラウチは、現代演劇、特に「心理的および比喩的リアリズムの概念に固執し、その過程で観客を無視しているように見える」ことに対する不満が募る中で、最初の戯曲『マイ・アーム』を執筆した。 ^[6]彼はスコッツマン紙に次のように語っている。「私は、それまで何も書いたことがなかったのに、2年間かけて作品を作り、2002年に5日間かけて『マイ・アーム』を書いた。ほとんど何も考えずに書いた。振り返ってみると、自分が経験していたフラストレーションのすべてを書いていたことがわかる」^[7]

「マイ アーム」は、まったくの意地悪から腕を空中に上げ、30 年間そのままにしておく少年の物語です。その過程で、彼は医学的に有名な標本となり、ニューヨークのアート シーンの象徴となります。出版されたこの劇の序文で、クラウチは「少年の行動は、彼自身よりも他人にとって意味のあるものです。彼の腕は、他人が自分のシンボルや意味を投影する究極の無生物になります」と書いています。^[8]

意味を投影するというこのテーマは、演出にも反映されている。クラウチは観客に鍵、宝石、携帯電話、写真などの私物を貸してもらうよう促し、それらを「俳優」としてキャストし、ライブビデオフィードに映し出す。スティーブン・ボトムズ教授は、この効果について次のように述べている。「提示された物と、それが表すように作られた物との間に物理的な類似性がないことにより、ユーモラスな不一致感が生まれるが、観客が自分自身の個人的な連想を持ち込むことも可能になる。ある公演で、幼い「ティム」の代役としていつも登場するアクションマン人形が、鉛筆ケースとボディスプレーの缶でいじめられているのを見て、妙に感動したのを思い出す。まさに、いじめっ子の「本当の」姿を見せたり、俳優に攻撃性を「表現」させたりしないことで、クラウチは、描写されたシーンに対する私自身の反応的な連想を補うことができたのだ。」^[3]

クラウチ、カール・ジェームズ、ヘッティ・マクドナルドが共同監督した『マイ・アーム』は、2003年にエディンバラ・フェスティバルの一環としてトラバース劇場で上演され、世界中で絶賛された^[9]。後にBBCラジオ3向けに脚色され、2006年のイタリア賞のラジオドラマ部門で最優秀脚色賞を受賞した。

クラウチは『マイ・アーム』を、その後の戯曲の「母艦」と表現しており、その後の戯曲はすべて何らかの形で『マイ・アーム』に言及している。 ^[10]彼はキャサリン・ラヴに対し、2014年の戯曲『アドラーとギブ』は「マイ・アームのより大規模で複雑なバージョン」だと語った。^[10]

『マイ アーム』の投影と変容のテーマは、クラウチの2作目の戯曲『オーク ツリー』で展開された。この作品は、マイケル クレイグ マーティンの1973年の作品『オーク ツリー』にちなんで名付けられ、この作品でアーティストは、観客にコップ一杯の水が木になったと想像するよう促す。クラウチの戯曲は、舞台催眠術師と、娘を催眠術師に轢かれて殺された悲嘆に暮れる父親アンディとの出会いを描いている。死んだ娘に木を変えてしまったと信じる父親は、催眠術師が何らかの答えを出してくれることを期待して、催眠術師を訪ねる。

催眠術師はクラウチが演じるが、父親役は男性か女性、老若を問わず常に別の俳優が演じる。舞台に上がるまで劇について何も知らないこの2人目の俳優は、クラウチの口頭指示と何ページにも及ぶ台本を使って演技を導かれる。この劇は、クラウチの長年の協力者であるカール・ジェームズと、詩人でパフォーマンスアーティストで「スミス」として知られるアンディ・スミスが共同監督を務めた。^[11]クラウチは当初、父親役をスミスに依頼していた。スミスは「父親役は毎回違う俳優にしたらどうだ？」と提案した。^[12]

『An Oak Tree』は、2005年のエディンバラ・フェスティバルでトラバース劇場で初演され、チケットが完売し、ヘラルド・エンジェル賞を受賞した。その後、国際ツアーが行われ、ニューヨークのバロー劇場で3か月間上演され、特別賞のOBIE賞を受賞した。現在までに、マイク・マイヤーズ、クリストファー・エクルストン、フランシス・マクドーマンド、F・マーレー・エイブラハム、ジェームズ・ウィルビー、ローリー・アンダーソン、トビー・ジョーンズ、マーク・レイヴンヒル、ジェフリー・ラッシュ、トレイシー・アン・オーバーマン、デヴィッド・モリッシー、サスキア・リーヴス、ヒュー・ボネヴィル、ピーター・ギャラガー、ジュリエット・オーブリー、パターソン・ジョセフ、ジャネット・マクティア、アラン・カミング、アラニス・モリセット、サミュエル・ウェスト、サミュエル・バーネット、パトリック・マーバーなど、 300人を超える俳優がこの劇の父親役で出演しています。

2005年、クラウチは毎回違う俳優と共演した自身の経験を次のように述べている。「父親は一人一人、人それぞれ違うのと同じようにそれぞれ違う。演技がやりすぎな父親もいれば、まったく演技をしない父親もいる。時には、私が望んでいないと思っていたことをまさにやってしまう父親もいる。しかし、そうすることで、父親一人一人が驚くべき存在になる。父親は自分なりのやり方で芝居をやってくれる。私が望む通りには決してならないだろう。そのことを神に感謝している。」^[12]

リン・ガードナーは、ソフィー・オコネドーが父親役を演じた公演を評してこう述べている。「彼女を見ていると、彼女が女性であることを一瞬たりとも忘れることはない。そしてクラウチは巧みに舞台指示を次々と繰り出し、彼女が俳優であることを決して忘れさせない。それにもかかわらず、夜が更けるにつれて、彼女が中年男性であることも疑わなくなる。彼女は同じように見えても、違うのだ。」^[13]

2015年、劇の10周年を記念して、クラウチは『オークツリー』を再演し、6月から7月にかけてロンドンの国立劇場で上演し、続いてエディンバラ・フリンジ・フェスティバルの一環としてトラバース劇場で再演した。

2019年、インディペンデント紙は「死ぬ前に読むべき40の最高の戯曲」のリストに『オークツリー』を含めた。 ^[14]

クラウチの次の舞台「ENGLAND 」では、ロンドン・シャント劇団の共同創設者ハンナ・リンガムと共演した。 「My Arm」と同様、「ENGLAND」も現代アートの世界を扱っており、白い壁のアートギャラリーで上演されることを想定して書かれた。ガイド役のクラウチとリンガムは観客をギャラリーに迎え入れ、展示を案内する。前半では、2人はデュオローグで、性別非公表の人物役を演じる。その人物のボーイフレンドは裕福な美術商で、心臓移植を切実に必要としている。この劇では、ダン・ジョーンズがデザインした環境音が使用され、衰弱する心臓のリズムが伝えられる。後半では、登場人物は中東の無名の国を訪れ、心臓提供者の未亡人に貴重な絵画を贈って感謝する。未亡人は、夫が心臓のために殺されたと信じており、感謝していない。

クラウチは、この劇を「あるものが別のものの中に入れられた物語。他人の体の中にある心、他国の文化の中にある文化、ギャラリーの中にある劇場、俳優の中にある登場人物、観客の中にある劇」と表現している。^[15] リン・ガードナーは、この劇を「あらゆるものが売られているグローバル化した世界に巧みに挑戦し、芸術と人間の命に置く価値を問う、限りなく思慮深い作品」と評した。^[16] 2007年8月、この劇はエディンバラのフルーツマーケット・ギャラリーで開幕し、トータル・シアター賞、フリンジ・ファースト賞、ヘラルド・アークエンジェル賞を受賞した。それ以来、ENGLANDはイギリスとアメリカのギャラリーで上演され、オスロ、リスボン、ケベック、マドリード、ダブリン、ヴィースバーデン、メルボルン、シンガポール、バンクーバー、香港、ブダペスト、テヘランでも上演されている。

クラウチの4作目の大人向け劇『The Author 』はロンドンのロイヤル・コート劇場の委託を受け、2009年に初演された。1990年代、ロイヤル・コート劇場は、批評家のアレックス・シエルズが「イン・イヤーフェイス・シアター」と名付けた、過激な暴力描写を特徴とする演劇で知られるようになった。そのため、暴力表現を創作したり観たりすることの影響を調査するには最適な舞台だった。クラウチは記事の中で、その意図を次のように説明している。「『The Author』は、観客とは何か、観客としての責任について描いた劇である。私たちが見るものと私たちがすることのつながりを探る。私たちは、自分が見るものに対する責任という糸口を見失っていると強く感じている」^[17]

劇中、クラウチは「ティム・クラウチ」という、作家から俳優、観客まで、関係者全員に破壊的な影響を与える虐待劇を書いた、強引な劇作家を演じる。クラウチは舞台を撤去し、観客を向かい合わせの2列の席に座らせ、お互いに劇を見ているのを見守らせた。4人の俳優が観客の間に配置され、虐待劇のストーリーを語った。オリジナルのキャストは、俳優がヴィック・ルーリンとエスター・スミス、観客がエイドリアン・ハウエルズだった。『ザ・オーサー』がエディンバラ・フェスティバルのためにトラバース劇場に移ったとき、エイドリアン・ハウエルズの役はクリス・グッドが引き継いだ。2011年、同じキャストでロサンゼルスの カーク・ダグラス劇場で上演された。

作者は批評家^[18]と観客の間で意見が分かれ、多くの観客が途中で退場した。^[19]劇自体がこの反応を招いており、序盤で観客が退場する演出もあった。

2011年にガーディアン紙に寄稿したクラウチは、英国と米国の観客が劇に対して示したさまざまな反応について次のように述べている。「この劇では、観客が新聞や小説を読んだり、紙飛行機を作ったり、メキシカン ウェーブをしたり、仲間の誕生日を祝って歌ったり、詩を朗読したり、ゆっくりと手拍子をしたり、俳優を身体的に脅したり、耳に指を入れて大声でハミングしたり、卑猥な言葉をつぶやいたり、俳優を罵倒したり、脚本のコピーを脚本家に投げつけたりした。この劇では、観客の 10% が上演中に退場したことが知られている。退場するたびに、イベントの展開する物語の中で小さなドラマが生まれる。この劇では、最後に拍手がなかったことが、時には祝福のように、時には永遠の破滅のように感じられる。この劇では、観客が一度気絶したことがあり、俳優は何度もそれが上演の一部ではないと主張したが、その場にいた全員が、案内係も含めて、それが上演の一部だと思い込んでいた。」^[19]

2013年、ロンドンのアルメイダ劇場は、クラウチとアンディ・スミス（スミス）が脚本と演技を行い、カール・ジェームズが監督した「夜の終わりに希望に何が起こるか」を委託しました。この劇は、疎遠になっていた2人の友人の気まずい土曜の夜の再会を描いたものです。彼らの対立は、対照的な演技スタイルに反映されています。スミスが演台に座り、台本を読み、観客の存在を認めている間、クラウチは第四の壁を備えた現実的な劇を作ろうとし、ステージに自分のセットを持ち込んでいます。

クラウチはエグゼウント誌に劇についてこう述べている。「アンディは舞台の脇に座り、自己紹介をし、表面上は自分の物語を語ります。そしてその反対側に立つのは、架空の、識別可能な別のキャラクターで、別の種類の形態、別の種類の世界に住んでいるようなものです。彼は、その横に座って世界を眺めるのではなく、物理的にその世界に存在することで、舞台で一生懸命作り出そうとしている世界に物理的に存在することで、世界を理解しようとするキャラクターです。押し引きは、この2つの世界の間で起こります...私のキャラクターは活動的です。政治的、性的に、身体的に活動的です。この劇でのアンディのキャラクターは、非活動的または思慮深いです。」^[20]

サイモン・ホルトンは、A Younger Theatre誌でこの劇を評した。^[21]「この作品の中心的な関心事の一つは、不在と存在、劇場の空間、そしてその空間に一緒にいるという単純な行為、それが何を意味し、何ができるかということだ。説教臭くも独断的でもないのに、希望のメッセージははっきりと響いてくる。素晴らしい、独創的で力強い劇だ」^[21]

クラウチとスミスは劇をエディンバラに持ち込み、2013年8月18日から24日まで、ドリルホールスタジオでフォレストフリンジ^[22]として上演した。ジョイス・マクミランはザ・スコッツマン紙で劇を評した。「クラウチの素晴らしい演技の中で、友人が激怒し、不機嫌になり、酒を飲み、外をうろつく地元の子供たちの集団に対してますます攻撃的に神経質になるにつれ、2人の巨匠によるこの素晴らしい共同脚本では、機能不全がすべて一方だけにあるわけではないことが徐々に明らかになる。

「アンディは椅子に座りながら、友人の視線を絶えず避け、人々を結びつける演劇の理論的な価値について観客に語りかけることを好んだ。彼はノルウェー人の妻と幼い娘との息苦しい家庭生活に屈し、友人に靴を脱ぐように（私たちはみんな靴を脱ぐ）そして家の中でタバコを吸わないよう絶えず頼んでいる。ここには中年男性の活力、北と南、満足感の独善性、そして正直な悲惨さの活動家的価値が感じられる。そして演劇についても感じられる。70分が経過しても、2人はそこにいて、まだ話をし、まだ同じ空間にいる。ティムとアンディが彼らについてのショーを作ろうと決めていなかったら、2人はそこにいなかったかもしれない。」^[23]

クラウチの次の劇『アドラーとギブ』は、2014年6月19日にロイヤル・コート劇場で初演された。ロイヤル・コート劇場の宣伝ビデオで、クラウチは「この劇のストーリーは、さまざまなレベルで展開されます。2人の若者が人里離れた廃屋にたどり着くという、現代のジェットコースターのようなストーリーです。まさに古典的なスクービー・ドゥーの舞台です。そして、80年代と90年代のニューヨーク出身のコンセプチュアル・アーティスト2人をめぐる膨大なバックストーリーがあります。世紀の終わりに、彼らはニューヨークを離れ、この家に住み始めます。そしてその10年後にこの若者たちがやって来ます。つまり、スリラーの要素もあると思いますが、盗用や真正性、遺産、そしてあらゆるものや人を所有しなければならないという衝動に関するアイデアもたくさんあります。」と説明している。^[24]

再びクラウチ、ジェームズ、スミスが共同監督を務めたこの劇は、これまでで最も野心的な形式的実験となった。演技スタイルは劇中変化し、最初は抽象的で、俳優たちは正面を向いて、身振りやアクセント、動作なしでセリフを言う。その後、彼らはより立体的な演技を経て、後半では完全なリアリズムへと移行した。クラウチはこれを「この劇はリアリズムの潮流だ。物語と形式において、干潮から満潮へと向かう」と表現した。^[25] 2人の子供が舞台に登場し、土を掘ったり不条理な小道具を導入したりしたことで、自然主義はさらに弱められた。クラウチはこう説明した。「これは、表現の面で我々が周囲に築いてきた不条理な構造を突き刺すもの。子供たちはその構造から自由すぎる。子役、つまり子供が他の子供のふりをするというのは、ちょっと愚かだ。動物、子供、銃、ヌードなど、自然主義を乱すものがある。イアン・マッケランが『リア王』で銃を突き出すとすぐに、『リア王』はしばらく止まる。」^[25]

この劇は観客にとって意図的に挑戦的な内容だった。ベッキー・スミスはトータル・シアターのレビューで観客の反応を次のように記録している。「こんなに一生懸命に演じたくない」と、休憩中に私の後ろの席にいた男性が不満を漏らした。「私は娯楽を求めてここに来たんだ！」^[26]マイケル・ビリントンはガーディアン紙で「物語の慣習に反する劇。実際、前半の大部分は何が起こっているのか理解できない」と評した。^[27]彼は結論として、「私は自分がこの作品に馴染んでいくのを感じたが、遊び心のある実験的な形式が興味深い内容を圧倒していると感じた」^[27]

タイムアウト誌のアンジェイ・ルコウスキーは「狂人が精神病院の鍵を渡された。新しい作品『アドラー＆ギブ』で、いたずら好きなメタ演劇の劇作家ティム・クラウチが外縁からやって来て、ロイヤル・コートの名高いメインステージで初演する。スケールアップはつまずかないわけではないが、最高の部分では、この陽気で悲惨で気が狂いそうな芸術の価値の問いかけは、恐れを知らない意図と鋭い知性で爆発する」と書いている。^[28]

最も熱狂的なレビューは、独立系批評家のマット・トゥルーマンによるもので、彼は次のように書いている。「この映画は手に汗握る。タランティーノ風の威勢のよさとケルアック以降のクールさが散りばめられた、フルスロットルの共犯者ロードムービーのようなものだ。アドラーとギブは壮大だ。この映画はさまざまなことを包含しており、それらは完全に現代的である。クラウチは、2014年の現在、標識や模造品に囲まれ、過去が参考資料やレトロとして吐き出された仮想現実の中で存在するということの意味に取り組んでいる。本当に取り組んでいる。これらすべてにおいて真実はどこにあるのか。芸術はどこで終わり、現実はどこから始まるのか。生命はどこにあるのか。」^[29]

ロイヤル・コート劇場では、キャストはアメルダ・ブラウン（ギブ）、ブライアン・ファーガソン（サム）、デニス・ガフ（ルイーズ）、レイチェル・レッドフォード（学生）であった。2016年のエディンバラ・フェスティバルでは、簡易版がサマーホールで上演され、その後、ロンドンのユニコーン劇場、2017年にはロサンゼルスのカーク・ダグラス劇場で上演された。キャストは、ジーナ・モクスリー（ギブ）、キャス・ホワイトフィールド（ルイーズ）、マーク・エデルハント（サム）、ジリアン・プッララ（学生）であった。クラウチはロサンゼルス公演でサム役を引き継いだ。ロサンゼルス・タイムズ紙のチャールズ・マクナルティは、この劇を「クラウチの過去の作品の特徴である、演劇イベントにおける観客の役割に対する大胆な問いかけを省いた、一種の前衛的な型通りの演出」と評した。^[30]

クラウチの2019年の演劇「Total Immediate Collective Imminent Terrestrial Salvation」は、その年のエディンバラ国際フェスティバルで初演され、その後、ロイヤル・コート、リスボンのバイロ・アルト劇場、ブライトンのアッテンボロー・センター・フォー・クリエイティブ・アーツ（ACCA）で上演された。アンディ・スミスとカール・ジェームズが共同監督を務め、ラチャナ・ジャダフがイラストを手がけた本が使用された。アレックス・ウッドは WhatsOnStage でこの劇について次のように説明している。「私たちは 2 列の円になって座り、台本が入った装飾的な緑色のハードカバーの本が配られます。ショーが始まり、俳優が登場し、観客は一緒に読んで参加するよう求められます。一緒にページをめくり、ティム・クラウチのセリフに取り組み、必要に応じて役を演じます。これは聖書研究のクラスです。テキストは崇拝され、じっくりと読み上げられます。南米の終末を予期するカルトとそのリーダーであるマイルズの最後の 1 時間についての、大まかなストーリーは、クラウチの新しいメタ演劇的なお祭りショーの最初の入り口です。これは巧妙な比較です。結局のところ、演劇を見ることはカルトのような体験です。物語は、教区の観客と一緒に存在する必要があります。私たちは、観客のさまざまなメンバーが立ち上がって俳優に加わり、プロットが徐々に焦点を絞っていくのを見ます...。クラウチの以前の作品、特に、同じく死を扱った「オークの木」との印象的な類似点がいくつかあります。家族の一員に、パフォーマンスの意味や悲しみがさまざまな風変わりな形で現れることを問いただす機会を与えた。しかしこの作品は、感情的に親密というよりは、遊び心のある共同体的な感じがする。観客が自分の空間に入ってくることにクラウチが喜びを感じているのが伝わってくるようだ。」^[31]ガーディアン紙のマーク・フィッシャーは、「この形式的に冒険的なショーのコンセプトは、私たちの手にある聖書のような本、ラチャナ・ジャダブの鉛筆画で魅惑的に描かれた本が、環境災害後の閉鎖的なコミュニティで育った少女ソルの行動を決定づける本と同じであるということだ。シヴォンヌ・アーマッドが率直に心を込めて演じる彼女は、これらのページに書き留められない限り何も起こらないと信じるように教え込まれている。これは決定論的な見方だが、本にはショーの台本が含まれているため、正しい見方でもある。パフォーマンスが行われる限り、何が起こるかを私たちがコントロールすることはできない。観客がソルと疎遠になった母親アンナの役を交代で演じるときでさえ、主にスーザン・ヴィドラーが同じような純真さで演じている。" ^[32]

2022年、クラウチは『リア王』の道化を題材にした新しい一人芝居を書き、上演した。イングランドと同様に、この芝居は「あるものの中に別のものがあるという考え」に基づいている。^[33] 『真実は犬に任せて』の大部分で、道化役のクラウチは仮想現実ヘッドセットを装着し、シェイクスピアの劇が上演されているより大きな劇場で起こっているアクションへの入り口となっている。道化は自分が去った劇を目撃し、それについて説明する。クラウチはザ・スコッツマンのマーク・フィッシャーに対し、道化師が『リア王』から早くに去っていくことと、コロナ禍における演劇の運命を結びつけていると語った。「これは去ることについてです。…この2年半、私たちは何をしているのか、どうやって続けていくのか、どうやって再び関わり合うのか、すべてがどれほど難しいのか、このすべての中で演劇はどこにあるのか、そしてデジタルの侵略について考えさせられます。この劇は、私たち全員が一緒にいるという事実、そして私たち一人一人の中に私たちのもう一人の姿があるという事実を祝福しています。」^[33]別のインタビューでは、「私は『リア王』を、私が心配し、考えている演劇のアイデアの一種の保持テキストとして使用しています。そして、道化師をその世界にいて、その世界から消える人として考えています。」^[34]

クラウチは2022年8月、エディンバラのロイヤル・ライシーアム劇場でフリンジ・フェスティバルの一環としてこの劇を初演した。デイビッド・ケトルは「多くの点で、かなり妥協のない、絶望的な作品だ。クラウチはリア王の分裂した世界と私たちの多種多様な現代の問題との類似点を指摘し、かつて人々が同じ部屋に集まり、他の人々がまた他の人々のふりをするのを見ていたのはなぜだろうと疑問に思うかもしれない未来の人類学者に自らを投影している。この作品は巨大な累積的な力を生み出し、深い疑問を提起しながらも、簡単な答えを出すことを拒否している」と評した。^{[35]ジョイス・マクミランは}スコッツマン紙で、「劇場に残されたもの自体が闘争の場となっているというクラウチの示唆には、何か素晴らしい、心に残る、そして悲劇的なところがある。それは、かつて知っていたような人間の共有体験を今でも完全に信じている人々と、そのような時代は終わり、より多くのものも、はるかに少ないものも提供するデジタル接続の形態に取って代わられるのではないかと疑っている人々との間の闘争である」と書いている。 ^[36]デボラ・チューはオブザーバー紙で、「すべてのアクションはクラウチのVRヘッドセットの背後で行われ、彼はそれを感動的な落ち着きを持って私たちに伝えます。しかし、彼の不思議なビジョンの範囲は観客にも広がり、劇場は段階的な不平等と礼儀正しさを装った小さな残酷さに満ちた、世界全体の縮図となるのです」と書いている。^[37]ヒュー・シンプソンは「衝撃の5つ星レビュー」で、この劇を「創造性の本質を否定しているように見える、非常に先見の明のある作品であり、人類は創造性を持っていたと主張する人類への賛歌。考えさせられると言うのは控えめな表現だろう」と評した。^[38]この劇はスコッツマン紙からフリンジ・ファースト賞を受賞した。^[39]

『Truth's a Dog Must to Kennel』はカール・ジェームズとアンディ・スミスが共同監督を務め、サウンドデザインと音楽はピッパ・マーフィー、照明はローラ・ホーキンスが担当した。^[40]

クラウチは大人向けの演劇のほかに、若い観客向けの劇や若い俳優が演じる劇もいくつか書いている。2018年に彼はシアターウィークリー誌にこう語っている。「子どもたちは常に演劇を体験しています。家でも、遊び場でも、学校でも。物語や想像力豊かな遊びの構成は、劇作家にとってと同じくらい子どもの遊びにとっても重要です。子どもたちは遊びの中で生まれながらの劇作家です。彼らは登場人物を構成し、創造します。子どもが大人から自分たちのプロセスを再現されるのを見ることは、そしてより広い文化の正式な承認を得ることは、とても重要だと思います。大人も想像力豊かな遊びや物語の語りに関わっていることを理解するために。」^[41]

クラウチの最初の児童劇は、2003年に国立劇場教育局から委託された『靴を買いに行こう』である。この劇は、ロゴの力とそれに抵抗することがいかに難しいかを描いたロマンティックコメディである。政治意識の高い13歳のベジタリアン、シボーン・マクラスキーは、ナイキのエアジョーダンしか気にしない同級生のショーン・ホームズに恋をしている。2人は犬の糞との偶然の出会いとボーリング場への旅行をきっかけに知り合うことになる。クラウチは、観客に向かって傾けた台の上に登場人物を表す靴を置いて、この劇を演じる。「靴は、従来の人形のように動くことはありませんが、それぞれに時間、空間、時には音が与えられ、自己主張するのです。」^[8]そのため、シボーンの父親、キースは「ひどいサンダルと陽気な口笛」で表現されている。^[8] 『Shopping For Shoes』は2003年6月18日にグリニッジのセント・ウルスラ・スクールで初演されました。その後、英国中の学校を巡回公演し、2007年に芸術評議会ブライアン・ウェイ賞を受賞しました。

ブライトン・フェスティバルのために、クラウチは3つの独白を書き上げた。『われはキャリバン』（2003年）、『われは豆の花』（2004年）、『われはバンクォウ』（2005年）は後に『妖精、怪物、幽霊』三部作として一緒に上演された。^[42]これらの劇は、脇役の視点から物語を語り直すことで、若い観客にシェイクスピアの戯曲を紹介している。

『われはキャリバン』では、クラウチは『テンペスト』の怪物で、登場人物全員が島を去った後、最後の一本のワインと共に一人島に残され、母親を恋しがっている。キャリバンは観客に自己紹介する。「なんて醜い男なんだ、と思っているだろう。もしも私みたいな人生を送ったら、君も醜いだろう。」『われはピーズブロッサム』では、彼は『真夏の夜の夢』の無邪気な子供の妖精で、シェイクスピアの劇ではたった一行しかセリフがないキャラクターである。『われはバンクォウ』は、より暗い劇で、10代の若者向けで、マクベスの殺された親友が語る。クラウチは「ヘビーメタルギターを弾く13歳のフリーアンス、生首、32リットルの血を伴って」舞台に現れる。^[43]

2006 年、クラウチはプレイハウス (プリマス シアター ロイヤル、ヨーク シアター ロイヤル、ポルカ シアターが運営する組織) から、小学生が演じる劇の執筆を依頼されました。カスパー ハウザーにインスピレーションを得た「野生のカスパー」は、みすぼらしい服とスニーカーを履いてさまよっているところを発見された謎の野生児が、眠そうな村の学校で 6 年生のクラスメートと合流するというストーリーです。子供たちの合唱で演じるこの劇は、次のような詩で書かれています。「学ぶことも成長することも繁栄することも拒否する、恵まれない少年をどうしたらいいのだろう? どうしたらいいのだろう? 学校に通わせる、それが私たちのすることだ」

2011年にプリマスで上演された作品の予告編でインタビューを受けたある女性パフォーマーは、「この劇はナレーターが『どう思う？』などと言っているところが素晴らしいです。ほとんどの劇では、ナレーターが観客にどう考えるべきかを指示します。それに、韻を踏んでいるのも素晴らしいです」と語った。^[44]

クラウチの4番目のシェイクスピア翻案『われ、マルヴォーリオ』もティーンエイジャー向けに書かれ、ブライトン・フェスティバルとシンガポール・アーツ・フェスティバルの共同委嘱作品で、2010年に上演された。2011年のエディンバラ・フェスティバルのトラバースで大人の観客に大成功を収めた。クラウチの前作『作家』と同様に、 『われ、マルヴォーリオ』は観客とは何か、観客としての責任について描いた劇である。スタンダップ・コメディに近いパフォーマンスで、クラウチは『十二夜』の尊大で劇場を軽蔑する清教徒の執事として登場し、その劇の終わりに屈辱を受けた後に登場する。シミのついたロングジョンズとくしゃくしゃの黄色いストッキングを身につけた彼は、観客を叱りつける。「君たちを見てみろ。腹にポップコーンとニシンの酢漬けを詰めて、俺を笑ってるじゃないか。さあ、おかしな男を笑え。笑え。おかしな男を泣かせろ。」観客の笑い声に対する彼の応答は、「そういうのが面白いと思ってるの？」という繰り返しの叫びである。

ジョイス・マクミランは、スコッツマン紙で『われらがマルヴォーリオ』を評して、「マルヴォーリオと、いや、誰との間の葛藤を痛烈に解体するこの作品は、大人向けというほかない。他の登場人物だけでなく、我々、つまり、無慈悲に楽しい時間を過ごす少年少女の観客も、マルヴォーリオの屈辱を笑い、彼が抱く愛の束の間の希望をあざ笑うのだ」と書いている。^[45]

ジョン、アントニオ、ナンシーは、 2010年にロイヤル・コート劇場の委託によりラフ・カッツの一環として3人の若い10代の俳優のために上演された演劇です。この演劇はマリア・アバーグが監督し、カウチの息子ジョーイ、エラ・キャンベル、キーラン・マリガンが演じました。エレファント＆キャッスルのシアター・ローカルで初演され、ブライトン・フリンジ2011の一環としてブライトンのナイチンゲール劇場でも上演されました。赤、青、黄色のネクタイを締めた出演者は、2010年の英国選挙の3党首の子供たち、ジョン・ブラウン、アントニオ・クレッグ、ナンシー・キャメロンを演じます。この演劇で、クラウチはテレビ討論会で使用された言葉を、党首たちの言葉を子供たちの口から引用することで解体します。ゴードン・ブラウンの「『つい先週、私はポーツマスで未亡人に会った』は、彼の息子の口では『つい先週、私の父はポーツマスで未亡人に会った』になる」。この発言の累積的な効果は滑稽であり、「『メディアに優しい』言葉の不条理さを浮き彫りにしている」^{[46] 。}

2012年の世界シェイクスピアフェスティバルの一環として、ロイヤルシェイクスピアカンパニーは、グレゴリー・ドランの『ジュリアス・シーザー』の続編の脚本と演出をクラウチに依頼した。『私はシナ（詩人）』では、シェイクスピアの劇中で共謀者と間違えられ暴徒に殺される詩人シナをジュード・オウスが演じた。クラウチの劇では、シナは若い観客に「言葉と行動、芸術と政治、自己と社会の関係について考えるように」求めている。「公演中、彼は私たちに、大きなテーマで短い詩を彼と一緒に書くように求めている」^{[47] 。}

2020年にロンドンのユニコーン劇場でナオミ・ワートナー監督により再演されたクラウチは、シナ役を演じた。キャサリン・グリーンウッドのインタビューを受けた彼は、初演以来、この劇が新たな意味を帯びてきた経緯について次のように語った。「2012年はロンドン暴動の翌年だったので、オリジナルのプロダクションにはそれとのつながりがありました。しかし、今世界で起こっていることと比較すると、暴動は断片的で小規模に感じられます。そして、言語を操作する独裁者に率いられた国という考えは、世界へようこそ！…現在の言葉は、政治的に非常に複雑で、つかみどころのないものです。2012年、私たちはその世界では幼児でしたが、今では恐怖に震えるティーンエイジャーになって、言葉に本当にそのような効果があるのか​​と自問しています。人は適切な言葉を使えば嘘をつくことができます。彼らは嘘をつき、誰もがそれを受け入れます。これはシェイクスピアの『ジュリアス・シーザー』にも描かれています。マーク・アントニーは言葉の使い方で歴史の流れを変えます。」^[48]

サリー・ヘイルズはザ・ステージ誌のレビューで、「クラウチは、革命、共和主義、民主主義、書かれた言葉の力、デジタル時代における自由と個人の責任を包含する意味の豊かなタペストリーを織り成す...リリー・アーノルドのセットは、くしゃくしゃになった紙の大きな帯で覆われ、その上に、暴動のウィル・モンクスの暴力的なビデオ画像が、オーウェン・クラウチのサウンドスケープに伴って、ほぼ静寂から脈打つような執拗なビートに突入する、驚くべき瞬間にフラッシュバックする。これは、クラウチの魅惑的なストーリーテリングと相まって、ショーに容赦ない緊迫感を与えている。」と書いている。^[49]

メリンダ・ホーントンは「View from the Cheap Seat」のサイトで、「大人や批評家からなる粘着質な記者会見の観客が止まることなく書き殴ったことは、このショーが創造的なインスピレーションとしてどれほど成功しているかを示す賛辞だ」と書いている。 ^[50]イヴ・アリンはエグゼウント誌で、クラウチの詩的な挑戦に応えて「ソネットや俳句や連句で」ショーのレビューを書いた。^[51]

2018年、クラウチは子供と大人が出演する演劇『ビギナーズ』を執筆した。「夏の間、水浸しの別荘に閉じ込められた3つの家族の物語です。子供たちは退屈しています。大人たちはパブにいます。これまでのところ、普通です。」 ^[52]クラウチはイブニング・スタンダード紙に次のように語っている。「子供たちが成長したので、これを書きました。彼らが大人になったことは大好きですが、子供だった頃が懐かしいです。時々、彼らが大人になった姿の中に、子供だった頃の姿を見ているような気がして、とても嬉しくなると同時に、慰めようのないほど悲しくもなります。」^[53]

クラウチ監督のこの劇は、2018年3月にロンドンのユニコーン劇場で初演された。キャストは5人の大人の俳優（パンドラ・コリン、ロブ・ダス、ジャッキー・デュボア、ニール・デソウザ、アマリア・ヴィターレ）で、子供、その両親、犬を演じた。子供役は4人の若い俳優も演じ、アティヌケ・アキンリナーデ、イーサン・ダッタニ、ネキーシャ・エリック、ローワン・デイヴィス・ムーア、アーチー・マクレガー、エラ・スコット、エミリヤ・トライコビッチ、ミラン・ヴァーマが分担した。ビギナーズはクロエ・ラムフォードとカミラ・クラークがデザインし、ニック・パウエルが音楽を担当した。^[52]

ミリアム・ギリンソンは、タイムアウト誌で、この劇を「世代を超えて楽しめる、きちんとした大人向けの児童劇です。クラウチは観客をからかったり、感覚を試したり、頭を混乱させたりするのが好きで、ここでの醍醐味は、クラウチがまさに同じ手法を家族向けショーに適用し、見事に成功させていることです。舞台は徐々に4人の才能ある若い俳優たちに引き継がれていきます。彼らの希望と夢が空間を満たします。そして、私たちは、これらが実は自分たちの希望と夢であり、ただより新鮮で自由であるだけだと気づきます。」と評しました。 ^[54]マディ・コスタは、エグゼウント誌で、ビギナーズを「複雑で微妙、つかみどころがなくずる賢く、頻繁に滑稽で、濃厚な詩情があり、私の子供たちを困惑させることも多いが、彼らの推理力に挑戦するのは楽しい」と評しました。^[55]リン・ガードナーはガーディアン紙で、この劇は「いたずらっぽくも感情的な殺人ミステリーだが、死体は登場しない。代わりに、子供時代がどのように殺されるのかを探求している。クラウチのますます滑稽な劇の楽しみは、彼が徐々に形而上学的かつ物理的な空間を拡大していく方法にある。この劇や子供たちが演じる劇中劇を見ると、私たちは何が可能か、人生が私たちに投げかける困難をどう克服できるかについて信念が広がる」と書いている。^[56]しかし、イブニング・スタンダード紙の評論家フィオナ・マウントフォードは「私たちが見ている登場人物が大人なのか子供なのかを常に判断するのに苦労した」と書いている。^[57]

2022年、クラウチはナショナル・シアター・コネクションズ青少年演劇祭のために『スーパーグルー』を執筆した。この劇は『ビギナーズ』の構造を逆転させ、子役が大人を演じ、高齢者の存在によって体現された。ナショナル・シアターのリストによると、「スーパーグルーは、抗議活動中に亡くなった友人に別れを告げるために森の墓地に集まった気候活動家のグループの物語です。彼らは集まり、横断幕を立て、過去と未来、平和的行動と暴力的行動、社会が彼らを無視し、彼らの大義を過小評価していることについて語ります。最初は、これらの活動家は彼らを演じる俳優と同じ年齢だと信じていました。徐々に、これは高齢の気候活動グループの物語であり、若い俳優が真似せずに演じる高齢のキャラクターであることに気づきます。劇では老齢と青年期の類似点が描かれ、地球の未来についての世代間の理解を穏やかに促します。」^[58]

この劇は2022年2月にニューカッスルのヤングピープルズシアターで初演された。^[59]クロイドンユースシアターによる2回目の公演は4月にサザークプレイハウスで上演された。 ^[60]

2024年、クラウチは20年前にスコットランドの劇団Visible Fictionsのために最初に構想していたアイデアに戻った。それは、バイノーラル録音とライブアクションを組み合わせたヘッドフォンを通じて観客に届けられる演劇だった。『Toto Kerblammo!』は、メンタルヘルスに苦しむ12歳の少女エフィーと彼女の愛犬トトの物語である。娘の世話ができないエフィーの母親は、安全な病院に収容され、エフィーはペット禁止のアパートに住む叔母と叔父のもとで暮らすことになる。エフィーはトトを密かに連れてくるが、トトが見つかると、二人は夜に逃げ出し、エフィーとトトは二人とも車にひかれてしまう。意識不明の状態では、二人は会話ができる。二人は希望や無私、愛、そして耳を傾けることの必要性について語る。トトは時折、観客のためにナレーションをする。そして、エフィーの母親は娘が意識を取り戻すのを助けるために音声録音を送る。エフィーが病院で徐々に意識を取り戻すと、トトの命は、はねられた道路のそばでゆっくりと消えていく。しかし、トトは教訓を学んだ。エフィーの状況は、彼女の犬と、また「トトと少年が犬と違うのと同じくらい違うが、まったく同じ精神を持つ（そしてまったく同じ俳優が演じている）」少年ノアの存在によって救われた。ノアの忠誠心と愛情は、最終的に犬を失ったにもかかわらず、エフィーを最後に希望の場所に導く。

2023年、ユニコーン劇場はクラウチに元のアイデアに戻り、脚本を完成させ、監督するよう依頼した。2024年10月6日から11月3日まで上演されたこの作品のクリエイティブチームには、クラウチの常連の協力者であるリリー・アーノルド（デザイナー）、ウィル・モンクス（照明デザイン）、そしてクラウチが『ザ・オーサー』（2009年）や『アドラー&ギブ』（2014年）で仕事をしたサウンドデザイナーのヘレン・スキエラが含まれていた。エフィー役はペイヴァンド・サデギアン、トト/ノア役はフェリペ・パチェコ、母親の声はシネイド・マシューズが録音した。^[61]

ガーディアン紙は4つ星のレビューで、音響デザインが「遊び心と深遠な効果の両方で」使用されていると評し、観客は「感覚が研ぎ澄まされて劇場を出る」と述べた。^[62]ザ・ステージ紙は5つ星のレビューで、「最も共感を呼ぶのは、人間の精神、とりわけ心の働きを取り巻く深い神秘感だ」と結論付けた。^[63]ロンドンのタイム・アウト紙は、この劇を「子供時代の傷と感情の表現のなさを精巧に描いた作品」と評した。^[64]ノース・ウエスト・エンドは5つ星のレビューで、「構想は巧妙で演出も素晴らしいが、この劇の真の天才はその心だ。ティム・クラウチは、登場人物が真に知的で複雑で優しい存在になれる余地を与えている。見ること、聞くことは肯定的であり、この劇が私たちに自分自身に示すことを要求する愛と気遣いの原動力となっている。私たちは皆、苦労しており、複雑だが、それでも皆価値がある。大人にも子供にも同様に重要なメッセージだ」と書いた。^[65]

クラウチはヤング・オーディエンス部門の最優秀脚本家賞にノミネートされ^[66]、ヘレン・スキエラはヤング・オーディエンス部門の最優秀サウンドデザイン賞にノミネートされた。

2019年、クラウチはトビー・ジョーンズと共同で、 BBCの6部構成のコメディシリーズ「Don't Forget the Driver」を執筆した。ボグナー・レジスを舞台にしたこのシリーズは、「バス運転手でシングルファーザーのピーター・グリーン（ジョーンズ）の物語。彼の生活は、クリップ式のネクタイ、ぐにゃぐにゃの弁当、車両点検、教会のグループをロバの保護区へ、日本人観光客をカンタベリー大聖堂へ運ぶバスの往復の旅など、平凡な日常の繰り返しだ」と語っている。^[67]クラウチは、このシリーズを「ボグナーへのラブソングです。ボグナーは私の故郷であり、私自身の多くを象徴しています...このシリーズは、一見小さな生命が広い世界と関わる瞬間を描いています。ボグナーはイングランドの端に位置し、ヨーロッパに面しています。私は60年代からこの街を知っていますが、時代とともに変化してきました。移民人口によって文化が豊かになりました...近代世界が到来しましたが、ボグナーには伝統的な価値観を守り続ける海辺の街の紛れもない雰囲気が残っています。まるで2つの川が合流したかのようです。時には誤って記憶された過去と未知の未来です。ボグナーは、私たちの国を悩ませている国民的アイデンティティの多くのテーマを探求するのに適した場所となっています。」と評しました。^[68]

実験的な演劇作家として、クラウチは他のカンパニーや芸術形式とのコラボレーションを楽しんでいる。『メイ』は2011年にクラウチとプローブ・ダンス・カンパニーがコラボレーションした作品で、^[69]ダンサーのアントニア・ゴーブとベン・デュークがスコット・スミスの音楽で上演した。クラウチは自傷行為をする美しい少女メイと彼女の内気なボーイフレンド、グレゴリーについてテキストを書いた。ジェイク・オーはこの作品を次のように評した。「全体的な効果は、優しさが出会って混沌にぶつかるというものだ。クラウチのセリフは登場人物の自己表現の無能さによって狂わされており、それがダンスを通じて探求される。」^[70]

2012年、クラウチはオランダの劇団カッシース^[71]に招かれ、ネイチャーシアターオブオクラホマ^[72]やニコール・ビュートラー^{[73]とともに、シュルレアリスムの社交ゲーム}「優美な死体」にヒントを得たプロジェクト「死体エクスキ」でコラボレーションした。「死体エクスキ」とは、他の詩人が書いたものを知らずに、数人の詩人が書いた詩（または絵）のことである。「最初の作者が紙に詩の一行を書く。次に、最後の単語だけが見えるように紙を折る。2人目の作者が続ける。」^[74]この演劇プロジェクトのために設定されたルールは、「各監督が最大15分のパートを作る。開始点として、各監督は前のパートの最後の60秒だけを見る。各監督は1人のパフォーマーを連れてくる。」というものだった。^[74]イギリスからハンナ・リンガムを出演者として招いたクラウチは、「Cadavre Exquis は今ここでのプロセスを拡大する。それは私たちを反応の腕の中に投げ込むが、それは最も生産的な仕事の仕方のように感じさせる。このプロジェクトはまた、観客が自分自身を完全に制御できないことで観客を高めている。伝統的な意図の統一を4分の1にすることで、劇作家は観客と同じくらい連想的になる。」と書いている。^[74]

クラウチの戯曲は多くの言語に翻訳されており、イタリア、フランス、ポルトガル、ポーランド、チェコ共和国、ドイツ、ブラジル、カナダ、オーストラリア、米国、韓国で上演されている。これらの戯曲は学校や演劇学校ではテキストとして使われており、新しい世代の「クラウチアン」実験演劇作家が台頭している。リトル・バルブとメイド・イン・チャイナは、クラウチの影響を受けたとされる2つの劇団である。クラウチと共演したクリス・グッドとA・スミス、マイケル・ピンチベックも、メタシアターの同様の分野を探求している。^{[75] [76] [77] [78] [79]}

クラウチは、臨時で演出家としても活動しています。ストラトフォードのロイヤル・シェイクスピア・カンパニーでは、2011年に『じゃじゃ馬ならし』 、2012年には『リア王』と自身の戯曲『私、詩人』を演出しました。2016年2月には、ロンドンのユニコーン劇場で、 ゲイリー・オーウェンの子供向け劇『ジェラミー、ハートルビー、ウーグルモア』を演出しました。

2016年、クラウチはスパイモンキーの『The Complete Deaths』を翻案・演出し、シェイクスピアの戯曲に登場する舞台上の死75シーンすべてを上演した。ノーザンプトンのロイヤル＆ダーンゲート劇場でプレビュー公演が行われた後、5月にブライトン・フェスティバルの一環としてシアター・ロイヤル・ブライトンで初演された。ナターシャ・トリプニーはザ・ステージ誌でこのショーを批評し、「スパイモンキーと演出家のティム・クラウチの組み合わせは素晴らしいものだった。このショーには肉体的な輝きの瞬間があるが、ライブアートの比喩を同じように面白く再利用しているところもある。...最高の瞬間は、スパイモンキーのショーであると同時にティム・クラウチの作品のように感じられるところ、つまり、血みどろのドタバタ劇と、死の演出、つまり生命と光の消滅についてのより深い考察の融合である。しかし、決して冗談を言うことはしない。この演出の主な目的は観客を笑わせることであり、それはよく起こる。私たちは死を観て彼らと一緒に笑うのだ。」と書いている。^[80]

ティム・クラウチは、ドゥシュカ・ラドサヴリェヴィッチとのインタビューで、自身の創作プロセスにおける「制約の解放」の重要性について次のように語っています。

「適切な制約があれば、それは本当に簡単です。私はその劇を知らない俳優を登場させる劇を作らなければなりません。すると突然、キャラクターを伝えるための装置やモデルについてのアイデアが溢れ出てきます。」^[81]

クラウチの作品に繰り返し登場する特徴の 1 つは、観客に不安な瞬間を作り出すことである。『マイ アーム』のある場面で、ナレーターは、意志の力の行使に関する最初の記憶を描写して、「その瞬間、私たちは 1973 年の大いなる沈黙に向かわなければならない」と言う。クラウチはこれに続いて、「耐えられるよりもずっと長い沈黙」を保つ。^{[8]同様に、} 『オーク ツリー』のある場面で、クラウチは、不快なほど長い時間、二枚目の俳優を舞台上に放置する。『ザ オーサー』では、観客が退場する自由が与えられ、不安は極限まで高められている。2005 年、クラウチはヘラルド スコットランド紙に次のように語っている。「不安は、私が劇場で頻繁に感じる感情ではありませんが、私はその感情が好きです。私は、演劇を作っている人たちが作った演劇をただ座って観るよりも、何かに対する本能的な反応を味わいたいのです。」^[82]

• マイ・アーム（『私、キャリバン』『靴の買い物』を含む）、フェイバー＆フェイバー、2003年
• オークの木、オベロンブックス、2005年
• イギリス、オベロンブックス、2007年
• 著者、オベロンブックス、2009年
• 私、シェイクスピア、オベロンブックス、2011年
• ティム・クラウチ『Plays One』、オベロン・ブックス、2011年
• I Cinna (詩人)、Oberon Books、2012年
• アドラーとギブ（夜の終わりに希望に何が起こるかを含む）、オベロンブックス、2014年
• 初心者向け、オベロンブックス、2018年
• 真実は犬だ、ケンネルに行かなくてはならない、メシューエン、2022年
• トト・ケルブラモ！、メシューエン、2024

• ティム・クラウチ劇場のウェブサイト
• ティム・クラウチのガーディアン紙コラム
• RSCのクラウチ氏インタビュー、リア王の演出について語る