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美術において、sacra conversazione（イタリア語: [ ˈsaːkra koɱversatˈtsjoːne ]、複数形: sacre conversazioni ）は「聖なる（または神聖な）会話」を意味し、イタリア・ルネサンス絵画で発展したジャンルで、聖母子（幼子イエスを抱く聖母マリア）が、それ以前の時代のより厳格で階層的な構図とは対照的に、比較的非公式なグループの中に聖人たちの集団の中に描かれている。 [ 2 ]寄進者の肖像も含まれる場合があり、一般的にはひざまずいており、多くの場合、彼らの守護聖人が彼らを聖母に紹介している[ 3 ]。また、天使が頻繁に付き添っている。
この用語は、個々の人物をすべて列挙することを避けるために絵画のタイトルとしてよく使用されますが、美術館や美術史の学術界では現在、完全なリストを記載する傾向にあります。この名称は、18 世紀になってから遡及的にタイトルとして登場し、「聖人たちがほとんど互いに目を合わせることなく、物質的なレベルではなく精神的なレベルでコミュニケーションをとっているように見える、彼らの恍惚とした静寂な気分」に言及して説明されています。[ 5 ]少なくとも初期の例ではそうであり、16 世紀以降の後期の例では、人物同士が互いに寄り添い、より交流している、より慣習的な会話をしているように見えることがよくあります。[ 6 ]
イタリア語では、この用語は英語の場合よりも頻繁に、またより広く使われているようで、例えば、聖母子像が聖人たちのはるか上空に浮かんでいるラファエロのシスティーナの聖母の伝統に倣ったアリア作品のカバーなどが挙げられる。 [ 7 ]
聖会話は、祭壇画の初期の荘厳で区画化された三連祭壇画や多連祭壇画の形式を、統一された遠近法空間内で人物が相互作用する構図に芸術家たちが置き換えたことで発展しました。[ 8 ]伝統的な祭壇画は一般的に垂直形式を維持していましたが、聖会話ではすべての主要人物が単一のレベル、またはほぼ単一のレベルにありました。そのため、垂直形式の上部に置くものは天使や建築物以外にはほとんどなく、神々が非常に高い玉座に上げられていない限り、水平形式に向かう傾向がありました。これは、ジョルジョーネの「カステルフランコの聖母」（1503 年頃）の珍しい構図に見られます。[ 9 ]ここでは、多くの作品と同様に、聖母子は玉座に座っていますが、[ 10 ]聖人は立っています。そのため、玉座が台座の上にわずかに高くなっているより典型的な例では、大人の頭はほぼ同じ高さにあります。聖会話は、パネル絵画で横長の形式が一般的になるきっかけとなった図像の一種です。ルネサンス以前は祭壇画では稀でしたが（壁画では確かに一般的でした）。このような作品、特に横長の形式で半身像や座像が描かれている場合は、裕福な信者（そしてしばしば収集家）の家に、私設礼拝堂用または他の部屋に掛けるために描かれ、肖像画や世俗的な場面と似たような扱いを受けました。[ 11 ]
初期の例としては、フラ・アンジェリコのアンナレーナ祭壇画（1438～40年頃）、サン・マルコ祭壇画（1438～43年頃）、フィエーゾレ祭壇画、フィリッポ・リッピのバルバドーリ祭壇画（1437年、ルーヴル美術館）などがある。聖母が他の人物と同じ大きさであることは、このタイプの本質的な要素とみなされることが多く、聖母がはるかに大きく描かれている初期の作品のほとんどは除外される。このような場面を描いた他の画家には、ピエロ・デッラ・フランチェスカ、ジョヴァンニ・ベリーニ、パオロ・ヴェロネーゼ、アンドレア・マンテーニャなどがいる。[ 12 ]一部の学者は、 1308～11年にドゥッチョがシエナ大聖堂のために描いたマエスタを「イタリアにおける最初の聖なる対話」とみなすことができると示唆している。[ 13 ]
ベッリーニの図版のような初期の作品では、実際の「会話」や交流はほとんど見られませんが、16 世紀以降には、ティツィアーノの「聖母子と聖ルカ、聖カタリナ・オブ・アレクサンドリア」のように、こうした描写が見られるようになります。 [ 14 ]最初の作品では、舞台設定は通常、建築的なものであり、大まかに天国を表していますが、ティツィアーノのペーザロ祭壇画(1519 年制作開始) までは、建築的な枠組み、つまり、それが描かれた元の教会の舞台設定の建築様式が引き継がれていました。これは、明らかに高くそびえる大きな柱のある神殿のポルティコの外に、斜めから見た構図で描かれた、このタイプの根本的な再考でした。聖母子はもはや構図の中心ではなく、画面の右側に配置されています。[ 15 ]
初期の祭壇画と同様に、聖人の選択は主に寄贈者とその家族の守護聖人、および関係する教会、都市、教区、または修道会の守護聖人によって決定されます。このタイプの祭壇画では、異なる時代の人物が混在しているのが普通であり、歴史的な出来事が描かれているわけではないことを明確に示しています。また、どのような設定であっても、その空間は実際の場所ではなく神秘的なものとして理解されるべきです。[ 16 ]
また、1510年代には、ティツィアーノをはじめとするヴェネツィア派の画家たちは、主に北方の伝統である庭園や、特に後世には開けた風景を描いた屋外の場面を描き進めていた。ジョルジョーネの1503年頃の「カステルフランコの聖母」は高さがあったため、聖人たちが描かれた下部のゾーンの上に風景が描かれていた。パルマ・ヴェッキオは、水平方向の強い聖会話を専門とする画家となり、人物像は主に座ったり跪いたりして、かなり密集したグループを形成し、非公式さと記念碑的な古典主義を融合させた。[ 17 ]こうした構図は、 「エジプトへの逃避途中の休息」、「羊飼いの礼拝」 、天使や他の人物が登場する「聖母子」など、聖家族を描いた伝統的な屋外群像からも影響を受けている。[ 18 ]
囲まれた庭園に置かれた聖母像はホルトゥス・コンクルススと呼ばれ、聖母像が女性聖人たちに囲まれている場合は、ヴィルゴ・インテル・ヴィルギネスと呼ばれます。これは北部特有のもので、聖母の傍らにいる数人の人物がベンチや土手、地面に座り、通常は何らかの囲いの中の庭園のような場所に配置されている。これは元々聖母の子宮の比喩であり、ホルトゥス・コンクルススは受胎告知、つまりマリアがキリストを身ごもったことを表すものとして始まった。[ 19 ]
こうしたよりリラックスしたグループ像は、開放的な風景を描いたヴェネツィア絵画にも引き継がれた。16世紀末には、「アンニーバレ・カラッチの『聖母子と聖カタリナ、福音記者ヨハネ』（1593年、ボローニャ国立美術館）のような祭壇画における主要な関係性は、絵の中の人物同士ではなく、人物と鑑賞者との間にあった」[ 20 ] 。「バロック絵画では、文脈が許す限り聖母は地上から遠ざけられ」、場面はしばしば天上の雲の中に設定される[ 21 ] 。
彫刻における例は、関わる人物の数の多さから、比較的まれである。例外の一つとして、ミケランジェロがフィレンツェのメディチ礼拝堂のために計画したものがあったが、聖母子像の両脇にメディチ家の守護聖人像が完成する前に彼はプロジェクトを離れ、それらは彼のデザインに従って他の人々によって制作された。[ 22 ]
縦長の祭壇画のニーズに合わせて発展したもう一つの構図は、聖母子像を地上の聖人たちの上空（アリア）に、通常は雲の上に配置したものです。背景には風景が描かれるのが一般的です。縦長の画面スペースを埋めるだけでなく、聖母戴冠や聖母被昇天への言及を可能にするという利点もありました。後者の教義は宗教改革期にはまだ論争の的となっており、それをほのめかす聖母戴冠を、使徒に限定せざるを得ず、中央に空の墓が描かれることが多かった完全な描写よりも、一部の依頼主が好んだのかもしれません。聖母マリアは天使によって戴冠されることもありますが、完全な聖母戴冠では少なくとも三位一体の一人によって戴冠されることになります。イン・アリア形式の作曲様式は1500年以前に始まり、その後の世紀でますます人気が高まり、その終わりには「イタリアで最も一般的な祭壇画の様式」となった。[ 23 ]
ラファエロの1511年の「フォリーニョの聖母」と1512年の「システィーナの聖母」はその代表例である。後者では、2人の聖人が雲の上にひざまずいているが、両脇のカーテンと有名な天使プットが寄りかかっている棚によって、その場面は地上に結びついている。1520年代以降、モレット・ダ・ブレシアは「おそらくこの技法を繰り返し用いた最初の主要なイタリア人画家」であり、20点以上を描いた。[ 24 ]
この用語は、18 世紀末のイタリアの文献以前には、絵画の主題を指す言葉として現れません。1979 年に発見された最も古い使用例は、 1763 年と 1797 年のプッチ家の目録です。しかし、この用語は、ラテン語の同義語であるsanta conversatioとpia conversatioで、ウルガタ聖書から教父やカトリックの典礼に至るまで、教会の主要な文書に何度か登場します。しかし、これらの文書では、その意味は「敬虔な行い」または「聖なる共同体」に近いものです。イタリア語のconversazioneの意味の発展もかなり複雑です。[ 25 ]英語と同様に、この言葉が単に人々が一緒に話しているという意味になるまでには長い時間がかかりました ( OEDに記載されている 7 番目の意味)。1340 年の英語の最も古い意味は、OED では「場所や人々の間に住む、または存在する行為」と定義されており、ラテン語に非常に近いものです。
絵画の説明としては、この用語は19世紀半ばまでほとんど使われず、少なくとも英語圏では、クロウとカヴァルカセッレによる『イタリア絵画史』（全3巻、1864～1866年）によって普及したようだ。[ 26 ]彼らは「驚くべき熱意をもって」パルマ・ヴェッキオが「聖母の前で聖人たちが談笑する大型の『聖なる会話』の発明者」であると主張したが、[ 27 ]これは今日よりもかなり狭い意味でのこの用語を示唆している。
後世の美術史家は、このタイプの起源をマサッチオ、ドメニコ・ヴェネツィアーノ、フラ・アンジェリコの作品に求めるのが一般的だが、ヤコブ・ブルクハルトはその使用に不満を述べた一人だった。[ 28 ]ナイジェル・ゴーク＝ロジャーは、「最初の真のサクラ・コンヴェルサツィオーネは、ほぼ間違いなく」 ドメニコ・ヴェネツィアーノが1445～47年頃に制作したサンタ・ルチア・デ・マニョーリ祭壇画（メインパネルは現在ウフィツィ美術館所蔵）であると述べている。[ 29 ]これらはすべて、建築的な背景の中に立つ聖人像を描いている。ロナ・ゴフェンは、このタイプの起源をさらに遡り、14世紀にまでたどり、アッシジの聖フランチェスコ大聖堂の多くの作品を含むいくつかの例を、半身像で検証している。[ 30 ]
発展に関するほとんどの記述はイタリアに限定されており、オットー・ペヒトが指摘しているように、ヤン・ファン・エイクの「聖母子とファン・デル・パーレ司祭（と二人の聖人）」が明らかに同じタイプを1434～36年という早い時期から表現しているにもかかわらず、北方の類似点を無視している。[ 31 ]
